Kun Romare Bearden meni abstraktiksi

Jos, kuten monet ihmiset, jäit ilman mahdollisuutta nähdä Abstract Romare Bearden DC Moore Gallery:ssa New Yorkissa tänä talvena COVID-19:n vuoksi, älä pelkää: vielä suurempi näyttely, nimeltään Romare Bearden: Abstraction, alkaa kiertää Yhdysvaltoja syksyllä (olettaen, että virus on siihen mennessä kulkenut kulkunsa). Molemmat näyttelyt ansaitsevat kiitosta siitä, että ne menevät yli Beardenille tunnetuista laajalti tunnetuista figuratiivisista teoksista ja tarjoavat syvällisen katsauksen yhteen 1900-luvun vaikutusvaltaisimmista ja itsetutkivimmista taiteilijoista—hänen suurikokoisiin, ilmeikkäisiin abstraktioihinsa. Bearden nousi ensimmäisen kerran esiin vuosisadan alkupuolella sosiaalirealistisena taiteilijana. Hänen varhaiset teoksensa käsittelivät mustien amerikkalaisten ahdinkoa kulttuurissa, joka oli sitoutunut ja päättäväinen marginalisoimaan heitä ihonvärinsä vuoksi. Ottaen huomioon, kuinka syvällinen vaikutus hänen figuratiivisella työllään oli kulttuuriin, monet ihmiset ovat tänä päivänä hämmästyneitä kuullessaan, että Bearden syventyi myös abstraktion alueelle. Kuitenkin Beardenille tämä ei ollut todellakaan poikkeama. Hän näki kaikenlaisen taiteen—figuratiivisen, abstraktin, käsitteellisen, mitä tahansa—osana yhtenäistä pyrkimystä, jonka ihmiskunta on aina tehnyt ymmärtääkseen itseään ja olemassaoloaan paremmin. Hän ajatteli taidetta jotain, joka virtaa, mutta on erilaista kuin todellinen kokemus, eikä siten ole sidottu sääntöihin, jotka sanovat, että sen on peilattava sitä, mitä todella näemme. "Taide," Bearden sanoi kerran, "on keinotekoista, tai luova yritys, jonka ensisijainen tehtävä on lisätä olemassaolevaan käsitykseemme todellisuudesta." Hänen abstraktit teoksensa valaisevat tätä käsitettä hienosti ja tarjoavat tuoretta näkemystä abstraktion mahdollisuudesta auttaa meitä näkemään itsemme ja maailmamme uusilla tavoilla.

Metaforat ja myytit

Romare Bearden - River Mist, 1962. Öljy käsittelemättömällä pellavalla, sekä öljy, kaseiini ja värikynä kankaalla, leikattu, revitty ja kiinnitetty maalatulle levylle. 54 1/4 x 40 7/8 tuumaa. DC Moore Gallery

Vaikka hänen varhaistyylinsä oli jossain määrin moderni ja jopa silloin vihjasi kommunikaation potentiaaliin abstraktiossa, se oli myös jossain määrin samanlainen kuin monien alueellisten taiteilijoiden tyyli, joita Amerikka tuotti tuolloin. Bearden halusi enemmän kuin että hänen teoksensa luokiteltaisiin alueellisiksi tai jopa figuratiivisiksi. Hän halusi antaa maalauksilleen metaforaa, yhdistää yksilöllisen kokemuksen kollektiiviseen ymmärrykseen. Palattuaan armeijapalveluksesta toiseen maailmansotaan, hän matkusti Eurooppaan vierailemaan eurooppalaisten modernistien ateljeissa. Kun hän palasi New Yorkiin, hän tutki siellä oppimiaan tekniikoita ja flirttaili myös abstraktin ekspressionismin ja erilaisten muiden aikalaistyyliin liittyvien asioiden kanssa etsiessään omaa aitoa ääntään. Hänen kehityksensä kannalta keskeistä oli hänen uskomuksensa sosiaaliseen aktivismiin ja päivittäinen osallistumisensa kansalaisoikeuksien taisteluun. Ajoittain hänen taiteellinen etsintänsä näytti jopa olevan ristiriidassa hänen poliittisten uskomustensa kanssa. Eräänä tällaisena hetkenä Bearden lausui kuuluisasti: "Negro-taiteilijan on alettava ajatella itseään ei ensisijaisesti Negro-taiteilijana, vaan taiteilijana." Hän haastoi myöhemmin tuon lausunnon itse, tajuten, että on turhaa, että mikään luova henkilö poistaa henkilökohtaiset olosuhteet ja kokemukset työstään.

Romare Bearden - Vanha ja uusi, 1961. Öljy kankaalla. 50 x 60 1/16 tuumaa. DC Moore -galleria

Kollaasi sosiaalisena toimintana

Bearden saapui siihen, mitä voitaisiin kutsua puhtaaksi abstraktioksi noin 1950-luvun lopulla. Noin neljä vuotta sen jälkeen, kun Helen Frankenthaler alkoi käyttää "soak-stain" -tekniikkaa, Bearden saapui itsenäisesti samankaltaiseen menetelmään. Inspiroituneena työstä, jota hän teki kiinalaisen kalligrafin kanssa, hän alkoi laimentaa öljyvärejään ja kaataa niitä käsittelemättömälle kankaalle, jolloin ne sekoittuivat luoden värikkäitä, kosmisia kompositioita. Kuten hänen figuuriensa kohdalla, Bearden näki nämä abstraktiot ilmentyminä jostakin olennaisesta ihmisen olosuhteessa. Jotkut hänen medioistaan eivät sekoittuneet, mikä aiheutti eloisia erotteluja maalauksen pinnalla; toiset mediat pyörivät yhteen luoden jotain monimutkaisempaa ja kerroksellisempaa kuin mitä kumpikaan olisi voinut saavuttaa yksin; jotkut alueet hänen abstrakteista kankaistaan jätettiin käsittelemättömiksi, toimien paljastuksen hetkinä; jotkut alueet näyttävät vapaalta ja virtaavalta, kun taas toiset näyttävät tiukasti hallituilta ja kartoitetuilta. Näiden ilmaisullisten todellisuuksien sisällä Bearden ilmaisi ideoita, tunteita ja assosiaatioita jokapäiväisestä inhimillisestä olemassaolostaan.

Romare Bearden - White Mountain, c. 196. Oil and casein on canvas, cut and mounted on painted board with graphite. 50 x 34 3/4 inches. DC Moore Gallery

Jotkut hänen erottuvimmista abstrakteista sävellyksistään hyödyntävät kollaasitekniikkaa, jota Bearden alkoi käyttää noin vuonna 1963. Yli vuosi ennen kuin kanadalainen kirjailija Marshall McLuhan lanseerasi lauseen "väline on viesti", Bearden osoitti syvällistä ymmärrystä samasta ideasta näyttämällä, kuinka kollaasin väline ilmentää kollektiivisen toiminnan viestiä. Hänen abstraktit kollaasinsa eivät ainoastaan esitä yhtenäistä sävellystä väreistä, muodoista ja tekstuureista—ne myös näyttävät, kuinka erilaisia elementtejä voidaan yhdistää luomaan jotain yhtenäistä, voimakasta ja selkeää. Niiden kokoonpantu ulkonäkö ja ilmeinen keinotekoisuus, itse asiassa, "lisää olemassaolevaan käsitykseemme todellisuudesta" syvällisellä ja kauniilla tavalla.

Romare Bearden: Abstraction, joka esittelee suuren valikoiman Beardenin abstrakteja kollaasia ja maalauksia, avautuu Michiganin yliopiston taidemuseossa Ann Arborissa, Michiganissa 10. lokakuuta 2020; Frye-taidemuseossa Seattlessa, Washingtonissa 13. helmikuuta 2021; ja Gibbes-taidemuseossa Charlestonissa, Etelä-Carolinassa 15. lokakuuta 2021.

Esittelykuva: Romare Bearden - Feast, 1969. Kollaasia erilaisista papereista puulevylle. 21 x 25 tuumaa. DC Moore Gallery.
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park