Följande kurvorna av Tony Craggs skulptur

Verk av den berömda brittiska abstrakta konstnären Tony Cragg visas denna sommar på Houghton Hall, en lyxig brittisk landsbygdsfastighet som för närvarande bebos av David George Philip, den 7:e markisen av Cholmondeley. Typiskt för den brittiska adeln är Lord Cholmondeley vit, rik och har ärvt sin status. Atypiskt nog är han en professionell filmare, vissa skulle säga en konstnär. Den nuvarande utställningen på hans förfäders Houghton Hall är den senaste i en serie som Lord Cholmondeley initierade 2013, med en hemkomstutställning av målningar som hans ättling Sir Robert Walpole sålde till den ryska kejsarinnan Katarina den Stora 1779. År 2015 bjöds ljus- och rymdkonstnären James Turrell in för att skapa en plats-specifik installation på Houghton Hall, vilket blev mycket uppskattat. Richard Long tog över huset och marken 2017 och integrerade vackert sina verk i miljön i en sublim symbios av konst, land och arkitektur. År 2018 installerade Damien Hirst en perfekt löjlig utställning på egendomen, som underbart matchade absurditeten hos detta förfädersmonument till elitism och ojämlikhet. Ett urval av verk av Henry Moore upptog elegant platsen 2019. Sedan, 2020, aktiverade Anish Kapoor huset och marken med verk som utstrålade en spöklikt vacker, utomjordisk harmoni. För den nuvarande Houghton Hall-utställningen skickade Cragg över en mängd förstklassiga verk från sin tyska studio, några skapade speciellt för tillfället. Men trots min beundran för Cragg och för dessa verk, är utställningen min minst favoritupplevelse av serien hittills. Poesin i tidigare utställningar låg i hur verken upptog territoriet, ofta förmedlade känslan av att konsten alltid hade funnits där. Dessa Cragg-skulpturer, så underbara som de är, känns som om de bara är på visning här, placerade på korta socklar som de skulle vara i vilken annan galleri eller trädgård som helst. Deras relation till sin exakta omgivning verkar knappt oundviklig eller konstruerad. Jag antar att bristen beror på de olyckliga begränsningarna av internationella pandemisamarbeten. Jag beklagar ändå att den långa historien av avantgarde-koncept och metoder som Cragg är känd för inte fick en mer passande presentation.

En naturlig konstnär

De tidigaste verken jag minns att jag såg av Cragg är en serie av klippstackar han gjorde i slutet av 1960-talet. På de foton jag såg ser de precis ut som vad vi alla har sett otaliga gånger när vi går längs stranden: små stenar som försiktigt staplats ovanpå varandra för att bilda en pelare. Cragg var den första samtida konstnären jag känner till som staplade stenar ovanpå varandra i naturen och kallade det skulptur, och hans staplar befinner sig fortfarande i en konstig och fantasifull mellanposition mellan Land Art, Conceptual Art, Performance Art och lekstund. Det som gör dem speciella är att Cragg inte bara var intresserad av stenarna – han försökte förstå de krafter som klippstackarna samarbetade med när de blev det han ville att de skulle vara. Några av dessa krafter, som gravitation och massa, är naturliga. Andra, som avsikt och begär, är bestämt mänskliga. Jag ser i dessa tidiga verk en konstnär som undrar vad skillnaden är mellan naturliga och människoskapade material; naturliga och människoskapade processer; och naturliga och människostyrda resultat.

Tony Cragg - Mean Average, 2018. Fiberglas. 620 x 261 x 237. Foto: Michael Richter. © Tony Cragg. Med vänlig hälsning Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Cragg undersökte ytterligare dessa idéer i flera andra verk under flera decennier, innan han kom fram till vad folk nu anser vara hans mogna estetiska röst. Han experimenterade med en rad material, från naturliga element som jord och sand, till styrofoam och funnen plast. Han arbetade i en rad medier, inklusive fotografi, installation, teckning och målning. Under resans gång blev skulptur hans primära medium, och han utvecklade en unik förmåga att känna igen de ögonblick när hans skulpturala process resulterade i objekt som transcenderade; när verket nådde ett ögonblick av perfekt balans mellan naturens anda och konstnärens vilja. Den mogna skulpturala stilen som visas denna sommar i Houghton Hall uttrycker den märkliga balansen genom biomorfa, abstrakta former som verkar vara delvis grottformation, delvis surrealistisk mardröm och delvis utomjordisk obduktion.

Tony Cragg - Migrant, 2015. Brons. 220 x 150 x 147. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med vänlig hälsning Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Söker efter harmoni

De senaste verken han skapar visar Cragg nå nya höjder i sin skulpturala karriär. De uttrycker sådana idéer som kraften i vågformer, outtömlig mångfald och okontrollerad tillväxt—eleganta, och ibland skrämmande abstrakta uttryck för våra nuvarande ångesttillstånd. Den naturliga aspekten av dessa skulpturer gör dem mer oroande, när åskådarna brottas med insikten att även om vi är en del av naturen, är vi i krig med den, och med oss själva. Cragg är dock knappast en ekolog i traditionell mening. Han växte upp i en tid då ekologistörelsen just hade börjat, men till skillnad från många av sina jämlikar, omfamnade han idén att använda plast och andra förorenande material i sin praktik. När jag ser på hans arbete har jag aldrig haft känslan av att han anser att mänsklig inblandning i naturen är grundläggande negativ. Istället ser jag hans arbete som ett uttryck för potentialen att något harmoniskt kan uppstå från vår närvaro i det biologiska riket.

Tony Cragg - Ferryman, 2001. Brons. 385 x 190 x 120. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med vänlig hälsning Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg

Att klaga över en möjlighet att se konst medan större delen av världen förblir nedstängd känns futtigt, men jag känner att den nuvarande utställningen av flera dussin av hans verk på Houghton Hall kanske inte är den mest framgångsrika översikten av vad Cragg hittills har erbjudit i samtalet om samtidskonst. Återigen, detta beror troligen helt enkelt på att det var bråttom. Teoretiskt sett skulle denna plats kunna vara unikt perfekt som en plats att visa hans arbete eftersom den är fylld med flera sympatier som ligger helt i linje med de idéer Cragg arbetar med, såsom kolonisering, maktstrukturer och manipulation av den naturliga världen. Kanske om Lord Cholmondeley helt enkelt hade skjutit upp Cragg-utställningen tills konstnären personligen kunde ha tillbringat mer tid med miljön, svarande mer intimt på dess särskilda visuella och materiella närvaro, då skulle utställningen kanske ha kunnat belysa hela djupet och poesin i verket mer adekvat.

Utvald bild: Tony Cragg - Det är, Det är inte, 2014. Rostfritt stål. 310 x 100 x 122. Foto: Charles Duprat. © Tony Cragg. Med vänlig hälsning Thaddaeus Ropac, London • Paris • Salzburg
Av Philip Barcio