Kolme sinisen mestaria nykyaikaisessa taiteessa

Kun näet sinisen värin, mitä tunnet? Kuvailetko sitä eri tavalla kuin mitä tunnet kuullessasi sanan sininen tai lukiessasi sen sivulta? Onko sävyn välittämä tieto erilainen kuin sen nimen välittämä tieto? Mitä ikinä tunnetkin, onko mahdollista, että tunne on yleismaailmallinen? Vai tarkoittaako sininen eri asioita eri ihmisille? Entä eläimet? Yhdistävätkö ne värit tunteisiin vai käyttävätkö ne värireseptoreitaan vain selviytymiseen? Nämä kysymykset ovat hämmentäneet värin tutkijoita vuosisatojen ajan, eikä vastaus niihin ole tänäkään päivänä paljon lähempänä kuin sata vuotta sitten. Mutta Phaidon Pressin äskettäin julkaisema kirja vie meitä hieman pidemmälle värin ymmärtämisessä, ainakin taiteen näkökulmasta. Kirjan on kirjoittanut Stella Paul, entinen kuraattori Los Angelesin piirikunnan taidemuseossa ja entinen ohjelmajohtaja New Yorkin Metropolitan-taidemuseossa. Chromaphilia: The Story of Color in Art esittelee 240 yksittäistä taideteosta. Hänen perusteellinen värin tutkimuksensa valaisee lukemattomia tapoja, joilla kymmenen erilaista väriluokkaa on kautta historian ollut taiteilijoiden käytössä. Lisäksi se tutkii värin yhteyksiä tieteeseen, tunteisiin, esteettisyyteen ja muihin ihmiskulttuurin alueisiin. Tänään haluamme tarkastella syvällisemmin muutamien Paulin mainitsemien taiteilijoiden töitä havainnollistaaksemme sinisen värin laajuutta ja voimaa: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso ja Yves Klein.

Värin näkeminen

Yksi kummallisista asioista värissä on, kuinka usein kaksi ihmistä voi katsoa samaa esinettä samaan aikaan samassa paikassa ja silti väittää, että esine on eri värinen. Mietimme, ”Kuinka se on mahdollista? Eikö väri ole objektiivinen?” Lyhyt vastaus on ei. Väri on usein subjektiivinen. Syynä on ihmisen värinäön takana oleva tiede. Ihmiset (ja useimmat muutkin värin näkevät eläimet) ovat trikromaattisia. Se tarkoittaa, että ihmisen silmien reseptorit havaitsevat kolme perusaaltoaluetta, jotka vastaavat väriä. Olet ehkä kuullut RGB-värimallista, jota jotkut tulostimet käyttävät. RGB-kirjaimet tarkoittavat punaista, vihreää ja sinistä. Tämä värimalli vastaa parhaiten ihmisen näköä. Tietenkään punainen, vihreä ja sininen eivät ole ainoat värit, jotka ihmisen silmä voi havaita. Itse asiassa useimmat ihmiset voivat erottaa jopa seitsemän miljoonaa erilaista sävyä. Mutta jokainen näistä sävyistä tulkitaan aivoissa sen jälkeen, kun silmät ovat ensin havainneet sen jonkinlaisena punaisen, vihreän ja sinisen yhdistelmänä.

Lisäksi värin, jonka havaitsemme esineessä, ei tarvitse johtua pelkästään esineestä itsestään. Voisimme toki analysoida esineen materiaalin ja saada jonkinlaisen käsityksen siitä, minkä värinen materiaali todennäköisesti on kemiallisen koostumuksensa perusteella. Mutta aineen kemiallinen koostumus ei ole ainoa tekijä, joka vaikuttaa siihen, minkä värisenä sen havaitsemme. Ihmiset pystyvät näkemään värejä valon ansiosta. Ja valo voi myös olla värillistä, jolloin se voi muuttaa silmiemme näkemää väriä pinnalla. Lisäksi yhden ihmisen silmät voivat olla herkemmät tai vain eri tavalla herkät valolle kuin toisen, mikä saa aikaan sen, että kahden aivojen tulkinta väristä voi olla erilainen. Periaatteessa sama asia, joka antaa meille värinäön, voi myös muuttaa värin havaitsemistamme. Siksi väristä puhuminen voi joskus tuntua subjektiiviselta, ja väittely siitä, minkä värinen jokin on, voi tuntua suorastaan järjettömältä.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, akryyli kankaalle, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Sininen väri

Siitä huolimatta, että eri ihmiset näkevät saman värin eri tavoin, vaihtelut eivät yleensä ole niin dramaattisia kuin esimerkiksi yhden ihmisen nähdessä punaisen ja toisen sinisen. Tavallisesti vaihtelu on hienovaraisempaa, kuten yhden nähdessä taivaan sinisen ja toisen akvamariinin. Mutta laajasti vaihtelee se, mitä muuta aivomme havaitsevat tietystä väristä sen fyysisten ominaisuuksien lisäksi. Kuten Chromaphilia: The Story of Color in Art -kirjan sinistä väriä käsittelevän luvun aloituslause toteaa, ”Sinisiä on monenlaisia – kaikki samaa sävyä, mutta äärettömän moninaisia ulkonäöltään, vaikutukseltaan, alkuperältään ja merkitykseltään.”

Ulkonäkö on jo käsitelty. Mutta hauskuus alkaa, kun pohdimme ”vaikutusta, alkuperää ja merkitystä.” Vaikutuksesta puhuttaessa, yksi ihminen voi nähdä sinisen värin ja rauhoittua. Toinen voi tulla surulliseksi nähdessään jotain sinistä. Suuri osa siitä, miten reagoimme väriin, liittyy aiempiin kokemuksiimme kyseisestä väristä. Alkuperä on toinen kiehtova näkökulma, sillä jokainen sinisen värin muunnelma syntyy jostain perustavanlaatuisesti erilaisesta aineiden sekoituksesta. Sinisen maalisävyn vaihtelut voivat johtua erilaisista sideaineiden ja mineraalien yhdistelmistä. Sinisen valon vaihtelut voivat liittyä erilaisiin hiukkasiin ilmassa. Ja merkityksen osalta asiat monimutkaistuvat entisestään. Jokainen yksilö, ryhmä ja kulttuuri kehittää oman omaleimaisen suhteensa siniseen väriin. Siksi sinisen värin käyttäminen taideteoksessa voi johtaa siihen, että teoksen katsomisen yhteydessä koettu merkitys on täysin arvaamaton. Tutkiaksemme, kuinka villisti sinisen havainnointi voi vaihdella taiteessa, tarkastellaan kolmen Chromaphilia: The Story of Color in Art -kirjassa mainitun taiteilijan töitä: Yves Kleinin, Helen Frankenthalerin ja Picasson.

Pablo Picasso - Äiti ja lapsi, 1902, öljy kankaalle

Sininen Yves Kleinin töissä

Kun puhutaan 1900-luvun taiteesta ja sinisestä väristä, harva taiteilija nousee useimpien mieleen yhtä nopeasti kuin Yves Klein. Tarinan mukaan nuorena miehenä Klein vietti aikaa rannalla ystäviensä, taiteilija Armanin ja ranskalaisen säveltäjän Claude Pascalin kanssa. Kolmikko jakoi maailman keskenään. Arman valitsi maan, Pascal kirjoitetut symbolit ja Klein taivaan, nostaen heti kätensä ja allekirjoittaen nimensä ilmaan. Siitä hetkestä lähtien väri oli Kleinille tärkeä. Yksi hänen varhaisimmista näyttelyistään sisälsi yksivärisiä kankaita eri puhtaina väreinä maalattuna. Kun yleisö ei kuitenkaan ymmärtänyt, mitä hän yritti ilmaista, hän tajusi, että hänen täytyy yksinkertaistaa ja käyttää vain yhtä väriä tehdäkseen pointtinsa. Näin hän ryhtyi kehittämään omaa tunnusomaista sävyään.

Kuten Stella Paul selittää kirjassa Chromaphilia: The Story of Color in Art: ”[Klein] työskenteli Edouard Adamin kanssa, pariisilaisen värikauppiaan, joka konsultoi kemistejä Rhone-Poulencilla, luodakseen synteettisen sideaineen... Tuloksena oli Rhodopas M60A, jota voitiin ohentaa eri viskositeettitasoihin etanolilla ja etyliasetaatilla. Tämä sideaine säilyttää pigmentin maagisen hehkun...Klein tilasi oman räätälöidyn synteettisen maalinsa käyttäen tätä uutta sideainetta, jonka hän patentoi nimellä IKB (International Klein Blue); vuodesta 1957 lähtien hän käytti tätä pigmenttiä lähes yksinomaan.” Klein käytti International Klein Blue -väriä luodakseen ikoniset yksiväriset siniset kankaansa ja useita monumentaalisia julkisia installaatioita. Hän käytti sitä myös luodakseen joitakin vaikutusvaltaisimpia teoksiaan: performansseja, joissa alastomat mallit peittivät itsensä IKB:llä ja painoivat vartalonsa eri asennoissa kankaille.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Sininen Helen Frankenthalerin töissä

Abstrakti maalaritar Helen Frankenthaler oli toinen taitava 1900-luvun sinisen värin puolestapuhuja. Frankenthaler keksi maalaustekniikan nimeltä soak-stain (imeytysmaalaus). Tekniikka tarkoittaa maalin kaatamista suoraan pohjustamattomalle, venyttämättömälle kankaalle, joka on levitetty lattialle, ja maalin annetaan imeytyä kuituihin ja levitä pinnalle itsestään. Aluksi Frankenthaler käytti tätä tekniikkaa öljyväreillä, mutta oppi pian, että öljyväri heikentää raakaa kangasta nopeasti. Hänestä tuli näin varhainen akryylivärien puolestapuhuja, sillä ne eivät heikennä kangasta samalla tavalla. Akryyliväreillä on kuitenkin eloisat, hehkuvat ominaisuudet sävyjen suhteen. Kaataessaan eri puhtaita sävyjä suoraan kankailleen Frankenthaler pystyi ohjaamaan maalin virtausta tavoilla, jotka tutkivat värisuhteita uudella tavalla ilman käsitteellistä häiriötä, kuten viivojen, muotojen, tekstuurin tai muodon vaikutusta.

Kirjassa Chromaphilia: The Story of Color in Art Stella Paul kiinnittää erityistä huomiota Helen Frankenthalerin vuonna 1952 maalaamaan teokseen Mountains and Sea. Sitä pidetään ensimmäisenä kankaana, jonka Frankenthaler loi soak-stain-tekniikallaan. Paul sanoo teoksesta: ”Palattuaan New Yorkin studioonsa väliaikaisen oleskelun jälkeen Nova Scotiassa Frankenthaler muisteli myöhemmin, että hän oli sisäistänyt Kanadan maiseman, joka oli juurtunut paitsi hänen mieleensä myös hänen olkapäähänsä ja ranteeseensa. Tämän mielen ja kehon taustan avulla hän loi lyyrisen, maaseutumaisen abstraktion kutsuakseen esiin paikan muiston värin kautta.” Frankenthaler käsitti maalin kaatamisen prosessina, jossa hän käänsi kehossaan sisäistetyn asian ulkoiseksi kankaalle. Maalaus käyttää lähes kokonaan punaisen, vihreän ja sinisen sävyjä, joista sinisen eri sävyt erottuvat voimakkaimmin abstraktina, ei kuvaannollisena, meren ilmentymänä.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Sininen Picasson töissä

Väri oli äärimmäisen tärkeä Pablo Picassolle, erityisesti hänen uransa alkuvaiheissa. Usein hänen tuon ajan töitään luokitellaan värin mukaan, kuten Ruusukausi ja Sinikausi. Nämä luokitukset liittyvät selvästi siihen, mitä pigmenttejä hän käytti maalauksissaan, mutta myös hänen henkilökohtaisen elämänsä olosuhteisiin, jotka väitetysti vaikuttivat siihen, mitä aiheita hän valitsi eri sävyillä kuvattavaksi. Hänen Ruusukautensa kesti suunnilleen vuosina 1904–1906. Se osui ajanjaksolle, jolloin hän aloitti suhteensa rakastajattareensa Fernande Olivieriin ja muutti Pariisin Montmartre-alueelle. Ruusukauden teokset koostuivat iloisista kuvista, kuten harlekiineista ja sirkuksista. Ruusukauden lopulla Picasso maalasi merkittävän teoksensa, vaaleanpunaisen Les Demoiselles d’Avignonin, jota pidetään usein kubismin edeltäjänä.

Picasson Sinikausi oli Ruusukautta edeltävä ajanjakso, noin vuosina 1901–1904. Se oli hänen elämänsä vaihe, jota hallitsi masennuksen ja surun tietoisuus. Picasso on todennut: ”Aloitin sinisen maalaamisen, kun sain tietää Casagemasin kuolemasta.” Tämä viittaa hänen rakkaaseen ystäväänsä Carlos Casagemasiin, joka ampui itsensä päähän kahvilassa Pariisissa, kun Picasso oli poissa kaupungista. Palattuaan Pariisiin Picasso asui ja työskenteli Casagemasin studiossa, missä hän ryhtyi maalaamaan lähes yksivärisiä sinisiä teoksia. Kuten Stella Paul toteaa kirjassa Chromaphilia: The Story of Color in Art, ”Teoksen The Old Guitaristin läpitunkeva sininen on materiaalinen ilmaus jostain surullisesta, syrjäytyneestä ja marginaalisesta. Hämärä mieliala laskeutuu aiheen epänormaalin sinertävän ihon, vaatteiden ja ympäröivän tilan ylle. Kulmikkaat eleet ja pitkänomaiset raajat ja piirteet tässä alakuloisessa, sokeassa muusikossa vahvistavat sinisen värin luomia vaikutelmia.” Mutta kuten näemme näistä kolmesta esimerkistä, Yves Kleinista, Helen Frankenthalerista ja Pablo Picassosta, sininen ei aina ilmaise surua, eikä se aina viittaa taivaaseen tai mereen. Sinisen sävyjen mahdollinen kirjo on näennäisesti loputon. Samoin on tunteiden, kokemusten, yhteyksien ja merkitysten kirjo, jonka voimme saada sinisestä väristä esiin.

Pablo Picasso - Sokean miehen aamiainen, 1903, öljy kankaalle

Kuvassa: Yves Klein - Nimetön sininen yksivärinen, 1960, kuva © Yves Klein Archive
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio