Lyyrinen abstraktio: Taide, joka kieltäytyy olemasta kylmää

Tokio, 1957. Georges Mathieu, paljain jaloin, kimonoon kääriytyneenä, pitkä vartalo käärittynä kuin jousi, joka on purkautumassa, seisoo kahdeksan metrin kokoisen kankaan edessä. Hänet on kutsunut Jiro Yoshihara Gutai-taideyhdistyksestä, avantgarde-ryhmästä, joka julistaa taiteen puhtaaksi materiaalien kohtaamiseksi. Yleisö katsoo. Mathieu ei luonnostele, ei suunnittele, ei epäröi. Hän tarttuu maaliputkeen. Hän puristaa sen suoraan pinnalle. Hänen kätensä liikkuu. Kalligrafinen pyörre puhkeaa. Minuuteissa La Bataille de Hakata on valmis. Hän maalaa vielä kaksikymmentä kangasta ennen kuin nousee lentokoneeseensa kotiin. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu maalaamassa teosta Bataille de Bouvines - 25 avril 1954 - ©Robert Descharnes

Jos tuo kohtaus puhuttelee sinua, riski, hiki, maali, jota ei voi jättää koskemattomaksi, olet jo tämän esseen argumentin sisällä. Lukijoille, jotka ovat kiinnostuneita lyyrisen abstraktion keskeisistä faktoista, erittäin yksityiskohtainen UKK-osio löytyy alta.

Kaksinkertainen syntymä, aina vastustuksessa

Lyyrinen abstraktio ei syntynyt tyhjästä. Se sai alkunsa erityisestä, ruumiillisesta vastenmielisyydestä kylmyyttä kohtaan. Ensimmäinen syntymä tapahtui Pariisissa vuonna 1947, kaupungissa, joka vielä vuoti natsien miehityksen jäljiltä. Kriitikko Jean José Marchand ja taiteilija Georges Mathieu loivat termin Abstraction Lyrique kuvaamaan teoksia, jotka esitettiin "L'Imaginaire" -näyttelyssä Galerie du Luxembourgissa: maalauksia, jotka Marchandin mukaan ilmensivät lyyrisyyttä, joka oli irti kaikesta orjuudesta. Ei orjuutta geometrialle. Ei orjuutta rationaaliselle ruudukolle, joka poliittisimmassa perverssissä ilmentymässään oli juuri yrittänyt murhata Euroopan. Ele oli selviytymisen teko: siveltimen jälki todisteena ihmisen jatkuvasta läsnäolosta.

Toinen syntymä tapahtui New Yorkissa vuonna 1969, ja vihollinen oli muuttunut, mutta kylmyys säilyi. Amerikkalainen kriitikko ja keräilijä Larry Aldrich julkaisi Art in America -lehdessä artikkelin "Young Lyrical Painters", jossa hän nimesi sukupolven taiteilijoita, jotka olivat väsyneet minimalismin jäiseen perfektionismiin ja pop-taiteen laskelmoituun ironiaan. Whitney-museo vahvisti liikkeen kokonaisnäyttelyllä vuonna 1971. Taas kerran: lämpö nousemassa järjestelmää vastaan. Joka kerta, kun lyyrinen abstraktio on noussut esiin, se ei ole ollut tyylisuunta, vaan kieltäytyminen: kieltäytyminen antamasta maalaukselle muotoa ilman ruumista, muotoa ilman sykettä.

Tämä kaksoisgenealogia (Pariisi 1947 / New York 1969) on enemmän kuin historiallista triviaa. Se paljastaa jotain rakenteellista siitä, mitä lyyrinen abstraktio on. Se on liike, joka määrittelee itsensä jotain muuta vastaan, mikä tarkoittaa, että sen identiteetti on jatkuvasti elossa, jatkuvasti reaktiivinen. Tarkastellaan Martin Reynaa, argentiinalaissyntyistä taiteilijaa, joka on asunut ja työskennellyt Pariisissa vuosikymmeniä. Hänen musteensa ja laimennetut akryylinsä ovat samanaikaisesti rakennettuja ja vapautettuja: Reyna luo rakenteen: alueen, rytmin, joukon ehtoja, ja antaa sitten värin liikkua sen sisällä oman logiikkansa mukaan, lopullinen pinta kuuluu yhtä lailla taiteilijan päätöksille kuin maalille. Katsoessasi Reynan kangasta tunnet vastarinnan, et mitään tiettyä historiallista liikettä vastaan, vaan itse ajatusta maalaamisesta suljettuna, päätettynä asiana. Hän on tässä mielessä suora perillinen Pariisin kieltäytymiselle vuonna 1947.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Mitä keho tietää

Tässä on se, mikä erottaa lyyrisen abstraktion muista ilmaisullisen maalauksen muodoista: prosessi ei ole keino, se on viesti.

Mathieun "Tubismi" (maalin puristaminen suoraan tuubista nopeasti) ei ollut tekninen oikotie. Se oli filosofinen julistus: ei mitään välikettä impulssin ja pinnan välillä. Jean-Paul Riopelle, kanadalainen jäsen Art Informel -piirissä Pariisissa, poisti kokonaan siveltimen käytön, työskennellen pelkästään palettiveitsellä, rakentaen paksuja mosaiikkimaisia impastoja väreistä, jotka tuntuvat itsepintaisesti, materiaalisen läsnäolevilta. Helen Frankenthaler meni päinvastaiseen suuntaan: hänen soak-stain-tekniikkansa valutti pigmenttiä raakalle, pohjaamattomalle kankaalle niin, että maali imeytyi sen sijaan että sitä olisi levitetty, ja maalaamisen ja tuen välinen raja romahti kokonaan. Jokainen näistä on erilainen panos kontrollia vastaan, erilainen tapa antaa kehon puhua ennen kuin mieli ehtii muokata.

Tämä kehoon keskittyvä logiikka on juuri se, mitä näet ja tunnet Macha Poynder teoksissa. Pariisissa asuva taiteilija rakentaa kankaansa performatiivisilla eleillä, automaattisella piirtämisellä ja intuitiivisilla värivalinnoilla, joita hän kuvaa tiedostamattoman ilmentymiksi, ei älyn tuotoksiksi. Hänen pinnat yhdistävät näennäisen satunnaisuuden alueita, joissa maalia on roiskittu tai tiputettu, ja tarkasti koulutetun käden tuottamia alueita, ja jännite näiden kahden tilan välillä on maalaus. Poynder vertaa prosessiaan musiikin luomiseen: ei etukäteen sävellettyyn, vaan tekemisen aikana löydettyyn. Hänen teoksiaan on Centre Pompidoun ja Rijksmuseumin pysyvissä kokoelmissa, mikä viittaa siihen, että myös instituutiot voivat aistia eron esitetyn ja pelkästään tehdyn maalauksen välillä.

Macha Poynder - Kaukana - 2026

Janise Yntema, joka työskentelee Brysselissä encaustic-vahalla (mehiläisvaha, joka levitetään ja sulatetaan liekin avulla), liikkuu samankaltaisella jännitteisellä alueella kontrollin ja vapautumisen välillä. Vaha käyttäytyy: tiettyyn pisteeseen asti. Sitten lämpö saapuu, ja se, mitä oli asetettu, muuttuu sellaiseksi kuin sen on tarkoitus olla. Jokainen puoliläpinäkyvä kerros vangitsee valon eri tavoin, joten Ynteman kankaaseen katsominen on kuin katsomista sisäisesti valaistuun kohteeseen. Hetki ohjauksen ja sattuman välillä ei ole ongelma, jonka hän yrittäisi ratkaista; se on koko aihe. Ja Brooklynissa Emily Berger työskentelee puupaneeleilla (katso pääkuva) öljyvärillä laajoilla vaakasuorilla eleillä, jotka käyttävät koko hänen kättään (kaapien, hankaamalla, vetäen), niin että jokainen jälki on yksiselitteisesti fyysisen sitoutumisen merkki. Hänen pinnat, Berger on sanonut, juhlistavat taiteilijan kättä. Aikana, jolloin käden halutaan usein olevan näkymätön, tämä ei ole esteettinen mieltymys. Se on kanta.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, Belgradissa asuva Itävallassa syntynyt taidemaalari, tuo tähän kehoon ja prosessiin liittyvään kysymykseen vielä uuden vivahteen. Hänen maalauksensa liikkuvat eri tasojen välillä, tarkasta, lähes arkkitehtonisesta piirroksesta laajoihin värillisiin ilmaviin kenttiin, mutta jokaisessa muodossa jälki on harkittu ilman, että se olisi laskelmoitu, pinta saavutetaan aidon fyysisen sitoutumisen kautta eikä ennalta määrätyn suunnitelman avulla. Landauer kuvaa työskentelyään kaivuutyöksi: muutto Belgradiin antoi hänelle etäisyyden kyseenalaistaa tuttuja asioita, ja tämä kyseenalaistaminen näkyy pinnoissa, jotka tuntuvat sekä rakennetuilta että löydetyiltä.

Paul Landauer - Movement - 2023

Maailma ei odottanut Pariisia tai New Yorkia

Yksi taidehistorian pysyvistä myyteistä on, että liikkeet syntyvät yhdessä paikassa ja "levittäytyvät" muualle, ikään kuin kulttuuri olisi eräänlainen tartunta. Lyyristä abstraktiota tämä malli monimutkaistaa huomattavasti. Japanin Gutai-ryhmä ei ollut ranskalaisen Art Informel satelliitti: se oli rinnakkainen keksintö, jota ohjasi oma sodanjälkeinen kiireensä, oma kohtaamisensa aineen ja performanssin kanssa. Kazuo Shiraga maalasi jaloillaan, roikkuen köysien varassa kankaan yläpuolella. Kun Mathieu saapui Tokioon vuonna 1957, kohtaaminen oli kahden yhtä kehittyneen herkkyyden välillä, ei opettajan ja oppilaiden.

Zao Wou-Ki, Kiinassa syntynyt taidemaalari, joka asettui Pariisiin opiskeltuaan Hangzhoussa, yhdisti itämaisen muste-tekniikan spontaanin energian ja eurooppalaisen Art Informel -liikkeen tilalliset pyrkimykset tavalla, jota kumpikaan perinne yksinään ei olisi voinut tuottaa. Hänen suurikokoiset kankaansa ovat samanaikaisesti kalligrafisia ja ilmavia, eräänlainen maalaus, jolla ei ole vertailukohtaa, koska se vaati juuri hänen elämäntarinansa, juuri hänen risteyksensä. Kanadassa Riopelle ja Automatistes julkaisivat vuonna 1948 manifestinsa Refus Global, hyläten provinssin kirkollisen auktoriteetin kokeellisen, maallisen taidevision hyväksi – toinen kylmä järjestelmä kiellettiin, toinen lämpöinen ele vahvistettiin.

Tänään Yari Ostovany, joka on syntynyt Teheranissa ja työskentelee nyt San Franciscossa, vie tätä globaalia synteesiä eteenpäin. Hänen maalauksensa rakentavat pigmenttejä tiheisiin, ilmapiirisiin kerroksiin, sitten pesevät ne pois, kaapivat, liuottavat ja uudelleenmuodostavat pintoja, kunnes ne kantavat jotain, mikä tuntuu muinaiselta ilman että olisi arkeologista. Ostovany puhuu persialaisesta runoudesta muovaavana vaikutteena, ja tämä vaikutus on luettavissa hänen tekemissään pinnoissa: syvyyksiä, jotka avautuvat ja sulkeutuvat, värejä, jotka ilmestyvät ja vetäytyvät, pinta, joka ei koskaan täysin rauhoitu. Hänen työnsä ei ole amerikkalaista Color Field -maalausta eikä iranilaista miniatyyriä eikä mitään siltä väliltä: se on juuri oma itsensä, aistimus, jonka vain globaali yhtymä on voinut synnyttää.

Yari Ostovany - Night Pilgrim 25 - 2022

Kolmas kylmä: lyyrinen abstraktio ja nykymaailma

Kaksituhattaluvun alun nykytaiteen maailmassa lyyrinen abstraktio kohtaa kolmannen kylmän aallon. Ensimmäinen oli rationalistinen ruudukko. Toinen oli minimalismin pelkistävä logiikka. Kolmas on algoritminen kuva, teknisesti moitteeton, välittömästi tuotettu, ihmisen visuaalisen kulttuurin tilastollisista jakaumista generoitu. AI:n luoma kuva on kylmin tähän asti: se ei kanna riskiä, sitoutumista eikä kehoa. Se ei voi epäonnistua. Mikä tarkoittaa, ettei se voi missään merkityksellisessä mielessä onnistua.

Kankaalle Poynder on tallentunut ele, joka tehtiin tiettynä hetkenä, tietyssä kehon ja mielen tilassa, eikä sitä voi toistaa. Landauerin maalaus kantaa biometrisen jäljen eleistä, jotka on laskettu ja tehty tietyn kehon tiettynä aikana. Teos, jonka on tehnyt Jill Moser, jonka lyyriset, kalligrafiset merkit liikkuvat maalaamisen ja kirjoitetun kielen, kuvan ja sanoja edeltävän merkityksen välissä, ei olisi voinut syntyä millään laskennasta toteutukseen etenevällä prosessilla. Nämä maalaukset eivät ole algoritmin ennusteen tulos siitä, miltä maalaus pitäisi näyttää. Ne ovat sitä, mitä tapahtuu, kun ihmisen keho kohtaa materiaalit aidon epävarmuuden olosuhteissa.

Jill Moser - Maalaus - 2007

Se ei ole pieni asia. Se on itse asiassa koko asia. Lyyrinen abstraktio ei ole koskaan ollut tiettyyn tyyliin tai tekniikkaan sidottu. Se on aina ollut vaatimus siitä, että maalaus on tapahtuma, ei tuote: pinnalle jäävä jälki todistaa elämän elämisestä, riskin ottamisesta, hetkestä, jota ei voi rekonstruoida tilastollisista tiedoista. Kolmatta kylmyyttä vastaan tuo vaatimus ei ole nostalginen. Se on välttämätön.

Kirjoittanut Francis Berthomier

Lisää maalausta, joka kieltäytyy olemasta kylmää

Tässä esseessä esitellyt nykytaiteilijat (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer ja Jill Moser) ovat henkilökohtainen valinta laajemmasta lyyristen ja eleellisten maalaajien yhteisöstä, jota IdeelArt edustaa. Monet muut kokoelman taiteilijat jakavat tämän herkkyyden. 

Keräilijöille, jotka haluavat tutustua lyyriseen abstraktioon tämän päivän saatavilla olevien teosten kautta, IdeelArt ylläpitää yksinoikeudella yli 700 eleellistä ja lyyristä abstraktia taideteosta joita voi tutkia klikkaamalla tästä.

Lyyrinen abstraktio: Usein kysytyt kysymykset

Lukijoille, jotka haluavat faktat, ja Googlelle, joka haluaa ne myös.

1. Mikä on lyyrinen abstraktio?

Lyyrinen abstraktio on ei-figuraalisen maalaustaiteen muoto, joka korostaa spontaanisuutta, tunneintensiteettiä ja taiteilijan eleen näkyvää jälkeä enemmän kuin geometrista rakennetta tai älyllistä järjestelmää. Sitä on olemassa kahdessa historiallisesti erillisessä mutta filosofisesti läheisessä versiossa. Eurooppalainen versio, Abstraction Lyrique, syntyi sodanjälkeisessä Pariisissa 1940-luvun lopulla osana Art Informel -liikettä, juhlistaen vaistonvaraista jälkeä ihmisen vapauden ilmentymänä miehityksen ja totalitarismin trauman jälkeen. Amerikkalainen versio tunnistettiin 1960-luvun lopulla ja 1970-luvun alussa keräilijä Larry Aldrichin toimesta ja se kiteytyi vuonna 1971 Whitney Museumin näyttelyssä, tällä kertaa reaktiona minimalismin kliinistä reduktionismia ja pop-taiteen ironista etäisyyttä vastaan. Molemmat versiot jakavat sitoutumisen virtaukseen, väriin ja niin kutsuttuun "tuottavaan sattumaan": hetkeen, jolloin maalaus tekee jotain, mitä maalari ei täysin suunnitellut, ja tuo suunnittelematon asia säilytetään, koska se on todenmukaisempaa kuin mikään suunnitelma olisi tuottanut. Visuaalisesti lyyrinen abstraktio suuntautuu ilmapiirimäiseen tilaan, eleellisiin tai maalauksellisiin jälkiin ja yleiseen liikkeen tunteeseen, toisin kuin geometrisen abstraktion terävät reunat, viivat ja laskelmoidut symmetriat.

Näyttelyluettelo - Whitney Museum - Lyyrinen abstraktio - 1971 - Klikkaa selataksesi luetteloa

2. Mikä on ero lyyrisen abstraktion ja abstraktin ekspressionismin välillä?

Seurauksena oleva sekaannus on ymmärrettävää: molemmat liikkeet juhlistavat elettä, kehoa ja tunneilmaisun suoraa voimaa, mutta erot ovat todellisia ja merkityksellisiä. Abstrakti ekspressionismi, joka kehittyi New Yorkissa 1940-luvun puolivälistä alkaen, oli usein leimallista sankarillisella, jopa väkivaltaisella energialla: Pollockin Action Painting ja tiputtelutekniikka, de Kooningin monumentaalinen hahmo-abstraktio, Rothkon värikenttien ylevyys. Se liitettiin tiettyyn (ja melko macho) mytologiaan taiteilijasta eksistentiaalisena taistelijana. Lyyrinen abstraktio, erityisesti amerikkalainen versio 1960-luvun lopulta, oli osittain reaktio tähän ortodoksisuuteen. Se oli sulavampaa, runollisempaa, kauneutta arvostavaa päämääränä itsessään. Taiteilijat kuten Helen Frankenthaler, Joan Mitchell ja Dan Christensen työskentelivät kevyemmissä, pehmeämmissä ja tarkasti sanottuna lyyrisissä sävyissä. Ero ei ole vakavuudessa; se on sävyssä. Jos abstrakti ekspressionismi on jazzia täysillä, lyyrinen abstraktio on sama jazz huoneessa, jossa ikkunat ovat auki.

Mark Rothko Fondation Louis Vuittonissa - joulukuu 2023 - ©IdeelArt

3. Kuka loi termin "lyyrinen abstraktio"?

Termi lanseerattiin Pariisissa vuonna 1947 taidekriitikko Jean José Marchandin ja taidemaalari Georges Mathieun toimesta kuvaamaan teoksia, jotka esiteltiin näyttelyssä "L'Imaginaire" Galerie du Luxembourgissa. Marchand käytti termiä ilmaistakseen maalausta, joka oli vapautunut kaikesta "orjuudesta": figuuraukseen, teoriaan, sodanjälkeisten tyylien jäännöspaineisiin. Termi elvytettiin myöhemmin itsenäisesti Yhdysvalloissa Larry Aldrichin, amerikkalaisen keräilijän ja Aldrich Contemporary Art Museumin perustajan, toimesta hänen vuoden 1969 Art in America -artikkelissaan "Young Lyrical Painters." Vaikka Aldrich todennäköisesti tiesi eurooppalaisesta käytöstä, hänen termin omaksumisensa johtui eri kriittisestä kontekstista: halusta nimetä post-minimalistinen ajattelutapa eikä sodanjälkeinen eurooppalainen.

Poiminta näyttelyluettelosta - Vuoden 1968-69 taidesesongin kohokohdat - Aldrichin modernin taiteen museo - Selaa luetteloa 

4. Ketkä ovat tärkeimmät lyyrisen abstraktion taiteilijat?

Euroopan puolella perustavanlaatuisia hahmoja ovat Georges Mathieu, itsejulistautunut perustaja, tunnettu teatraalisista esityksistään ja tubistitekniikastaan, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), jonka raakat, improvisoidut jäljet heijastivat sodanjälkeistä nihilismiä, Hans Hartung, jonka nopeat, kurinalaiset vedot tutkivat vapautta nopeuden kautta, Jean-Paul Riopelle, kanadalais-pariisilainen, jonka palettiveitsimosaiikit tulivat ikonisiksi, Zao Wou-Ki, jonka itämaisen kalligrafian ja Art Informelin yhdistelmä oli ainutlaatuinen, ja Simon Hantaï, joka aloitti lyyrisessä abstraktiossa ennen kuin erosi siitä kokonaan vuonna 1958 kehittääkseen oman taittelutekniikkansa, yksi sodanjälkeisen maalaustaiteen omaperäisimmistä urista. Amerikan puolella keskeisiä nimiä ovat Helen Frankenthaler, soak-stain-tekniikan keksijä, Sam Francis, jonka tachiste-roiskeet liittyivät buddhalaisiin tyhjyyden käsitteisiin, Joan Mitchell, joka yhdisti Action Paintingin impressionistiseen värisensitiivisyyteen, Dan Christensen, joka käytti teollisia ruiskupistooleja luodakseen valoisia silmukoita, ja Ronnie Landfield, joka loi termin "new sensibility" kuvaamaan sukupolvensa tekemisiä.

Riopelle - Chevreuse - 1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, syyskuu 2023 - © IdeelArt

5. Mitkä tekniikat määrittelevät lyyrisen abstraktion?

Prosessi ja tekniikka ovat keskeisiä lyyrisessä abstraktiossa tavalla, joka on lähes määritelmällinen: miten ja mitä ei voi erottaa toisistaan. Mathieu'n "Tubismi" (maalin suora levittäminen tuubista nopeasti ilman luonnosta) maksimoi spontaanisuuden ja kalligrafisen tarkkuuden samanaikaisesti. Riopelle työskenteli yksinomaan palettiveitsellä, rakentaen tiheitä, veistoksellisia impasto-pintoja, jotka muistuttavat mosaiikkia tai geologisia kerrostumia. Frankenthaler kaatoi ohennettua maalia pohjaamattomalle kankaalle, jolloin maali imeytyi kankaan kuteen läpi ja poisti eron pinnan ja pohjan välillä. Christensen käytti teollista ruiskupistoolia saavuttaakseen jatkuvia, silmukoivia viivoja, jotka ulottuivat käsivarren fyysisen ulottuvuuden yli. Viime aikoina taiteilijat kuten Macha Poynder yhdistävät automaattisen piirtämisen ja performatiivisen eleen harkittuun kerrostamiseen, heidän pintansa kantavat samanaikaista sattuman ja tarkoituksen tallennetta; Janise Yntema työskentelee encaustic-mehiläisvahalla, joka sulatetaan kaasuliekillä, rakentaen puoliläpinäkyviä kerroksia, jotka vangitsevat ja välittävät valoa; ja Emily Berger käyttää koko kehoaan vaakasuoriin eleellisiin vetoihin puulla, kaapien ja hankaamalla, kunnes paneeli kantaa useiden fyysisten panosten jälkiä. Kaikissa näissä tekniikoissa on yhteistä peruuttamattomuuden vaatimus: jälki on tehty, eikä tekemistä voi täysin kumota.

Janise Yntema - Yksinäisyyden kuiskaus - 2017

6. Milloin ja missä lyyristä abstraktiota syntyi?

Lyyrisellä abstraktiolla on kaksi erillistä historiallista alkuperää, joita ei tule sekoittaa, vaikka ne ovat hengeltään läheisiä. Ensimmäinen on Pariisi, 1947: näyttely "L'Imaginaire" Galerie du Luxembourgissa, jossa Jean José Marchand ja Georges Mathieu käyttivät termiä Abstraction Lyrique kuvaamaan uutta täydellisen abstraktion suuntausta, joka syntyi sodanjälkeisen Art Informelin kontekstissa. Tämä eurooppalainen liike kukoisti 1950-luvulla, keskittyen Pariisiin, ja siihen osallistuivat merkittävästi taiteilijat Ranskasta, Kanadasta, Japanista ja Kiinasta. Toinen alkuperä on New York, 1969–1971: Larry Aldrichin Art in America -artikkeli "Young Lyrical Painters" (1969) nimitti uuden sukupolven amerikkalaisia taiteilijoita, jotka siirtyivät pois minimalismista, ja liike vakiintui Whitney Museumin näyttelyssä "Lyrical Abstraction" vuonna 1971. Nämä kaksi hetkeä ovat historiallisesti erillisiä: eurooppalaiset taiteilijat olivat suurelta osin tuntemattomia tai sivuutettuja New Yorkin kriittisessä piirissä, mutta ne edustavat rinnakkaisia vastauksia rinnakkaisiin ongelmiin: tarpeen korostaa ihmistä, elettä ja tunteita järjestelmiä vastaan, jotka olivat käyneet liian kylmiksi. (katso myös kysymys 12 lisätietoja varten)

Jean-Paul Riopelle ja Fernand Leduc näyttelyssä "Automatisme" Galerie de Luxembourgissa, Pariisi, 1947

7. Mikä on ero lyyrisen abstraktion ja geometrisen abstraktion välillä?

Tämä on 1900-luvun abstraktion perustavanlaatuinen vastakkainasettelu, ja sitä kannattaa ottaa vakavasti. Geometrinen abstraktio, Mondrianin ruudukosta Albersin neliöihin ja 1960-luvun hard-edge-maalaustaiteeseen, etenee suunnitelman pohjalta. Muoto on olemassa ennen maalausta. Toteutus on tarkkuuskysymys: viiva menee sinne, minne oli päätetty sen menevän. Lyyristä abstraktiota ohjaa päinvastainen vakaumus: muoto syntyy maalaushetkessä, taiteilijan kehon, materiaalin ja hetken kohtaamisessa. Suunnitelma, jos sellainen on, hylätään tai ylitetään välittömästi. Geometrinen abstraktio arvostaa kontrollia, rakennetta ja toistettavuutta; lyyristä abstraktiota arvostaa spontaanius, sattuma ja korvaamaton ainutkertaisuus. Kumpikaan ei ole parempi, mutta ne edustavat aidosti vastakkaisia filosofioita siitä, mitä maalaus on ja mihin se on tarkoitettu. Yksityiskohtaisen tarkastelun geometrisesta perinteestä löydät IdeelArtin oheisesta esseestä "Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian".

Piet Mondrian - Tableau iii (Kompositio ovaalissa - yksityiskohta) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. Onko lyyrinen abstraktio edelleen merkityksellistä tänään?

Ei vain merkityksellinen, vaan kiistatta tarpeellisempi kuin koskaan aiemmin. Visuaalisessa kulttuurissa, joka on yhä enemmän kyllästetty algoritmisesti tuotetuilla kuvilla, jotka ovat teknisesti virheettömiä mutta kokemuksellisesti tyhjiä, lyyrinen abstraktio edustaa ihmisen jäljen kiistämätöntä perustelua: maalausta, jonka on voinut tehdä vain tämä keho, tässä hetkessä, näissä aidoissa epävarmuuden olosuhteissa. Nykytaiteilijat kuten Yari Ostovany (San Francisco, syntynyt Teheranissa), jonka pigmenttipitoiset pinnat viittaavat samanaikaisesti persialaiseen runoperinteeseen ja amerikkalaiseen Color Field -tyyliin, tai Paul Landauer (Belgrad, syntynyt Wienissä), jonka maalaukset liikkuvat arkkitehtonisen tarkkuuden ja ilmavan laajuuden välillä, aina saavutettu fyysisen sitoutumisen kautta eikä kaavan avulla, tai Jill Moser (New York), jonka kalligrafiset merkit asuvat maalauksen ja kirjoitetun kielen rajamailla, eleen ja merkityksen välissä: kaikki he tekevät töitä, joita generatiivinen tekoäly ei voi aidosti jäljitellä. Tämä ei ole kysymys visuaalisesta ulkonäöstä: algoritmi voi varmasti tuottaa jotain, joka näyttää lyyriseltä abstraktiolta, ja vakuuttavasti vieläpä. Mutta ihmisen läsnäoloa käytännön ytimessä ei voi simuloida.

Mitä nämä taiteilijat tuottavat, ei ole ensisijaisesti kuva: se on todiste elämästä, riskistä, fyysisestä hetkestä, joka tapahtui kerran eikä sitä voi rekonstruoida tilastollisista tiedoista. Pinta on tallenne, ei tulos. Merkittävä institutionaalinen kiinnostus jatkaa kasvuaan: vuonna 2025 Monnaie de Paris ja Centre Pompidou omistivat yhdessä laajan retrospektiivin Georges Mathieulle, "Geste, Vitesse, Mouvement", ensimmäisen tällaisen katsauksen yli viiteenkymmeneen vuoteen. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - Näyttelystä "Geste, Vitesse, Mouvement" Monnaie de Parisissa, 2025. Selaa luetteloa tästä

9. Mikä on ero lyyrisen abstraktion ja tachismin välillä — ovatko ne sama asia?

Ei aivan, vaikka ne ovat läheisesti yhteydessä toisiinsa ja termejä käytetään usein vaihdellen, mikä aiheuttaa todellista sekaannusta. Takismi (ranskasta "tahra, tarkoittaen tahraa tai läikkää) on tietty tekniikka: maalin spontaani levittäminen läikiksi, tippoiksi ja roiskeiksi, joka syntyi Pariisissa 1940-luvun lopulla ja jonka kriitikko Michel Tapié määritteli vuonna 1952. Lyyrinen abstraktio on laajempi ajattelutapa, joka kattaa takismin mutta ei rajoitu siihen. Voit ajatella takismia yhtenä lyyrisen abstraktion käyttämistä menetelmistä, ei sen synonyyminä. Molemmat kuuluvat laajempaan Art Informel -käsitteeseen, joka on sodanjälkeinen eurooppalainen hylkäys rationaalisille, geometrisille maalaustavoille.

Tyypillinen takistimaalaus: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. Mikä on ero lyyrisen abstraktion ja Color Field -maalauksen välillä?

Nämä kaksi liikettä jakavat sukupolven, maantieteen (molemmat kukoistivat sodanjälkeisessä Amerikassa) ja sitoutumisen väriin tunteen ensisijaisena välittäjänä, minkä vuoksi ne usein sekoitetaan. Keskeinen ero on eleen roolissa. Color Field -maalarit kuten Mark Rothko, Barnett Newman ja Morris Louis siirtyivät pois näkyvästä siveltimenvedosta kohti suuria, immersiivisiä väripintoja, jotka häivyttivät taiteilijan kädenjäljen. Lyyrinen abstraktio kulki päinvastaiseen suuntaan: ele, merkki, maalarin kehon fyysinen jälki ovat juuri se, mistä teos kertoo. Helen Frankenthaler on opettavin esimerkki, koska hänen soak-stain-tekniikkansa tuotti ilmavia väripintoja, mutta pysyi syvästi juurtuneena eleelliseen prosessiin. Käytännössä raja näiden kahden välillä on aidosti läpäisevä, ja monet maalaukset sopivat mukavasti molempiin leireihin.

Morris Louis - Pi - 1960 - North Carolina Museum of Art (2015 näyttely) - ©IdeelArt

11. Onko Joan Mitchell lyyrinen abstraktio vai abstrakti ekspressionismi?

Rehellisesti sanottuna molemmat, ja juuri tuo epäselvyys tekee hänestä niin tärkeän hahmon. Mitchell kouluttautui ja sai vaikutteita New Yorkin abstraktin ekspressionismin piirissä, ja hän jakoi sitoutumisen suurimuotoiseen, fyysisesti omistautuneeseen maalaamiseen. Mutta hänen työnsä sisältää lyyrisyyttä, valovoimaisuutta ja yhteyden maisemaan ja luonnolliseen aistimukseen, mikä asettaa sen yhtä lailla lyyrisen perinteen piiriin. Hän vietti suuren osan urastaan Ranskassa, missä hän oli lähempänä eurooppalaista Abstrakti lyriikka herkkyys enemmän kuin New Yorkin koulukunnan sankarillinen machismi. Useimmat taidehistorioitsijat sijoittavat hänet nykyään kahden liikkeen väliin, mikä on ehkä mielenkiintoisin asema, jonka maalari voi omaksua.

Joan Mitchell Vétheuilin studiossaan vuonna 1983. Valokuva Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives. © Joan Mitchell Foundation

12. Mikä on ero "abstraction lyrique"n ja "lyrical abstraction"in välillä?

Niillä on yhteinen filosofinen perusta, mutta ne ovat historiallisesti erillisiä.

Abstraction Lyrique on ranskalainen termi, jonka Jean-José Marchand ja Georges Mathieu loivat Pariisissa vuonna 1947 kuvaamaan sodanjälkeistä eurooppalaista suuntausta, joka juontaa juurensa Art Informeliin, eksistentialistiseen ajatteluun ja geometrisen rationalismin hylkäämiseen.

Marchand, taidekriitikko, keksi nimen kuvaamaan Mathieun teoksia, jotka olivat esillä marraskuussa 1947 neljästoista Salon des Surindépendants -näyttelyssä, neljä kuukautta sen jälkeen kun hän oli huomannut Mathieun Salon des Réalités Nouvelles -näyttelyssä:

"Haluaisin ensin mainita abstraktin taiteilijan Georges Mathieun työn. Tämä nuori mies esittelee kaksi suurta, hyvin lyyristä maalausta, jotka ovat hyvin liikuttavia ja uskon, että ne pystyvät koskettamaan yleisöä, vaikka ne eivät esitä mitään."

Mutta liikkeen teorian loi Mathieu. Hänen ensimmäisessä taidekirjoituksessaan, nimeltään "La liberté, c’est le vide" (Vapaus on tyhjyys), joka on kirjoitettu vuonna 1947 ja julkaistu 22. huhtikuuta 1948 H.W.P.S.M.T.B. -näyttelyluettelossa, Mathieu esitteli “tyhjyyden metafysiikan” perustan, ennustaen riskin metafysiikkaa ja aloittaen Abstraction Lyrique -liikkeen kartan – termi, jota hän suosikin enemmän kuin Marchandn alun perin käyttämää "Abstractivisme Lyrique" (Lyyrinen abstraktivismi).

Mathieun mukaan Abstraction Lyrique edellyttää, että “keskittyminen korvaa klassisen improvisaation käsitteen.” Se korostaa hengellisyyden, energian ja intuition kutsua menetelmien ja kaavojen kustannuksella, vaatien lopulta todellista herkkyyttä ja “avautumista kosmokseen” taiteilijalta.

"Tietoisena siitä, että olen täyttänyt tehtäväni, tehnyt kaiken vallassani olevan, tiedän ajan olevan puolellani, että totuus lopulta puhkeaa päivänvaloon, että tämä vapaa Abstraktio saa kohtalokkaan voiton, ja arvaanpa jopa, että se saattaa synnyttää suurimman sekasorron ja suurimman helppouden." -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. näyttelyluettelo (otteita)

"Lyrical Abstraction" amerikkalaisena liikkeenä nimettiin itsenäisesti vuonna 1969 keräilijä Larry Aldrichin toimesta vastauksena minimalismiin ja pop-taiteeseen. Whitney Museum määritteli amerikkalaisen liikkeen täydellisellä näyttelyllä vuonna 1971 nimeltä "Lyrical Abstraction", jonka näyttelylausunnon kirjoitti Larry Aldrich: 

"Kauden alussa kävi ilmeiseksi, että maalauksessa liikuttiin pois geometrisesta, kovareunaisesta ja minimalistisesta kohti lyyrisempiä, aistillisempia, romanttisia abstraktioita pehmeämmissä ja eloisammissa väreissä. Taiteilijat loivat merkittävässä määrin teoksia, jotka olivat visuaalisesti "kauniita", mikä oli siihen asti kuusikymmentäluvun taidemaailmassa likainen sana. Vaikka he eivät palanneet mihinkään aiempaan tyyliin, nämä uudet nuoret taiteilijat liittyivät miehiin, jotka olivat tehneet maalauksia maalauksellisella otteella jo kaksikymmentä vuotta tai enemmän: Mark Rothko, Robert Motherwell ja muut. Taiteilijan kädenjälki on aina näkyvissä tämän tyyppisissä maalauksissa, vaikka ne olisi tehty suihkupistoilla, sienillä tai muilla välineillä. Pinnat eivät ole koskaan anonyymejä kuten minimalistisissa maalauksissa; ne ovat hienovaraisesti vivahteikkaita ja usein viittaavat pilvisiin tyhjiöihin. Nämä maalaukset edustavat selkeää siirtymää kohti ilmaisuvoimaista kiinnostusta. Tutkiessani tätä lyyristä suuntausta löysin monia nuoria taiteilijoita, joiden maalaukset miellyttivät minua niin paljon, että tunsin pakottavaa tarvetta hankkia monia niistä. Suurin osa Lyrical Abstraction -näyttelyn maalauksista on tehty vuonna 1969, ja ne kaikki ovat nyt kokoelmassani." -Larry Aldrich

Näyttelyluettelo - Whitney Museum - "Lyrical Abstraction" (1971) - sivut 32 ja 33 - Selaa tästä

Kaksi liikettä kehittyivät pitkälti rinnakkain, ja niiden keskinäinen tietoisuus oli tuolloin vähäistä: 1950- ja 60-lukujen New Yorkin kriittinen eliitti suhtautui kuuluisasti väheksyvästi Pariisin taideskenelle. Nykyään termejä käytetään enemmän tai vähemmän synonyymeinä kuvaamaan yhteistä aistimusta, mutta kun historioitsijat käyttävät niitä tarkasti, Abstraction Lyrique viittaa eurooppalaiseen sodanjälkeiseen suuntaukseen ja "Lyrical Abstraction" amerikkalaiseen liikkeeseen 1960- ja 70-lukujen lopulla.

Miten tunnistan lyyrisen abstraktion — mitä maalauksesta tulisi etsiä?

Muutama merkki, yksinään ei ratkaiseva mutta yhdessä vakuuttava. Ensinnäkin etsi näkyvää fyysisen prosessin jälkeä: siveltimenvedot, jotka tallentavat nopeuden tai paineen, merkit, joita ei olisi voitu tehdä työkalulla, jota pidetään kankaan ulottumattomissa, pinnat, jotka osoittavat työstämisen ja uudelleen työstämisen jälkiä. Toiseksi etsi tunnelmallista tai emotionaalista tilaa, sillä lyyrinen abstraktio suuntautuu syvyyteen ja liikkeeseen ennemmin kuin kovareunaisen maalauksen tasaisen, julistavan pinnan suuntaan. Kolmanneksi huomaa, tuntuuko väri ilmeikkäältä vai rakenteelliselta: lyyrisessä abstraktiossa väri on mieliala, ei arkkitehtuuri. Lopuksi, ja kaikkein puhuttelevimmin, kysy, tuntuuko maalaus löydetyltä vai suunnitellulta. Jos vastaus on kyllä, jos teos näyttää syntyneen riskin ja sattuman kautta, katsot lähes varmasti lyyristä abstraktiota.

Emily Berger - Tuli ja jää - 2020

14. Mikä on sattuman ja vahingon rooli lyyrisessä abstraktiossa?

Keskeinen, mutta vivahteikas. Lyyrinen abstraktio ei palvo sattumaa itsessään, koska se olisi pelkkää satunnaisuutta, ja satunnaisuus ei ole sama kuin spontaanius. Se, mitä lyyrisen abstraktion tekijät arvostavat, on se, mitä voisi kutsua "tuottavaksi sattumaksi": hetki, jolloin maali tekee jotain, mitä maalari ei täysin tarkoittanut, ja tuo tahaton asia tunnistetaan todeksi, elävämmäksi, ilmeikkäämmäksi kuin mikään suunnitelma olisi tuottanut. Maalarin taito ei ole välttää näitä hetkiä, vaan osata lukea ne, reagoida niihin ja säilyttää ne. Mathieu kuvaili tätä "ekstaattisen keskittymisen" tilaksi, joka yhdistää täyden tietoisuuden ja tahallisen kontrollin keskeytyksen. Frankenthaler puhui maalin luottamuksen oppimisesta. Riopellen palettiveitsimosaiikit vaativat jatkuvia mikro-päätöksiä vastauksena edelliseen siveltimenvedon vaikutukseen. Jokaisessa tapauksessa sattuma ei ole teoksen tekijä – taiteilija on – mutta sattuma on välttämätön yhteistyökumppani.

Georges Mathieu Bezalelin kansallismuseossa Jerusalemissa, 1962, Yona Fisherin arkisto

15. Mikä on yhteys lyyrisen abstraktion ja musiikin välillä?

Se on sisäänrakennettuna nimessä. "Lyyrinen" tulee lyyrasta, Orfeuksen soittimesta, lyyrisen runouden juuresta, taiteen ideasta lauluna eikä puhuttuna. Kandinsky, jonka varhainen abstrakti työ ennakoi paljon siitä, mitä lyyrinen abstraktio tulisi olemaan, puhui nimenomaisesti maalauksesta visuaalisena musiikkina: hän uskoi, että väri ja muoto voivat välittää tunteita yhtä suoraan kuin ääni, ohittaen kielen kokonaan. Monet lyyrisen abstraktion edustajat kehittivät tätä rinnastusta tietoisesti. Mathieu esitti maalauksiaan live-jazzin tahdissa, ja hänen vuoden 1959 kankaansa Le Massacre de la Saint-Barthélemy maalattiin samalla kun rumpali Kenny Clarke improvisoi hänen vieressään. Joan Mitchell kuvaili maalauksiaan usein musiikillisilla termeillä, sävellyksinä, joissa on rytmi, tempo ja hiljaisuus. Yhteys ei ole pelkästään metaforinen: sekä musiikki että lyyristä abstraktiota tuottavat merkitystä keston, toiston, variaation sekä jännitteen ja vapautuksen hallinnan kautta, eivät kiinteiden, luettavien kuvien avulla.

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. Mikä on ero lyyristä abstraktion ja neoekspressionismin välillä?

Neoekspressionismi syntyi 1970-luvun lopulla ja hallitsi 1980-luvun taidemarkkinoita, taiteilijoina muun muassa Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat ja Julian Schnabel. Molemmat liikkeet arvostavat elettä, tunnetta ja maalin fyysistä läsnäoloa, joten sekaannus on ymmärrettävää. Keskeiset erot ovat figuratiivinen sisältö ja kulttuurinen lämpötila. Neoekspressionismi säilyttää lähes aina tunnistettavan kuvaston: vääristyneet hahmot, symboliset esineet, kertovat fragmentit. Lyyristä abstraktiota on päättäväisesti ei-figuratiivista. Neoekspressionismi on myös raikkaampaa, enemmän provosoivaa, kiinnostuneempaa myyteistä, historiasta ja kulttuurisesta traumasta eksplisiittisenä aiheena. Lyyristä abstraktiota kiinnostaa enemmän puhdas aistimus, värisuhteet ja havaintopsykologia. Jos lyyristä abstraktiota voi verrata jazz-musiikkiin avoimilla ikkunoilla, neoekspressionismi on täysin eri soitin: kovempi, teatraalisempi ja hyvin kiinnostunut kertomaan tarinaa.

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - helmikuu 2023 - Asennusnäkymä - ©IdeelArt

17. Voiko lyyristä abstraktiota sisältää figuratiivisia elementtejä?

Teknisesti ei, mutta käytännössä raja on epätarkka ja mielenkiintoinen. Lyyristä abstraktiota määritelmällisesti ei ole figuratiivista, eli se ei kuvaa tunnistettavia kohteita. Monet lyyristä perinnettä edustavat taiteilijat kuitenkin huomaavat, että eleelliset jäljet, ilmapiirivärit ja orgaaniset muodot alkavat viitata maisemaan, kehoon tai säähän ilman, että taiteilija on sitä tarkoittanut. Joan Mitchell'n myöhäiset maalaukset leijuvat jatkuvasti maiseman rajalla ilman, että ne koskaan kuvaavat sellaista. Riopelle'n mosaiikit herättävät ilmakuvamaisia näkymiä maastosta. Tämä ei ole abstraktion epäonnistuminen: näin käy, kun maalaus on riittävän elävää ja ruumiillista, koska maailma vuotaa takaisin sisään. Merkityksellinen ero on aikomuksessa: lyyristä abstraktiota ei aloiteta hahmosta tai paikasta. Se, mikä saapuu odottamatta, on osa sen rehellisyyttä.

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - Kesäkuu 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauer'n "The night: Omakuva nuorena poikana" (alla) havainnollistaa tätä rajapyykkiä erityisellä voimalla. Hahmo nousee myrskyisästä syvän punaisen ja mustan kentästä, ei niinkään maalattuna kuin loihtien, muoto muodostuen maalin oman logiikan kautta. Landauer ei aloittanut perinteisestä hahmosta: hän aloitti maalista, prosessista, tunnepohjaisesta sisäisestä maailmasta. Hahmo saapui. Ja koska se saapui näin, se kantaa jotain, mitä suoraviivainen muotokuva ei koskaan voisi: muiston pinnalle nousemisen tunnetta, ei pelkkää kuvausta.

Paul Landauer - The Night (Omakuva nuorena poikana) - 2025

18. Mitä keräilijän tulisi etsiä ostaessaan lyyristä abstraktiota?

Tavallisten kunnon, alkuperän ja taiteilijan uran huomioiden lisäksi lyyrinen abstraktio esittää keräilijälle muutamia erityisiä kysymyksiä. Ensinnäkin: kestääkö pinta pitkäaikaista katselua? Lyyrinen abstraktio paljastuu hitaasti, ja maalaus, joka toimii hyvin kauempaa katsottuna, palkitsee myös lähempää tarkastelua, jolloin prosessin fyysiset jäljet tulevat näkyviin. Toiseksi: onko ele vakuuttava? On ero aidolla fyysisellä sitoutumisella tehdyn jäljen ja sellaisen välillä, joka vain esittää spontaanisuutta ilman todellista riskiä, ja kokemuksen myötä silmä oppii aistimaan tämän eron. Kolmanneksi: onko teoksella sisäinen johdonmukaisuus? Paras lyyrinen abstraktio ei ole kaoottista: sillä on logiikka, joka aistitaan ennemmin kuin luetaan, rakenne, joka pysyy kasassa vaikka sitä ei olisi suunniteltu etukäteen. Lopuksi, luota omaan vaistomaiseen reaktioosi. Lyyrinen abstraktio on tehty tunnettavaksi ennen kuin se ymmärretään, ja keräilijä, joka reagoi teokseen fyysisesti, tuntee sen energian kehossaan ennen kuin mieli on ehtinyt mukaan, kokee juuri sen, mitä taiteilija on tarkoittanut. 

Kaikki kuvat © taiteilijoille, ellei toisin mainita
Esittelykuva: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (yksityiskohta)

Lyyrinen taide varastostamme (valikoima)