Kuuluisimmat Pablo Picasson maalaukset (ja joitakin abstrakteja perillisiä)
Ei ole mikään yksinkertainen tehtävä määrittää tunnetuimpia Pablo Picasson maalauksia. Pablo Picasso (joka tunnetaan myös koko kastenimellään Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) on listattu Guinnessin ennätysten kirjaan historian tuotteliaimpana ammattimaalareina. Hän loi 1 300-1 900 maalausta ensimmäisistä 7-vuotiaana saamistaan taidetunneista 91-vuotiaana tapahtuneeseen kuolemaansa saakka. Merkittävintä ei kuitenkaan ole Picasson maalausten määrä vaan se, kuinka monia niistä pidetään mestariteoksina. Koska mikään Picasson parhaiden teosten lista ei voi olla täysin kiistaton, vaatimaton yrityksemme sisältää kuuluisia teoksia hänen monista vaiheistaan ja valottaa koko hänen vaikuttavaa uraansa.
Ja päätimme lisätä tehtävään ripauksen monimutkaisuutta: Picasso oli suurimmaksi osaksi esittävä taiteilija. Hän maalasi ihmisiä, härkiä, kitaroita ja sotia. Silti hänen radikaalit uudistuksensa loivat suoran perustan myöhemmin kehittyneelle abstraktille taiteelle. Tässä artikkelissa pyrimme tarkastelemaan tätä jatkumoa yhdistämällä jokaisen hänen ikonisen mestariteoksensa ”Nykykaikuun” – IdeelArtin taiteilijavalikoimaan kuuluvaan abstraktiin taiteilijaan, jonka työssä heijastuvat Picasson alkuperäisen teoksen erityinen henki, tekniikka, sommittelu tai tunnevaikutus. Vuoden 1905 teini-ikäistä esittävän muotokuvan yhdistäminen vuoden 2026 abstraktiin maalaukseen on pikemminkin tulkintaa kuin suoraa jatkumoa, mutta uskomme näiden parien paljastavan kiehtovan vuoropuhelun modernin taiteen historian ja sen elävän, hengittävän tulevaisuuden välillä.
Sininen kausi (1901 - 1904)
Tämä kausi on saanut nimensä sinisistä sävyistä, joita esiintyy monissa Picasson tuon ajan maalauksissa. Picasso itse yhdisti päätöksensä maalata vain sinisen sävyillä ystävänsä Carlos Casagemasin kuoleman jälkeiseen masennukseen. Casagemas ampui itseään päähän pariisilaisessa kahvilassa. Yksi tämän kauden rakastetuimmista teoksista on Vanha kitaristi (1903). Se esittää iäkästä, riutunutta miestä risaisissa vaatteissa kumartuneena kitaransa ylle Barcelonan kaduilla.
Pablo Picasso - The Old Guitarist, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Tämä maalaus on enemmän kuin köyhyyden muotokuva; se on syvällinen pohdinta taiteen tarjoamasta lohdusta. Hahmon pitkänomaiset raajat ja kulmikas asento paljastavat Picasson perehtyneisyyden espanjalaisen mestarin El Grecon taiteeseen ja yhdistävät nykyajan kärsimyksen taidehistorialliseen perinteeseen. Kitara, maalauksen ainoa elementti, joka poikkeaa hieman vallitsevasta sinisestä, symboloi taidetta elämänlankana, lämmön ja selviytymisen lähteenä kylmässä maailmassa.
Picasso ei ollut abstrakti taiteilija, mutta hänen sininen kautensa perustuu periaatteeseen, joka määrittelee abstraktiota: väri itsessään on tunne. Hän käytti sinistä luodakseen hiljaisuuden ja itsetutkiskelun ilmapiirin.
Nykyään skotlantilainen taiteilija Eric Cruikshank vie tämän ajatuksen äärimmilleen. Siinä missä Picasso käytti kerjäläishahmoa välittääkseen surua, Cruikshank kysyy, riittääkö pelkkä väri kantamaan tunteen painon. Poistamalla omat siveltimenvedot järjestelmällisen, vähentävän työskentelyprosessin avulla Cruikshank luo ilmakehän väristä koostuvia ”verhoja”, jotka Picasson sinisen tavoin vangitsevat tunteen vaikeasti tavoitettavan muiston pikemminkin kuin maailman kirjaimellisen kuvan. Hän osoittaa, ettei laulun maalaamiseen tarvita kitaraa.
Eric Cruikshank - P076, 2024
Ruusu- eli pinkki kausi (1904 – 1906)
Vuonna 1904 Picasso rakastui Fernande Olivier’hin, mikä muutti hänen tyylinsä suuntaa kahdella merkittävällä tavalla. Ensinnäkin hän siirtyi surusta romantiikkaan, lopetti sinisten sävyjen maalaamisen ja vaihtoi ne vaaleanpunaisen, oranssin ja maanläheisten sävyjen vivahteisiin. Toiseksi hän siirtyi pois ihmiskehon pikkutarkasta kuvaamisesta kohti tyylitellympiä ihmishahmoja. Tämän kauden tunnetuin esimerkki on Poika piipun kanssa.
Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Poika piipun kanssa), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Aiheena on ”P’tit Louis”, paikallinen teini-ikäinen kulkuri, joka tapasi käydä Picasson ateljeessa Montmartrella. Vaikka maalauksessa säilyy melankolinen sävy, ruusuköynnös ja kukallinen tausta merkitsevät irtautumista sinisen kauden epätoivosta. Pojan katse on etäinen, lähes mystinen, ja hänen kädessään oudosti oleva piippu toimii boheemielämän ja itsetutkiskelun symbolina. Tämä teos merkitsee ratkaisevaa hetkeä, jolloin Picasso alkaa asettaa tunnelman ja lyyrisyyden tiukan realismin edelle ja luo ajattoman ja vaikuttavan kuvan nuoruuden hauraudesta.
Ruusu-kaudellaan Picasso siirtyi pelkän kuvaamisen tuolle puolen tavoittaakseen tunnelman - haurauden ja runollisuuden tunteen, joka vallitsi aiheen ja katsojan välillä.
Nykyään Pariisissa työskentelevä taiteilija Macha Poynder tavoittelee abstraktion keinoin samanlaista runollista päämäärää. Hän rakentaa sävellyksen tavoin toimivia visuaalisia sointuja, ja häntä innoittaa filosofia, jonka mukaan ”värit ovat ääniä”. Samoin kuin Picasso käytti ruusunpunaista muuttaakseen teoksensa tunnetilan epätoivosta hauraaksi lämmöksi, Poynder käyttää kerrostettuja väripesuja ja lyyrisiä, kalligrafisia viivoja luodakseen ”ikkunoita, joissa näkyvä ja näkymätön koskettavat toisiaan”. Hänen työnsä osoittaa, ettei taiteen ”runollisuus” liity aiheeseen vaan itse pinnan resonanssiin.
Macha Poynder - Olemme kaikki feenikslintuja, vaikka emme tietäisi sitä - 2020
Afrikkalainen kausi (1907 – 1909)
Iberialaisten veistosten ja afrikkalaisten naamioiden vaikutuksesta Picasso vapautui kokonaan perinteisestä perspektiivistä. Samanaikaisesti hän sai vaikutteita vuonna 1906 kuolleen Paul Cézannen myöhäistuotannon tasomaisuudesta. Tämän nopean kokeilun kauden aikana Picasso pelkisti maalaustensa visuaalista kieltä merkittävästi ja suuntautui yhä enemmän kohti abstraktiota. Tämän kauden merkittävin maalaus on Les Demoiselles d'Avignon, jota pidetään kubismin esiasteena, sillä se sisältää kaikki keskeiset elementit, jotka myöhemmin määrittelivät tämän tyylisuunnan.
Maalauksessa kuvataan viittä alastonta naista bordellissa. Heidän kehonsa ovat pirstoutuneet teräviksi, rosoisiksi tasoiksi, jotka näyttävät viiltävän heidän ympäröimäänsä tilaa.
Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Nykytaiteen museo, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Tämä ei ollut vain uusi tyyli, vaan hyökkäys menneisyyden ”sovinnaista” taidetta vastaan. Oikealla olevilla kahdella hahmolla on naamionkaltaiset kasvot, jotka ovat länsimaisen kauneusihanteen kannalta pelottavan vieraat. Yhdistämällä hahmon taustaan ja esittämällä useita näkökulmia samanaikaisesti Picasso ei vain maalannut näkymää, vaan purki tavan, jolla näemme todellisuuden. Tämä radikaali hajottaminen loi suoran perustan kubismille.
Yhdysvaltalainen taidemaalari Susan Cantrick on tämän älyllisen perinteen nykyajan perillinen. Hänen teoksissaan hyödynnetään sitä, mitä kriitikot ovat kutsuneet ”kubistin keinoiksi, joka hajottaa ja luo tilan uudelleen”. Picasson tavoin hän yhdistää selkeärajaiset arkkitehtoniset rakenteet juoheviin, eleenomaisiin siveltimenjälkiin ja luo ”hybridimäisen” visuaalisen kielen. Mutta siinä missä Picasso hajotti ihmiskehon, Cantrick hajottaa itse havaitsemisen tapahtuman ja pilkkoo kankaan ”digitaalisiin ja analogisiin” kerroksiin paljastaakseen monimutkaisen ja pirstaleisen tavan, jolla käsittelemme tietoa nykymaailmassa.
Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©taiteilija
Kubismi ja kollaasi (1908 – 1912)
Sen lisäksi, että hän keksi Kubismi, joka murskasi renessanssin yhden pakopisteen perspektiiviperinteen, Picasso ja hänen aikalaisensa Georges Braque alkoi samanaikaisesti kokeilla ”todellisen maailman” esineiden ja materiaalien lisäämistä kankailleen. Tämä muutos haastoi koko käsityksen siitä, millainen maalaus saattoi olla. Yksi tämän aikakauden tunnetuimmista teoksista on Still Life with Chair Caning (1912).
Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Tätä pientä, soikeanmuotoista teosta pidetään yleisesti ensimmäisenä taidekollaasina. Picasso liimasi öljykangaspalan, johon oli painettu tuolin punoskuvio, suoraan kankaalle ja kehysti sen köydenpätkällä. Yhdistämällä massatuotettuja teollisia materiaaleja ”korkean taiteen” sommitelmaan Picasso hämärsi taiteen ja esineen sekä todellisuuden ja illuusion välisen rajan. Se oli käsitteellinen harppaus, joka avasi tien kaikelle dadaismista poptaiteeseen ja osoitti, että kadun materiaalit kuuluivat museoon.
Picasson köyden ja öljykankaan käyttö osoitti, ettei maalauksen tarvinnut olla litteä. Se saattoi olla itse maailman materiaaleista rakennettu fyysinen kokonaisuus.
Brittiläinen taiteilija Anthony Frost vie tätä perintöä eteenpäin alkukantaisella energialla. Sen sijaan että hän maalaisi illuusioita tekstuurista, hän rakentaa pinnat rannikkoympäristönsä raakamateriaaleista - purjekankaasta, hedelmäverkoista, juuttikankaasta ja hohkakivestä. Aivan kuten Picasso käytti köyttä sommitelmansa kehystämiseen, Frost käyttää teollisuusverkkoja ja kumia luodakseen kankaasta kohollaan olevia, reliefimäisiä kerroksia. Hänen työnsä on kollaasivallankumouksen suora jälkeläinen: muistutus siitä, ettei taide ole vain katsottava kuva, vaan fyysinen esine, joka koetaan.
Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©taiteilija
Uusklassismi (1918 - 1928)
Vuonna 1918, vähän ennen ensimmäisen maailmansodan päättymistä, Picasso meni naimisiin ensimmäisen vaimonsa, Ballets Russes -balettiryhmässä tanssineen ballerina Olga Khokhlovan kanssa. Sodan jälkeinen aikakausi toi Euroopan taiteisiin ”paluu järjestykseen” -suuntauksen, ja Picasso seurasi tätä kehitystä siirtymällä väliaikaisesti pois kubismin pirstaleisuudesta kohti ranskalaisesta mestarista Ingresistä vaikutteita saanutta monumentaalista, veistoksellista tyyliä.
Täydellinen esimerkki on Olgan muotokuva nojatuolissa (1918).
Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Olgan muotokuva nojatuolissa), 1918. Musée Picasso Paris, Pariisi, Ranska. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Tämä maalaus on jännitteen mestarikurssi. Picasso esittää Olgan kasvot valokuvamaisen, posliinimaisen tarkasti tiukkoja klassisia sääntöjä noudattaen. Hän kuitenkin jättää muun kankaan tarkoituksellisesti ”non-finito”-tilaan (keskeneräiseksi). Nojatuoli on litteä graafinen kuvio, ja mekko hajoaa paljaalla taustalla rosoiseksi, lineaariseksi luonnokseksi. Asettamalla äärimmäisen realismin paljaan kankaan rinnalle Picasso osoittaa, ettei maalaus ole ikkuna todellisuuteen, vaan rakennettu pinta, jolla valmis ja keskeneräinen voivat esiintyä rinnakkain.
Tässä muotokuvassa Picasso osoitti, ettei tyhjä tila ole ”ei mitään”, vaan aktiivinen sommitteluelementti. Hän käytti paljasta viivaa määrittämään mekon tilavuutta täyttämättä sitä.
Ranskalainen taiteilija Marie de Lignerolle rakentaa taiteellisen työskentelynsä juuri tämän periaatteen varaan. Hänen teoksensa käsittelevät ”vastamuodon” ja ”tyhjän tilan” käsitteitä sekä tyhjää tilaa ”poissaolon sisäisenä läsnäolona”. Picasson Olgan mekon käsittelyn tavoin de Lignerolle käyttää viivaa ensisijaisena rakenteellisena työkaluna ja antaa paperin valkoisen pinnan kantaa yhtä paljon painoa kuin värin. Hän osoittaa, että taiteessa pois jätetty on usein yhtä tärkeää kuin se, mitä teokseen lisätään.
Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©taiteilija
Surrealismi (1928 - 1948)
1920-luvun lopulla ja 1930-luvun alussa Picasso alkoi surrealistisen liikkeen ja intohimoisen Marie-Thérèse Walterin kanssa solmitun suhteensa vaikutuksesta vääristää ihmishahmoa radikaalisti uusilla tavoilla. Tänä aikana syntyi joitakin hänen aistillisimmista ja psykologisesti latautuneimmista teoksistaan.
Kaksi tämän kauden keskeistä esimerkkiä ovat Figures at the Seaside (1931) ja The Dream (1932) (ks. otsikkokuva).
Pablo Picasso - Figures at the Seaside, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Teoksessa Figures at the Seaside kaksi suudelmaan lukkiutunutta hahmoa on pelkistetty sileiksi, biomorfisiksi muodoiksi, jotka muistuttavat enemmän sään kuluttamia kiviä tai luita kuin ihmisen anatomiaa. Se on groteski mutta hellä kuvaus halusta, jossa kirjaimellisuus riisutaan pois psykologisen totuuden paljastamiseksi. Samoin The Dream kuvaa Marie-Thérèseä eroottisen haaveilun tilassa: fallinen profiili jakaa hänen kasvonsa, ja hänen kehonsa on esitetty pehmein, kaarevin viivoin, jotka heijastavat alitajunnan mielen virtaavuutta. Yhdessä nämä teokset osoittavat Picasson biomorfismin mestaruuden: hän muuttaa kehon outojen, pehmeiden muotojen maisemaksi ilmaistakseen unien ja halun kätkettyä maailmaa.
Picasso käytti näitä surrealistisia, orgaanisia muotoja osoittamaan, kuinka alitajunta vääristää todellisuutta ja muuttaa ihmishahmon joksikin juoksevaksi ja solumaiseksi.
Nykytaiteilija Daniela Marin tutkii tätä samaa ”sisäistä maisemaa”. Hänen maalauksensa ovat täynnä ”eloisia, alkueläinmäisiä muotoja” ja kiertyviä hahmoja, jotka heijastelevat Picasson surrealististen hahmojen orgaanisia, biologisia kaaria. Tasapainottaessaan jännitettä luonnollisen harmonian kanssa Marin vihjaa maailmaan, jossa mikroskooppinen elämä ja ihmisen tunteet kietoutuvat yhteen, jatkaen surrealistista perinnettä etsiä luonnon muotoja sisäänpäin katsomalla.
Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©taiteilija
Guernica (1937)
Vuosina 1936-1939 Espanja oli sisällissodassa nationalistien ja tasavaltalaisten joukkojen välillä. Nationalistit olivat liittoutuneet Saksan ja Italian fasististen voimien kanssa. Keväällä 1937 saksalaiset ja italialaiset lentokoneet pommittivat baskikylä Guernicaa espanjalaisten nationalistien pyynnöstä. Tämä oli ensimmäinen kerta, kun modernit ilmavoimat hyökkäsivät aseistamattoman siviiliväestön kimppuun. Aiemmin samana vuonna Espanjan tasavaltalaiset olivat tilanneet Picassolta seinämaalauksen Pariisin vuoden 1937 maailmannäyttelyä varten. Picasson näyttelyä varten luoma teos oli vastaus pommitukseen: se oli Guernica.
Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Picasson mestariteoksena laajalti pidetty Guernica kuvaa painajaismaista näkymää, jossa vääntyneet ruumiit ja kirkuvat eläimet ovat keskellä kaupunkiraunioita. Esteettisesti siinä yhdistyvät kubismin pirstaleisuus ja surrealismin painajaismainen logiikka. Rajoittamalla palettinsa jyrkkään mustaan, valkoiseen ja harmaaseen Picasso loi sanomalehtivalokuvien karun välittömyyden ja häivytti kuvataiteen ja journalismin välistä rajaa. Se on edelleen sodanvastainen puheenvuoro vailla vertaa ja osoitus siitä, että taide voi olla ase raakuutta vastaan.
Picasso maalasi Guernican varmistaakseen, ettei maailma voisi kääntää katsettaan verilöylystä. Hän osoitti, että taiteilijalla on moraalinen velvollisuus todistaa tuhoa.
Saksalainen taiteilija Reiner Heidorn kantaa tämän "visuaalisen todistamisen" perinteen 2000-luvulle, mutta hänen huomionsa siirtyy sodan tuhosta planeetan tuhoon. Tunnusomaista "Dissolutio"-tekniikkaansa käyttäen Heidorn luo valtavia, katsojan mukaansa tempaavia öljymaalauksia, jotka käsittelevät ilmastonmuutosta sekä ihmiskunnan ja luonnon välisen suhteen hajoamista. Aivan kuten Picasso käytti seinämaalausmuotoa kohdatakseen katsojan aikansa väkivallan kanssa, Heidorn käyttää teosten mittakaavaa ja voimakkaita, liukenevia tekstuureja kohdatakseen meidät aikamme "ekologisen väkivallan" kanssa ja vaatii meitä olemaan katsomatta pois luonnon katoamisesta.
Reiner Heidorn - Yökasvit - 2025 - ©taiteilija
Toisen maailmansodan jälkeen
Kuolemaansa saakka vuonna 1973 Picasso jatkoi taiteen tekemistä ja palasi usein menetelmiin ja tyyleihin, joita hän oli tutkinut aiemmin elämässään. Toisen maailmansodan jälkeen Picasso muutti Etelä-Ranskaan ja siirtyi viimeiseen, tuotteliaaseen vaiheeseensa. Hänestä oli tullut maailman kuuluisin elossa oleva taiteilija, ja häneltä tilattiin kaikkea suurikokoisista julkisista teoksista tavallisiin taloustavaroihin. Vuonna 1953 hän tapasi naisen, josta tuli hänen toinen vaimonsa, Jacqueline Roque. Picasso oli tuolloin 72-vuotias ja Jacqueline 27-vuotias. Hän maalasi tätä enemmän kuin ketään muuta naista elämässään: yli 400 kertaa vain 20 vuoden aikana. Hänen pakkomielteensä vaikuttava esimerkki on Jacqueline kukkien kera (1954).
Pablo Picasso - Jacqueline kukkien kera, 1954. Musée Picasso, Pariisi, Ranska. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York
Tässä muotokuvassa Picasso hylkää varhaisempien rakastajattariensa pehmeät kaaret jäykän, hieraattisen tyylin hyväksi. Jacqueline on kuvattu pitkän kaulan ja suurten, tuijottavien silmien kera - hänen tunnusomaisen piirteensä mukaisesti - ja hän muistuttaa modernia sfinksiä. Maalia levitetään uudenlaisella kiireellä ja nopeudella, mikä ennakoi hänen viimeisten vuosiensa raakaa, "kehittymätöntä" tyyliä. Tuolloin kriitikot tyrmäsivät nämä myöhäiskauden teokset seniilin vanhuksen raapustuksina; nykyään ne tunnustetaan uus-ekspressionismin edelläkävijöiksi, joita ylistetään niiden raivokkuudesta ja vapaudesta.
Jacquelinea esittävissä muotokuvissaan Picasso lopetti täydellisyyden tavoittelun. Hän maalasi raa'alla, graafisella vauhdilla ja asetti kuvan välittömän vaikutuksen viimeistellyn tekniikan edelle.
Nykytaiteilija Tommaso Fattovich kanavoi tätä samaa kiihkeää energiaa. Vaikka hänen "Abstract Punk" -sommitelmansa ovat puhtaasti abstrakteja, niissä on samaa rakenteellista tiheyttä ja graafista voimaa kuin Picasson myöhäisissä muotokuvissa. Fattovich rakentaa kuvansa nopeasti, kerros kerrokselta, luoden kankaalle keskeisen "läsnäolon", joka tuntuu painoltaan lähes esittävältä. Kuten Picasson pakkomielteinen Jacquelinen kasvojen toisto, Fattovichin teoksia ohjaa pakonomainen tarve merkitä kangasta, jolloin taide tuntuu vähemmän kuvalta ja enemmän äkilliseltä, kiistattomalta tapahtumalta.
Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©the artist
Loppumaton perintö
Picasso sanoi kerran: "Taide ei ole kauneuden kaanonin soveltamista, vaan sitä, mitä vaisto ja aivot voivat kuvitella minkä tahansa kaanonin tuolla puolen." Tämä hellittämätön pyrkimys mennä pidemmälle, hajottaa hahmo, purkaa perspektiivi ja maalata alitajuntaa on hänen todellinen perintönsä. Se ei päättynyt hänen kuolemaansa vuonna 1973. Se hajaantui ja kehittyi uusiksi muodoiksi ja uusiksi kysymyksiksi.
Näiden mestariteosten rinnalla esitellyt nykytaiteilijat, Eric Cruikshankin tunnelmallisista monokromeista Tommaso Fattovichin punk-energiaan, ovat todiste tästä elävästä jatkumosta. Ne muistuttavat meitä siitä, että taiteen historia ei ole sarja suljettuja lukuja, vaan jatkuva, avoin keskustelu. Olipa kyse yhden värin hiljaisuudesta tai tuhotun pinnan kaaoksesta, Picasson vuosisadan määrittänyt luomisen henki elää ja voi hyvin meidän vuosisadallamme.
Phillip Barcio (2016). Toimittanut Francis Berthomier (2026).
Pääkuva: Pablo Picasso - Le Rêve (Unelma), 1932. Öljy kankaalle. 130 cm × 97 cm. Yksityiskokoelma. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Aiheeseen liittyvät teokset
Sold
