Artikkeli: Geometrinen abstraktio: EI vielä yksi sankaritarina Malevichista ja Mondrianista
Geometrinen abstraktio: EI vielä yksi sankaritarina Malevichista ja Mondrianista
Miksi suorat viivat ovat edelleen tärkeitä
Geometrinen abstraktio on yksi niistä taidehistoriallisista aiheista, joiden luullaan olevan kaikille tuttuja. Muutama neliö Malevichilta, Mondrianin perusväreissä oleva teos, vähän Op Artia, joka saa silmäsi kipeiksi, ja sitten tarina oletettavasti päättyy. Useimmissa museon kuvauksissa ja yleisissä kirjoissa se esiintyy lineaarisena, sankarillisena ja jonkin verran ankarana kertomuksena: pieni joukko pioneereja tekee sarjan läpimurtoja, joista jokainen johtaa siististi seuraavaan, kunnes luku sulkeutuu.
Silti suorien viivojen, ruudukkojen ja koodattujen rakenteiden pysyvyys nykytaiteessa, veistoksissa ja digitaalisessa työssä viittaa johonkin muuhun. Geometria ei ole suljettu luku; se on elävä kieli, jota taiteilijat jatkuvasti oppivat uudelleen, kiistävät ja taivuttavat uusiin tarkoituksiin. Sen sijaan, että kertoisi tuon lineaarisen sankaritarinan uudelleen, tämä artikkeli seuraa joukon jännitteitä, jotka kulkevat geometrisen abstraktion läpi 1900-luvun alusta nykypäivään: henkinen vs. rationaalinen, utopistinen vs. ironinen, käsi vs. koodi.
(Ja teille, jotka olette täällä vain perus- ja rehellisesti sanottuna hieman tylsän Geometrisen abstraktion tarinan takia, voitte vapaasti selata suoraan tämän sivun alaosassa olevaan UKK-osioon: se kattaa oppikirjaversion täydellisesti!)
Henkiset neliöt ja ei-objektiivinen usko
20. vuosisadan alussa geometria ei ollut se puhdas, maallinen suunnittelutyökalu, jonka me nykyään tunnemme. Se oli syvästi outo. Taiteilijoille kuten Wassily Kandinsky ja Kazimir Malevich geometria oli okkultismin väline. Theosofian ja ajatuksen, että "ajatusmuodot" voisivat olla näkyviä, voimakkaasti vaikutteina he näkivät kolmion ja ympyrän eivät muotoina, vaan tiivistettyinä voimien draamoina.
Kun Malevich maalasi Mustan neliönsä, se ei ollut formalistinen harjoitus; hän kutsui sitä "paljaaksi, kehyksettömäksi ikoniksi" uudelle uskonnolle. Sitoutuminen oli täydellistä: kun hän kuoli vuonna 1935, Musta neliö kiinnitettiin arkkuautoa kuljettavan kuorma-auton konepellille kuin rykmentin lippu. Tämä perintö, jossa kova reuna palvelee pehmeää henkeä, jatkuu. Kyse ei ole matematiikasta; kyse on hengityksestä.
C63 by Elizabeth Gourlay (2022)
Näemme tämän perinnön myöhäisen Elizabeth Gourlayn (1961–2024) töissä. Hänen käytäntönsä ei koskaan liittynyt viivan jäykkyyteen vaan sen resonanssiin. Aivan kuten varhaiset pioneerit, jotka etsivät visuaalista musiikkia, Gourlayn sommitelmat toimivat nuotteina. Kuitenkin, kun Malevich etsi radikaalia nollapistettä, Gourlay löysi meditatiivisen kertymän, käyttäen hienovaraisia värin ja sävyn muutoksia luodakseen geometriaa, joka tuntui kasvaneelta eikä rakennetulta, "mielen tilan graafina" eikä pohjapiirroksena.
Utopiat perusväreissä ja konkreettisessa taiteessa
Toinen usko syntyi De Stijlin ja konstruktivismin myötä, ja myöhemmin konkreettisen taiteen kanssa. Tässä ruudukko ei ollut ikkuna sieluun, vaan malli paremmalle yhteiskunnalle. Määrittävä hetki koitti, kun Theo van Doesburg julkaisi Manifesto of Concrete Artin vuonna 1930, julistaen, että "mikään ei ole todellisempaa kuin viiva, väri, pinta." Ajatus oli radikaali: abstrakti maalaus abstrahoi todellisuudesta (kuten yksinkertaistettu puu), mutta konkreettinen maalaus on oma todellisuutensa. Se ei valehtele.
Tämä pyrkimys absoluuttisen selkeyden taiteeseen, vapaana tunteiden sotkuisuudesta, loi tietynlaisen hiljaisen intensiteetin. Tämä ilmapiiri on aistittavissa Musée d’Art Concretissa Mouans-Sartoux'ssa, paikassa, jossa me IdeelArtilla usein vierailemme. Se muistuttaa meitä siitä, että tämä tietty abstraktion muoto tarjoaa fyysisen rauhan kokemuksen, loogisen turvapaikan kaoottisessa maailmassa.
XXIV 33 212 (Diptyykki) by Pierre Muckensturm (2024)
Tuo tunne "konkreettisesta" vakaudesta on keskeinen Pierre Muckensturm:lle. Hän ei yritä ilmaista ohimenevää tunnetta; hän rakentaa esinettä. Järjestämällä kankaansa huolellisesti kalibroitujen välimatkojen ja painojen ympärille hän luo liikkumattomuuden, joka tuntuu väistämättömältä. Se on konkreettisen lupauksen nykyaikainen jatkumo: että täydellisesti tasapainotettu kuva voi ehkä saada aikaan tasapainoisen mielen.
Ruudukko, kaupunki ja merkki
Vuosisadan edetessä ruudukko siirtyi utopistisesta pohjapiirroksesta johonkin ambivalentimpaan. Se alkoi näyttää vankilan kaltereilta tai taulukkolaskennan asettelulta. 1980-luvulla Neo-Geo-liike, jota johtivat taiteilijat kuten Peter Halley, tulkitsi neliön uudelleen ei hengellisenä tyhjiönä, vaan "soluna" – viitaten sekä biologisiin soluihin että vankiselleihin, joita yhdistivät modernin infrastruktuurin "johtokanavat".
Large Test Pattern 3 by Tom McGlynn (2002)
Geometrinen taiteilija toimii nykyään usein tämän kaupunkimaiseman purkajana. Olemme ympäröityjä ohjeellisilla grafiikoilla, metro kartoilla ja varoitusmerkeillä. Tom McGlynn toimii tässä puhekielessä. Hän käsittelee kaupungin visuaalista melua - liikkeiden näyteikkunoita, kylttejä, logoja - raakatietona, poistaen kaupallisen viestin ja jättäen jäljelle vain kaupunkiympäristön luurankomaisen syntaksin.
Enchantment Hurdu by Philippe Halaburda (2020)
Samoin Philippe Halaburda kartoittaa erilaista aluetta. Hänen "psykogeografiansa" näyttävät kiihkeiltä liikennekartoilta tai räjäytetyiltä piirilevyiltä, vangiten näkymättömät tiedon ja liikkeen virtaukset, jotka määrittävät elämämme. Siinä missä Mondrian maalasi New Yorkin ruudukon boogie-woogien, nykytaiteilijat maalaavat palvelintilan ylikuormitusta.
Havainnointi: Kun silmä häiriintyy
Jos varhainen abstraktio oli vakavaa, toi keskisata luvuilla "hakkeroinnin" ihmisen käyttöjärjestelmään: Op Artin. Kun MoMA avasi näyttelyn "The Responsive Eye" vuonna 1965, reaktio oli voimakas: jotkut vierailijat jopa pyörtyivät tai ilmoittivat pahoinvoinnista! Taideteos ei vain istunut paikallaan; se teki asioita sinulle. Bridget Rileyn kaltaiset taiteilijat osoittivat, että staattinen pinta voi synnyttää liikettä, ei taikuuden kautta, vaan näön fysiologian kautta.
Mareas by Christina Ghetti (2024)
Nykyaikaiset taiteilijat ovat siirtyneet pois aggressiivisesta "hyökkäyksestä" verkkokalvolle kohti hienovaraisempia värähtelyjä. Cristina Ghetti käyttää moiré-ilmiötä, päällekkäisten ruutujen aiheuttamia interferenssikuvioita, mutta hidastaa sitä. Sen sijaan, että työ olisi 60-luvun huimaava huimaus, se tarjoaa kosketeltavan huminan, visuaalisen taajuuden, joka kutsuu katsojan säätämään tarkennustaan. Kyse ei ole silmän huijaamisesta vaan sen rajojen testaamisesta, luoden tilan, jossa digitaalinen häiriö kohtaa maalatun kankaan.
Geometriset harmoniat: Algoritmi ennen tietokonetta
Paljon ennen generatiivista tekoälyä geometriset taiteilijat käyttivät algoritmeja. Sol LeWitt kirjoitti kuuluisasti: "Idea muuttuu koneeksi, joka tekee taiteen." Taiteilijan tehtävä oli kirjoittaa koodi (säännöt); toteutus oli toissijaista. Tämä liittyy Oulipo-ryhmään kirjallisuudessa: kirjailijoihin, jotka uskoivat, että tiukat rajoitukset (kuten romaanin kirjoittaminen ilman kirjainta 'e') pakottivat suurempaan luovuuteen.
Dawn Light Skew 2 by Debra Ramsay (2023)
Nykyään tämä "algoritminen" lähestymistapa on standardi, oli tietokone mukana tai ei. Debra Ramsay toimii ihmisenä datan tallentajana. Hän seuraa muutoksia luonnonympäristöissä – tietyn puun värejä vuoden aikana – ja muuntaa nämä tiedot tarkkoihin viivajärjestelmiin. Tuloksena on maalaus, joka näyttää abstraktilta, mutta on itse asiassa tietty aikaan ja valoon liittyvä datasetti.
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) by Jasper van der Graaf (2023)
Näemme samanlaista tarkkuutta Jasper van der Graafissa, jonka työ purkaa itse kuvion käsitteen. Siirtämällä ja yhdistämällä geometrisia moduuleja hän luo visuaalisen rytmin, joka tuntuu melkein ymmärrettävältä kieleltä. Se on järjestelmän kauneus: tyydytys nähdä matematiikan toimivan, vaikka yhtälö pysyy piilossa.
Tarkkuus ja keppostelu: Ruudukon rikkominen
On väärinkäsitys, että geometrinen taide olisi huumoriton. Mutta "ekkentrisen abstraktion" pitkä perinne on olemassa. Ajattele François Morellet'ta, joka määritteli maalauksensa käyrät Pi:n numeroiden avulla, tai Heimo Zobernigia, joka käyttää ruudukkoa tarkoituksellisen ironisella huolimattomuudella. Geometria voi olla peli, tapa asettaa sääntö vain sen rikkomisen iloksi.
12 Shapes by Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordon toimii tässä järjestäytyneen innostuksen vyöhykkeessä. Hänen maalauksensa rakentuvat tiheistä, rytmisistä muotoklustereista, jotka vihjaavat ruudukkoa ilman, että niihin jää loukkuun. Se on eräänlaista geometrista improvisaatiota—kuin jazzia—missä rakenne tarjoaa rytmin, mutta väri ja jäljen tekeminen saavat vapaasti riffata ja vaeltaa. Tuloksena on "löysä geometria", joka tuntuu elävältä ja johdonmukaisesti leikkisältä, ei laskelmoidulta.
Red Frames tekijänä Daniel Göttin (2019, Amsterdam, pysyvä installaatio)
Kolmiulotteisessa maailmassa Daniel Göttin vie tämän leikkisyyden todelliseen maailmaan. Hän käyttää teollisia materiaaleja, teippiä, puuta, metallia puuttuakseen arkkitehtonisiin tiloihin. Hän noudattaa tiukkoja sääntöjä, mutta lopputulos määräytyy huoneen epäsäännöllisyyksien mukaan: ilmanvaihtoaukko, kulma, ikkuna. Se on dialogi neliön platonisen ihanteen ja näyttelyseinän sotkuisen todellisuuden välillä.
Tasopinnan tuolla puolen: Väkivaltainen geometria
"Mitä näet, sitä näet," sanoi Frank Stella, korostaen, että maalaus on vain esine, ei ikkuna. Tämä johti taiteilijoita rikkomaan suorakulmion kokonaan. Nykytaiteilija Angela de la Cruz tunnetusti ottaa geometrisen monokrooman ja rikkoo kankaan kehykset, rypistäen maalauksen veistokselliseksi romuksi.
Bulge tekijänä Holly Miller (2007)
Vaikka väkivaltaisuus on vähäisempää, monet nykytaiteilijat ovat yhtä sitoutuneita ajatukseen, että geometria on paettava tasoa. Holly Miller korvaa maalatun viivan fyysisellä langalla, ommellen suoraan kankaaseen. "Viiva" ei ole enää esitys; se on fyysinen jännite, joka heittää todellisen varjon.
Brand New Day tekijänä Tom Henderson (2018)
Samoin Tom Henderson siirtyy teollisen viimeistelyn alueelle, käyttäen pleksilasia ja öljyä luodakseen seinäveistoksia, jotka vangitsevat valoa ja heijastuksia, muuttaen muotoaan katsojan liikkuessa. Ja Louise Blyton haastaa maalausten perinteiset neljä kulmaa muotoilluilla kankaillaan ja raakana pellavalla, pehmentäen kovaa reunaa luonnonmateriaalin tekstuurin kautta. He muistuttavat meitä siitä, että geometria ei ole pelkkä mielikuva; se on asia maailmassa, jolla on paino, tekstuuri ja seuraamuksia.
Inside and Outside tekijänä Louise Blyton (2020)
Yhteenveto: Eläminen järjestelmien kanssa
Elämme ympäröityinä geometrioilla, joita emme valinneet: kaupunkisuunnitelmat, käyttöliittymät, logistiset verkostot. Geometrinen abstraktio ei vain peilaa näitä järjestelmiä; se tarjoaa tilan tutkia niitä, hidastaa niitä tai kuvitella vaihtoehtoja.
Olipa kyse sitten Elizabeth Gourlayn meditatiivisista sävellyksistä tai Tom McGlynnin urbaanista koodin purkamisesta, nämä taiteilijat todistavat, että geometria ei ole häkki. Se on kieli. Ja haasteena nyt ei ole toistaa kaanonia, vaan nähdä, miten nämä muodot voivat edelleen puhua maailmassa, jossa geometria on sekä elinympäristömme että rajoitteemme.
