Haastattelu amerikkalaisen abstraktin taiteilijan Dana Gordonin kanssa
Uudet maalaukset Dana Gordon:ilta ovat nähtävillä Sideshow Galleriassa Brooklynissa 4. kesäkuuta 2017 asti. Meillä oli äskettäin mahdollisuus tavata Gordon ja keskustella hänen kanssaan tästä jännittävästä uudesta teossarjasta.
IdealArt: Katalogiesseessään nykyisestä näyttelystäsi Sideshow Galleriassa Brooklynissa James Panero viittaa uuteen teossarjaasi "joksikin erilaiseksi" ja puolustaa näkemystä, että se edustaa merkittävää suunnanmuutosta sinulle. Miten vastaat tuohon arvioon?
Dana Gordon: Olen samaa mieltä, paitsi etten näe sitä suunnan muutoksena. Näen sen samana suuntana, vain seuraavina kehityksinä; merkittävinä uusina kehityksinä.
IA: Ole hyvä ja jaa ajatuksesi suhteestasi improvisaatioon, kun teit näitä maalauksia.
DG: Näen koko maalausprosessin improvisaationa. Ajattelen jotain tehtävää, kokeilen sitä, ja se toimii tai ei toimi. Sitten vastaan jälleen siihen, mitä on. Jatkan improvisointia, kunnes se tuntuu valmiilta. Se, mitä valitsen tehdä, voi perustua enemmän tai vähemmän työni viimeaikaiseen menneisyyteen, työni vanhempaan menneisyyteen, muuhun taiteeseen, muihin asioihin, joita olen nähnyt, ajatellut, tuntenut tai kokenut, ja kaikkeen edelliseen -- ja usein se on jotain, joka vain ponnahtaa mieleeni ja kokeilen sitä. Tietenkin on aina tiedostamattomia syitä asioille, jotka "vain ponnahtavat" mieleesi. Yritän antaa tiedostamattoman ohjata työtäni, koska tiedostamattomassa on paljon enemmän kuin tietoisuudessa. Tämä tapahtuu visuaalisen vasteen kautta tiedostamattomalle impulssille, ei psykologisen tai kirjallisen analyysin kautta. Luulen, että tällaisen vasteen harjoittaminen on tarpeen, jotta sen saa luonnollisesti ja täysin, koska yleinen koulutuksen suunta on pyyhkiä se kyvyistäsi, vaikka se on ensisijainen ja alkukantainen. Se on myös laaja visuaalisen taiteen kokemus, jota monet akateemiset kriitikot kieltävät. Tämä johtuu siitä, että nämä kirjoittajat eivät yksinkertaisesti ymmärrä tai näe visuaalista ja selittävät kaiken taiteessa kirjallisten, poliittisten tai kirjaimellisten lähestymistapojen kautta. Tietenkin on kirjoittajia, jotka ymmärtävät visuaalisen. On vaikeaa kirjoittaa siitä.
IA: Tämän näyttelyn teokset välittävät minulle tunteen, että ne ovat syntyneet jonkinlaisen neuvottelun myötä. Mitä ristiriidan ja/tai yhteistyön tunteita koit niiden luomisprosessin aikana?
DG: Konflikti tai yhteistyö eivät tulleet peliin – ainakin eivät tietoisessa kokemuksessani. Luulen, että on aina eräänlainen neuvottelu – siinä mielessä, että: jos laitan tämän tänne ja tuon tuonne, onko se parempi, tai jos laitan sen eri tavalla. Punnitsen aina, kuinka hyvin eri asiat toimivat. On myös lopullinen neuvottelu, jota voisi kutsua sellaiseksi, kun on päätettävä, pitäisikö säilyttää kaunis, upea osa kuvaa vai uhraako sen, jotta maalaus kokonaisuutena olisi parempi. Tämä on yleinen ilmiö. Ehkä kysymyksesi johtuu siitä, että kaikki nämä maalaukset on jaettu puoliksi pystysuunnassa. Ja ne käyttävät ilmeisesti useita erilaisia abstrakteja tekniikoita. Löysin mielenkiintoiseksi, että mitä voisi näyttää kahdelta maalaukselta yhdessä maalauksessa. Ja että olen tehnyt näistä kahdesta yhden. Ja, oikeastaan, kolme. On jokainen puoli ja on kokonaisuus. Ehkä niitä on oikeasti neljä: jokainen puoli, kahden puolen kokonaisuus ja kahden puolen ja yhden kokonaisuus. Aikaisemmin urallani tein elokuvia, joissa oli osia, jotka puhuivat toisilleen, kirjaimellisesti sekä kuvastollisesti ja käsitteellisesti. Katalogissa on tästä elokuvasta still-kuva. James Panero viittasi katalogissa "samankaltaisiin jännitteisiin, joissa ruudukko peittää vapaamuotoisen muotoilun" ja "kolmioihin, joissa terävät reunat tasapainottavat villit viivat." Mitä tulee erilaisten abstraktien tekniikoiden käyttöön, näen ne osana perintöäni taiteilijana. Voin käyttää tai tehdä mitä haluan. Abstraktissa taiteessa on vahva taipumus, erityisesti toisen maailmansodan jälkeen, vähentää omaa työtään yhteen yksinkertaiseen visuaaliseen aspektiin, mahdollisimman vähäiseksi. Miksi ei käyttää paljon visuaalisia tekniikoita sen sijaan, että käyttäisi vain yhtä? Erilaisten tekniikoiden ja monimutkaisen tilan käyttö on tyypillistä vanhoille mestareille, vaikka se on piilotettu esitetyn kohtauksen saumattomuuden taakse, tarinan.
Dana Gordon - Hallitsemattomat aiheet, 2015-2017, 72 x 120 tuumaa, öljy ja akryyli kankaalla, © taiteilija
IA: Onko eroa konfliktin ja yhteistyön välillä?
DG: Sanon, että ne ovat vastakohtia. Tietenkin konfliktin ratkaiseminen voi johtaa yhteistyöhön. En löydä, että uusien maalauksieni alueet ja tekniikat ovat ristiriidassa. Mielestäni jokaisessa maalauksessa kaikki toimii yhdessä oikein hyvin. Tämä ei tarkoita, että kaikki maalauksen osat olisivat samoja.
IA: Ole hyvä ja jaa ajatuksesi värivalinnoistasi tälle teossarjalle.
DG: Yleisesti ottaen, lähes yksinomaan, en käytä maan värejä tai mustaa. Vain sitä, mitä pidän "spektriväreinä". Päävärit, toissijaiset värit; vaaleammat ja tummemmat. Ja erilaisia versioita niistä, joita eri maalausvalmistajat tarjoavat. Näitä erityisiä värejä ei todellakaan ole äärettömästi – katsoja voi havaita vain suhteellisen vähän erilaisia sävyjä mistä tahansa väristä (ellei niitä aseteta aivan vierekkäin, ja jopa silloin, niitä ei ole niin montaa). Onneksi erilaiset valmistusmenetelmät ja erilaiset materiaalilähteet tarjoavat vaihtelua. Käytän pää- ja toissijaisia värejä pääasiassa, koska niiden puhtaus tarjoaa intensiivisempää väriä, eli enemmän väriä. Punaisempi punainen, sinisempi sininen jne. Nämä ominaisuudet muuttuvat myös sen mukaan, mihin asetat värin kuvassa, minkä muotoinen se on ja kuinka suuri se on. Väritajuni tulee monista lähteistä. Ensinnäkin olen varma, että jokaisella ihmisellä on oma synnynnäinen väritajunsa, joka on erilainen. Sitten on kaikki, mitä olen nähnyt, sekä luonnossa että taiteessa. Lisäksi opiskelin Albersin värijärjestelmää. Valinta tulee tiedostamattomasta vuorovaikutuksesta, joka kertoo minulle, mitä väriä käyttää. Kaikki värit kantavat, tai voivat kantaa, voimakkaita tunteita ja merkityksiä.
IA: Koetko, että näissä maalauksissa ilmaisemasi väriyhteydet ovat erilaisia kuin aiemmissa teoksissasi ilmaisemasi väriyhteydet?
DG: Ei. Ei minulle. On kuitenkin enemmän maalaustekniikoita, joten samat värit voivat näyttää erilaisilta.
IA: Miten näiden maalauksien tekeminen vaikutti suhteeseesi eleeseen?
DG: On selvää, että eleen käyttö on vahvempaa näissä kuin edellisten kymmenen vuoden teoksissa. Ele normaalissa merkityksessä – maalin liikkeen tunne tai se, miten maali on levitetty, ja kalligrafinen viiva. Ele (ja piirtäminen) kantaa kaikenlaisia merkityksiä. Halusin käyttää enemmän sitä näissä maalauksissa. Aikaisempien vuosikymmenten työssäni käytin myös laajoja eleitä. Kaksikymppisenä vietin melko paljon aikaa opiskellen kiinalaista maisemamaalausta ja zen-maalausta, sillä koin, että nämä ovat osa maalausta, jonka taiteilijan tulisi omaksua. Ja noin 1970-luvun puolivälissä, kymmenen vuoden jälkeen muotoiltujen ja kolmiulotteisten kankaiden parissa työskentelystä ja muista siihen liittyvistä kokeiluista, "palasin alkuun", tein liidulla merkin mustalle paperille ja kehittelin työni siitä eteenpäin, tutkien, miten merkit muuttuvat viivoiksi ja tekevät muotoja. Kaikenlaisia viivoja ja merkkien tekemistä tutkittiin vuosien varrella. Hienoin viiva muuttuu värillisten muotojen ääriviivaksi.
Dana Gordon - Coming To, 2015-16, öljy ja akryyli kankaalle, 72 x 60 tuumaa (Vasemmalla) ja Jacobs Ladder, 2015-2016, öljy ja akryyli kankaalle, 72 x 60 tuumaa (Oikealla), © taiteilija
IA: Ole hyvä ja jaa, miten näet tämän teoksen esteettisenä lausumana, ja miten näet sen keskustelun aloituksena katsojien kanssa.
DG: Mikä tahansa taide on esteettinen lausunto. Luulen, että se on koko asia. Mikä tahansa muu siinä – politiikka, kirjalliset ideat jne. – on tunnetta ja vähentää tai hämärtää taidetta. Esimerkiksi Giotton teoksessa tunne tulee enemmän taiteilijan esteettisestä taidosta kuin hänen uskonnollisista uskomuksistaan. Hänen esteettinen taitonsa mahdollistaa hänen hengellisyyden ilmentämisen visuaalisesti.
IA: Millä tavalla, jos ollenkaan, uskot näiden teosten kaipaavan katsojien viimeistelyä?
DG: Minulla on keskustelu maalauksen kanssa katsojana, kun teen sitä. En usko, että maalaus tarvitsee katsojia ollakseen valmis. Se on valmis, kun olen saanut sen valmiiksi. Toivon, että katsojilla on vuorovaikutusta maalauksien kanssa, visuaalisessa keskustelussa, jos niin haluat. Olen iloinen, jos maalaukset saavat elämän katsojan mielessä. Toivon, että tämä elämä on lähellä sitä, mitä minulla oli mielessäni ja tunteissani, kun tein maalauksen. Tiedän, että se tulee olemaan jollain tavalla, tai melko paljon, erilaista.
IA: Olet aiemmin sanonut, että olet inspiroitunut "tekemään abstrakteja maalauksia, jotka ovat yhtä täysiä, rikkaita, kokonaisia ja merkityksellisiä kuin menneiden suurten mestarimaalauksien." Tämän lausunnon kontekstissa, miten määrittelet sanan "suuri"?
DG: Tarkoitan tuolla lausunnolla, että minulla on tunne, että abstrakti maalaus ei ole historiallisesti saavuttanut sitä hengen täyteläisyyttä, ilmaisun laajuutta sekä tilan avaruutta ja monimutkaisuutta, mitä vanhojen mestarien maalauksilla oli. Uskon, että Cezanne aisti tämän ongelman varhain, kuten voimme nähdä hänen kuuluisasta lausunnostaan: "Mutta halusin tehdä impressionismista jotain vankkaa ja kestävää, kuten museotaide." En usko, että hän saavutti sitä, mitä hän tarkoitti, hän saavutti jotain muuta. Tämä ei tarkoita, että monet suuret modernit abstraktit mestarit eivät olisi tehneet syvää ja liikuttavaa taidetta. Tietenkin he tekivät. Mutta se on rajoittunut vain yhteen asiaan, ja siihen yksinomaan tasaisuuden tarpeeseen, joka työntää katsojaa kohti. Kyllä, näissä maalauksissa on jonkin verran tilaa, mutta se on rajallista. Sanon tämän, vaikka kunnioitankin Rothkoa, Pollockia ja muita suurina taiteilijoina. Miro ymmärsi sen, joskus. Sodan jälkeen uskon, että Arshile Gorky pääsi lähimmäksi sitä, mitä minulla on mielessäni, suurimmassa osassa hänen teoksistaan vuodesta 1944 eteenpäin (ja olen usein ajatellut, että hän oli suurin kaikista aikalaistensa – Pollock, de Kooning jne.). Hans Hofmann ja Helen Frankenthaler pääsevät lähelle sitä täällä ja siellä. (Puhun abstraktista tässä, en figuratiivisesta abstrakti-tyylisestä.)
IA: Voisitko antaa joitakin erityisiä esimerkkejä menneiden suurten mestarimaalauksista?
DG: Giotto, kaikkein olennaisimpana. Monet renessanssin ja barokin mestarit: Masaccio, Limbourgsit, Titian, Giorgione, Bosch, Velázquez, El Greco jne., jne., aina myöhäiseen (mutta ei varhaiseen) Goyaan saakka.
IA: Oletko jo saapunut arviointivaiheeseen tämän näyttelyn esillä olevaan työhön?
DG: Olen usein arviointivaiheessa. Kaiken tekemäni työn suhteen, jopa ennen kuin aloitan maalaamisen, aina tähän hetkeen asti. On monia kertoja, jolloin tunnen, että olen saanut arvostelun mielestäni ja edistyn siitä vapaana työskennellessäni. (Jotain sellaista kuin "päästä eroon kaikista äänistä päässäsi", sanoi kerran eräs taiteilijakaveri.) Nämä hetket ovat erittäin tärkeitä. Mutta ovatko ne todella vapaita arvostelusta, en ole niin varma.
Esittelykuva: Taiteilijan muotokuva, © IdeelArt
Kirjailija: Phillip Park
