Saitko Viestin? Kuinka Abstraktit Taiteilijat Välittävät Ympäristön Kiireellisyyden
Ilman hahmoa, ilman kertomusta, ilman kirjaimellista esitystä: miten välität viestin visuaalisessa taiteessa? Tämä on aktivistin dilemma abstraktissa taiteessa, ja se selittää, miksi aidosti aktivistinen abstraktio on harvinaista. Figuroiva taide voi näyttää sulavan jääkarhun, tulvivan kaupungin, mielenosoittajan kasvot. Abstrakti taide tarjoaa vain väriä, muotoa, elettä, materiaalia. Kuitenkin ilmastokriisin kiihtyessä ja vaatiessa kaikkia ääniä, pioneeri-taiteilijoiden ryhmä on osoittanut, että abstraktio voi todella olla aktivistista, ei vastoin sen vastustusta eksplisiittiseen viestintään, vaan sen ainutlaatuisten tarjoamien ominaisuuksien vuoksi.
Haaste on todellinen. Perinteinen ilmastoviestintä (katastrofaaliset kuvat, ylivoimaiset tiedot) on saavuttanut rajansa, usein aiheuttaen tutkijoiden kutsumaa "ilmastoväsymystä" tai emotionaalista lamaantumista. Abstrakti ympäristötaide tarjoaa vaihtoehtoisen strategian: sen sijaan, että se kuvaisi katastrofia, se mallintaa ympäristöprosesseja (virtaus, liukeneminen, kertyminen) ja sitouttaa katsojat suoran aistillisen ja emotionaalisen kokemuksen kautta. Se ei näytä kriisiä; se saa sinut tuntemaan sen.
Tämä artikkeli tutkii, miten abstraktit taiteilijat viestivät ympäristön kiireellisyyttä kuuden erillisen esteettisen strategian kautta. Pioneeri-taiteilijoiden (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker ja muiden) työn avulla tarkastelemme, miten abstraktion ilmeiset rajoitukset muuttuvat odottamattomiksi vahvuuksiksi ympäristöaktivismissa.
Kaksi mallia, kuusi strategiaa
Abstrakti ympäristöaktivismi toimii kahden laaja-alaisen mallin kautta: Tunteellinen malli, joka käyttää rituaalia, osallistumista ja kollektiivista surua saadakseen katsojat tuntemaan ympäristöongelmat jaettujen tunnekokemusten kautta; sekä Kognitiivinen malli, joka käyttää visualisointia, uppoutumista ja mittakaavaa saadakseen katsojat ymmärtämään näkymättömät ekologiset järjestelmät ja prosessit.
Näiden mallien puitteissa taiteilijat käyttävät kuutta keskeistä strategiaa:
1. Näkymättömän tekeminen näkyväksi: Jotkut tuhoisimmista ympäristövoimista pysyvät paljain silmin näkymättöminä: ilmakehän hiili, lämpötilan vaihtelut, mikroskooppiset ekosysteemit, geologinen aika, joka etenee liian hitaasti ihmisen havaittavaksi. Abstraktit taiteilijat ovat löytäneet tapoja kääntää nämä piilevät ilmiöt havaittaviin muotoihin, tehden käsinkosketeltavaksi sen, mitä emme muuten näe mutta mitä meidän on kipeästi ymmärrettävä.
2. Materiaalitodistaja: Sen sijaan, että kuvaisivat ympäristökriisiä, jotkut taiteilijat antavat materiaaliensa toimia aktiivisina viestin välittäjinä. He käyttävät ekologisesti merkittäviä aineita tai sallivat luonnollisten prosessien, kuten eroosion, liukenemisen ja hajoamisen, muokata teosta itseään. Taideteoksesta tulee oikeuslääketieteellinen jälki, fyysinen todiste ympäristötapahtumista eikä niiden esitys.
3. Mittakaava ja uppoutuminen: Monumentaaliset muodot ja immersiiviset installaatiot voivat ylikuormittaa katsojia, pakottaen ruumiillisen kohtaamisen ekosysteemien laajuuden kanssa. Tämä strategia murtaa mukavan etäisyyden tarkkailijan ja ympäristön välillä, käyttäen fyysistä mittakaavaa torjuakseen vieraantumista, joka ruokkii ekologista kriisiä. Kun olet teoksen ympäröimä tai sen varjossa, älyllinen ymmärrys antaa tilaa viskeraaliselle kokemukselle.
4. Väri datana/todistajana: Väri ympäristöabstraktiossa toimii usein vähemmän tunteiden ilmaisuna ja enemmän koodattuna tietona. Taiteilijat käyttävät tiettyjä paletteja kääntääkseen dataa (saastetasoja, lämpötilan muutoksia, biodiversiteettimittareita) tai toimiakseen symbolisena todistajana biologiselle elinvoimalle. Tietty vihreä ei ole vain kaunis; se kantaa todistusta tietystä metsästä, tietystä ekologisen havainnon hetkestä.
5. Toisto ja kertymä: Toistuva ele, kertynyt esine, sarjamuotoinen muoto voivat mallintaa ekologisia ilmiöitä, jotka kehittyvät ajan ja määrän myötä: solukasvu, muovin hajoaminen, teollisen tuotannon kumulatiivinen vaikutus. Kun yksittäiset elementit moninkertaistuvat tuhansiin, teos tekee näkyväksi ympäristökriisin mittakaavan tavoilla, joita yksittäiset kuvat eivät pysty.
6. Ruumiillistunut kokemus: Jotkut teokset vaativat enemmän kuin visuaalista huomiota. Ne edellyttävät fyysistä osallistumista, aktivoivat useita aisteja (kosketus, haju, lämpötila) tai luovat yhteisiä rituaaleja. Muuttamalla katsojat passiivisista tarkkailijoista aktiivisiksi osallistujiksi nämä teokset herättävät ruumiissa eläviä affektiivisia reaktioita (surua, rauhaa, ahdistusta, yhteyttä), jotka luovat syvällisen ymmärryksen, joka motivoi eettiseen toimintaan.
Katsotaan, miten nämä strategiat toimivat käytännössä.
Jaanika Peerna - Big melt #10 ja Big Melt #16 (2016)
Affective-malli: Jaanika Peernan Glacier Elegies
Jaanika Peerna, Virossa syntynyt taiteilija, joka työskentelee New Yorkin, Lissabonin ja Tallinnan välillä, on kehittänyt yhden kehittyneimmistä lähestymistavoista ympäristöön todistajana osallistuvan performanssin ja hallitun liukenemisen kautta. Hänen käytäntönsä koki tietoisesti suunnanmuutoksen noin vuonna 2017 käsitelläkseen ilmaston romahdusta suoraan, muuttaen aiemmat tutkimuksensa luonnonvoimista (tuuli, vesi, valo) eksplisiittiseksi ilmastoaktivismiksi.
Peerna käyttää tekniikkaa, jossa hän tarttuu kumpaankin käteensä nipun lyijykyniä ja suorittaa spontaanit, koko kehon eleet suurilla Mylar-arkkeilla, luoden kineettisiä piirroksia, jotka tallentavat luonnonvoimat puhtaan liikkeen kautta. Lyijykynät muuttuvat hänen kehonsa jatkeiksi, muuttaen taiteilijan siihen, mitä kriitikot kutsuvat "astioiksi, jotka vangitsevat luonnon prosessit." Mutta aktivistinen voima syntyy esityksen toisessa näytöksessä.
Jatkuvassa Glacier Elegy -projektissaan Peerna kutsuu yleisön yhteistyöhön näiden suurten piirrosten luomisessa. Sitten hän asettaa luonnollisen jään paloja pinnalle. Jään sulaessa se aktiivisesti liuottaa piirrettyjä viivoja ja pigmenttejä, pyyhkien yhteistyössä luodun teoksen reaaliajassa. Tämä prosessi tiivistää vuosikymmeniä jäätikön sulamista välittömäksi, ruumiilliseksi kokemukseksi menetyksestä.
Nerous piilee yleisön osallistumisessa (Strategia 6: Embodied Experience). Ottamalla yleisön mukaan luomiseen Peerna takaa emotionaalisen sitoutumisen; myöhempi tuho muuttuu jaetuksi, konkreettiseksi menetykseksi abstraktin datan sijaan. Teos ei kuvaa jäätikön sulamista; se toteuttaa sen, muuttaen katsojat todistajiksi ja sureviksi. Hänen lähestymistapansa tunnistaa, että perinteinen katastrofikuva usein lamaannuttaa; hänen rituaalinen menetelmänsä tarjoaa rakenteellisen "tien läpi" ylivoimaisen ilmastokivun, muuttaen osallistumisen passiivisesta havainnosta siihen, mitä hän kutsuu "eettisen vastuun ja huolenpidon teoksi planeetasta."
Sulava jää toimii Material Witness (Strategia 2). Vesi ei ole pelkkä väline; se on aktiivinen muodonmuutoksen ja tuhon tekijä. Painovoima ja virtaus määräävät lopullisen koostumuksen, tehden taideteoksesta oikeuslääketieteellisen dokumentin itse liukenemisprosessista. Peerna on myös kehittänyt hienostuneen ajallisen ulottuvuuden (Scale/Immersion, Strategia 3). Kun hänen aiemmat teoksensa juhlistivat hitaita luonnonprosesseja, Glacier Elegy nopeuttaa tarkoituksellisesti geologista traumaa, puristaen vuosikymmeniä jäätikön vetäytymistä rituaalisen esityksen lyhyeen kestoon. Tämä puristus simuloi kiireellisyyttä tavalla, johon ilmastotiedot eivät pysty.
Peerna laajentaa tätä käytäntöä studiotyöhönsä, jossa hän esittää yksinversioita samasta rituaalisesta prosessista. Tuloksena olevat teokset (nimeltään 'Tipping Point', 'Big Melt', 'Meltdown', 'Ablation Zone') esittävät voimakkaan paradoksin: pysyviä synteettisiä monumentteja Mylarilla, jotka tallentavat hetkellistä luonnon tragediaa, korostaen ihmisen valmistamien materiaalien pitkäikäisyyttä luonnon prosessien haurauden rinnalla.
Kineettisten viivojen ja eleiden kasaantuminen Mylarille (Toisto/Kasaantuminen, Strategia 5) heijastaa tallennettujen luonnonvoimien monimutkaisuutta ja intensiteettiä. Vaikka Peerna estetiikka on minimalistinen (usein mustaa valkoisella), hänen aktivisminsa perustuu tarkkaan sanastoon (Väri datana, Strategia 4). Hänen otsikkonsa viittaavat kriittisiin prosesseihin jäätikkötieteessä ja ilmastotieteessä, yhdistäen emotionaalisen estetiikan objektiivisiin datapisteisiin ja juurruttaen abstraktin työn tieteelliseen todellisuuteen.
Reiner Heidorn - Specific Rank #2 ja Specific Rank #1 (2024)
Ontologinen malli: Reiner Heidornin Bio-Divisionismi
Reiner Heidorn, Baijerissa asuva saksalainen taiteilija, käyttää radikaalisti erilaista lähestymistapaa. Työskennellen studiostaan, joka on ympäröity Baijerin Alpeilla ja metsillä, Heidorn on kehittänyt niin kutsutun "Dissolutio"-tekniikan (latinaa, tarkoittaa liukenemista), prosessin, jonka tarkoituksena on nimenomaan liuottaa rajat ihmiskunnan ja luonnon maailman välillä.
Heidornin aktivismi ei keskity saastumiseen tai materiaaliseen rappeutumiseen kuten Peerna, vaan terveellisen ontologisen suhteen palauttamiseen luontoon. Hänen maalauksensa ovat hänen kutsumiaan "kulkuja" tai "aukkoja" kohti elävää ainetta, pyrkien luomaan "rajojen vailla olevan tilan" tarkkailijan ja tarkkailtavan välille. Tämä pyrkimys purkaa subjekti/objekti-dikotomia, jonka ekologiset filosofit tunnistavat ympäristökriisin juurisyynä, määrittää hänen työnsä poliittisen vaikuttavuuden.
Hänen tekniikkansa tarjoaa poikkeuksellisen esimerkin Näkyvän Näyttämisestä (Strategia 1). Heidorn muuntaa mikroskooppiset solurakenteet ja makean veden ekosysteemit valtaviksi immersiivisiksi värikentiksi. Hänen tyyliään, jota taidehistorioitsijat kutsuvat "Neo-ekspressionistiseksi Bio-Divisionismiksi", käyttää hänen kutsumaansa "Mikroskooppista Pointillismia": tuhansia pieniä, tarkkoja väripisteitä järjestäytyvät pehmeiksi sävyiksi, siirtäen tieteellisen mikroskopian visuaalisen kielen emotionaaliseen ilmaisuun. Hän tekee havaittavaksi elämän monimutkaisuuden ja yhteyden, jotka normaalisti jäävät ihmisen silmän ulottumattomiin, paljastaen näkymättömät verkostot, jotka ylläpitävät ekosysteemejä.
Dissolutio-prosessi toimii itsessään Materiaalitodistajana (Strategia 2), vaikkakin implisiittisesti. Säilyttääkseen teoksensa liikkeessä ja sisällyttääkseen katoavaisuuden esteettisenä ominaisuutena, Heidorn rikkoo tarkoituksellisesti klassisen öljyvärimaalauksen sääntöjä, sekoittaen värejä suoraan kankaalle ja hyväksyen "virheet" kuten kuplat ja kraatterit. Tämä materiaalin muutos varmistaa, että teos ilmentää virtausta ja muutosta, vahvistaen elävän, muuttuvan aineen ideaa ja antaen hallinnan luonnollisille prosesseille.
Hänen teostensa formaatti on kriittinen vaikuttamiskeino (Mittakaava/Immersio, Strategia 3). Hänen kankaansa ovat monumentaalisia ja ylisuuret, suunniteltu "ylivoimaistamaan katsojat", toimien "portteina", jotka upottavat katsojan elävään, muuttuvaan aineeseen. Tämä monumentaalinen mittakaava on tarkoituksellinen aktivistinen strategia antroposeentrismiä vastaan. Pakottamalla katsojat ruumiilliseen kohtaamiseen ekosysteemin valtavuuden kanssa, teos korostaa sitä, mitä Heidorn kutsuu "yksilön täydelliseksi merkityksettömyydeksi." Kaukana nihilistisestä, tämä lähestymistapa rohkaisee nöyryyteen ja edistää sitä, mitä hän kuvaa "psykologiseksi toipumiseksi." Tuntemalla itsensä merkityksettömäksi biologisen elinvoiman edessä katsojat kutsutaan liuottamaan erotteluaan luonnosta, mikä on vieraantumisen vastakohta, joka ruokkii ympäristökriisiä.
Heidornin työ perustuu vahvasti Väriin Data/Todistajana (Strategia 4). Hänen visuaalista kieltään hallitsee vihreä, ei taustana vaan aiheena ja äänenä. Taidehistorioitsijat yhdistävät tämän "pyhään vihreään, siunatun, syvän maailman elämän todistajaan." Hänen palettinsa, jota rikastuttavat siniset ja okrat, tuo selvästi mieleen metsät, järvet ja autonomiset biologiset maailmat. Nämä värit eivät ole koristeellisia valintoja vaan todistajia tietyille paikoille, tietyille valoille, tietyille yhteyden hetkille taiteilijan ja ympäristön välillä.
Toisto/Kertymä (Strategia 5) on olennainen osa hänen menetelmäänsä. Mikroskooppinen pointillismi perustuu tuhansiin pieniin, tarkkoihin väripisteisiin, jotka kertyvät muodostaen monimutkaisia ekosysteemejä. Tämä toiston käyttö mallintaa elävän aineen tiheyttä ja rakenteellista monimutkaisuutta solutasolla, esteettinen esitys välttämättömästä yhteydestä ja biologisesta rikkaudesta mikroskooppisella tasolla.
Lopulta Heidornin lopullinen tavoite on sekä moraalinen että psykologinen (Embodied Experience, Strategia 6). Hänen maalauksensa on suunniteltu tarjoamaan hetkiä "psykologiseen toipumiseen ja syvään rauhaan." Kutsumalla katsojia kulkemaan näiden "kulkujen" läpi ja liuottamaan rajat itsen ja luonnon välillä, immersiivisestä kokemuksesta tulee terapeuttinen toiminta ekologista ahdistusta ja vieraantumista vastaan. Kriitikot raportoivat katsojien kokevan "odottamatonta lempeyttä", mikä osoittaa tämän ei-konfrontatiivisen lähestymistavan tehokkuuden. Ympäristöhätätilan aikana Heidornin painotus hitauteen ja pohdiskeluun muodostaa vastarinnan muodon kiihtyvää ekosysteemin tuhoa vastaan.
Sanaston laajentaminen: Kolme lisälähestymistapaa
Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)
Konseptuaalinen abstraktio: Olafur Eliasson
Olafur Eliasson, tanskalais-islantilainen konseptitaiteilija, käyttää abstrakteja ja minimalistisia muotoja ensisijaisena kielenään ympäristöviestinnässä. Vaikka hän on pohjimmiltaan konseptitaiteilija, hänen työnsä luokitellaan abstraktiksi aktivismiksi luonnonilmiöiden (valo, vesi, ilmasto, havainto) muokkaamisen kautta ei-figuraalisiksi kokemuksiksi.
Eliasson hallitsee erinomaisesti Näkemättömän tekemisen näkyväksi (Strategia 1) ja Ruumiillistetun kokemuksen (Strategia 6). Teokset kuten Wavemachines tai Regenfenster (Sadeikkuna) jäljittelevät veden ilmiöitä ja sääolosuhteita, antaen yleisölle mahdollisuuden kokea näkymättömiä tai hallitsemattomia luonnonvoimia kontrolloiduissa museotiloissa. Moss wall (1994) osallistuu suoraan ruumiillistettuun kokemukseen tuomalla aistillista materiaalisuutta (tuoksu, jäkälän rakenne) steriiliin museoympäristöön, tehden kävijöille elävän biologisen läsnäolon hyvin konkreettiseksi.
Hänen värityöhönsä liittyvä teos havainnollistaa yllä mainittua neljättä strategiaa (Data/Todistaja). Colour experiments (2019) purkavat historiallisia kuvaavia maisemamaalauksia (kuten Caspar David Friedrichin teoksia) käsitellen niitä kvantifioitavina datalähteinä. Analysoimalla, erottelemalla ja värejä suhteellisesti jakamalla abstrakteille kankaille, Eliasson luo puhtaan kromaatillisen "datan" maisemasta. Hän vahvistaa ajatuksen, että luonto voidaan koodattuun abstraktiin muotoon kääntää, eräänlaisena oikeushistoriallisena taiteena.
Hänen projektinsa Your planetary assembly (2025) hyödyntää Mittakaava/Syventyminen (Strategia 3) kahdeksan abstraktin monikulmion kautta, joiden värit ja järjestys ovat saaneet inspiraationsa aurinkokunnan malleista. Julkisena kokouspaikkana suunniteltu (viitaten agoraan) installaation tilallinen järjestely pakottaa osallistujat pohtimaan välitöntä ympäristöään laajemmassa kosmisessa kontekstissa, yhdistäen abstraktin geometrian ja kosmisen kartoituksen paikallisen yhteisön ideaan.
Eliassonin työskentely kysyy jatkuvasti: Kuinka taide voi saada ilmastokriisin tuntumaan fyysisesti, ei vain älyllisesti ymmärrettäväksi? Hänen lähestymistapansa osoittaa, että konseptitaiteilijat voivat käyttää abstraktiota ensisijaisena välineenään ympäristöviestinnässä, luoden voimakkaita kokemuksia, jotka ohittavat älyllisen ymmärryksen.
Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totemit (2019)
Tietojen visualisointi: Tilastojen tekeminen konkreettisiksi
Kasvava taiteilijaliike käyttää abstraktiota työkaluna monimutkaisten ekologisten tietojen muuntamiseen helposti lähestyttäviksi muodoiksi. Tämä "eko-visualisointi" käytäntö, termi jonka taiteilija Tiffany Holmes loi vuonna 2005, tulkitsee tietoja (energiankulutus, saastumistasot, lajien katoaminen) teknologisin ja taiteellisin keinoin vaikuttaakseen käyttäytymiseen. Tämä käyttää suoraan Näkyväksi tekeminen (Strategia 1) ja Väri datana/todistajana (Strategia 4).
Alicja Biała ja Iwo Borkowiczn installaatio Totemy tarjoaa suoran esimerkin. Nämä yhdeksän metrin korkuiset pylväät käyttävät väriä, muotoa ja tekstuuria edustamaan tiettyjä ilmastotilastoja: kalastuksen hyödyntäminen, ilman saastuminen, puunhakkuut. Tämä on selkeä sovellus Mittakaava/Sukellus (Strategia 3) vaikuttavan korkeuden kautta, Väri datana/todistajana (Strategia 4) tilastojen koodattujen värien kautta ja Näkyväksi tekeminen (Strategia 1) ylivoimaisten tilastojen konkretisoimiseksi. Katsojat voivat hahmottaa ongelmien mittakaavan ja skannata QR-koodeja saadakseen täydellisen dokumentaation, yhdistäen abstraktin estetiikan tosiasialliseen tietoon.
ScanLAB Projects, Lontoossa toimiva taiteilijavetoinen studio, jonka perustivat Matt Shaw ja William Trossell, käyttää 3D-skannereita luodakseen abstrakteja digitaalisia aikaväli-teoksia luonnonpaikoista, kuten saguaro-kaktuksen romahtamisesta Sonoranin autiomaassa. Ilmastonmuutos ilmenee usein aikaskaaloilla, jotka ovat ihmisen havainnoinnille liian hitaita (jäätiköiden sulaminen vuosikymmenien aikana, eroosio vuosisatojen kuluessa). ScanLABin abstrakti aikaväli ratkaisee tämän manipuloimalla ja tiivistämällä aikaa, tehden näkyväksi prosessin, joka on yleensä ihmisen mittakaavassa näkymätön. Teos toimii dynaamisena arkistona, konkretisoiden käsitteen Näkyvä Näkymätön (Strategia 1) keston abstraktion kautta.
Mandy Barker - Linnunpesä - © Mandy Barker
Oikeuslääketieteellinen Kertymä: Mandy Barker
Brittiläinen taiteilija Mandy Barker on kehittänyt vaikuttavan konseptuaalisen ja valokuvallisen käytännön, joka käyttää kertymää ilmentämään merisaasteen maailmanlaajuista mittakaavaa. Vaikka hänen lopullinen mediansa on valokuvaus, hänen abstraktit sommitelmansa luodaan tarkoituksellisella kokoamisella ja kerrostamisella tuhansista kerätyistä muoviroskista.
Barkerin työ käyttää suoraan Toisto/Kertymä (Strategia 5) ja Materiaalinen Todistaja (Strategia 2). Kertymä ei ole pelkästään esteettinen; se on oikeuslääketieteellinen, tarkoituksena kvantifioida ongelman kestämätön laajuus. Hänen sarjansa PENALTY: The World kokosi 992 jalkapalloa ja meriroskia 41 maasta havainnollistaakseen ongelman maailmanlaajuista ulottuvuutta. Sarja Hong Kong Soup: 1826 - Spilt dokumentoi massiivisia vuotoja integroimalla muovipellettiä (nurdleja) teokseen, toimien visuaalisina todistajina saastumisesta.
Jokainen yksittäinen roskapala muuttuu globaalin mikro- ja makromuovikriisin yksiköksi. Materiaalivalinta (jätteet) muuttuu eettiseksi teoksi, muuttaen abstraktin työn fyysiseksi todisteeksi ja kutsuen yleisöä pohtimaan uudelleen suhtautumistaan materiaaleihin ja kulutukseen. Historiallisesti toisto ja kertyminen taiteessa liittyivät psykologisiin teemoihin (esimerkiksi Yayoi Kusaman pakkomielteiset kertyminen). Ympäristökontekstissa kertyminen saa kriittisen poliittisen merkityksen, suoraan yhteydessä jätteen, erityisesti muovien, kertymiseen ja pirstoutumiseen.
Barkerin abstraktit sommitelmat ovat yhtä aikaa kauniita ja kauhistuttavia. Roskan huolellinen järjestely mandalamaisiksi kuvioiksi tai tähtikuvioiksi luo visuaalista viettelyä, joka vetää katsojat puoleensa ja sitten iskee suoraan vatsaan: jokainen elementti on roskaa, jokainen pala todiste ekologisesta kriisistä. Tämä strategia todistaa, että abstraktio voi pitää kauneuden ja kiireellisyyden samassa kehyksessä, käyttäen esteettistä nautintoa ei häiriötekijänä vaan koukkuna, joka pitää katsojat mukana tarpeeksi kauan, jotta viesti rekisteröityy.
Miksi abstrakti aktivismi toimii: affekti ja kognitio
Näiden käytäntöjen vertaileva analyysi paljastaa, että abstrakti ympäristötaide menestyy kahden päämallin kautta, jotka kumpikin käyttävät eri yhdistelmiä kuudesta strategiasta.
Affektiivinen malli (jota edustaa Peerna) osoittaa rituaalisten käytäntöjen ylivoimaisuuden (Strategia 6). Ehdottamalla esteettistä rakennetta ekologiselle surulle ja kollektiiviselle menetykselle Peerna tarjoaa tien muuttaa suru eettiseksi toiminnaksi. Tämä strategia kiertää onnistuneesti median kyllästymisen ja katastrofaalisten kuvien aiheuttaman tunnepysähdyksen. Se tarjoaa sen, mitä perinteinen ilmastoviestintä ei voi: tavan kohdata ylivoimaiset faktat samalla kun sielu paranee ja toimintaan motivoidaan.
Kognitiivinen malli (jota edustavat Heidorn, Eliasson ja ekovisualisointitaiteilijat) käyttää abstraktiota palauttaakseen terveellisen suhteen maailmaan. Heidorn saavuttaa tämän liuottamalla tarkkailijan ja tarkkailtavan rajat ja käyttämällä monumentaalista mittakaavaa (Strategia 3) opettaakseen nöyryyttä biologisen elinvoimaisuuden edessä. Ekovisualisointi käyttää abstraktiota tehdäkseen näkymättömän tiedon (data) näkyväksi (Strategia 4), mahdollistaen kognitiivisen ymmärryksen monimutkaisista tai hitaista prosesseista (kuten ScanLABin aikavälin kuvauksessa). Eliasson luo hallittuja ympäristöjä, joissa näkymättömät ilmakehän voimat muuttuvat aistittaviksi kokemuksiksi.
Molemmat mallit jakavat tärkeän oivalluksen: abstraktio ohittaa älyllisen ymmärryksen luodakseen viskeraalista, kehollista tietoa. Kun osallistut piirtämisen luomiseen, joka sitten liukenee silmiesi edessä, kun seisot ylitsevuotavana monumentaalisen mikroskooppisen elämän kankaan edessä, kun kohtaat huolellisesti järjestetyn valtameren roskan, reaktio on somaattinen, ei aivoperäinen. Tämä luo sen, mitä tutkijat kutsuvat "somaattiseksi empatiaksi", syvemmän ymmärryksen muodon, joka elää kehossa ja motivoi toimintaa tavoilla, joita tilastot ja katastrofaaliset kuvat eivät pysty.
Abstraktio kiireellisenä todistajana
Voiko abstraktio olla aktivistista? Jaanika Peernan, Reiner Heidornin, Olafur Eliassonin, Mandy Barkerin ja muiden työ todistaa lopullisesti, että voi. Mutta nämä käytännöt paljastavat myös, miksi aktivistinen abstraktio on harvinaista: se vaatii "viestiongelman" ratkaisemista, jonka figurointi ohittaa. Ilman hahmoja tai kertomuksia abstraktien taiteilijoiden on löydettävä muita strategioita: tehdä näkymättömät järjestelmät näkyviksi, käyttää materiaalin muutosta metaforana, ylivoimaisuus mittakaavalla, koodata tietoa väreillä, kerätä todisteita toistolla, luoda kokemuksia, jotka muuttavat tarkkailijat osallistujiksi.
Haaste on edelleen todellinen. Abstraktio ei koskaan kommunikoi yhtä välittömästi selkeästi kuin valokuva hakkuumetsästä tai maalaus ilmastopakolaisesta. Mutta nämä lähestymistavat osoittavat, että abstraktio tarjoaa jotain yhtä arvokasta: kyvyn todistaa ympäristökriisiä muodon, materiaalin ja prosessin kautta; luoda kauneutta, joka kantaa kiireellisyyttä; puhua universaalia visuaalista kieltä; tehdä tunnetuksi sitä, mitä ei aina voi nähdä; tarjota rakenteita surulle, parantumiselle ja eettiselle toiminnalle.
Katsojille ja keräilijöille osallistuminen aktivistiseen abstraktioon on itsessään todistamisen teko. Kun vietät aikaa Peernan jäätikön elegioiden tai Heidornin mikroskooppisten ekosysteemien parissa, kun kohtaat Eliassonin ilmastoasennukset tai Barkerin roskamandalat, osallistut erilaiseen ympäristötietoisuuteen, joka elää kehossa, aistimuksessa, tilassa jossa kauneus ja kiireellisyys kohtaavat. Kuten nämä taiteilijat osoittavat, tämä osallistuminen voi muuttaa ilmastotoiminnan musertavasta epätoivosta rakenteelliseksi suruksi, passiivisesta havainnoinnista kollektiiviseksi parantumiseksi, vieraantumisesta uudelleen yhteyteen.
Aktivistinen abstraktio on mahdollista. Se on vaikeaa, harvinaista, mutta saavutettuna se tarjoaa ympäristön todistamisen muotoja, joita figurointi ei pysty vastaamaan. Kun ilmastokriisi vaatii kaikkia ääniä, nämä taiteilijat todistavat, että abstraktiolla on olennaisia panoksia annettavana, ei vastoin sen vastustusta eksplisiittiseen viestintään, vaan siksi, mitä tuo vastustus, kun se voitetaan, tekee mahdolliseksi.
Jaanika Peerna ja Reiner Heidorn ovat IdeelArtin edustamia.
Esittelykuva: Wetland, tekijänä Reiner Heidorn (2023)
Tekijänä Francis Berthomier
