लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन: वह कला जो ठंडी होने से इनकार करती है

टोक्यो, 1957। Georges Mathieu, नंगे पैर, किमोनो में लिपटे, उसका लंबा शरीर एक स्प्रिंग की तरह लिपटा हुआ है जो छोड़ने वाला है, आठ मीटर के कैनवास के सामने खड़ा है। उसे गुताई आर्ट एसोसिएशन के Jiro Yoshihara ने आमंत्रित किया है, जो एक अग्रगामी समूह है जो कला को शुद्ध भौतिक मुठभेड़ के रूप में प्रचारित करता है। दर्शक देखते हैं। Mathieu स्केच नहीं बनाता, योजना नहीं बनाता, हिचकिचाता नहीं। वह रंग की ट्यूब की ओर बढ़ता है। वह इसे सीधे सतह पर निचोड़ता है। उसका हाथ झाड़ता है। एक कैलीग्राफिक भंवर फूट पड़ता है। कुछ ही मिनटों में, La Bataille de Hakata अस्तित्व में आ जाता है। वह अपने घर लौटने की उड़ान से पहले बीस और कैनवास पेंट करेगा। Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Georges Mathieu चित्रित करते हुए la Bataille de Bouvines - 25 अप्रैल 1954 - ©Robert Descharnes

यदि वह दृश्य आपसे बात करता है, जोखिम, पसीना, वह रंग जो छुआ नहीं जा सकता, तो आप पहले ही इस निबंध की बहस के अंदर हैं। लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन के बारे में महत्वपूर्ण तथ्यों में रुचि रखने वाले पाठकों के लिए, हमारे नीचे बहुत विस्तृत FAQ में आपकी पूरी जानकारी है।

दो बार जन्मा, हमेशा विरोध में

लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन कहीं से अचानक नहीं उभरा। यह ठंडक के खिलाफ एक विशिष्ट, शारीरिक घृणा से जन्मा था। पहली उत्पत्ति पेरिस, 1947 में हुई, एक ऐसा शहर जो अभी भी नाजी कब्जे से खून बहा रहा था। समीक्षक Jean José Marchand और चित्रकार Georges Mathieu ने Abstraction Lyrique शब्द गैलरी डु लक्ज़मबर्ग में "L'Imaginaire" में प्रदर्शित कृतियों का वर्णन करने के लिए गढ़ा: चित्र जो, जैसा कि Marchand ने देखा, एक ऐसा गीतात्मक भाव प्रदर्शित करते थे जो किसी भी दासता से मुक्त था। ज्यामिति की कोई दासता नहीं। उस तर्कसंगत ग्रिड की कोई दासता नहीं जिसने अपनी सबसे विकृत राजनीतिक अभिव्यक्ति में, अभी-अभी यूरोप को मारने की कोशिश की थी। यह इशारा जीवित रहने का एक कार्य था: ब्रश का निशान मानव उपस्थिति के जारी रहने का प्रमाण।

दूसरी उत्पत्ति न्यूयॉर्क, 1969 में हुई, और दुश्मन बदल चुका था, लेकिन ठंडक अभी भी थी। अमेरिकी समीक्षक और संग्रहकर्ता Larry Aldrich ने Art in America में "Young Lyrical Painters" प्रकाशित किया, जिसमें उन चित्रकारों की एक पीढ़ी का नाम दिया गया जो मिनिमलिज़्म की बर्फीली पूर्णता और पॉप आर्ट की सोची-समझी विडंबना से थक चुके थे। व्हिटनी म्यूजियम ने 1971 में एक पूर्ण प्रदर्शनी के साथ इस आंदोलन को औपचारिक रूप दिया। फिर से: एक प्रणाली के खिलाफ उठती गर्माहट। हर बार जब लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन उभरा है, तो वह एक शैली के रूप में नहीं, बल्कि एक इनकार के रूप में उभरा है: पेंटिंग को बिना शरीर के एक अवधारणा बनने से इनकार, बिना धड़कन के एक रूप बनने से इनकार।

यह दोहरी वंशावली (पेरिस 1947 / न्यूयॉर्क 1969) केवल ऐतिहासिक तथ्य नहीं है। यह गीतात्मक अमूर्तता क्या है इसके बारे में कुछ संरचनात्मक प्रकट करता है। यह एक आंदोलन है जो खुद को किसी और चीज़ के खिलाफ परिभाषित करता है, जिसका मतलब है कि इसकी पहचान लगातार जीवित, लगातार प्रतिक्रियाशील है। Martin Reyna पर विचार करें, एक अर्जेंटीना में जन्मे चित्रकार जो दशकों से पेरिस में रहते और काम करते हैं। उनके इंक और पतले एक्रिलिक्स एक साथ संरचित और मुक्त हैं: Reyna एक संरचना स्थापित करते हैं: एक क्षेत्र, एक लय, कुछ शर्तें, और फिर रंग को अपनी खुद की तर्क के अनुसार उसमें चलने देते हैं, अंतिम सतह कलाकार के निर्णयों और रंग दोनों की समान रूप से होती है। Reyna के कैनवास को देखकर, आप प्रतिरोध महसूस करते हैं, किसी विशेष ऐतिहासिक आंदोलन के लिए नहीं, बल्कि चित्रकला को एक बंद, तयशुदा चीज़ के रूप में देखने के विचार के लिए। इस अर्थ में, वह 1947 के पेरिस अस्वीकार के सीधे उत्तराधिकारी हैं।

Martin Reyna - L'Ile - 2023

जो शरीर जानता है

यहाँ वह है जो गीतात्मक अमूर्तता को अन्य अभिव्यक्तिपूर्ण चित्रकला के रूपों से अलग करता है: प्रक्रिया कोई साधन नहीं है, यह संदेश है।

Mathieu का "Tubism" (ट्यूब से सीधे तेज़ी से पेंट निचोड़ना) कोई तकनीकी शॉर्टकट नहीं था। यह एक दार्शनिक घोषणा थी: आवेग और सतह के बीच कोई मध्यस्थता नहीं। Jean-Paul Riopelle, पेरिस के Art Informel समूह के कनाडाई सदस्य, ने पूरी तरह से ब्रश को खत्म कर दिया, केवल पैलेट चाकू से काम करते हुए, मोटे मोज़ेक इम्पास्टो रंगों का निर्माण किया जो जिद्दी, भौतिक रूप से मौजूद महसूस होते हैं। Helen Frankenthaler ने इसके विपरीत दिशा अपनाई: उनकी सोक-स्टेन तकनीक ने कच्चे, बिना प्राइम किए कैनवास पर रंग डाला ताकि पेंट लगने के बजाय अवशोषित हो जाए, चित्रकला और समर्थन के बीच की सीमा पूरी तरह से ध्वस्त हो गई। इनमें से प्रत्येक नियंत्रण के खिलाफ एक अलग दांव है, शरीर को बोलने देने का एक अलग तरीका इससे पहले कि मन संपादित कर सके।

यह शरीर-केंद्रित तर्क बिल्कुल वही है जो आप Macha Poynder के काम में देखते और महसूस करते हैं, जो पेरिस स्थित चित्रकार हैं जो अपने कैनवास को प्रदर्शनात्मक इशारों, स्वचालित ड्राइंग, और सहज रंग विकल्पों के माध्यम से बनाती हैं जिन्हें वह अवचेतन की अभिव्यक्तियों के रूप में वर्णित करती हैं न कि बुद्धि के रूप में। उनके सतहों में स्पष्ट यादृच्छिकता वाले क्षेत्र मिश्रित होते हैं, जहां रंग छीटा या टपका होता है, साथ ही प्रशिक्षित हाथ द्वारा लगाए गए सटीकता वाले क्षेत्र भी होते हैं, और उन दो अवस्थाओं के बीच तनाव ही चित्रकला है। Poynder अपनी प्रक्रिया की तुलना संगीत निर्माण से करती हैं: जो पहले से रचित नहीं होता, बल्कि करते हुए खोजा जाता है। उनका काम Centre Pompidou और Rijksmuseum के स्थायी संग्रहों में रखा गया है, जो यह सुझाव देता है कि संस्थान भी उस अंतर को महसूस कर सकते हैं जो एक प्रदर्शन की गई चित्रकला और केवल बनाई गई चित्रकला के बीच होता है।

Macha Poynder - दूर कहीं - 2026

Janise Yntema, ब्रुसेल्स में encaustic वैक्स (मधुमक्खी का मोम जो ब्लो टॉर्च से लगाया और पिघलाया जाता है) के साथ काम करती हैं, जो नियंत्रण और विमोचन के बीच एक समान रूप से संवेदी क्षेत्र में स्थित है। मोम व्यवहार करता है: एक सीमा तक। फिर गर्मी आती है, और जो रखा गया था वह बन जाता है जो वह बनता है। प्रत्येक अर्ध-पारदर्शी परत प्रकाश को अलग-अलग फंसाती है, इसलिए Yntema के कैनवास में देखना ऐसा है जैसे कुछ अंदर से प्रकाशित हो। दिशा और दुर्घटना के बीच का क्षण वह समस्या नहीं है जिसे वह हल करने की कोशिश कर रही हैं; यह पूरा विषय है। और ब्रुकलिन में, Emily Berger लकड़ी के पैनलों पर (हीरो छवि देखें) तेल रंग के साथ व्यापक क्षैतिज इशारों में काम करती हैं जो उनके पूरे हाथ को संलग्न करते हैं (खुरचना, स्कम्बलिंग, खींचना) ताकि हर निशान स्पष्ट रूप से एक शारीरिक प्रतिबद्धता का रिकॉर्ड हो। उनके सतहों, Berger ने कहा है, कलाकार के हाथ का जश्न मनाती हैं। एक युग में जो अक्सर हाथ को अदृश्य रखना पसंद करता है, यह कोई सौंदर्यात्मक पसंद नहीं है। यह एक स्थिति है।

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, बेलग्रेड में आधारित ऑस्ट्रियाई मूल के चित्रकार, शरीर और प्रक्रिया के इस प्रश्न में एक और नया आयाम लाते हैं। उनकी पेंटिंग विभिन्न स्तरों पर चलती हैं, सटीक, लगभग वास्तुशिल्पीय रेखाचित्र से लेकर रंग के व्यापक वातावरणीय क्षेत्रों तक, लेकिन हर रूप में निशान विचारशील होता है बिना पूर्वनिर्धारित योजना के, सतह वास्तविक शारीरिक जुड़ाव के माध्यम से प्राप्त होती है। Landauer अपनी प्रक्रिया को खुदाई की प्रक्रिया के रूप में वर्णित करते हैं: बेलग्रेड जाने से उन्हें परिचित चीजों पर सवाल उठाने की दूरी मिली, और वह सवाल सतहों में दिखता है जो दोनों निर्मित और खोजे गए लगते हैं।

Paul Landauer - Movement - 2023

दुनिया ने पेरिस या न्यूयॉर्क का इंतजार नहीं किया

कला इतिहास के एक स्थायी मिथकों में से एक यह है कि आंदोलनों की उत्पत्ति एक जगह होती है और वे "फैलते" हैं, जैसे संस्कृति कोई संक्रामक रोग हो। लिरिकल अमूर्तता इस मॉडल को काफी जटिल बनाती है। जापान में गुताई समूह फ्रांसीसी Art Informel का उपग्रह नहीं था: यह एक समानांतर आविष्कार था, जो अपनी युद्धोत्तर तात्कालिकता, पदार्थ और प्रदर्शन के अपने अनुभव से प्रेरित था। Kazuo Shiraga अपने पैरों से चित्र बनाते थे, कैनवास के ऊपर रस्सियों से लटके हुए। जब Mathieu 1957 में टोक्यो पहुंचे, तो यह दो समान रूप से पूर्ण संवेदनाओं के बीच मुलाकात थी, न कि शिक्षक और शिष्यों के बीच।

Zao Wou-Ki, हांगझोउ में अध्ययन के बाद पेरिस में बसने वाले चीनी मूल के चित्रकार ने ओरिएंटल स्याही अभ्यास की सहज ऊर्जा को यूरोपीय Art Informel की स्थानिक महत्वाकांक्षाओं के साथ इस तरह जोड़ा कि न तो कोई एक परंपरा अकेले ऐसा कर सकती। उनके बड़े कैनवास एक साथ कैलीग्राफिक और वातावरणीय होते हैं, एक तरह की पेंटिंग जिसका कोई उदाहरण नहीं क्योंकि इसके लिए उनकी जीवनी और उनके चौराहे की जरूरत थी। कनाडा में, Riopelle और Automatistes ने 1948 में अपना Refus Global घोषणापत्र प्रकाशित किया, जो प्रांतीय धार्मिक प्राधिकरण को अस्वीकार कर कला की एक प्रयोगात्मक, धर्मनिरपेक्ष दृष्टि को अपनाता है, एक और ठंडी प्रणाली को अस्वीकार करना, एक और गर्मजोशी का इशारा।

आज, Yari Ostovany, जो तेहरान में जन्मे और अब सैन फ्रांसिस्को में काम कर रहे हैं, इस वैश्विक संश्लेषण को आगे बढ़ा रहे हैं। उनकी पेंटिंग्स घने, वायुमंडलीय परतों में रंग जमा करती हैं, फिर उन्हें धोती हैं, खुरचती हैं, सतहों को घोलती और पुनर्निर्मित करती हैं जब तक कि वे कुछ ऐसा न ले लें जो पुरातात्विक न होकर प्राचीन महसूस होता हो। Ostovany फारसी कविता को एक प्रारूपिक प्रभाव के रूप में बताते हैं, और वह प्रभाव उनकी बनाई सतहों में पढ़ा जा सकता है: गहराइयां जो खुलती और बंद होती हैं, रंग जो प्रकट होते हैं और फिर पीछे हटते हैं, एक सतह जो कभी पूरी तरह स्थिरता में नहीं बदलती। उनका काम न तो अमेरिकी कलर फील्ड है, न ईरानी मिनिएचर, न ही इनके बीच कुछ: यह बिल्कुल खुद है, एक संवेदनशीलता जो केवल वैश्विक संगम से ही उत्पन्न हो सकती थी।

Yari Ostovany - नाइट पिलग्रिम 25 - 2022

तीसरी ठंड: गीतात्मक अमूर्तता और समकालीन दुनिया

इक्कीसवीं सदी की शुरुआत के समकालीन कला जगत में, गीतात्मक अमूर्तता अपनी तीसरी ठंड का सामना कर रही है। पहली थी तर्कसंगत ग्रिड। दूसरी थी न्यूनतमवाद की संक्षिप्त तर्कशक्ति। तीसरी है एल्गोरिदमिक छवि, तकनीकी रूप से त्रुटिहीन, तुरंत उत्पन्न, मानव दृश्य संस्कृति द्वारा पहले से बनाए गए सांख्यिकीय वितरणों से जनित। एआई-जनित छवि अब तक की सबसे ठंडी चीज़ है: इसमें कोई जोखिम नहीं, कोई प्रतिबद्धता नहीं, कोई शरीर नहीं। यह असफल नहीं हो सकती। जिसका मतलब है कि यह किसी भी सार्थक अर्थ में सफल भी नहीं हो सकती।

Poynder का एक कैनवास एक विशेष क्षण में, शरीर और मन की एक विशेष स्थिति में किए गए एक इशारे का रिकॉर्ड रखता है, जिसे दोहराया नहीं जा सकता। एक Landauer पेंटिंग में एक विशेष शरीर के विशेष समय में गिने और किए गए इशारों का बायोमेट्रिक निशान होता है। Jill Moser का एक काम, जिनके गीतात्मक, कैलीग्राफिक निशान पेंटिंग और लिखित भाषा के बीच, छवि और शब्दों से पहले के अर्थ के बीच नेविगेट करते हैं, किसी भी ऐसे प्रक्रिया से नहीं बनाया जा सकता जो गणना से निष्पादन की ओर बढ़ती हो। ये पेंटिंग्स किसी एल्गोरिदम की भविष्यवाणी का परिणाम नहीं हैं कि पेंटिंग कैसी दिखनी चाहिए। ये वे होते हैं जब एक मानव शरीर असली अनिश्चितता की स्थितियों में सामग्री से मिलता है।

Jill Moser - पेंटिंग - 2007

यह कोई छोटी बात नहीं है। यह, वास्तव में, पूरी बात है। लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन कभी किसी विशेष शैली या तकनीक के बारे में नहीं रहा। यह हमेशा इस जोर पर रहा है कि चित्रकला एक घटना है, उत्पाद नहीं: सतह पर निशान एक जीवन के जीने का प्रमाण है, एक जोखिम उठाने का, एक ऐसा क्षण जिसे सांख्यिकीय डेटा से पुनर्निर्मित नहीं किया जा सकता। तीसरी ठंड के खिलाफ, यह जोर न तो पुराना है और न ही भावुक। यह आवश्यक है।

फ्रांसिस बर्थोमियर द्वारा

और अधिक चित्रकला जो ठंडी होने से इंकार करती है

इस निबंध में प्रदर्शित समकालीन कलाकार (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer, और Jill Moser) IdeelArt द्वारा प्रतिनिधित्व किए गए लिरिकल और इशारात्मक चित्रकारों के व्यापक समुदाय से एक व्यक्तिगत चयन हैं। संग्रह में कई अन्य कलाकार भी इस संवेदनशीलता को साझा करते हैं। 

उन कलेक्टर्स के लिए जो आज उपलब्ध कार्यों के माध्यम से लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन का अन्वेषण करना चाहते हैं, IdeelArt के पास 700 से अधिक इशारात्मक और लिरिकल एब्स्ट्रैक्ट कलाकृतियों का एक विशेष संग्रह है जिसे यहां क्लिक करके खोजा जा सकता है।

लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन: अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्न

उन पाठकों के लिए जो तथ्य जानना चाहते हैं, और गूगल के लिए, जो उन्हें भी चाहता है।

1. लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन क्या है?

लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन एक गैर-आकृतिक चित्रकला की शैली है जो ज्यामितीय संरचना या बौद्धिक प्रणाली की तुलना में सहजता, भावनात्मक तीव्रता, और कलाकार के इशारे के दृश्य निशान को प्राथमिकता देती है। यह दो ऐतिहासिक रूप से अलग लेकिन दार्शनिक रूप से संबंधित संस्करणों में मौजूद है। यूरोपीय संस्करण, Abstraction Lyrique, 1940 के दशक के अंत में युद्धोत्तर पेरिस में Art Informel की एक उपधारा के रूप में उभरा, जो कब्जे और तानाशाही के आघात के बाद मानवीय स्वतंत्रता के एक प्रमाण के रूप में सहज निशान का जश्न मनाता है। अमेरिकी संस्करण को 1960 के दशक के अंत और 1970 के दशक की शुरुआत में कलेक्टर Larry Aldrich द्वारा पहचाना गया और 1971 की व्हिटनी म्यूजियम प्रदर्शनी में इसका स्फटिकरण हुआ, यह बार फिर मिनिमलिज्म की क्लिनिकल रिडक्टिविज्म और पॉप आर्ट की विडंबनात्मक अलगाव के खिलाफ एक प्रतिक्रिया के रूप में। दोनों संस्करण तरलता, रंग, और जिसे "उत्पादक दुर्घटना" कहा जा सकता है, के प्रति प्रतिबद्धता साझा करते हैं: वह क्षण जब चित्रकला कुछ ऐसा करती है जो चित्रकार ने पूरी तरह से योजना नहीं बनाई थी, और वह अनियोजित चीज़ इसलिए रखी जाती है क्योंकि वह योजना से उत्पन्न किसी भी चीज़ से अधिक सच्ची होती है। दृश्य रूप से, लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन वायुमंडलीय स्थान, इशारात्मक या चित्रकारी के निशान, और समग्र गति की भावना की ओर झुकाव रखती है, जो ज्यामितीय एब्स्ट्रैक्शन की कठोर किनारों, नियमबद्ध रेखाओं, और गणना की गई सममितियों के विपरीत है।

प्रदर्शनी कैटलॉग - व्हिटनी म्यूजियम - लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन - 1971 - कैटलॉग देखने के लिए क्लिक करें

2. लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन और एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म में क्या अंतर है?

यह भ्रम समझने योग्य है: दोनों आंदोलनों में हावभाव, शरीर और भावनात्मक प्रत्यक्षता का जश्न मनाया जाता है, लेकिन अंतर वास्तविक और महत्वपूर्ण हैं। न्यूयॉर्क में 1940 के मध्य से विकसित हुआ एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म अक्सर एक नायकत्वपूर्ण, यहां तक कि हिंसक ऊर्जा से चिह्नित था: Pollock की ड्रिप तकनीक की एक्शन पेंटिंग, de Kooning की आकृति-में-एब्स्ट्रैक्शन का भव्य टकराव, Rothko के रंग क्षेत्रों की महानता। यह कलाकार को अस्तित्ववादी योद्धा के रूप में एक विशेष (और काफी माचो) मिथक के साथ जुड़ा था। लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन, विशेष रूप से 1960 के दशक के अंत का अमेरिकी संस्करण, आंशिक रूप से उस रूढ़िवादिता के खिलाफ एक प्रतिक्रिया थी। यह अधिक तरल, अधिक काव्यात्मक, और सौंदर्य को एक वैध अंत के रूप में अधिक महत्व देता था। Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, और Dan Christensen जैसे कलाकार ऐसे स्तरों पर काम करते थे जो हल्के, अधिक व्याप्त, और सटीक शब्द में, लिरिकल थे। अंतर गंभीरता का नहीं; यह स्वर का है। यदि एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म पूर्ण ध्वनि में जैज़ है, तो लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन वही जैज़ है जो खुले खिड़कियों वाले कमरे में बज रहा हो।

मार्क रोथको फाउंडेशन लुई विट्टन में - दिसंबर 2023 - ©IdeelArt

3. "लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन" शब्द किसने गढ़ा?

यह शब्द 1947 में पेरिस में कला समीक्षक जीन José Marchand और चित्रकार Georges Mathieu द्वारा गैलरी डु लक्जमबर्ग में "L'Imaginaire" प्रदर्शनी में दिखाए गए कार्यों का वर्णन करने के लिए गढ़ा गया था। मार्चांड ने इसे उस चित्रकला की भावना व्यक्त करने के लिए इस्तेमाल किया जो सभी "दासता" से मुक्त हो गई थी: आकृति, सिद्धांत, युद्ध पूर्व शैलियों की शेष मांगों से। बाद में यह शब्द स्वतंत्र रूप से संयुक्त राज्य अमेरिका में Larry Aldrich द्वारा पुनर्जीवित किया गया, जो अमेरिकी संग्रहकर्ता और Aldrich समकालीन कला संग्रहालय के संस्थापक थे, अपनी 1969 की Art in America लेख "Young Lyrical Painters" में। हालांकि Aldrich संभवतः यूरोपीय उपयोग से अवगत थे, उनका इस शब्द का उपयोग एक अलग आलोचनात्मक संदर्भ से प्रेरित था: एक पोस्ट-मिनिमलिस्ट संवेदनशीलता को नाम देने की इच्छा, न कि युद्धोत्तर यूरोपीय संवेदनशीलता को।

प्रदर्शनी कैटलॉग से अंश- 1968-69 कला सत्र की मुख्य बातें - ऑल्ड्रिच आधुनिक कला संग्रहालय - कैटलॉग देखें 

4. सबसे महत्वपूर्ण लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन कलाकार कौन हैं?

यूरोपीय पक्ष पर, आधारशिला के रूप में Georges Mathieu, स्व-घोषित संस्थापक, जो अपने नाटकीय प्रदर्शन और ट्यूबिस्ट तकनीक के लिए प्रसिद्ध हैं, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), जिनके कच्चे, तात्कालिक निशान युद्धोत्तर निहिलिज़्म को दर्शाते हैं, Hans Hartung, जिनके तेज़, अनुशासित स्ट्रोक्स ने गति के माध्यम से स्वतंत्र इच्छा की खोज की, Jean-Paul Riopelle, कनाडाई मूल के पेरिसियन जिनके पैलेट-चाकू मोज़ेक प्रतिष्ठित बन गए, Zao Wou-Ki, जिनका ओरिएंटल सुलेख और Art Informel का संश्लेषण अद्वितीय था, और Simon Hantaï, जिन्होंने गीतात्मक अमूर्तता के भीतर शुरुआत की लेकिन 1958 में पूरी तरह से इसे छोड़कर अपनी स्वयं की प्लीज तकनीक विकसित की, जो युद्धोत्तर चित्रकला में सबसे अनोखी यात्राओं में से एक है। अमेरिकी पक्ष पर, प्रमुख नामों में Helen Frankenthaler, जो सोक-स्टेन तकनीक की आविष्कारक हैं, Sam Francis, जिनके टैचिस्ट छींटे बौद्ध शून्यता की अवधारणाओं से जुड़े हैं, Joan Mitchell, जिन्होंने एक्शन पेंटिंग को इंप्रेशनिस्ट रंग संवेदनशीलता के साथ जोड़ा, Dan Christensen, जिन्होंने चमकीले लूप बनाने के लिए औद्योगिक स्प्रे गन का उपयोग किया, और Ronnie Landfield, जिन्होंने "नई संवेदनशीलता" शब्द गढ़ा ताकि अपने पीढ़ी के काम का वर्णन कर सकें।

Riopelle - Chevreuse -  1954 - Exposition Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, सितंबर 2023 - © IdeelArt

5. गीतात्मक अमूर्तता को कौन सी तकनीकें परिभाषित करती हैं?

प्रक्रिया और तकनीक गीतात्मक अमूर्तता के लिए केंद्रीय हैं, एक ऐसे तरीके से जो लगभग परिभाषात्मक है: कैसे और क्या अलग नहीं हो सकते। Mathieu की "ट्यूबिज़्म" (ट्यूब से सीधे तेज़ी से पेंट लगाना, बिना किसी प्रारंभिक स्केच के) ने सहजता और सुलेखात्मक सटीकता को एक साथ अधिकतम किया। Riopelle ने केवल पैलेट चाकू का उपयोग किया, घने, मूर्तिकला जैसे इम्पास्टो सतहों का निर्माण किया जो मोज़ेक या भूवैज्ञानिक परतों जैसे दिखते हैं। Frankenthaler ने पतला किया हुआ पेंट बिना प्राइम किए कैनवास पर डाला ताकि वह बुनाई में समा जाए, जिससे सतह और आधार के बीच का अंतर समाप्त हो गया। Christensen ने एक औद्योगिक स्प्रे गन का उपयोग किया ताकि लगातार, लूपिंग लाइनों को प्राप्त किया जा सके जो भौतिक पहुंच से परे थीं। हाल ही में, Macha Poynder जैसे कलाकार स्वचालित ड्राइंग और प्रदर्शनात्मक इशारे को जानबूझकर परतों के साथ मिलाते हैं, उनकी सतहें संयोग और इरादे का एक साथ रिकॉर्ड रखती हैं; Janise Yntema ने एन्कॉस्टिक मधुमक्खी के मोम के साथ काम किया है जिसे ब्लोtorch से जोड़ा जाता है, अर्ध-पारदर्शी परतें बनाते हैं जो प्रकाश को फंसाती और संप्रेषित करती हैं; और Emily Berger अपने पूरे शरीर का उपयोग लकड़ी पर क्षैतिज इशारों में करती हैं, खुरचती और स्कम्बलिंग करती हैं जब तक कि पैनल कई शारीरिक प्रतिबद्धताओं के प्रमाण को धारण न कर ले। ये सभी तकनीकें एक बात साझा करती हैं: अपरिवर्तनीयता पर जोर देना। निशान बन जाता है, और बनाना पूरी तरह से उलट नहीं सकता।

Janise Yntema - एकाकीपन की फुसफुसाहट - 2017

6. गीतात्मक अमूर्तन कब और कहाँ उभरा?

गीतात्मक अमूर्तन के दो अलग-अलग ऐतिहासिक स्रोत हैं जिन्हें मिलाना नहीं चाहिए, हालांकि वे भावना में संबंधित हैं। पहला है पेरिस, 1947: प्रदर्शनी "L'Imaginaire" Galerie du Luxembourg में, जहाँ Jean José Marchand और Georges Mathieu ने Abstraction Lyrique शब्द का उपयोग किया एक नए प्रकार के पूर्ण अमूर्तन का वर्णन करने के लिए जो युद्धोत्तर Art Informel के संदर्भ से उभर रहा था। यह यूरोपीय आंदोलन 1950 के दशक में पेरिस में केंद्रित होकर फल-फूल रहा था, जिसमें फ्रांस, कनाडा, जापान, और चीन के कलाकारों का महत्वपूर्ण योगदान था। दूसरा स्रोत न्यूयॉर्क, 1969–1971 है: Larry Aldrich का Art in America लेख "Young Lyrical Painters" (1969) ने एक नई अमेरिकी कलाकार पीढ़ी को नाम दिया जो मिनिमलिज्म से दूर जा रही थी, और यह आंदोलन व्हिटनी म्यूजियम की प्रदर्शनी "Lyrical Abstraction" (1971) द्वारा मजबूत हुआ। ये दोनों क्षण ऐतिहासिक रूप से अलग हैं: यूरोपीय कलाकार न्यूयॉर्क की आलोचनात्मक संस्था के लिए ज्यादातर अज्ञात या खारिज थे, लेकिन वे समान समस्याओं के समानांतर जवाब प्रस्तुत करते हैं: मानव, भावात्मक, और भावनात्मक को फिर से स्थापित करने की आवश्यकता उन प्रणालियों के खिलाफ जो बहुत ठंडी हो गई थीं। (अधिक विवरण के लिए प्रश्न 12 भी देखें)

Jean-Paul Riopelle और Fernand Leduc प्रदर्शनी "Automatisme" में, Galerie de Luxembourg, पेरिस, 1947

7. गीतात्मक अमूर्तन और ज्यामितीय अमूर्तन में क्या अंतर है?

यह बीसवीं सदी के अमूर्त कला का मौलिक विरोधाभास है, और इसे गंभीरता से लेना चाहिए। ज्यामितीय अमूर्तन, Mondrian के ग्रिड से लेकर Albers के वर्गों तक और 1960 के दशक की हार्ड-एज पेंटिंग तक, एक योजना से शुरू होता है। रूप पेंटिंग से पहले मौजूद होता है। निष्पादन सटीकता का मामला है: रेखा वहीं जाती है जहाँ तय किया गया था कि रेखा जाएगी। गीतात्मक अमूर्तन इसके विपरीत विश्वास से शुरू होता है: रूप पेंटिंग की क्रिया के दौरान उभरता है, कलाकार के शरीर, माध्यम, और क्षण के बीच मुठभेड़ के माध्यम से। योजना, यदि कोई हो, तुरंत त्याग दी जाती है या उससे आगे निकल जाती है। ज्यामितीय अमूर्तन नियंत्रण, संरचना, और पुनरावृत्ति को महत्व देता है; गीतात्मक अमूर्तन सहजता, आकस्मिकता, और अपरिवर्तनीय विशिष्टता को महत्व देता है। कोई भी श्रेष्ठ नहीं है, लेकिन वे वास्तव में विरोधी दर्शन प्रस्तुत करते हैं कि एक पेंटिंग क्या है और इसका उद्देश्य क्या है। ज्यामितीय परंपरा की विस्तृत खोज के लिए, IdeelArt के सहायक निबंध "Geometric Abstraction: NOT Another Heroic Tale of Malevich and Mondrian" देखें।

Piet Mondrian - Tableau iii (Composition in oval - विवरण) - 1914 - Stedelijk Museum Amsterdam

8. क्या लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन आज भी प्रासंगिक है?

यह न केवल प्रासंगिक है, बल्कि किसी भी पिछले समय की तुलना में अधिक आवश्यक भी है। एक दृश्य संस्कृति में जो बढ़ती हुई एल्गोरिदमिक रूप से उत्पन्न छवियों से भरी हुई है जो तकनीकी रूप से त्रुटिहीन और अनुभवात्मक रूप से खाली हैं, लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन मानव छाप के लिए अपरिहार्य तर्क प्रस्तुत करता है: वह चित्र जो केवल इस शरीर द्वारा, इस क्षण में, वास्तविक अनिश्चितता की इन परिस्थितियों में बनाया जा सकता था। समकालीन कलाकार जैसे Yari Ostovany (सैन फ्रांसिस्को, जन्म तेहरान), जिनकी रंगीन सतहें फारसी काव्य परंपरा और अमेरिकी कलर फील्ड दोनों का संदर्भ देती हैं, या Paul Landauer (बेलग्रेड, जन्म वियना), जिनके चित्र वास्तुशिल्प सटीकता और वायुमंडलीय विस्तार के बीच चलते हैं, जो हमेशा भौतिक प्रतिबद्धता के माध्यम से आते हैं न कि सूत्र के द्वारा, या Jill Moser (न्यूयॉर्क), जिनके कैलीग्राफिक निशान चित्रकला और लिखित भाषा, इशारे और अर्थ के बीच के सीमा क्षेत्र में रहते हैं: ये सभी ऐसे कार्य कर रहे हैं जिन्हें एक जनरेटिव AI वास्तव में दोहरा नहीं सकता। यह दृश्य उपस्थिति का सवाल नहीं है: एक एल्गोरिदम निश्चित रूप से कुछ ऐसा बना सकता है जो लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन जैसा दिखता है, और विश्वसनीय भी। लेकिन अभ्यास के केंद्र में मानव उपस्थिति की नकल नहीं की जा सकती।

ये चित्रकार जो बनाते हैं वह मुख्य रूप से एक छवि नहीं है: यह एक जीवन, एक जोखिम, एक भौतिक क्षण का प्रमाण है जो एक बार हुआ और सांख्यिकीय डेटा से पुनर्निर्मित नहीं किया जा सकता। सतह रिकॉर्ड है, परिणाम नहीं। प्रमुख संस्थागत रुचि लगातार बढ़ रही है: 2025 में, Monnaie de Paris और Centre Pompidou ने मिलकर Georges Mathieu को समर्पित एक व्यापक रेट्रोस्पेक्टिव आयोजित किया, "Geste, Vitesse, Mouvement", जो पचास वर्षों में पहली ऐसी सर्वेक्षण थी। 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - "Geste, Vitesse, Mouvement" प्रदर्शनी से Monnaie de Paris, 2025 में। यहाँ कैटलॉग देखें

9. लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन और टैचिस्म में क्या अंतर है — क्या वे एक ही चीज़ हैं?

काफी नहीं, हालांकि दोनों निकट संबंध रखते हैं और शब्दों का अक्सर एक-दूसरे के स्थान पर उपयोग किया जाता है, जिससे वास्तविक भ्रम होता है। Tachisme (फ्रेंच से "tache", जिसका अर्थ है दाग या धब्बा) एक विशिष्ट तकनीक है: पेंट को स्वतःस्फूर्त रूप से बिंदुओं, बूंदों, और छींटों में लगाना, जो 1940 के दशक के अंत में पेरिस में उभरी और आलोचक Michel Tapié द्वारा 1952 में मानकीकृत की गई। गीतात्मक अमूर्तन एक व्यापक संवेदनशीलता है जो टैचिस्म को समाहित करती है लेकिन केवल उसी तक सीमित नहीं है। आप टैचिस्म को गीतात्मक अमूर्तन की एक विधि के रूप में सोच सकते हैं, न कि इसके पर्याय के रूप में। दोनों कला अनौपचारिक (Art Informel) के बड़े छत्र के अंतर्गत आते हैं, जो युद्धोत्तर यूरोपीय तर्कसंगत, ज्यामितीय चित्रकला के दृष्टिकोण को अस्वीकार करता है।

सामान्य टैचिस्ट चित्रकला: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. गीतात्मक अमूर्तन और रंग क्षेत्र चित्रकला में क्या अंतर है?

ये दोनों आंदोलन एक पीढ़ी, एक भौगोलिक क्षेत्र (दोनों युद्धोत्तर अमेरिका में फले-फूले), और भावना के प्राथमिक वाहक के रूप में रंग के प्रति प्रतिबद्धता साझा करते हैं, इसलिए इन्हें अक्सर भ्रमित किया जाता है। मुख्य अंतर इशारे की भूमिका में है। रंग क्षेत्र के चित्रकार जैसे Mark Rothko, Barnett Newman, और Morris Louis दृश्य ब्रशस्ट्रोक से दूर बड़े, डूबने वाले रंग क्षेत्रों की ओर बढ़ रहे थे जो कलाकार के हाथ को मिटा देते थे। गीतात्मक अमूर्तन विपरीत दिशा में बढ़ा: इशारा, निशान, चित्रकार के शरीर का भौतिक निशान ही काम का विषय है। Helen Frankenthaler सबसे शिक्षाप्रद उदाहरण हैं, क्योंकि उनकी सोक-स्टेन तकनीक ने वातावरणीय रंग क्षेत्र बनाए जबकि वह गहराई से इशारात्मक प्रक्रिया में जड़ी रही। व्यवहार में, दोनों के बीच की सीमा वास्तव में पारगम्य है, और कई चित्र दोनों समूहों में सहजता से बैठते हैं।

Morris Louis - Pi - 1960 - नॉर्थ कैरोलिना म्यूजियम ऑफ आर्ट (2015 प्रदर्शनी) - ©IdeelArt

11. क्या Joan Mitchell गीतात्मक अमूर्तन है या अमूर्त अभिव्यक्तिवाद?

सच कहूँ तो, दोनों, और वह अस्पष्टता ही उसे एक महत्वपूर्ण व्यक्तित्व बनाती है। Mitchell ने न्यूयॉर्क के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी समूह में प्रशिक्षण लिया और वहां पोषित हुईं, और उन्होंने बड़े पैमाने पर, शारीरिक रूप से प्रतिबद्ध चित्रकला के प्रति अपनी प्रतिबद्धता साझा की। लेकिन उनके काम में एक गीतात्मकता, एक चमक, और परिदृश्य और प्राकृतिक अनुभूति से जुड़ाव है जो इसे समान रूप से गीतात्मक परंपरा के साथ जोड़ता है। उन्होंने अपने करियर का अधिकांश हिस्सा फ्रांस में बिताया, जहां वह यूरोपीय के करीब थीं अमूर्तन गीतात्मक संवेदनशीलता की तुलना में न्यूयॉर्क स्कूल के नायकवादी माचिस्मो से। आज अधिकांश कला इतिहासकार उन्हें दोनों आंदोलनों के बीच के मोड़ पर रखते हैं, जो शायद किसी भी चित्रकार के लिए सबसे दिलचस्प स्थिति हो सकती है।

Joan Mitchell अपने Vétheuil स्टूडियो में, 1983। फोटो: Robert Freson, Joan Mitchell Foundation Archives। © Joan Mitchell Foundation

12. "abstraction lyrique" और "lyrical abstraction" में क्या अंतर है?

वे दार्शनिक डीएनए साझा करते हैं लेकिन ऐतिहासिक रूप से अलग हैं।

Abstraction Lyrique फ्रांसीसी शब्द है, जिसे 1947 में पेरिस में Jean-José Marchand और Georges Mathieu ने गढ़ा था, जो युद्धोत्तर यूरोपीय प्रवाह का वर्णन करता है जो Art Informel, अस्तित्ववादी विचारधारा, और ज्यामितीय तर्कवाद के अस्वीकार में निहित है।

Marchand, एक कला समीक्षक, ने पहली बार यह नाम दिया, Mathieu के कामों का वर्णन करने के लिए जो नवंबर 1947 में चौदहवें Salon des Surindépendants में प्रदर्शित हुए थे, चार महीने बाद जब उन्होंने Salon des Réalités Nouvelles में Mathieu को देखा था:

"मैं सबसे पहले अमूर्त कलाकार Georges Mathieu के काम को नोट करूंगा। यह युवा व्यक्ति दो बड़े, बहुत गीतात्मक चित्र दिखा रहा है जो बहुत भावुक हैं, और मुझे लगता है कि वे दर्शकों को छू सकते हैं, भले ही वे कुछ भी प्रतिनिधित्व न करें।"

लेकिन यह Mathieu था जिसने इस आंदोलन का सिद्धांत दिया। अपनी पहली कला लेखनी में, जिसका शीर्षक था "La liberté, c’est le vide" (स्वतंत्रता शून्यता है), जो 1947 में लिखा गया और 22 अप्रैल 1948 को H.W.P.S.M.T.B. प्रदर्शनी कैटलॉग में प्रकाशित हुआ, Mathieu ने “शून्यता की दार्शनिकता” की नींव रखी, जोखिम की दार्शनिकता की घोषणा की और Abstraction Lyrique के रोडमैप की शुरुआत की - वह शब्द जिसे उन्होंने "Abstractivisme Lyrique" (गीतात्मक अमूर्तनवाद) के बजाय पसंद किया, जो शुरू में Marchand द्वारा इस्तेमाल किया गया था।

Mathieu के लिए, Abstraction Lyrique यह आवश्यक है कि “केंद्रितता पारंपरिक तात्कालिकता की अवधारणा की जगह ले।” यह आध्यात्मिकता, ऊर्जा, और अंतर्ज्ञान की पुकार को बढ़ावा देता है, विधियों और सूत्रों की हानि पर, अंततः कलाकार की ओर से एक वास्तविक संवेदनशीलता और “ब्रह्मांड की ओर खुलापन” की मांग करता है।

"यह जानते हुए कि मैंने अपनी भूमिका पूरी कर ली है, जो कुछ भी मेरी शक्ति में था वह कर चुका हूँ, मुझे पता है कि समय मेरे पक्ष में है, कि सत्य अंततः दिन की रोशनी में फूट पड़ेगा, कि यह मुक्त अमूर्तन एक घातक विजय का आनंद लेगा, और मैं यह भी अनुमान लगाता हूँ कि यह सबसे बड़ी उलझन और सबसे बड़ी सुविधा दोनों को जन्म दे सकता है।" -Georges Mathieu

H.W.P.S.M.T.B. प्रदर्शनी कैटलॉग (अंश)

"Lyrical Abstraction" एक अमेरिकी आंदोलन के रूप में को 1969 में स्वतंत्र रूप से संग्रहकर्ता Larry Aldrich द्वारा नामित किया गया था, जो मिनिमलिज्म और पॉप आर्ट की प्रतिक्रिया थी। व्हिटनी म्यूजियम ने 1971 में "Lyrical Abstraction" शीर्षक से एक पूर्ण प्रदर्शनी के साथ अमेरिकी आंदोलन को कोडिफाई किया, जिसमें एक प्रदर्शनी वक्तव्य लैरी एल्ड्रिच द्वारा लिखा गया था: 

"पिछले सीजन की शुरुआत में, यह स्पष्ट हो गया कि पेंटिंग में ज्यामितीय, हार्ड-एज, और न्यूनतम से हटकर अधिक लिरिकल, संवेदी, रोमांटिक अमूर्त रंगों की ओर एक आंदोलन हो रहा था जो नरम और अधिक जीवंत थे। चित्रकार बड़ी संख्या में ऐसे कार्य बना रहे थे जो दृश्य रूप से "सुंदर" थे, जो तब तक, साठ के दशक की कला दुनिया में, एक गंदा शब्द था। हालांकि वे किसी भी पूर्व शैली की ओर वापस नहीं जा रहे थे, ये नए युवा चित्रकार उन पुरुषों से संबंधित थे जो बीस साल या उससे अधिक समय से चित्रकारी कर रहे थे: मार्क रोथको, रॉबर्ट मदरवेल और अन्य। इस प्रकार की पेंटिंग में कलाकार का स्पर्श हमेशा दिखाई देता है, भले ही पेंटिंग स्प्रे गन, स्पंज या अन्य वस्तुओं से की गई हो। सतहें न्यूनतम पेंटिंग की तरह गुमनाम नहीं होतीं; वे नाजुक रूप से सूक्ष्म होती हैं और अक्सर बादल जैसे शून्य का संकेत देती हैं। ये पेंटिंग्स सभी अभिव्यक्तिपूर्ण रुचि की एक स्पष्ट बदलाव का प्रतिनिधित्व करती हैं। जब मैंने इस लिरिकल प्रवृत्ति पर शोध किया, तो मुझे कई युवा कलाकार मिले जिनकी पेंटिंग्स मुझे इतनी पसंद आईं कि मैं उनमें से कई को खरीदने के लिए प्रेरित हुआ। Lyrical Abstraction प्रदर्शनी में अधिकांश पेंटिंग्स 1969 में बनाई गई थीं, और अब वे सभी मेरी संग्रह का हिस्सा हैं।" -Larry Aldrich

प्रदर्शनी कैटलॉग - व्हिटनी म्यूजियम - "Lyrical Abstraction" (1971) - पृष्ठ 32 और 33 - ब्राउज़ करने के लिए क्लिक करें

ये दोनों आंदोलन काफी हद तक समानांतर विकसित हुए, उस समय सीमित पारस्परिक जागरूकता के साथ: 1950 और 60 के दशक के न्यूयॉर्क के आलोचनात्मक प्रतिष्ठान पेरिसियन दृश्य को कुख्यात रूप से नकारते थे। आज ये शब्द अधिकतर समानार्थक रूप में साझा संवेदनशीलता का वर्णन करने के लिए उपयोग किए जाते हैं, लेकिन जब इतिहासकार इन्हें सटीक रूप से उपयोग करते हैं, तो Abstraction Lyrique यूरोपीय युद्धोत्तर प्रवाह को संदर्भित करता है और "Lyrical Abstraction" 1960 और 70 के दशक के अमेरिकी आंदोलन को।

मैं लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन को कैसे पहचानूं — एक पेंटिंग में मुझे क्या देखना चाहिए?

कुछ संकेतक, जिनमें से कोई भी अकेले निर्णायक नहीं है लेकिन संयोजन में प्रभावशाली हैं। सबसे पहले, भौतिक प्रक्रिया के दृश्य निशान देखें: ब्रशस्ट्रोक जो गति या दबाव को रिकॉर्ड करते हैं, ऐसे निशान जो कैनवास से दूर हाथ में पकड़े उपकरण से नहीं बनाए जा सकते, सतहें जो काम किए जाने और फिर से काम किए जाने के प्रमाण दिखाती हैं। दूसरा, वायुमंडलीय या भावनात्मक स्थान की भावना देखें, क्योंकि लिरिकल अमूर्तता गहराई और गति की ओर झुकाव रखती है बजाय कठोर-किनारे वाली पेंटिंग की सपाट, घोषणात्मक सतह के। तीसरा, देखें कि क्या रंग संरचनात्मक के बजाय अभिव्यक्तिपूर्ण लगता है: लिरिकल अमूर्तता में रंग मूड है, वास्तुकला नहीं। अंत में, और सबसे महत्वपूर्ण, पूछें कि क्या पेंटिंग ऐसा लगती है जैसे इसे खोजा गया हो न कि डिज़ाइन किया गया। यदि उत्तर हाँ है, यदि कार्य जोखिम और आकस्मिकता की प्रक्रिया के माध्यम से स्वयं तक पहुंचा है, तो आप लगभग निश्चित रूप से लिरिकल अमूर्तता देख रहे हैं।

Emily Berger - Fire And Ice - 2020

14. लिरिकल अमूर्तता में मौका और दुर्घटना की क्या भूमिका है?

केंद्रीय, लेकिन सूक्ष्म। लिरिकल अमूर्तता केवल दुर्घटना की पूजा नहीं करती क्योंकि वह केवल यादृच्छिकता होगी, और यादृच्छिकता सहजता के समान नहीं है। जो लिरिकल अमूर्त कलाकार मूल्य देते हैं उसे "उत्पादक दुर्घटना" कहा जा सकता है: वह क्षण जब पेंट कुछ ऐसा करता है जो चित्रकार ने पूरी तरह से इरादा नहीं किया था, और वह अनचाहा तत्व अधिक सच्चा, अधिक जीवंत, अधिक अभिव्यक्तिपूर्ण माना जाता है जितना कि योजना से उत्पन्न कुछ भी होता। चित्रकार की कुशलता इन क्षणों से बचने में नहीं बल्कि उन्हें पढ़ने, प्रतिक्रिया देने और बनाए रखने में है। Mathieu ने इसे "उत्साही एकाग्रता" की स्थिति बताया, जो पूर्ण जागरूकता को जानबूझकर नियंत्रण के निलंबन के साथ जोड़ती है। Frankenthaler ने पेंट पर भरोसा करना सीखने की बात कही। Riopelle के पैलेट चाकू मोज़ेक्स को पिछले स्ट्रोक की प्रतिक्रिया में लगातार सूक्ष्म निर्णयों की आवश्यकता होती थी। हर मामले में, मौका काम का लेखक नहीं है - कलाकार है - लेकिन मौका एक अनिवार्य सहयोगी है।

जॉर्ज मैथ्यू, बेज़ालेल राष्ट्रीय संग्रहालय, यरूशलेम, 1962, योना फिशर आर्काइव

15. लिरिकल अमूर्तता और संगीत के बीच क्या संबंध है?

यह नाम में ही निहित है। "लिरिकल" ल्यूर से आया है, जो ऑर्फियस का वाद्ययंत्र है, लिरिक कविता की जड़, कला के गाए जाने के विचार के रूप में। Kandinsky, जिनका प्रारंभिक अमूर्त कार्य लिरिकल अमूर्तता के बहुत कुछ बनने की पूर्वसूचना देता है, ने स्पष्ट रूप से पेंटिंग को दृश्य संगीत के रूप में बताया: वे मानते थे कि रंग और रूप भावना को उसी सीधेपन से संप्रेषित कर सकते हैं जैसे ध्वनि, पूरी तरह से भाषा को बायपास करते हुए। कई लिरिकल अमूर्त कलाकारों ने इस समानांतर को जानबूझकर विकसित किया। Mathieu ने अपनी पेंटिंग्स को लाइव जैज़ के साथ प्रस्तुत किया, और उनका 1959 का कैनवास Le Massacre de la Saint-Barthélemy को तब पेंट किया गया जब ड्रमर Kenny Clarke उनके बगल में इम्प्रोवाइज कर रहे थे। Joan Mitchell अक्सर अपनी पेंटिंग्स को संगीतात्मक शब्दों में वर्णित करती थीं, जैसे ताल, गति, और मौन के साथ रचनाएँ। यह संबंध केवल रूपकात्मक नहीं है: संगीत और लिरिकल अमूर्तता दोनों अर्थ उत्पन्न करते हैं अवधि, पुनरावृत्ति, विविधता, और तनाव और रिलीज़ के प्रबंधन के माध्यम से, न कि स्थिर, पठनीय छवियों के माध्यम से।

Georges Mathieu - Le Massacre de la Saint Barthélémy - 1959

16. लिरिकल अमूर्तता और नियो-एक्सप्रेशनिज्म में क्या अंतर है?

नियो-एक्सप्रेशनिज्म 1970 के दशक के अंत में उभरा और 1980 के दशक की कला बाजार पर हावी रहा, जिसमें कलाकार जैसे Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat, और Julian Schnabel शामिल थे। दोनों आंदोलनों में भाव, भावना, और पेंट की भौतिक उपस्थिति को महत्व दिया जाता है, इसलिए भ्रम समझ में आता है। मुख्य अंतर आकृतिक सामग्री और सांस्कृतिक तापमान का है। नियो-एक्सप्रेशनिज्म लगभग हमेशा पहचाने जाने योग्य छवियों को बनाए रखता है: विकृत आकृतियाँ, प्रतीकात्मक वस्तुएं, कथात्मक अंश। लिरिकल अमूर्तता पूरी तरह से गैर-आकृतिक है। नियो-एक्सप्रेशनिज्म अधिक कच्चा, अधिक टकरावपूर्ण, और मिथक, इतिहास, और सांस्कृतिक आघात को स्पष्ट विषय के रूप में अधिक रुचि रखता है। लिरिकल अमूर्तता शुद्ध अनुभूति, रंग संबंधों, और धारणा के मनोविज्ञान के प्रति अधिक चिंतित है। अगर लिरिकल अमूर्तता खुली खिड़कियों के साथ बजाया गया जैज़ है, तो नियो-एक्सप्रेशनिज्म पूरी तरह से एक अलग वाद्ययंत्र है: ज़्यादा तेज़, अधिक नाटकीय, और कहानी कहने में बहुत रुचि रखने वाला।

Centre Georges Pompidou - Baselitz La Retrospective - फरवरी 2023 - इंस्टॉलेशन दृश्य - ©IdeelArt

17. क्या लिरिकल अमूर्तता में आकृतिक तत्व शामिल हो सकते हैं?

तकनीकी रूप से नहीं, लेकिन व्यवहार में सीमा धुंधली और दिलचस्प होती है। लिरिकल अमूर्तता परिभाषा के अनुसार गैर-आकृतिक होती है, जिसका मतलब है कि यह पहचाने जाने योग्य विषयों को चित्रित नहीं करती। लेकिन लिरिकल परंपरा में काम करने वाले कई चित्रकार पाते हैं कि भावात्मक निशान, वातावरणीय रंग, और जैविक रूप लैंडस्केप, शरीर, या मौसम का संकेत देने लगते हैं, बिना कलाकार के इरादे के। Joan Mitchell की अंतिम पेंटिंग्स हमेशा लैंडस्केप के किनारे पर मंडराती हैं लेकिन कभी उसे चित्रित नहीं करतीं। Riopelle के मोज़ेक्स भूभाग के हवाई दृश्यों को जगाते हैं। यह अमूर्तता की विफलता नहीं है: यह तब होता है जब पेंटिंग पर्याप्त जीवंत और शारीरिक होती है, क्योंकि दुनिया वापस रिस जाती है। जो फर्क मायने रखता है वह इरादे का है: लिरिकल अमूर्तता किसी आकृति या स्थान से शुरू नहीं होती। जो अनचाहे आता है वह उसकी ईमानदारी का हिस्सा है।

Joan Mitchell - River - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - Juin 2019 - ©IdeelArt

Paul Landauer का "The night: Self Portrait as a Young Boy" (नीचे) इस सीमा को विशेष रूप से जोरदार तरीके से दर्शाता है। एक आकृति गहरे लाल और काले रंग के उथल-पुथल वाले क्षेत्र से उभरती है, जिसे चित्रित करने के बजाय जादू की तरह बनाया गया है, रूप पेंट की अपनी तर्क से बनता है। Landauer ने पारंपरिक अर्थ में आकृति से शुरुआत नहीं की: उन्होंने पेंट, प्रक्रिया, और एक भावनात्मक आंतरिकता से शुरुआत की। आकृति आई। और क्योंकि वह इस तरह आई, इसमें कुछ ऐसा है जो एक सीधे पोर्ट्रेट में कभी नहीं हो सकता: एक स्मृति के उभरने का एहसास बजाय इसके कि उसे वर्णित किया गया हो।

Paul Landauer - The Night (Self Portrait as a Young Boy) - 2025

18. गीतात्मक अमूर्तता खरीदते समय एक संग्रहकर्ता को क्या देखना चाहिए?

स्थिति, उत्पत्ति, और कलाकार के रिकॉर्ड जैसी सामान्य बातों से परे, गीतात्मक अमूर्तता संग्रहकर्ता से कुछ विशिष्ट प्रश्न पूछती है। पहला: क्या सतह निरंतर देखने पर टिकती है? गीतात्मक अमूर्तता धीरे-धीरे प्रकट होती है, और एक चित्र जो कमरे में अच्छी तरह पढ़ा जाता है, वह निकट निरीक्षण पर भी पुरस्कृत करता है, जहाँ प्रक्रिया के भौतिक प्रमाण दिखाई देते हैं। दूसरा: क्या भाव विश्वसनीय है? एक निशान जो वास्तविक शारीरिक प्रतिबद्धता के साथ बनाया गया है और एक जो केवल सहजता का प्रदर्शन करता है बिना वास्तव में कुछ जोखिम उठाए, में अंतर होता है, और कुछ अनुभव के साथ आँख उस अंतर को महसूस करना सीखती है। तीसरा: क्या काम में आंतरिक सामंजस्य है? सबसे अच्छी गीतात्मक अमूर्तता अराजक नहीं होती: इसमें एक तर्क होता है जिसे पढ़ने के बजाय महसूस किया जाता है, एक संरचना जो तब भी कायम रहती है जब कोई योजना पहले से मौजूद नहीं होती। अंत में, अपनी सहज प्रतिक्रिया पर भरोसा करें। गीतात्मक अमूर्तता को समझने से पहले महसूस करने के लिए बनाया गया था, और एक संग्रहकर्ता जो किसी काम के प्रति शारीरिक रूप से प्रतिक्रिया करता है, जो मन के पकड़ने से पहले शरीर में उसकी ऊर्जा महसूस करता है, वही अनुभव कर रहा है जो चित्रकार ने चाहा था। 

सभी छवियाँ © कलाकारों की हैं जब तक कि अन्यथा न कहा गया हो
मुख्य छवि: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (विस्तार)

हमारे संग्रह से गीतात्मक कला (एक चयन)