Haastattelu amerikkalaisen abstraktin taiteilijan Dana Gordonin kanssa
Uusia maalauksia Dana Gordonilta on esillä Sideshow Galleryssä Brooklynissa 4. kesäkuuta 2017 asti. Meillä oli äskettäin tilaisuus tavata Gordon ja keskustella hänen jännittävästä uudesta teossarjastaan.
IdealArt: Katalogiesseessasi tämänhetkisestä näyttelystäsi Sideshow Galleryssä Brooklynissa James Panero kutsuu uutta teossarjaasi ”joksikin erilaiseksi” ja puoltaa näkemystä, että se merkitsee sinulle merkittävää suunnanmuutosta. Miten vastaat tähän arvioon?
Dana Gordon: Olen samaa mieltä, paitsi että en näe sitä suunnanmuutoksena. Näen sen samana suuntana, vain seuraavina kehitysvaiheina; merkittävinä uusina kehityksinä.
IA: Kerro ajatuksiasi improvisaation suhteesta maalatessasi näitä teoksia.
DG: Näen koko maalausprosessin improvisaationa. Ajattelen jotakin, kokeilen sitä, ja se toimii tai ei toimi. Sitten vastaan taas siihen, mitä on olemassa. Jatkan improvisointia, kunnes teos tuntuu valmiilta. Valintani voivat perustua enemmän tai vähemmän työni lähimenneisyyteen, vanhempaan menneisyyteen, muuhun taiteeseen, mihin tahansa näkemääni, ajattelemaani, tuntemaani tai kokemaani, tai kaikkeen edellä mainittuun – ja usein se on jotain, joka vain putkahtaa mieleeni ja kokeilen sitä. Tietysti on aina tiedostamattomia syitä asioille, jotka ”vain putkahtavat” mieleen. Yritän antaa tiedostamattoman ohjata työtäni, koska tiedostamattomassa on paljon enemmän kuin tietoisuudessa. Tämä tapahtuu visuaalisen vastauksen kautta tiedostamattomaan impulssiin, ei psykologisen tai kirjallisen analyysin kautta. Mielestäni tällaista vastaamista täytyy harjoitella, jotta sen saa luonnollisesti ja kokonaan, koska yleinen koulutus pyrkii poistamaan sen kyvyistäsi, vaikka se on ensisijaista ja alkuperäistä. Se on myös laaja visuaalisen taiteen kokemus, jota monet akateemiset arvostelijat kieltävät. Tämä johtuu siitä, että nämä kirjoittajat eivät yksinkertaisesti ymmärrä tai näe visuaalista, vaan selittävät kaiken taiteessa kirjallisin, poliittisin tai kirjaimellisin lähestymistavoin. Toki on kirjoittajia, jotka ymmärtävät visuaalisen. On vaikea kirjoittaa siitä.
IA: Teokset tässä näyttelyssä välittävät minulle vaikutelman, että ne ovat syntyneet jonkinlaisesta neuvottelusta. Millaisia ristiriidan ja/tai yhteistyön tunteita koit niiden luomisprosessin aikana?
DG: Ristiriita tai yhteistyö eivät tulleet peliin – ainakaan tietoisessa kokemuksessani. Oletan, että aina on jonkinlainen neuvottelu – siinä mielessä, että jos laitan tämän tänne ja tuon tuonne, onko se parempi, tai jos laitan sen toisin. Punnitsen aina, miten eri asiat toimivat. On myös lopullinen neuvottelu, voisi sanoa, kun täytyy päättää, säilyttääkö kaunis, hämmästyttävä osa kuvasta vai uhraako sen maalauksen kokonaisuuden parantamiseksi. Tämä on usein toistuva tilanne. Ehkä kysymyksesi johtuu siitä, että kaikki nämä maalaukset on jaettu pystysuunnassa kahtia. Ja ne käyttävät ilmeisesti useita erilaisia abstrakteja tekniikoita. Minusta oli mielenkiintoista, että maalauksessa voi näyttää olevan kaksi maalausta. Ja että olen tehnyt nämä kaksi yhdeksi. Ja oikeastaan kolmeksikin. On kummatkin puolet ja kokonaisuus. Ehkä niitä on oikeasti neljä: kumpikin puoli, kahden puolen kokonaisuus ja kahden puolen ja kokonaisuuden yhdistelmä. Urani alkupuolella tein elokuvia, joissa osat keskustelivat keskenään, kirjaimellisesti sekä kuvaannollisesti ja käsitteellisesti. Tästä on elokuvan still-kuva katalogissa. James Panero mainitsi katalogissa ”samankaltaisia jännitteitä, ruudukon peittäessä vapaamuotoista kuviota” ja ”kolmioita kovine reunoineen, jotka tasapainottuvat villien viivojen kanssa.” Mitä tulee erilaisten abstraktien tekniikoiden käyttöön, näen ne kaikki osana taiteilijan perintöäni. Voin käyttää tai tehdä mitä haluan. Abstraktissa taiteessa on vahva taipumus, erityisesti toisen maailmansodan jälkeen, supistaa työ yhdelle yksinkertaiselle visuaaliselle asialle, mahdollisimman supistetusti. Miksi ei käyttäisi monia visuaalisia tekniikoita yhden sijaan? Vaihtelevien tekniikoiden ja monimutkaisen tilan käyttö on vanhojen mestarien tyypillistä, vaikka se on piilotettu kuvatun kohtauksen saumattomuuteen, tarinaan.
Dana Gordon - Unruly Subjects, 2015-2017, 183 x 305 cm, öljy ja akryyli kankaalle, © taiteilija
IA: Onko ristiriidan ja yhteistyön välillä ero?
DG: Sanoisin, että ne ovat vastakohtia. Tietysti ristiriitojen ratkaisu voi johtaa yhteistyöhön. En koe, että uusien maalausteni alueet ja tekniikat olisivat ristiriidassa. Mielestäni jokaisessa maalauksessa kaikki toimii hyvin yhdessä. Tämä ei tarkoita, että kaikki maalauksen osat olisivat samanlaisia.
IA: Kerro ajatuksiasi värivalinnoistasi tässä teossarjassa.
DG: Yleisesti ottaen, lähes yksinomaan, en käytä maan sävyjä tai mustaa. Vain sitä, mitä pidän ”spektriväreinä”. Primaarivärit, sekundaarivärit; vaaleampia ja tummempia. Ja erilaisia versioita eri maalivalmistajilta. Näitä tiettyjä värejä ei ole loputtomasti – katsoja voi havaita vain suhteellisen vähän eri sävyjä mistä tahansa väristä (elleivät ne ole aivan vierekkäin, ja silloinkin ei kovin montaa). Onneksi eri valmistusmenetelmät ja materiaalilähteet tarjoavat vaihtelua. Käytän primääri- ja sekundäärivärejä pääasiassa siksi, että niiden puhtaus antaa voimakkaamman värin, eli enemmän väriä. Punaisempi punainen, sinisempi sininen jne. Nämä ominaisuudet muuttuvat myös sen mukaan, mihin kohtaan kuvaa väri sijoitetaan, mikä muoto sillä on ja kuinka suuri se on. Värisilmääni vaikuttavat monet lähteet. Ensinnäkin uskon, että jokaisella on oma synnynnäinen värisilmänsä, joka on erilainen. Sitten on kaikki, mitä olen nähnyt, sekä luonnossa että taiteessa. Lisäksi opiskelin Albersin värijärjestelmää. Valinta syntyy tiedostamattomasta vuorovaikutuksesta, joka kertoo minulle, mitä väriä käyttää. Kaikilla väreillä on, tai niillä voi olla, voimakas tunne- ja merkityssisältö.
IA: Koetko, että näissä maalauksissa ilmaisemasi värisuhteet eroavat aiemmissa teossarjoissasi ilmaisemistasi?
DG: En. Ei minulle. Maalaustekniikoita on kuitenkin enemmän, joten samat värit saattavat näyttää erilaisilta.
IA: Miten näiden maalauksien tekemisen prosessi vaikutti suhteeseesi eleisiin?
DG: Selvästi näissä on voimakkaampi eleiden käyttö kuin viimeisen kymmenen vuoden töissäni. Ele tavallisessa merkityksessä – maalin liikkeen tunne tai tapa, jolla maali on levitetty, ja kalligrafinen viiva. Ele (ja piirustus) kantaa kaikenlaisia merkityksiä. Halusin käyttää sitä enemmän näissä maalauksissa. Aiemmat työni vuosikymmeniltä käyttivät myös laajaa elettä. Parikymppisenä opiskelin paljon kiinalaista maisemamaalausta ja zen-maalausta, koska tunsin niiden olevan osa maalausta, jonka taiteilijan tulisi omaksua. Ja 1970-luvun puolivälissä, vuosikymmenen jälkeen muotoiltujen ja kolmiulotteisten kankaiden ja muiden kokeilujen parissa, ”palasin alkuun”, tein liitumerkin mustalle paperille ja kehitin työni uudelleen siitä, tutkien, miten merkit muuttuvat viivoiksi ja muodostavat muotoja. Kaikenlaisia viivoja ja merkintöjä on tutkittu vuosien varrella. Hienoin viiva muodostaa värillisten muotojen ääriviivan.
Dana Gordon - Coming To, 2015-16, öljy ja akryyli kankaalle, 183 x 152 cm (vasen) ja Jacobs Ladder, 2015-2016, öljy ja akryyli kankaalle, 183 x 152 cm (oikea), © taiteilija
IA: Kerrotko, miten koet tämän teossarjan esteettisenä lausumana ja miten koet sen keskustelun aloituksena katsojien kanssa?
DG: Mikä tahansa taide on esteettinen lausuma. Mielestäni se on kaiken ydin. Kaikki muu siinä – politiikka, kirjalliset ideat jne. – on tunteellisuutta ja vähentää tai peittää taidetta. Esimerkiksi Giotton tunne tulee taiteilijan esteettisestä taidosta enemmän kuin hänen uskonnollisista uskomuksistaan. Hänen esteettinen taitonsa antaa hänen ruumiillistaa henkisyytensä visuaalisesti.
IA: Missä määrin uskot, että nämä teokset tarvitsevat katsojien viimeistelyä?
DG: Käyn keskustelua maalauksen kanssa katsojana tehdessäni sitä. En usko, että maalaus tarvitsee katsojien viimeistelyä. Se on valmis, kun minä olen valmis. Toivon, että katsojat sitoutuvat maalauksiin, visuaalisessa keskustelussa, niin sanotusti. Olen iloinen, jos maalaukset saavat elämän katsojan mielessä. Toivon, että tämä elämä on lähellä sitä, mitä minulla oli mielessäni ja tunteissani maalatessani. Tiedän, että se on jossain määrin tai melko paljon erilaista.
IA: Olet aiemmin sanonut, että sinua inspiroi ”tehdä abstrakteja maalauksia, jotka ovat yhtä täysiä, rikkaita, täydellisiä ja merkityksellisiä kuin menneiden aikojen suurten mestarien maalaukset.” Miten määrittelet sanan ”suuri” tässä yhteydessä?
DG: Tarkoitan sillä, että minusta abstrakti maalaus ei historiallisesti ole saavuttanut sellaista hengen täyteläisyyttä, ilmaisun kattavuutta eikä tilan avoimuutta ja monimutkaisuutta, joita vanhojen mestarien maalaukset ilmentävät. Luulen, että Cézanne aavisti tämän ongelman varhain, kuten hänen kuuluisasta lausahduksestaan näemme: ”Mutta halusin tehdä impressionismista jotain kestävää ja pysyvää kuin museoiden taide.” En usko, että hän saavutti mitä tarkoitti, vaan jotain muuta. Tämä ei tarkoita, etteivät monet suuret modernit abstraktit mestarit olisi tehneet syvällistä ja vaikuttavaa taidetta. Tietenkin he tekivät. Mutta se rajoittuu siihen, että tehdään vain yhtä asiaa ja vaaditaan yksinomaan tasaisuutta, joka työntyy katsojaa kohti. Näissä maalauksissa on tilaa, mutta se on rajallinen. Sanon tämän vaikka kunnioitan Rothkoa, Pollockia ym. suurina taiteilijoina. Miró ymmärsi sen joskus. Sodan jälkeen Arshile Gorky tuli lähimmäksi sitä, mitä tarkoitan, monissa töissään vuodesta 1944 eteenpäin (ja olen usein ajatellut hänen olleen suurin kaikista aikalaisistaan – Pollock, de Kooning ym.). Hans Hofmann ja Helen Frankenthaler pääsevät lähelle siellä täällä. (Puhun abstraktista, en figuratiivisesta abstraktin tyylisestä.)
IA: Voisitko antaa joitakin konkreettisia esimerkkejä menneiden aikojen suurten mestarien maalauksista?
DG: Giotto, kaikkein olennaisimmin. Monet renessanssin ja barokin mestarit: Masaccio, Limbourgit, Tizian, Georgione, Bosch, Velázquez, El Greco jne., aina myöhäiseen (mutta ei varhaiseen) Goyaan saakka.
IA: Oletko jo ehtinyt arviointivaiheeseen tämän näyttelyn teoksista?
DG: Olen usein arviointivaiheessa. Kaikesta työstä, mitä olen koskaan tehnyt, jo ennen maalaamisen aloittamista aina tähän hetkeen asti. On monia kertoja, jolloin tunnen, että olen jättänyt arvostelun pois mielestäni ja toimin vapaasti työskennellessäni. (Jotain sellaista kuin ”päästä eroon kaikista äänistä päässäsi”, maalariystävä kerran sanoi.) Nämä hetket ovat hyvin tärkeitä. Mutta ovatko ne todella vapaita arvostelusta, en ole varma.
Kuvassa: Taiteilijan muotokuva, © IdeelArt
Phillip Barcio
