ศิลปะออปอาร์ต: กับดักการรับรู้และศิลปะที่ไม่ยอมอยู่นิ่ง
การยืนอยู่หน้าผืนผ้าใบ Op Art ขนาดใหญ่ในช่วงกลางทศวรรษ 1960 ไม่ใช่แค่การมองภาพเท่านั้น แต่มันคือการสัมผัสประสบการณ์การมองเห็นในฐานะกระบวนการที่มีชีวิตชีวา ไม่มั่นคง และเกี่ยวข้องกับร่างกาย
เมื่อพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่เปิด The Responsive Eye ในนิวยอร์กในปี 1965 นิทรรศการนี้ได้นำการนามธรรมทางสายตาเข้าสู่สปอตไลต์สาธารณะด้วยพลังอันน่าทึ่ง ผู้เข้าชมได้พบกับภาพวาดที่ประกอบด้วยเส้นสั่นไหว ความเปรียบต่างที่เต้นระบำ กริดที่ไม่มั่นคง และความตึงเครียดของสีที่ดูเหมือนจะเปลี่ยนไปต่อหน้าต่อตา ผลงานโดยศิลปินเช่น Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Jesús Rafael Soto และคนอื่นๆ ได้ท้าทายแนวคิดที่ว่าภาพวาดเป็นภาพนิ่งที่รอการชมอย่างเงียบสงบ สื่อมวลชนจึงตั้งชื่อความเข้มข้นทางสายตานี้ว่า Op Art
The Responsive Eye , MOMA, 1965 - ภาพติดตั้ง - ©MOMA
บ่อยครั้งที่มรดกของ Op Art ถูกลดทอนให้กลายเป็นความคิดถึงยุค 1960: ลวดลายไซเคเดลิก ผ้าทอย้อนยุค กลอปริศนาทางสายตา หรือการออกแบบตกแต่ง บทความนี้โต้แย้งในทางตรงกันข้าม Op Art ไม่เคยเป็นเพียงแค่การทำให้ตาตื่นตาตื่นใจเท่านั้น มันเกิดขึ้นจากการสืบสวนอย่างจริงจังเกี่ยวกับการรับรู้ ชีววิทยา การเคลื่อนไหว คณิตศาสตร์ และความสัมพันธ์ที่ไม่มั่นคงระหว่างภาพกับผู้ชม
ในส่วนด้านล่างนี้ เราจะสำรวจรากฐานทางวิทยาศาสตร์และประวัติศาสตร์ของ Op Art การคิดใหม่อย่างรุนแรงเกี่ยวกับบทบาทของผู้ชม และความเกี่ยวข้องอย่างต่อเนื่องสำหรับศิลปินร่วมสมัยที่ทำงานกับเรขาคณิต สี การถ่ายภาพ ระบบดิจิทัล และนามธรรมทางการรับรู้ สำหรับผู้อ่านที่ต้องการคำแนะนำข้อเท็จจริงโดยตรงมากขึ้น จะมีคำถามที่พบบ่อยอย่างละเอียดอยู่ที่ด้านล่างของหน้า
เกิดจากสงครามและชีววิทยา
การมอง Op Art เพียงแค่ว่าเป็นสุนทรียศาสตร์แบบวินเทจเท่านั้นคือการพลาดน้ำหนักแนวคิดที่ลึกซึ้งกว่านั้น ขบวนการนี้ไม่ได้เกิดขึ้นจากความต้องการง่ายๆ ที่จะสร้างลวดลายสวยงาม แต่มันมีรากฐานมาจากประวัติศาสตร์ที่ยาวนานกว่าของวิทยาศาสตร์การมองเห็น จิตวิทยาทดลอง และความไม่มั่นคงทางสายตา
ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 นักวิทยาศาสตร์เช่น Jan Evangelista Purkyně ได้ช่วยแสดงให้เห็นว่าการมองเห็นของมนุษย์ไม่ใช่อุปกรณ์บันทึกแบบพาสซีฟ ดวงตาไม่ใช่กล้องถ่ายรูป มันเป็นอวัยวะทางชีวภาพที่ปรับตัวอย่างต่อเนื่อง ชดเชย ค้นหาความคอนทราสต์ สมดุล และความสมดุล ภาพหลอนสี ความเหนื่อยล้าของเรตินา ความคอนทราสต์พร้อมกัน และความไม่มั่นคงรอบข้าง ทั้งหมดนี้เผยให้เห็นว่าการมองเห็นไม่ใช่แค่การรับข้อมูลเท่านั้น แต่มันคือกระบวนการสร้างสรรค์อย่างมีชีวิตชีวา
“เรือ PT ที่ถูกพรางด้วยลวดลาย Dazzle” - เบย์โอนน์, NJ - 28 กันยายน 1942
หนึ่งในตัวอย่างทางประวัติศาสตร์ที่โดดเด่นที่สุดสำหรับ Op Art ปรากฏขึ้นไกลจากพิพิธภัณฑ์: บนทะเลในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ในปี 1917 ศิลปินทางทะเลชาวอังกฤษ Norman Wilkinson ได้พัฒนาสิ่งที่กลายเป็นที่รู้จักในชื่อ Dazzle camouflage ต่างจากการพรางตัวแบบดั้งเดิมที่พยายามซ่อนวัตถุโดยการผสมผสานเข้ากับสิ่งแวดล้อม Dazzle กลับทำตรงกันข้าม เรือรบฝ่ายพันธมิตรถูกทาสีด้วยลวดลายเรขาคณิตที่แตกหักและมีความคอนทราสต์สูง ซึ่งออกแบบมาเพื่อทำให้ผู้บังคับบัญชาซับมารีนฝ่ายศัตรูประเมินความเร็ว ทิศทาง ระยะทาง และมุมการเดินทางได้ยากขึ้น
ประสิทธิภาพของ Dazzle camouflage ยังคงเป็นที่ถกเถียงทางประวัติศาสตร์ และการวิเคราะห์ในภายหลังได้ทำให้เรื่องราวซับซ้อนขึ้น แต่ความสำคัญในเชิงแนวคิดของมันนั้นไม่อาจปฏิเสธได้ มันแสดงให้เห็นว่าเรขาคณิตสามารถใช้ไม่เพียงแค่ตกแต่งพื้นผิว แต่ยังรบกวนการรับรู้ด้วย ดวงตาสามารถถูกชี้นำ สับสน ล่าช้า หรือทำให้ไม่มั่นคงด้วยลวดลาย
ศิลปิน Op Art ต่อมาจะถ่ายทอดหลักการนี้เข้าสู่แกลเลอรี เป้าหมายของพวกเขาไม่ใช่การหลอกลวงทางทหาร แต่เป็นการเปิดเผยการรับรู้ พวกเขาแสดงให้เห็นว่าภาพนิ่งสามารถสร้างการเคลื่อนไหว การสั่นสะเทือน ความตึงเครียด และความไม่มั่นคงภายในระบบการมองเห็นของผู้ชมเอง
ผู้ชมในฐานะเครื่องขับเคลื่อน
นี่คือสิ่งที่แยก Op Art ออกจากรูปแบบนามธรรมเรขาคณิตอื่นๆ มากมาย: ภาพวาดนั้นโดยเนื้อแท้ยังไม่สมบูรณ์ตราบใดที่มันแขวนอยู่ในห้องว่างเปล่า
Op Art ขึ้นอยู่กับผู้ชม ผลกระทบของมันเกิดขึ้นผ่านการมอง การเคลื่อนไหว ระยะทาง ตำแหน่งร่างกาย และระยะเวลา ภาพวาดอาจนิ่งอยู่กับที่ทางกายภาพ แต่การเห็นภาพนั้นไม่ใช่ ภาพงานศิลปะจะมีชีวิตชีวาในช่วงการพบกันระหว่างภาพและดวงตา
แนวคิดนี้ถูกผลักดันอย่างมากโดยกลุ่มอาวองต์การ์ดยุโรปและอเมริกาใต้ที่ทำงานในปารีสในช่วงปลายทศวรรษ 1950 และต้นทศวรรษ 1960 ในปี 1960 ศิลปินรวมถึง Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Joël Stein และ Yvaral ได้ก่อตั้ง Groupe de Recherche d’Art Visuel หรือที่รู้จักกันดีในชื่อ GRAV
การแปลสำเนาของแถลงการณ์ "Assez de Mystifications" - 1961
จุดยืนของ GRAV เป็นสิ่งสุดโต่ง ในข้อความเช่นเอกสารปี 1961 Assez de mystifications กลุ่มโจมตีการลวงตาของศิลปะ ลัทธิของอัจฉริยะบุคคล และแนวคิดของงานศิลปะในฐานะวัตถุศักดิ์สิทธิ์ที่ไม่อาจแตะต้องได้ พวกเขาต้องการแทนที่การชื่นชมแบบเฉื่อยชาด้วยประสบการณ์ทางสายตาเชิงรุก สำหรับพวกเขา ศิลปะไม่ใช่โบราณวัตถุล้ำค่าที่ควรเคารพจากระยะไกล แต่มันคือสถานการณ์ สนามทดลอง และการเผชิญหน้าตรงระหว่างผู้ชมกับปรากฏการณ์ทางสายตา
โดยการใช้การสั่นสะเทือนทางสายตา โครงสร้างแบบอนุกรม เอฟเฟกต์มัวร์ แสง การเคลื่อนไหว และสภาพแวดล้อมที่ดื่มด่ำ GRAV และศิลปินที่เกี่ยวข้องบังคับให้ผู้ชมกลายเป็นผู้มีส่วนร่วม ผลงานศิลปะไม่ได้อยู่แค่ในวัตถุเท่านั้น แต่มันเกิดขึ้นผ่านการรับรู้ของผู้ชม
เพียงแค่เคลื่อนที่ผ่านห้อง ผู้เข้าชมก็สามารถกระตุ้นภาพลวงตาได้ พื้นหน้าและพื้นหลังอาจสลับกัน เส้นอาจดูเหมือนโค้ง เครื่องบินอาจดูเหมือนเคลื่อนที่เข้าหาหรือถอยออก สีอาจสั่นไหว ผลงานไม่ได้สมบูรณ์โดยศิลปินเพียงคนเดียว แต่มันสมบูรณ์โดยชีววิทยาของผู้ชม
หน้าจออัลกอริทึมและเรติน่าของมนุษย์
ในโลกปัจจุบัน Op Art เผชิญกับภูมิทัศน์ภาพใหม่
ตอนนี้เราดำรงชีวิตท่ามกลางภาพนับพันล้านภาพที่เรียบเนียนและไร้แรงเสียดทาน: หน้าจอที่มีแสงหลัง, ฟีดอัลกอริทึม, ภาพที่สร้างโดย AI, ฟิลเตอร์ดิจิทัล และพื้นผิวภาพที่รีเฟรชอย่างไม่สิ้นสุด ประสบการณ์ประจำวันของเรากับภาพมักรวดเร็ว เฉื่อยชา และลืมง่าย เราเลื่อนดู บริโภค และผ่านไป
บริบทนี้ทำให้พลังทางกายภาพของ Op Art รู้สึกมีความสำคัญใหม่ ผลงาน Op Art ที่แข็งแกร่งต่อต้านการบริโภคทันที มันไม่สามารถเข้าใจได้เต็มที่ในภาพขนาดย่อ มักต้องการระยะห่าง เวลา การเคลื่อนไหวด้านข้าง และการปรับตัวของร่างกาย มันเตือนเราด้วยพลังที่ไม่ธรรมดาว่าการมองเห็นเป็นประสบการณ์ทางกายภาพ
ศิลปินร่วมสมัยชั้นนำบางคนกำลังสำรวจคำถามที่เกี่ยวข้องในสาขาดิจิทัล แม้จะไม่ใช่ศิลปิน Op Art ในความหมายทางประวัติศาสตร์ แต่บุคคลเช่น Refik Anadol และ Felipe Pantone แสดงให้เห็นว่าการแยกแยะทางการรับรู้ได้ย้ายเข้าสู่ยุคดิจิทัลและอัลกอริทึมอย่างไร Anadol ใช้ข้อมูลและการเรียนรู้ของเครื่องเพื่อสร้างสภาพแวดล้อมภาพที่ลื่นไหลและดื่มด่ำซึ่งดูเหมือนจะแปลงข้อมูลเป็นประสบการณ์ทางประสาทสัมผัส Pantone ผสมผสานนามธรรมเรขาคณิต ความผิดพลาดดิจิทัล เกรเดียนต์ และสุนทรียศาสตร์หน้าจอเข้ากับภาษาที่ถูกกำหนดโดยความเร่งและการรับรู้ทางเทคโนโลยี
Felipe Pantone - Ultra Chrome - 2019
ท่ามกลางความเย็นเยียบและความเรียบเนียนของภาพดิจิทัล วัตถุ Op Art ทางกายภาพนำเสนอประสบการณ์ที่แตกต่าง มันไม่ได้แค่แสดงภาพให้เราเห็น แต่ทำให้เราตระหนักถึงการกระทำของการมองเห็น
นี่คือพื้นที่ที่ Cristina Ghetti สำรวจอย่างชัดเจน เธอเป็นหนึ่งในจิตรกรร่วมสมัยที่น่าสนใจซึ่งขยายภาษาของนามธรรมทางสายตาในปัจจุบัน ผลงานของเธอใช้จังหวะเรขาคณิต ความเข้มของสี และการสั่นสะเทือนในพื้นที่เพื่อสร้างสนามที่ดูเหมือนจะเต้นและเปลี่ยนแปลงเมื่อผู้ชมเคลื่อนที่ ภาพวาดของ Ghetti ไม่ได้เพียงแค่ยืมรหัสของ Op Art ทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังอัปเดตให้เข้ากับวัฒนธรรมภาพที่เต็มไปด้วยหน้าจอ พวกเขาขอให้ผู้ชมชะลอความเร็ว มองอย่างตั้งใจ และกลับเข้าสู่ประสบการณ์ทางกายภาพของการรับรู้ใหม่อีกครั้ง
Cristina Ghetti - Folding - 2022
การขยายเครื่องมือ: การถ่ายภาพและผ้าใบประติมากรรม
ในประวัติศาสตร์ Op Art มักเกี่ยวข้องกับผ้าใบแบน การวาดที่แม่นยำ เทปกาวสี การทาสีอะคริลิก และเรขาคณิตที่มีขอบคม แต่ตรรกะของนามธรรมทางสายตาได้เกินกว่าการวาดภาพเพียงอย่างเดียว ศิลปินร่วมสมัยยังคงตั้งคำถามที่กว้างขึ้น: จะเกิดอะไรขึ้นเมื่อความไม่มั่นคงทางการรับรู้เข้าสู่การถ่ายภาพ ประติมากรรม ผ้าใบที่มีรูปทรง การติดตั้ง หรือพื้นที่สถาปัตยกรรม?
ศิลปินชาวดัตช์ Sebastiaan Knot เสนอคำตอบที่โดดเด่น แทนที่จะวาดภาพลวงตาทางสายตาด้วยมือ Knot สร้างการจัดเรียงเรขาคณิตในสตูดิโอของเขา เปิดไฟสีสันให้กับมัน และถ่ายภาพผลลัพธ์ ภาพของเขาดูเหมือนในแวบแรกว่าอาจถูกสร้างด้วยดิจิทัล แต่จริง ๆ แล้วถูกสร้างขึ้นผ่านการจัดวางทางกายภาพ แสง และการรับรู้ผ่านกล้อง ในการทำเช่นนี้ Knot ท้าทายสมมติฐานที่ยืนยงที่สุดอย่างหนึ่งของการถ่ายภาพ: ว่ากล้องเพียงบันทึกสิ่งที่มีอยู่ ภาพถ่ายของเขาแสดงให้เห็นว่าความจริงทางภาพถ่ายเองก็สามารถถูกสร้างขึ้น จัดฉาก และทำให้เกิดความไม่มั่นคงทางสายตาได้
Sebastiaan Knot - Diptych No. 57805 / No. 57806 - 2023
ศิลปินคนอื่น ๆ ผลักดันการรับรู้ให้เกินกว่ารูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า Louise Blyton ใช้ผ้าใบลินินที่มีรูปทรงและเม็ดสีดิบเพื่อนำคำถามทางสายตามาสู่รูปทรงสามมิติ ผลงานของเธออยู่ในพื้นที่ระหว่างภาพวาดและวัตถุ ผู้ชมต้องเจรจาต่อรองกับการปรากฏตัวทางกายภาพของผืนผ้าที่มีรูปทรงและการสั่นสะเทือนทางสายตาของสี ผลลัพธ์จึงละเอียดอ่อนแต่ทรงพลัง: นามธรรมทางการรับรู้ไม่จำกัดอยู่แค่ระนาบภาพแบนอีกต่อไป
การขยายเครื่องมือชุดนี้พิสูจน์ว่า Op Art ไม่ใช่สไตล์ทางประวัติศาสตร์ที่ปิดตัว มันคือวิธีการสืบค้น ทุกที่ที่ศิลปินใช้รูปทรง สี แสง จังหวะ และโครงสร้างเพื่อกระตุ้นการรับรู้ มรดกของ Op ยังคงมีชีวิตอยู่
Louise Blyton - ภายในและภายนอก - 2020
เรขาคณิตที่แสดงอารมณ์และจิตใต้สำนึก
Op Art มักถูกอธิบายว่าเย็นชา มีเหตุผล เป็นคณิตศาสตร์ และไม่แสดงอารมณ์ คำอธิบายนี้ถูกบางส่วนแต่ไม่ครบถ้วน การแสดงนามธรรมทางสายตาที่ดีที่สุดแสดงให้เห็นว่าเหตุผลที่เข้มงวดและความรู้สึกลึกซึ้งไม่ใช่สิ่งที่ตรงข้ามกัน เส้นที่จัดวางอย่างแม่นยำ ช่วงเวลาที่วัดได้ หรือการเรียงลำดับสีซ้ำ ๆ สามารถสร้างผลกระทบทางอารมณ์ได้อย่างแม่นยำเพราะมันทำงานโดยตรงกับการรับรู้
ศิลปินชาวออสเตรเลีย Andy Harwood ซึ่งมีพื้นฐานด้านสถาปัตยกรรมและการออกแบบ สร้างผลงานที่อาจอธิบายได้ว่าเป็นเรขาคณิตที่มีอารมณ์ ผ่านการปกปิดอย่างระมัดระวัง การไล่ระดับสีโปร่งแสง และการเปลี่ยนแปลงสีที่ละเอียดอ่อน Harwood สร้างองค์ประกอบที่ดูเหมือนจะสั่นสะเทือนด้วยแสง ซีรีส์ Mesmerism ของเขามุ่งเน้นไปที่กลไกของการมองเห็นโดยใช้การทำซ้ำ จังหวะ และโครงสร้างตัวเลขเชิงสัญลักษณ์เพื่อรักษาสภาพของการรับรู้ที่เปลี่ยนแปลง ผลลัพธ์ไม่ใช่การคำนวณที่เย็นชา แต่มันคือความตึงเครียดทางประสาทสัมผัสที่สามารถรู้สึกเหมือนการทำสมาธิ ไม่มั่นคง และเงียบ ๆ มีอารมณ์
Andy Harwood - Light Interaction - 2026
ความเข้มข้นทางจิตวิทยาที่คล้ายกันสามารถพบได้ในผลงานของ Pierre Muckensturm ด้วยการใช้คำศัพท์คอนกรีตที่เข้มงวด Muckensturm สำรวจความเป็นระเบียบทางคณิตศาสตร์ การทำซ้ำ ความสมดุล และความกลมกลืนในเชิงพื้นที่ ผลงานของเขาไม่ตะโกนออกมา แต่ดึงดูดสายตาเข้าสู่ภายในด้วยวินัยและความยับยั้งชั่งใจ พลังของผลงานอยู่ที่วิธีที่มันชี้นำความสนใจอย่างเงียบ ๆ สร้างสนามภาพที่มีโครงสร้างซึ่งการรับรู้ช้าลง ลึกขึ้น และมีสติยิ่งขึ้น
ศิลปินเหล่านี้เตือนเราว่าเรขาคณิตไม่ใช่เรื่องที่เป็นกลางทางอารมณ์ เส้นหนึ่งสามารถนำทางร่างกายได้ ตารางหนึ่งสามารถทำให้จิตใจไม่สงบ ช่วงสีหนึ่งสามารถสร้างความตึงเครียด ความสงบ จังหวะ หรือความไม่สบายใจ พลังทางจิตวิทยาของ Op Art อยู่ที่การผสมผสานระหว่างความเป็นระเบียบและความไม่มั่นคงนี้
Pierre Muckenstürm - XXIV 33 212 (Diptych) - 2024
ภาพลวงตาที่ยังไม่เสร็จสมบูรณ์
เมื่อภาพวาดของ Bridget Riley ถูกนำไปใช้โดยอุตสาหกรรมแฟชั่นในทศวรรษ 1960 และถูกเปลี่ยนเป็นลวดลายที่ไม่ได้รับอนุญาตสำหรับชุดและผ้าทอเชิงพาณิชย์ เธอคัดค้านอย่างรุนแรง สำหรับ Riley การละทิ้งทางสายตาไม่ใช่แค่เทรนด์ตกแต่งชั่วคราว แต่มันคือการสืบสวนอย่างจริงจังเกี่ยวกับการรับรู้ ความรู้สึก และประสบการณ์ส่วนตัวของการมอง
ประวัติศาสตร์ได้พิสูจน์ตำแหน่งนี้อย่างมาก Op Art ไม่เคยเป็นเพียงแค่กลอุบายทางสายตา แต่มันคือการทำให้ผู้ชมตระหนักถึงการมองเห็นเอง
Bridget Riley - Current (หนึ่งในลวดลายที่ถูกลอกเลียนแบบอย่างผิดกฎหมายมากที่สุดของศิลปิน - 1963
ศิลปินที่สืบทอดมรดกนี้ในปัจจุบันพิสูจน์ให้เห็นว่าขบวนการนี้ยังคงมีความเร่งด่วน ในวัฒนธรรมที่เต็มไปด้วยภาพซึ่งแทบไม่ต้องการอะไรจากเรา Op Art ยังคงเรียกร้องการมีส่วนร่วม มันต้องการให้ผู้ชมยืน เคลื่อนไหว ปรับตัว โฟกัส คลายโฟกัส และตระหนักถึงร่างกายที่อยู่เบื้องหลังดวงตา
Op Art ไม่เคยเป็นเรื่องของการหลอกลวงสายตา แต่มันคือการปลุกให้ตาตื่นตัว
ศิลปะเพิ่มเติมที่ไม่ยอมอยู่นิ่ง
ศิลปินร่วมสมัยที่ปรากฏในบทความนี้ ตั้งแต่เรขาคณิตทางกายภาพของ Louise Blyton และ Pierre Muckensturm ไปจนถึงการสั่นสะเทือนทางสายตาของ Cristina Ghetti, Andy Harwood, และSebastiaan Knot เป็นเพียงส่วนหนึ่งของวงการนานาชาติที่กว้างขวางกว่า
สำหรับนักสะสมที่สนใจสำรวจมรดกของนามธรรมเชิงการรับรู้ผ่านผลงานที่มีจำหน่ายในปัจจุบัน IdeelArt รักษา คัดสรรผลงาน Op Art และนามธรรมเรขาคณิตร่วมสมัย คอลเลกชันนี้รวมผลงานของศิลปินที่กล่าวถึงข้างต้น พร้อมด้วยศิลปินระดับนานาชาติ เช่น Richard Caldicott, Brent Hallard, Bernadette Jiyong Frank, Jesus Perea และประติมากร kinetic Amaury Maillet (ดูภาพในคำถามที่พบบ่อย)
ศิลปินเหล่านี้แสดงให้เห็นว่า Op Art ไม่ใช่บทสรุปของยุค 1960 แต่ยังคงเป็นภาษาที่มีชีวิตสำหรับศิลปินที่ยังคงศึกษาวิธีที่ดวงตามองเห็น ร่างกายตอบสนอง และนามธรรมยังคงปฏิเสธที่จะหยุดนิ่ง
Jesus Perea - M377 - 2018
คำถามที่พบบ่อย: กายวิภาค ทฤษฎี และตลาดของศิลปะออปติคัล
1. ความแตกต่างทางวิทยาศาสตร์และแนวคิดระหว่าง Op Art กับ Kinetic Art คืออะไร?
Op Art และ Kinetic Art มีความใกล้เคียงทางประวัติศาสตร์ และมักจัดแสดงร่วมกัน โดยเฉพาะในทศวรรษ 1960 อย่างไรก็ตาม กลไกของพวกเขาแตกต่างกัน
Kinetic Art เกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวทางกายภาพจริง งานศิลปะอาจเคลื่อนไหวด้วยมอเตอร์ ลม น้ำ แม่เหล็ก ระบบกลไก หรือการมีส่วนร่วมโดยตรงของผู้ชม การเคลื่อนไหวสามารถวัดได้ในพื้นที่ทางกายภาพ
Op Art โดยทั่วไปเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวที่ดูเหมือนจริงหรือเสมือนจริง งานศิลปะเองยังคงนิ่งอยู่ แต่เส้น สี ความเปรียบต่าง และโครงสร้างที่ซ้ำกันสร้างความรู้สึกของการสั่นสะเทือน กระพริบ บวม หมุน หรือความไม่มั่นคงในระบบการมองเห็นของผู้ชม การเคลื่อนไหวไม่ได้อยู่ในวัตถุ แต่เกิดจากการรับรู้
พูดง่ายๆ คือ Kinetic Art เคลื่อนไหวทางกายภาพ ส่วน Op Art ทำให้ดวงตาและสมองรับรู้การเคลื่อนไหว
Amaury Maillet - Grand Chef - 2023
2. Op Art ไม่ใช่แค่ชุดภาพลวงตาเพื่อความบันเทิงขนาดใหญ่ใช่หรือไม่?
ไม่ใช่ นี่คือความเข้าใจผิดที่พบบ่อยที่สุดอย่างหนึ่งของขบวนการนี้
ภาพลวงตาแบบดั้งเดิมมักพยายามหลอกผู้ชมให้เข้าใจความจริงผิด ตัวอย่างเช่น Trompe-l'œil อาจวาดหน้าต่างปลอม แมลงวันปลอม หรือพื้นที่สถาปัตยกรรมเท็จ ความสำเร็จขึ้นอยู่กับการหลอกลวงด้วยภาพลวงตา
Op Art แตกต่างออกไป โดยปกติจะเป็นนามธรรมและไม่มีวัตถุประสงค์ เป้าหมายของมันไม่ใช่ทำให้ผู้ชมเชื่อในวัตถุเท็จ แต่เป็นการทำให้ผู้ชมตระหนักถึงความไม่มั่นคงและความซับซ้อนของการมองเห็นเอง
โดยใช้ความเปรียบต่างพร้อมกัน รูปแบบมัวร์ การสั่นสะเทือนของสี พารัลแลกซ์ และความเหนื่อยล้าของเรตินา ศิลปิน Op แสดงให้เห็นว่าการมองเห็นไม่ใช่เรื่องที่เป็นกลาง ผู้ชมจะตระหนักถึงการรับรู้ในฐานะกระบวนการที่มีชีวิตและเกี่ยวข้องกับร่างกาย
ดังนั้น Op Art จึงไม่ใช่แค่ความบันเทิงเท่านั้น ในระดับที่ลึกที่สุด มันคือการศึกษาปรากฏการณ์เกี่ยวกับวิธีที่เรามองเห็น
Richard Caldicott - Untitled #63 (Tupperware Series) - 1998
3. ศิลปินออปติคัลผสมผสานทฤษฎีสีเข้ากับองค์ประกอบของพวกเขาอย่างไร?
ศิลปิน Op Art สืบทอดทฤษฎีสีที่สำคัญจากขบวนการโมเดิร์นก่อนหน้า โดยเฉพาะ Bauhaus ครูและศิลปินอย่าง Josef Albers และ Johannes Itten ศึกษาสีไม่ใช่แค่ในฐานะการแสดงออกหรือสัญลักษณ์ แต่ในฐานะความสัมพันธ์ ความแตกต่าง การสั่นสะเทือน และแรงทางสายตา
ใน Op Art สีมักถูกใช้เพื่อผลทางการรับรู้ สีที่เสริมกัน ความเท่าเทียมของโทน สีขอบคม และช่วงสีที่ซ้ำกันสามารถทำให้พื้นผิวดูเหมือนสั่นไหวหรือเคลื่อนที่ สีไม่ได้แค่เติมเต็มรูปทรง แต่กระตุ้นการมองเห็นของผู้ชม
ตัวอย่างเช่น Carlos Cruz-Diez พัฒนาผลงานที่สีดูเหมือนเปลี่ยนไปตามตำแหน่งของผู้ชม ผ่านแถบขนาน การรบกวนของสี และเอฟเฟกต์สีเสริม เขาสร้างประสบการณ์ที่สีดูเหมือนจะปรากฏ หายไป หรือเปลี่ยนแปลงในอวกาศ
ใน Op Art สีไม่ใช่การตกแต่งที่คงที่ แต่เป็นเหตุการณ์การรับรู้ที่มีชีวิตชีวา
Bernadette Jiyong Frank - Migrant (Bordeaux-Green-Gold) - 2023
4. ความขัดแย้งระหว่าง Bridget Riley, Pop Art และอุตสาหกรรมแฟชั่นคืออะไร?
หลังจากความสำเร็จของ The Responsive Eye ในปี 1965 ภาพวาดเชิงแสงขาวดำของ Bridget Riley กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในฐานะภาพลักษณ์สาธารณะที่เกิดขึ้นใหม่ของ Op Art อุตสาหกรรมแฟชั่นก็หยิบยืมลวดลายที่คล้ายกันไปใช้กับชุดผ้าและการออกแบบเชิงพาณิชย์อย่างรวดเร็ว โดยมักไม่ได้รับอนุญาตจาก Riley
Riley คัดค้านอย่างแรง เธอไม่เห็นภาพวาดของเธอเป็นเพียงลวดลายตกแต่ง แต่ถือว่าเป็นงานนามธรรมที่จริงจังซึ่งมีรากฐานในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพและประสบการณ์ส่วนตัวของการมองเห็น
การเปรียบเทียบกับ Pop Art ก็ทำให้เธอรู้สึกไม่สบายใจ Pop Art มักมีส่วนร่วมโดยตรงกับวัฒนธรรมมวลชน โฆษณา ภาพผู้บริโภค และการหมุนเวียนสื่อ ในทางตรงกันข้าม งานของ Riley มุ่งเน้นที่การรับรู้ ความรู้สึก และการสร้างประสบการณ์ภาพอย่างมีวินัย
ปัญหาไม่ใช่ที่ Op Art มีอิทธิพลต่อแฟชั่น แต่ปัญหาคือการศึกษาภาพวาดที่ซับซ้อนถูกลดทอนลงอย่างรวดเร็วจนกลายเป็นสไตล์เชิงพาณิชย์
ภาพสแกนจากนิตยสารยุค 1960 แสดง Twiggy, Sandie, Lynn & Lulu
5. ฝรั่งเศสและปารีสมีบทบาทอย่างไรในการพัฒนาศิลปะ Op Art ทั่วโลก?
ฝรั่งเศส โดยเฉพาะปารีส มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะเชิงแสงและศิลปะเชิงกล
ในช่วงหลังสงคราม ปารีสดึงดูดศิลปินยุโรปและละตินอเมริกาจำนวนมากที่สนใจในเรขาคณิต การเคลื่อนไหว แสง และการรับรู้ เมืองนี้กลายเป็นห้องทดลองสำหรับศิลปะภาพทดลอง
การก่อตั้ง GRAV ที่ปารีสในปี 1960 มีความสำคัญอย่างยิ่ง กลุ่มนี้ปฏิเสธการบูชาความอัจฉริยะเฉพาะบุคคลและมุ่งสร้างผลงานที่อิงการวิจัยร่วมกัน โครงสร้างภาพที่เรียบง่าย และการมีส่วนร่วมของผู้ชมอย่างกระตือรือร้น ในเอกสารปี 1961 Assez de mystifications GRAV ได้โจมตีการสร้างความลึกลับในศิลปะอย่างชัดเจนและเรียกร้องความสัมพันธ์ที่ตรงไปตรงมา เข้าถึงง่าย และทดลองระหว่างงานศิลปะกับผู้ชม
ผ่านนิทรรศการ แถลงการณ์ สภาพแวดล้อม และการกระทำร่วมกัน ปารีสช่วยเปลี่ยน Op Art จากสไตล์ภาพไปสู่โครงการปรัชญาและสังคมที่กว้างขึ้น
6. ใครคือผู้บุกเบิกที่ไม่น่าจะเป็นไปได้ที่สุดของ Op Art?
Op Art มีผู้บุกเบิกที่ไม่คาดคิดหลายคน
อีกอย่างคือประวัติศาสตร์ของวิทยาศาสตร์การมองเห็น นักวิจัยในศตวรรษที่สิบเก้าอย่าง Jan Evangelista Purkyně ศึกษาภาพหลอน ผลกระทบที่เรตินา และความไม่เสถียรของการมองเห็น วางรากฐานสำหรับการทดลองทางศิลปะในภายหลัง
อีกอย่างหนึ่งคือการพรางตัวทางทหาร การพรางตัวแบบ Dazzle ที่พัฒนาขึ้นในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่งแสดงให้เห็นว่าการรบกวนรูปทรงเรขาคณิตสามารถรบกวนการรับรู้ความเร็ว ทิศทาง และรูปแบบได้
ผู้บุกเบิกคนที่สามคือ Marcel Duchamp ซึ่งเครื่องจักรแสงหมุนของเขาสำรวจการเคลื่อนไหว การมองเห็น และเอฟเฟกต์ภาพวงกลม การทดลองของ Duchamp ช่วยทำลายแนวคิดของงานศิลปะที่นิ่งและเปิดทางสู่การสำรวจการเคลื่อนไหวทางแสงในภายหลัง
Francis Picabia’s Optophone I จากปี 1921 ยังทำนายความสนใจในเรื่องแสงและการเคลื่อนไหวในภายหลังผ่านโครงสร้างวงกลมและจังหวะภาพที่สั่นไหว
ดังนั้น Op Art จึงไม่ได้เกิดจากแหล่งเดียว แต่เกิดจากการบรรจบกันของวิทยาศาสตร์ สงคราม นามธรรมสมัยใหม่ ดาดา เซอร์เรียลลิสม์ และการรับรู้เชิงทดลอง
Francis Picabia - Optophone 1 - 1921
7. ศิลปะ Op Art มีอิทธิพลต่อศิลปะดิจิทัล ไซเบอร์เนติกส์ และศิลปะเชิงกำเนิดอย่างไร?
ความสัมพันธ์ระหว่าง Op Art กับศิลปะดิจิทัลใกล้ชิดกันเพราะทั้งสองพึ่งพาการทำซ้ำ ระบบ ลำดับ และโครงสร้างทางคณิตศาสตร์
ผลงาน Op Art หลายชิ้นสามารถเข้าใจได้เกือบเหมือนอัลกอริทึม พวกมันสร้างขึ้นจากกฎเกณฑ์: เส้นที่ซ้ำกัน ช่องว่างที่เปลี่ยนแปลง ความบิดเบี้ยวที่ก้าวหน้า หน่วยโมดูล หรือระบบสี ซึ่งทำให้นามธรรมเชิงภาพเข้ากันได้อย่างเป็นธรรมชาติกับศิลปะคอมพิวเตอร์ยุคแรก
ในอาร์เจนตินา ขบวนการ Arte Generativo ที่เกี่ยวข้องกับศิลปินอย่าง Eduardo Mac Entyre และ Miguel Ángel Vidal ได้สำรวจรูปทรงเรขาคณิตในฐานะระบบที่เคลื่อนไหว ผลงานของพวกเขาใช้เส้นโค้งซ้ำ โครงสร้างหมุน และลำดับภาพที่ทำนายภาพที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์ในภายหลัง
ในช่วงปลายทศวรรษ 1960 และ 1970 ศิลปินที่สนใจไซเบอร์เนติกส์และการคำนวณเริ่มใช้เครื่องจักรและโปรแกรมเพื่อสร้างโครงสร้างภาพที่ซับซ้อน Op Art ช่วยให้เกิดภาษาทางรูปแบบหนึ่งที่ศิลปะเชิงอัลกอริทึมสามารถพัฒนาได้
ปัจจุบัน การเชื่อมโยงนี้ยังคงดำเนินต่อไปในงานนามธรรมดิจิทัล ศิลปะเชิงกำเนิด ระบบภาพที่ใช้ AI และสภาพแวดล้อมข้อมูลแบบเสมือนจริง
Miguel Angel Vidal - Sin Titulo - 1953
8. ศิลปะ Op Art มีอิทธิพลต่อสถาปัตยกรรมและการออกแบบพื้นที่อย่างไรบ้าง?
ใช่ ศิลปะ Op Art ไม่เคยจำกัดอยู่แค่การวาดภาพบนอีเซิลเท่านั้น
ขบวนการนี้เชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับความเชื่อแบบโมเดิร์นที่ว่าศิลปะ สถาปัตยกรรม การออกแบบ และชีวิตประจำวันสามารถโต้ตอบกันได้ Bauhaus ได้ส่งเสริมการบูรณาการศิลปะภาพ การออกแบบ งานฝีมือ และสถาปัตยกรรมแล้ว ศิลปิน Op และ kinetic ได้ขยายความทะเยอทะยานนี้ไปสู่การรับรู้เองด้วย
ตัวอย่างเช่น Victor Vasarely เชื่อว่านามธรรมเรขาคณิตสามารถเข้าสู่พื้นที่สาธารณะและเปลี่ยนแปลงสภาพแวดล้อมทางสายตา มูลนิธิ Vasarely ใน Aix-en-Provence เป็นตัวอย่างสำคัญของความทะเยอทะยานนี้ ที่นี่ผลงานเชิงภาพขนาดใหญ่ถูกรวมเข้ากับสถาปัตยกรรม เปลี่ยนการรับรู้ให้กลายเป็นประสบการณ์เชิงพื้นที่
อิทธิพลของ Op Art ยังเห็นได้ในจิตรกรรมฝาผนัง ผนังอาคาร ศิลปะสาธารณะ การออกแบบภายใน สิ่งทอ และการติดตั้งเชิงพื้นที่ที่ลวดลายและการสั่นสะเทือนทางสายตาเปลี่ยนประสบการณ์ของพื้นที่ก่อสร้าง
Brent Hallard - Black Only For You III - 2020
9. มูลค่าของ Op Art ในตลาดศิลปะร่วมสมัยปัจจุบันคืออะไร?
ตลาดสำหรับ Op Art ประวัติศาสตร์แข็งแกร่งขึ้นอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา โดยเฉพาะสำหรับบุคคลสำคัญเช่น Bridget Riley, Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, และ François Morellet.
Bridget Riley โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีตำแหน่งสำคัญในตลาดศิลปะหลังสงครามและร่วมสมัย ผลงานประวัติศาสตร์ของเธอหายาก ได้รับการยอมรับจากสถาบัน และเป็นตัวแทนโดยแกลเลอรีชั้นนำ ความสนใจจากพิพิธภัณฑ์ช่วยเสริมสถานะของเธอในฐานะหนึ่งในจิตรกรนามธรรมที่สำคัญที่สุดของรุ่นเธอ
เป็นตัวแทนโดย IdeelArt, Cristina Ghetti เป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยชั้นนำของแกลเลอรีที่ทำงานในมรดกของ Op Art ผลงานของเธอยังถูกจัดแสดงร่วมกับบุคคลสำคัญหลายคนที่เกี่ยวข้องกับนามธรรมเชิงภาพ เคลื่อนไหว และเรขาคณิต ทำให้เธอเป็นจุดอ้างอิงที่สำคัญสำหรับนักสะสมที่สนใจการสืบทอดร่วมสมัยของขบวนการนี้
Cristina Ghetti - S/T - 2020
ตลาดโดยรวมมีความหลากหลายอย่างมาก ผลงานประวัติศาสตร์โดยบุคคลสำคัญมีราคาสูง ขณะที่ Op Art ร่วมสมัยและนามธรรมเรขาคณิตสามารถเป็นจุดเริ่มต้นที่เข้าถึงได้ง่ายขึ้นสำหรับนักสะสม
สำหรับนักสะสมร่วมสมัย ความน่าสนใจอยู่ที่ทั้งผลกระทบทางสายตาและความต่อเนื่องทางประวัติศาสตร์ Op Art ยังคงเป็นที่รู้จัก มีพื้นฐานทางปัญญา และปรับตัวได้ดีในสภาพแวดล้อมภายในร่วมสมัย
10. ความท้าทายของการใช้ชีวิตร่วมกับผลงาน Op Art ทุกวันหรือการจัดแสดงในแกลเลอรีคืออะไร?
Op Art สามารถทรงพลังอย่างมาก แต่ต้องการการนำเสนอที่รอบคอบ
พื้นที่มีความสำคัญ ผลงานศิลปะเชิงภาพหลายชิ้นต้องการระยะห่างเพื่อให้เกิดผลเต็มที่ ผู้ชมต้องสามารถเข้าใกล้ ถอยหลัง และบางครั้งเคลื่อนที่ไปด้านข้างหน้าผลงานได้ การแขวนผลงานในที่แคบอาจลดประสบการณ์ลง
แสงก็มีความสำคัญเช่นกัน แสงสปอตไลต์ที่รุนแรงอาจทำให้ความละเอียดของโทนสีแบนราบ สร้างแสงสะท้อน หรือเพิ่มความเข้มของความแตกต่างที่มีอยู่แล้วมากเกินไป แสงที่กระจายและเป็นกลางมักจะดีกว่าเพราะช่วยให้กลไกออปติคอลภายในของงานทำงานได้โดยไม่มีเสียงรบกวนทางสายตาที่ไม่จำเป็น
ขนาดก็มีความสำคัญเช่นกัน ผลงาน Op Art ขนาดใหญ่สามารถครอบงำห้องและสร้างความรู้สึกทางกายภาพที่แข็งแกร่ง ผลงานขนาดเล็กอาจอยู่ร่วมได้ง่ายกว่า ในขณะที่ยังสร้างผลกระทบทางการรับรู้ที่สำคัญ
กุญแจสำคัญคือการมอง Op Art ไม่ใช่แค่การตกแต่ง แต่เป็นการมีอยู่ทางสายตาที่มีพลัง
Richard Caldicott - จากซ้าย, Untitled #59, 1998; Untitled #169, 2000; และ Untitled #63, 1998 -
จากนิทรรศการ “Fragile Beauty: ภาพถ่ายจากคอลเลกชัน Sir Elton John และ David Furnish,” พิพิธภัณฑ์ V&A ลอนดอน, 2024.
11. ศิลปิน Op ทำอย่างไรจึงได้ความแม่นยำขนาดนี้ก่อนจะมีคอมพิวเตอร์?
ก่อนจะมีเครื่องมือดิจิทัล ศิลปิน Op ใช้กระบวนการด้วยมือที่ละเอียดถี่ถ้วน
พวกเขาใช้ไม้บรรทัดวงเวียนตารางวงเวียนมุม เครื่องมือวาดภาพ วิธีการสถาปัตยกรรม และการวางแผนทางคณิตศาสตร์อย่างรอบคอบ ความแม่นยำเป็นสิ่งจำเป็นเพราะความผิดปกติเล็กน้อยก็สามารถเปลี่ยนแปลงออปติคอลเอฟเฟกต์ได้
เทปกาวกลายเป็นเครื่องมือสำคัญที่ช่วยให้นักศิลปะสร้างขอบที่ชัดเจนระหว่างสีที่ตัดกันอย่างชัดเจน สีอะคริลิกก็มีบทบาทสำคัญเช่นกัน ต่างจากสีน้ำมัน สีอะคริลิกแห้งเร็วและสามารถสร้างพื้นผิวเรียบสม่ำเสมอโดยมีร่องรอยแปรงน้อยที่สุด
เป้าหมายมักจะเป็นการลบเลือนร่องรอยของการแสดงออกทางอารมณ์ พื้นผิวต้องดูเป็นกลาง แม่นยำ และเกือบจะเหมือนเครื่องจักร เพื่อให้ออปติคอลเอฟเฟกต์ครอบงำประสบการณ์ของผู้ชม
นี่เป็นเหตุผลหนึ่งที่ทำให้ Op Art น่าทึ่งมาก: หลายผลงานดูเหมือนเป็นอัลกอริทึม แต่กลับสร้างขึ้นผ่านความพากเพียรและความละเอียดรอบคอบด้วยมือ
Eduardo Mac Entyre - ภาพพิมพ์สกรีนไม่มีชื่อที่สร้างจากภาพวาดที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์ - 1969 - พิพิธภัณฑ์ V&A, หมายเลข: E.170-2008
12. “เอฟเฟกต์เส้นขอบฟ้า” คืออะไร และมันทำให้ประวัติศาสตร์ของลายพราง Dazzle ซับซ้อนขึ้นอย่างไร?
“เอฟเฟกต์เส้นขอบฟ้า” หมายถึงวิธีที่เรือเมื่อมองจากระยะไกลอาจดูเหมือนเดินทางไปตามเส้นขอบฟ้า ทำให้ทิศทางที่แท้จริงของเรือยากที่จะประเมิน
เรื่องนี้ทำให้ประวัติศาสตร์ของลายพราง Dazzle ซับซ้อนขึ้น เพราะบ่งชี้ว่าความสำเร็จหรือความล้มเหลวของลาย Dazzle อาจไม่ได้ขึ้นอยู่กับการออกแบบเรขาคณิตที่โดดเด่นเพียงอย่างเดียว บริบททางสายตาของทะเล เส้นขอบฟ้า ระยะทาง แสง และการเคลื่อนไหวก็มีบทบาทสำคัญเช่นกัน
การวิเคราะห์ทางประวัติศาสตร์บางส่วนชี้ว่า Dazzle อาจได้ผลในบางสถานการณ์แต่มีประสิทธิภาพน้อยกว่าในสถานการณ์อื่น ๆ ความดราม่าทางสายตาของมันไม่อาจปฏิเสธได้ แต่ประสิทธิภาพทางทหารยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่
สำหรับประวัติศาสตร์ของ Op Art อย่างไรก็ตาม Dazzle ยังคงสำคัญเพราะแสดงให้เห็นว่าเรขาคณิตนามธรรมสามารถใช้มีอิทธิพลต่อการรับรู้ในระดับมหาศาลได้
Francisco SOBRINO - Sans titre - ประมาณปี 1960
13. Op Art มีบทบาทในการต่อต้านทางการเมืองในช่วงสงครามเย็นหรือไม่?
ในบางบริบท ใช่
ในช่วงสงครามเย็น โดยเฉพาะในบางส่วนของยุโรปตะวันออกและละตินอเมริกา ศิลปะนามธรรมเรขาคณิต ศิลปะ kinetic และ Op Art สามารถเป็นทางเลือกแทนรูปแบบศิลปะอุดมการณ์ที่โดดเด่น ในสถานที่ที่นิยม Socialist Realism หรือประเพณีภาพเหมือนแบบชาตินิยม ศิลปะนามธรรมสามารถทำหน้าที่เป็นรูปแบบความเป็นอิสระที่ละเอียดอ่อน
เพราะ Op Art มีรากฐานมาจากวิทยาศาสตร์ คณิตศาสตร์ การรับรู้ และโครงสร้างภาพที่เป็นวัตถุ มันจึงบางครั้งหลีกเลี่ยงการเผชิญหน้าทางการเมืองโดยตรงได้ ในขณะเดียวกันก็ยังต่อต้านเรื่องเล่าที่ถูกกำหนดไว้ มันเชื่อมโยงศิลปินกับเครือข่ายอาวองต์การ์ดระดับนานาชาติ และเปิดโอกาสให้พวกเขาสำรวจเสรีภาพ การทดลอง และความทันสมัยโดยไม่จำเป็นต้องใช้ภาพทางการเมืองอย่างชัดเจน
นี่ไม่ได้หมายความว่า Op Art ทุกชิ้นต่อต้านทางการเมือง แต่ในบริบททางประวัติศาสตร์บางอย่าง การปฏิเสธเรื่องเล่าและอุดมการณ์ของมันมีความหมายทางการเมือง
14. นักวิจารณ์ศิลปะตอบสนองอย่างไรต่อการเติบโตของ Op Art ในทศวรรษ 1960?
ปฏิกิริยาทางวิจารณ์มีทั้งหลากหลายและมักเป็นศัตรู
ความสำเร็จของ The Responsive Eye ในสาธารณะนั้นยิ่งใหญ่ แต่หลายคนสงสัย บางคนรู้สึกว่า Op Art โดดเด่นเกินไป เข้าถึงง่ายเกินไป หรือพึ่งพาผลทางสายตามากเกินไป พวกเขากังวลว่ามันลดทอนภาพวาดนามธรรมให้กลายเป็นความบันเทิงทางสายตา
Clement Greenberg นักวิจารณ์ฟอร์มาลิสม์ที่มีอิทธิพลในยุคนั้น สนใจในรูปแบบนามธรรมอื่น ๆ โดยเฉพาะ Post-Painterly Abstraction นักวิจารณ์คนอื่นโจมตี Op Art โดยตรงมากขึ้น มองว่าเป็นปรากฏการณ์แฟชั่นมากกว่าการพัฒนาทางศิลปะที่จริงจัง
อุตสาหกรรมแฟชั่นที่นำลวดลาย Op ไปใช้รวดเร็วทำให้สถานการณ์แย่ลง สิ่งที่เริ่มต้นจากการสำรวจการรับรู้ที่เข้มงวดกลับกลายเป็นสไตล์เชิงพาณิชย์อย่างรวดเร็ว ซึ่งช่วยสร้างความเข้าใจผิดว่า Op Art เป็นเพียงแฟชั่นชั่วคราว
อย่างไรก็ตาม การตัดสินทางประวัติศาสตร์ในระยะยาวกลับเป็นไปในทางที่ดีขึ้น ศิลปิน Op และ kinetic ที่สำคัญได้รับการยอมรับในฐานะบุคคลสำคัญในศิลปะนามธรรมหลังสงคราม
Richard Anuszkiewicz - Grand Midnight Palace, 1989 (ชุด Translumina)
15. ศิลปะ Op Art สามารถผสมผสานเข้ากับสถาปัตยกรรมอนุสาวรีย์ถาวรได้หรือไม่?
ใช่ ตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือมูลนิธิ Vasarely ใน Aix-en-Provence ซึ่งเปิดตัวในปี 1976
Victor Vasarely จินตนาการว่าศิลปะเป็นสิ่งที่สามารถเข้าสู่พื้นที่สาธารณะ สถาปัตยกรรม และชีวิตประจำวัน มูลนิธิถูกออกแบบไม่ใช่แค่เป็นพิพิธภัณฑ์ แต่เป็นสภาพแวดล้อมทางสถาปัตยกรรมสำหรับศิลปะเชิงทัศนคติและเรขาคณิต
ผลงานขนาดใหญ่และโครงสร้างสถาปัตยกรรมหกเหลี่ยมแสดงให้เห็นว่า Op Art สามารถทำงานนอกผืนผ้าใบได้ มันสามารถกำหนดพื้นที่ เปลี่ยนการเคลื่อนไหว และเปลี่ยนประสบการณ์ของผู้ชมต่อสถาปัตยกรรม
ความทะเยอทะยานทางสถาปัตยกรรมนี้สอดคล้องกับความเชื่อกว้างๆ ของ Vasarely ว่าศิลปะไม่ควรถูกจำกัดอยู่ในคอลเลกชันส่วนตัวหรือสถาบันชั้นสูง แต่ควรเป็นส่วนหนึ่งของสภาพแวดล้อมทางสายตาของชีวิตสมัยใหม่
Felipe Pantone - Quick Tide - ลอนดอน
16. ทำไม Victor Vasarely ถึงสนับสนุน “การทำซ้ำหลายชิ้น” แทนผลงานชิ้นเอกที่เป็นเอกลักษณ์?
Vasarely เชื่อว่าศิลปะควรเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น
แนวคิดดั้งเดิมของผลงานชิ้นเอกที่เป็นเอกลักษณ์ทำให้ศิลปะกลายเป็นสิ่งหายาก ราคาแพง และจำกัดเฉพาะสังคมชั้นสูง Vasarely ต้องการท้าทายโมเดลนี้ ผ่านการทำซ้ำหลายชิ้น การพิมพ์สกรีน และระบบที่ทำซ้ำได้ เขาหวังว่าจะทำให้ศิลปะเชิงทัศนคติคุณภาพสูงเข้าถึงได้กว้างขึ้น
นี่ไม่ใช่แค่แนวคิดทางการค้าเท่านั้น แต่เชื่อมโยงกับวิสัยทัศน์แบบก่อสร้างและสังคมของเขาเกี่ยวกับศิลปะ เพราะองค์ประกอบของเขาอิงตามระบบเรขาคณิตที่ตั้งโปรแกรมไว้ จึงสามารถทำซ้ำได้โดยไม่สูญเสียโครงสร้างสำคัญ
สำหรับ Vasarely การทำซ้ำหลายชิ้นเป็นวิธีปลดปล่อยศิลปะจากลัทธิความเป็นเอกลักษณ์และนำมันเข้าใกล้สถาปัตยกรรม การออกแบบ และชีวิตประจำวันมากขึ้น
17. ประสาทวิทยาศาสตร์ทำนายรูปแบบทางสายตาที่ใช้ใน Op Art อย่างไร?
ก่อนที่ Op Art จะกลายเป็นกระแสสาธารณะ นักวิทยาศาสตร์ได้ศึกษาปรากฏการณ์หลายอย่างที่ศิลปิน Op Art จะใช้ในภายหลังแล้ว
การรับรู้ทางสายตาเกี่ยวข้องกับเรตินา เส้นประสาทตา เยื่อหุ้มสมองส่วนการมองเห็น การประมวลผลโดยรอบ การตรวจจับความเปรียบต่าง และการตีความของระบบประสาทอย่างต่อเนื่อง รูปแบบบางอย่างสามารถทำให้ระบบนี้ทำงานหนักเกินไปหรือไม่เสถียร สร้างความรู้สึกสั่นไหว กระพริบ หรือเคลื่อนไหว
ในปี 1957 นักประสาทวิทยา Donald M. MacKay สร้างรูปแบบที่รู้จักกันในชื่อ MacKay rays: เส้นรัศมีที่แน่นหนา ซึ่งสามารถสร้างการเคลื่อนไหวสั่นไหวหรือภาพหลอนในสายตาโดยรอบ ตัวอย่างเช่นนี้แสดงให้เห็นว่าการจัดเรียงเรขาคณิตเฉพาะสามารถกระตุ้นเอฟเฟกต์ทางสายตาที่คาดการณ์ได้
ศิลปิน Op Art ไม่จำเป็นต้องใช้ภาษาทางวิทยาศาสตร์เพื่อใช้ประโยชน์จากเอฟเฟกต์เหล่านี้ แต่ผลงานของพวกเขามักสอดคล้องอย่างใกล้ชิดกับหลักการที่รู้จักกันของการประมวลผลทางสายตา
ภาพลวงตาทางสายตา (ผู้เขียนไม่ทราบ)
18. Op Art เป็นหนี้อะไรจาก Bauhaus?
Op Art เป็นหนี้บุญคุณอย่างมากต่อประเพณี Bauhaus
Bauhaus มองศิลปะ การออกแบบ สถาปัตยกรรม สี และการรับรู้ทางสายตาเป็นสาขาที่เชื่อมโยงกัน อาจารย์อย่าง Josef Albers และ Johannes Itten ศึกษาว่าสีมีปฏิสัมพันธ์กันอย่างไร รูปทรงสัมพันธ์กันอย่างไร และการรับรู้สามารถถูกจัดโครงสร้างผ่านการศึกษาทางสายตาได้อย่างไร
Josef Albers งานของเขาเกี่ยวกับปฏิสัมพันธ์ของสีมีอิทธิพลอย่างมาก เขาแสดงให้เห็นว่าสีไม่เคยถูกมองเห็นแยกจากกัน สีหนึ่งเปลี่ยนไปตามสีรอบข้าง ความเข้าใจนี้กลายเป็นหัวใจสำคัญของศิลปินสายตาและเรขาคณิตหลายคน
Victor Vasarely ยังเคยศึกษาที่ Mühely Academy ในบูดาเปสต์ ซึ่งมักถูกอธิบายว่าเป็น “บูดาเปสต์บาวเฮาส์” ที่นั่นเขาได้รับแนวคิดเกี่ยวกับเรขาคณิต การสื่อสาร การออกแบบสมัยใหม่ และบทบาททางสังคมของรูปแบบทางสายตา
บาวเฮาส์ให้รากฐานทางทฤษฎีมากมายที่ Op Art ได้ขยายความเข้มข้นขึ้นในภายหลัง
Carlos Cruz Diez - Physichromie N.1977 - 2015
19. ใครคือศิลปินที่กำหนด Op Art ร่วมสมัยและนามธรรมเชิงการรับรู้ในวันนี้?
Op Art ร่วมสมัยไม่ใช่ขบวนการเดียวในความหมายทางประวัติศาสตร์ที่เข้มงวด แต่เป็นวงกว้างของศิลปินที่สำรวจการรับรู้ เรขาคณิต สี การเคลื่อนไหว และความไม่มั่นคงทางสายตา
ศิลปินบางคนสืบทอดมรดกผ่านการวาดภาพ Cristina Ghetti ใช้จังหวะเรขาคณิตและการสั่นสะเทือนในเชิงพื้นที่เพื่อสร้างสนามสายตาร่วมสมัย Andy Harwood สำรวจเกรเดียนต์สี การปกปิด และการเปลี่ยนแปลงทางการรับรู้ Pierre Muckensturm ทำงานกับโครงสร้างคอนกรีตที่มีการควบคุมและความกลมกลืนทางคณิตศาสตร์
ศิลปินบางคนขยายวงการผ่านการถ่ายภาพ ผ้าใบรูปทรง ประติมากรรม หรือสุนทรียศาสตร์ดิจิทัล Sebastiaan Knot สร้างภาพลวงตาทางภาพถ่ายจากแสงและเรขาคณิตทางกายภาพ Louise Blyton ใช้ผ้าลินินรูปทรงและเม็ดสีดิบเพื่อสร้างงานศิลปะเชิงสายตาที่เหมือนวัตถุ Felipe Pantone นำภาษาของหน้าจอดิจิทัล ความผิดพลาด และความเร่งทางเทคโนโลยีเข้าสู่นามธรรมเรขาคณิต
วงการนี้ยังรวมถึงศิลปินอย่าง Brent Hallard, Bernadette Jiyong Frank, Jesus Perea, Richard Caldicott, Suzanne Song และอีกมากมาย
ศิลปินเหล่านี้แสดงให้เห็นว่ามรดกของ Op Art ยังคงมีชีวิตอยู่ ยืดหยุ่น และร่วมสมัยอย่างมาก
20. Bridget Riley ยอมรับตำแหน่ง “ราชินีแห่ง Op Art” หรือไม่?
ไม่ใช่ Bridget Riley ต่อต้านป้าย “Op Art” และภาพลักษณ์คนดังที่มาพร้อมกับมัน
Riley มักนำเสนอตัวเองในฐานะจิตรกรนามธรรมที่สนใจในเรื่องการรับรู้ ความรู้สึก จังหวะทางสายตา และประสบการณ์ทางอารมณ์จากการมอง ป้าย “Op Art” มีประโยชน์สำหรับสื่อ แต่ก็ทำให้งานของเธอดูเรียบง่ายลงและเชื่อมโยงกับเอฟเฟกต์ทางสายตาเชิงพาณิชย์
การใช้ลวดลายที่คล้าย Riley โดยไม่ได้รับอนุญาตในแฟชั่นทำให้เธอรู้สึกไม่สบายใจมากขึ้น ภาพวาดของเธอกำลังถูกลดทอนให้เป็นแค่สไตล์ ในขณะที่ความกังวลที่แท้จริงของเธอคือประสบการณ์เชิงซ้อนที่เกิดจากรูปแบบนามธรรม
การต่อต้านการติดป้ายของ Riley มีความสำคัญเพราะเตือนเราว่า Op Art ไม่เคยเป็นแค่แบรนด์เท่านั้น ในช่วงที่ดีที่สุด มันเป็น และยังคงเป็น การสำรวจอย่างจริงจังเกี่ยวกับการมองเห็น
Bridget Riley - Movement in Squares - 1961
โดย Francis Berthomier
ภาพทั้งหมด © ศิลปิน
