Kuuluisimmat Pablo Picasson maalaukset (ja joitakin abstrakteja perillisiä)

Ei ole yksinkertainen tehtävä määritellä kuinka kuuluisimpia Pablo Picasso maalauksia on. Pablo Picasso (tunnetaan myös koko kastetun nimellään, Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) on Guinnessin ennätysten kirjan mukaan historian tuotteliain ammattimaalari. Hän loi 1 300–1 900 maalausta ensimmäisistä taidetunneistaan 7-vuotiaana kuolemaansa asti 91-vuotiaana. Merkittävin ei kuitenkaan ole Picasson maalauksien määrä, vaan kuinka moni niistä on mestariteoksia. Tietäen, ettei mikään Picasson top-lista voi olla kiistaton, nöyrä yrityksemme sisältää kuuluisia teoksia jokaiselta hänen monelta kaudeltaan, valaisten hänen vaikuttavan uransa kokonaisuutta.

Päätimme lisätä tehtävään ripauksen monimutkaisuutta: Picasso oli suurimmaksi osaksi figuratiivinen taidemaalari. Hän maalasi ihmisiä, härkiä, kitaroita ja sotia. Silti hänen radikaalit innovaationsa loivat suoran perustan abstraktille taiteelle, joka seurasi. Tässä artikkelissa pyrimme tutkimaan tätä perintöä yhdistämällä jokainen hänen ikoninen mestariteoksensa "Nykyaikaiseen kaikuun", abstraktiin taiteilijaan IdeelArtin listalta, jonka työ resonoi Picasson alkuperäisen teoksen hengen, tekniikan, sommittelun tai tunnepainon kanssa. Vaikka yhdistää 1905 nuoren muotokuva vuodelta 2026 abstraktiin maalaukseen on enemmän tulkintaa kuin suoraa jatkumoa, uskomme näiden parien paljastavan kiehtovan dialogin modernin taiteen historian ja sen elävän, hengittävän tulevaisuuden välillä.

Sininen kausi (1901 - 1904) 

Tätä aikakautta kutsutaan siniseksi kaudeksi sen sinisten sävyjen vuoksi, jotka ovat läsnä monissa Picasson maalauksissa tuolta ajalta. Picasso itse selitti valinneensa maalata vain sinisillä johtuvan masennuksesta, jonka hän tunsi ystävänsä Carlos Casagemasin kuoleman jälkeen; Casagemas ampui itsensä päähän Pariisin kahvilassa. Yksi tämän kauden rakastetuimmista teoksista on Vanha kitaristi (1903). Se kuvaa iäkästä, laihaa miestä repaleisissa vaatteissa, kumartuneena kitaransa yli Barcelonan kaduilla.

Pablo Picasso - Vanha kitaristi, 1903. Chicagon taideinstituutti. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Tämä maalaus on enemmän kuin köyhyyden muotokuva; se on syvällinen mietiskely taiteen lohdutuksesta. Hahmon pitkät raajat ja kulmikas asento paljastavat Picasson syvän tutkimuksen espanjalaisen mestarin El Grecon työstä, yhdistäen modernin kärsimyksen taidehistorialliseen perinteeseen. Kitara, ainoa maalausta hallitsevasta sinisestä poikkeava elementti, symboloi taidetta pelastusrenkaana, lämmön ja selviytymisen lähteenä kylmässä maailmassa.

Picasso ei ollut abstrakti taiteilija, mutta hänen Sininen kausi perustuu abstraktion määrittelevään periaatteeseen: että väri itsessään on tunne. Hän käytti sinistä luodakseen hiljaisuuden ja itsetutkiskelun ilmapiirin.

Tänä päivänä skotlantilainen taiteilija Eric Cruikshank vie tämän logiikan äärimmilleen. Siinä missä Picasso käytti kerjäläishahmoa surun välittämiseen, Cruikshank kysyy, riittääkö pelkkä väri tunteen painon kantamiseen. Käyttäen tarkkaa, vähentävää prosessia poistaakseen omat siveltimenvedot, Cruikshank luo ilmavia "huntuja" väristä, jotka kuten Picasson sininen, vangitsevat tunteen katoavan muiston eivätkä kirjaimellista kuvaa maailmasta. Hän todistaa, ettei laulun maalaamiseen tarvita kitaraa.

Eric Cruikshank - P076, 2024

Ruusu (Vaaleanpunainen) kausi (1904 – 1906) 

Vuonna 1904 Picasso rakastui Fernande Olivieriin ja muutti tyylinsä suuntaa kahdella syvällisellä tavalla. Ensinnäkin, siirtyessään surusta romantiikkaan, hän lopetti sinisten sävyjen maalaamisen ja siirtyi vaaleanpunaisen, oranssin ja maanläheisten sävyjen pariin. Toiseksi hän siirtyi pois tarkasti kuvatuista ihmisvartaloista kohti tyylitellympiä ihmiskuvauksia. Tämän kauden kuuluisin esimerkki on Poika piipun kanssa.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Poika piipun kanssa), 1905. Helen Birch Bartlettin muistokokoelma. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Aiheena on "P’tit Louis," paikallinen teini-ikäinen kulkuri, joka vietti aikaa Picasson ateljeessa Montmartrella. Vaikka maalauksessa on edelleen melankolian tuntua, ruusukehä ja kukkainen tausta viestivät poikkeamista Sinisestä kaudesta. Poika katsoo etäisesti, lähes mystisesti, ja hänen kädessään epätavallisesti pidettävä piippu symboloi boheemia elämää ja itsetutkiskelua. Tämä teos merkitsee ratkaisevaa hetkeä, jolloin Picasso alkaa asettaa mielialan ja lyyrisyyden tiukan realismiin edelle, luoden kuvan nuoruuden hauraudesta, joka on sekä ajaton että karmiva.

Ruusu-kaudellaan Picasso siirtyi yksinkertaisesta esitystavasta vangitsemaan mielialan – haurauden ja runollisuuden tunteen, joka oli kohteen ja katsojan välillä.

Nykyään Pariisissa asuva taiteilija Macha Poynder tavoittelee samanlaista runollista päämäärää abstraktion kautta. Filosofiasta, jonka mukaan "värit ovat ääniä," hän rakentaa sommitelmia, jotka toimivat kuin visuaaliset soinnut. Aivan kuten Picasso käytti ruusun väriä siirtääkseen työnsä tunneavain epätoivosta hauraaseen lämpöön, Poynder käyttää kerroksellisia väripesuja ja lyyrisiä, kalligrafisia viivoja luodakseen "ikkunoita, joissa näkyvä ja näkymätön koskettavat toisiaan." Hänen työnsä todistaa, että taiteen "runollisuus" ei liity aiheeseen, vaan pinnan resonanssiin.

Macha Poynder  - Olemme kaikki feeniks-lintuja, vaikka emme sitä tiedä - 2020

Afrikkalainen kausi (1907 – 1909) 

Vaikutteita saaden iberialaisista veistoksista ja afrikkalaisista naamioista, Picasso irtautui täysin perinteisestä perspektiivistä. Samanaikaisesti hän sai inspiraationsa Paul Cézannen myöhemmän tuotannon tasaisuudesta, joka kuoli vuonna 1906. Tämän nopean kokeilun aikana Picasso vähensi merkittävästi maalauksensa visuaalista kieltä, kallistuen yhä enemmän abstraktioon. Tämän ajanjakson merkittävin maalaus on Les Demoiselles d'Avignon, jota pidetään proto-kuubistisena, koska se sisältää kaikki olennaiset elementit, jotka lopulta määrittelivät tämän tyylin.

Maalaus kuvaa viittä alastonta naista bordellissa, heidän ruumiinsa ovat murtuneet teräviksi, sahalaitaisiksi tasoiksi, jotka näyttävät viiltävän heidän asuttamaansa tilaa. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Tämä ei ollut pelkkä uusi tyyli; se oli hyökkäys menneisyyden "kohteliaan" taiteen kimppuun. Oikealla olevilla kahdella hahmolla on naamion kaltaiset kasvot, jotka ovat pelottavan vieraita länsimaisen kauneuskanonin näkökulmasta. Yhdistämällä hahmo taustaan ja näyttämällä useita näkökulmia samanaikaisesti, Picasso ei vain maalannut kohtauksen, vaan purki tavan, jolla näemme todellisuuden. Tämä radikaali purku loi suoran perustan kubismille.

Amerikkalainen maalari Susan Cantrick on tämän älyllisen perinnön nykyajan edustaja. Hänen työnsä käyttää sitä, mitä kriitikot ovat kutsuneet "kubistin keinoiksi, jotka hajottavat ja luovat tilaa uudelleen." Kuten Picasso, hän yhdistää terävärajaiset arkkitehtoniset rakenteet sulaviin, eleellisiin merkkeihin, luoden "hybridin" visuaalisen kielen. Mutta missä Picasso murskasi ihmisen kehon, Cantrick murskaa itse havainnon teon, hajottaen kankaan "digitaalisiksi ja analogisiksi" kerroksiksi paljastaakseen monimutkaisen, sirpaloituneen tavan, jolla käsittelemme tietoa nykyaikaisessa maailmassa.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©taiteilija

Kubismi & Kollaasit (1908 – 1912) 

Kubismin lisäksi Kubismi, joka murskasi renessanssin yksipisteperspektiivin perinteen, Picasso ja hänen aikalaisensa Georges Braque alkoi samanaikaisesti kokeilla "todellisen maailman" roskien lisäämistä kankailleen. Tämä liike haastoi maalauksen määritelmän. Yksi tämän aikakauden kuuluisimmista teoksista on Kuvasommitelma tuolin punonnalla (1912). 

Pablo Picasso - Kuvasommitelma tuolin punonnalla, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Tätä pientä, soikeanmuotoista teosta pidetään laajalti ensimmäisenä taidekollaasina. Picasso liimasi öljykangaspalan, jossa oli tuolin punontakuvio, suoraan kankaalle ja kehysti sen köysipalalla. Sisällyttämällä massatuotettuja, teollisia materiaaleja "korkean taiteen" sommitelmaan, Picasso hämärsi rajan taiteen ja esineen, todellisuuden ja illuusion välillä. Se oli käsitteellinen harppaus, joka avasi oven kaikkeen dadaismista pop-taiteeseen, todistaen, että kadun materiaalit kuuluivat museoon.

Picasson köyden ja öljykankaan käyttöönotto osoitti, että maalaus ei tarvitse olla tasainen. Se voi olla fyysinen rakenne, joka on tehty itse maailmasta.

Brittiläinen taiteilija Anthony Frost jatkaa tätä perintöä voimakkaalla energialla. Sen sijaan, että hän maalaisi tekstuurin illuusioita, hän rakentaa pintansa käyttäen rannikkoalueensa raaka-aineita—purjekangasta, hedelmäverkkoa, juuttia ja kevyttä vulkaanista kiveä. Aivan kuten Picasso käytti köyttä kehystämään teostaan, Frost käyttää teollista verkkoa ja kumia luodakseen reliefimäisiä kerroksia, jotka työntyvät kankaasta. Hänen työnsä on suora jälkeläinen kollaasivallankumouksesta: muistutus siitä, että taide ei ole pelkkä katsottava kuva, vaan fyysinen kokemus.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©taiteilija

Neo-klassismi (1918 - 1928) 

Vuonna 1918, pian ennen ensimmäisen maailmansodan loppua, Picasso meni naimisiin ensimmäisen vaimonsa, Olga Khokhlovan, kanssa, joka oli balettitanssija Ballets Russes -ryhmässä. Sodan jälkeinen aika toi Eurooppaan "Paluu järjestykseen" -liikkeen taiteissa, ja Picasso seurasi perässä, siirtyen väliaikaisesti pois kubismin pirstoutumisesta kohti monumentaalista, veistoksellista tyyliä, jota innoitti ranskalainen mestari Ingres.

Täydellinen esimerkki on Portrait of Olga in an Armchair (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Portrait of Olga in an Armchair), 1918. Musée Picasso Paris, Pariisi, Ranska. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Tämä maalaus on mestariluokka jännityksessä. Picasso kuvaa Olgan kasvot valokuvamaisen, posliinimaisen tarkasti, noudattaen tiukkoja klassisia sääntöjä. Kuitenkin hän jättää loput kankaasta tahalliseen "non-finito" (keskeneräinen) -tilaan. Nojatuoli on tasainen graafinen kuvio, ja mekko liukenee raakaan, lineaariseen luonnokseen tyhjää taustaa vasten. Yhdistämällä äärimmäisen realismi ja paljaan kankaan, Picasso väittää, että maalaus ei ole ikkuna todellisuuteen, vaan rakennettu pinta, jossa valmiin ja keskeneräisen voi olla rinnakkain.

Tässä muotokuvassa Picasso osoitti, että tyhjä tila ei ole "mitään": se on aktiivinen suunnitteluelementti. Hän käytti raakaa viivaa määrittämään mekon tilavuuden ilman, että täytti sitä.

Ranskalainen taiteilija Marie de Lignerolles rakentaa työskentelynsä juuri tämän periaatteen ympärille. Hänen työnsä tutkii "vastamuodon" ja "tyhjyyden" käsitteitä, käsitellen tyhjää tilaa "poissaolon sisällä olevana läsnäolona". Kuten Picasson tapa käsitellä Olgan mekkoa, de Lignerolles käyttää viivaa ensisijaisena rakenteellisena työkaluna, antaen paperin valkoisen painaa yhtä paljon kuin värin. Hän todistaa, että taiteessa se, mitä jätät pois, on usein yhtä tärkeää kuin se, mitä lisäät.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©taiteilija

Surrealismi (1928 - 1948) 

1920-luvun lopulla ja 30-luvun alussa, Surrealistisen liikkeen ja hänen intohimoisen suhteensa Marie-Thérèse Walteriin vaikutuksesta, Picasso alkoi vääristää ihmishahmoa radikaaleilla uusilla tavoilla. Tämä aikakausi tuotti joitakin hänen sensuellisimmista ja psykologisesti latautuneimmista teoksistaan.

Kaksi keskeistä esimerkkiä tältä ajanjaksolta ovat Figures at the Seaside (1931) ja The Dream (1932) (katso otsikkokuva).

Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Teoksessa Figures at the Seaside kaksi hahmoa, jotka ovat lukittuneet suudelmaan, on pelkistetty sileiksi, biomorfisiksi muodoiksi, jotka näyttävät enemmän kuluneilta kiviltä tai luuilta kuin ihmisen anatomialta. Se on groteski mutta hellä kuvaus halusta, joka riisuu kirjaimellisuuden paljastaakseen psykologisen totuuden. Samoin The Dream esittää Marie-Thérèsea eroottisessa unelmoinnin tilassa, hänen kasvonsa jakautuvat faalisen profiilin mukaan, ja hänen kehonsa on kuvattu pehmeillä, kaarevilla linjoilla, jotka heijastavat alitajunnan mielen virtaavuutta. Yhdessä nämä teokset osoittavat Picasson biomorfismin mestaruutta, muuttaen kehon oudon pehmeiden muotojen maisemaksi ilmaistakseen unelmien ja halun piilotettua maailmaa.

Picasso käytti näitä surrealistisia, orgaanisia muotoja osoittaakseen, miten alitajunta vääristää todellisuutta, muuttaen ihmismuodon joksikin nestemäiseksi ja solulliseksi.

Nykyaikainen taiteilija Daniela Marin tutkii samaa "sisäistä maisemaa." Hänen maalauksensa ovat täynnä "eloisia, alkueläinmuotoisia" ja silmukoivia muotoja, jotka heijastavat Picasson surrealististen hahmojen orgaanisia, biologisia kaaria. Tasapainottaen jännitettä luonnollisen harmonian kanssa Marin ehdottaa maailmaa, jossa mikroskooppinen elämä ja ihmisen tunteet kietoutuvat yhteen, jatkaen surrealistista perinnettä katsoa sisäänpäin löytääkseen luonnon muodot. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©taiteilija

Guernica (1937) 

Vuodesta 1936 vuoteen 1939 Espanja oli sisällissodassa kansallismielisten ja tasavaltalaisten joukkojen välillä. Kansallismieliset olivat liittoutuneet Saksan ja Italian fasististen voimien kanssa. Vuoden 1937 keväällä saksalaiset ja italialaiset lentokoneet pommittivat baskilaisen Guernican kylän Espanjan kansallismielisten pyynnöstä. Tämä oli ensimmäinen kerta, kun moderni ilmavoima hyökkäsi aseettoman siviiliväestön kimppuun. Aiemmin samana vuonna espanjalaiset tasavaltalaiset olivat tilanneet Picassolta muraalin vuoden 1937 Pariisin maailmannäyttelyyn. Picasson näyttelyyn luoma teos vastasi pommituksiin: se oli Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Laajalti Picasson mestariteokseksi katsottu Guernica kuvaa painajaismaista näkymää vääntyneistä ruumiista ja huutavista eläimistä kaupunkirakennusten raunioiden keskellä. Esteettisesti se yhdistää kubismin sirpaleisuuden surrealistisen painajaislogiikan kanssa. Rajoittamalla palettinsa jyrkän mustaan, valkoiseen ja harmaaseen Picasso loi vaikutelman sanomalehtivalokuvien karusta välittömyydestä, hämärtäen rajan taiteen ja journalismin välillä. Se on edelleen äärimmäinen sodanvastainen lausuma, todiste siitä, että taide voi olla ase julmuutta vastaan.

Picasso maalasi Guernican varmistaakseen, ettei maailma voisi kääntää katsettaan pois verilöylyltä. Hän osoitti, että taiteilijalla on moraalinen velvollisuus todistaa tuhoa.

Saksalainen taiteilija Reiner Heidorn kantaa tätä "visuaalisen todistamisen" perinnettä 2000-luvulle, mutta hänen painopisteensä siirtyy sodan tuhosta planeetan tuhoon. Käyttäen tunnusomaista "Dissolutio"-tekniikkaansa Heidorn luo valtavia, immersiivisiä öljymaalauksia, jotka käsittelevät ilmastonmuutosta ja ihmiskunnan ja luonnon hajoavaa suhdetta. Aivan kuten Picasso käytti muraalimuotoa kohdatakseen katsojan aikansa väkivallalla, Heidorn käyttää mittakaavaa ja intensiivisiä, liukuvia tekstuureja kohdatakseen meidät oman aikamme "ekologisen väkivallan" kanssa, vaatiessaan, ettemme käännä katsettamme pois luonnon maailman katoamisesta.

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©taiteilija

Toisen maailmansodan jälkeinen aika

Kuolemaansa vuonna 1973 asti Picasso jatkoi taiteen tekemistä, palaten usein aiemmin elämässään tutkimilleen menetelmille ja tyyleille. Toisen maailmansodan jälkeen Picasso muutti Etelä-Ranskaan ja siirtyi viimeiseen, tuotteliaaseen vaiheeseensa. Hänestä oli tullut maailman kuuluisin elossa oleva taiteilija, ja hänelle tilattiin kaikkea suurikokoisista julkisista teoksista tavallisiin kotitaloustavaroihin. Vuonna 1953 hän tapasi naisen, josta tulisi hänen toinen vaimonsa, Jacqueline Roque. Picasso oli tuolloin 72-vuotias; Jacqueline 27. Hän maalasi häntä enemmän kuin ketään muuta naista elämässään: yli 400 kertaa vain 20 vuoden aikana. Tämä pakkomielteen vaikuttava esimerkki on Jacqueline kukkien kanssa (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline kukkien kanssa, 1954. Musée Picasso, Pariisi, Ranska. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Tässä muotokuvassa Picasso hylkää aiempien rakastajattarien pehmeät kaaret jäykän, hierarkkisen tyylin hyväksi. Jacqueline kuvataan pitkänomaisella kaulalla ja leveillä, tuijottavilla silmillä (hänen tunnusomaisella piirteellään), muistuttaen modernia sfinksiä. Maali on levitetty uudella kiireellisyyden ja nopeuden tunteella, ennakoiden hänen viimeisten vuosien raakaa, "kehnotettua" tyyliä. Aikanaan kriitikot hylkäsivät nämä myöhäiset teokset dementoituneen vanhuksen raapustuksina; nykyään ne tunnustetaan Neoekspressionismin edeltäjiksi, joita juhlitaan niiden raakuuden ja vapauden vuoksi.

Jacquelinen muotokuvissaan Picasso lopetti yrittämästä olla "täydellinen." Hän maalasi raivokkaalla, graafisella nopeudella, asettaen kuvan välittömän vaikutuksen hienostuneen tekniikan edelle.

Nykyaikainen taiteilija Tommaso Fattovich kanavoi tätä samaa kiihkeää energiaa. Vaikka hänen teoksensa ovat puhtaasti abstrakteja, hänen "Abstract Punk" -kokonaisuutensa jakavat Picasson myöhäisten muotokuvien rakenteellisen tiheyden ja graafisen voiman. Fattovich rakentaa kuvansa nopeasti, kerros kerrokselta, luoden kankaalle keskeisen "läsnäolon", joka tuntuu lähes figuratiiviselta painoltaan. Kuten Picasson pakonomainen toisto Jacqueline'n kasvoista, Fattovichin työtä ohjaa pakonomainen tarve merkitä kangas, mikä johtaa taiteeseen, joka tuntuu vähemmän kuvalta ja enemmän äkilliseltä, kiistattomalta tapahtumalta.

Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©taiteilija

Perintö ilman loppua

Picasso sanoi kerran: "Taide ei ole kauneuden kaanonin soveltamista, vaan sitä, mitä vaisto ja mieli voivat keksiä minkään kaanonin ulkopuolella." Tämä väsymätön pyrkimys mennä pidemmälle, murtamaan hahmo, purkamaan perspektiivi, maalaamaan alitajuntaa, on hänen todellinen perintönsä. Se ei päättynyt hänen kuolemaansa vuonna 1973. Se hajaantui, kehittyen uusiksi muodoiksi ja uusiksi kysymyksiksi.

Nykyaikaiset taiteilijat, jotka esiintyvät näiden mestariteosten rinnalla, Eric Cruikshankin tunnelmallisista monokromoista Tommaso Fattovichin punk-energian suuntaan, todistavat tästä elävästä perinnöstä. Ne muistuttavat meitä siitä, että taiteen historia ei ole sarja suljettuja lukuja, vaan jatkuva, avoin keskustelu. Olipa kyse yksittäisen värin hiljaisuudesta tai tuhoutuneen pinnan kaaoksesta, keksinnön henki, joka määritteli Picasson vuosisadan, on elossa ja hyvinvoiva meidän ajassamme.

Kirjoittanut Phillip Barcio (2016) Toimittanut Francis Berthomier (2026).

Esittelykuva: Pablo Picasso - Le Rêve (Unelma), 1932. Öljy kankaalle. 130 cm × 97 cm. Yksityiskokoelma. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia

Aiheeseen liittyvät teokset