ऑप्टिकल एब्स्ट्रैक्शन का विकास: कैसे विक्टर वासरेली ने अपनी खुद की शैली खोजी

कभी-कभी यह माना जाता है कि जब हम "कला और विज्ञान" की बात करते हैं तो हम पूरी तरह से अलग चीजों की बात कर रहे होते हैं। विज्ञान वस्तुओं का अध्ययन करने के बारे में है, जबकि कला चीजें बनाने के बारे में है। लेकिन क्या वैज्ञानिक भी निर्माण नहीं करते और कलाकार भी अध्ययन नहीं करते? और क्या कल्पना दोनों के लिए आवश्यक नहीं है? विक्टर वासरेली दोनों थे, वैज्ञानिक और कलाकार। आधुनिकतावादी अमूर्त कला आंदोलन ओप-आर्ट के पिता, वे दोनों दुनियाओं में सहज थे। प्रारंभ में चिकित्सा में प्रशिक्षित, वासरेली ने कला को एक व्यवस्थित दृष्टिकोण से देखा। उन्होंने सौंदर्य वस्तु के औपचारिक गुणों का विश्लेषण किया। उन्होंने दृश्य ब्रह्मांड के निर्माण खंडों की खोज में प्रकृति का अध्ययन किया। और उन्होंने दर्शकों द्वारा दृश्य ब्रह्मांड की धारणा का विश्लेषण किया ताकि कला मौलिक सत्य को प्रकट करने में मदद कर सके। 1920 के दशक से जब उन्होंने अपने प्रारंभिक सौंदर्य प्रयोग किए, 1960 के दशक तक जब उन्होंने अपनी अंतिम रचना, "अल्फाबेट प्लास्टिक" का अनावरण किया, और 90 वर्ष की आयु तक अपने जीवन के अंत तक, वासरेली ने अपनी कला को एक ऐसे दृष्टिकोण से देखा जिसमें रचनात्मकता और विश्लेषण दोनों शामिल थे। इस दौरान उन्होंने मानवों के द्वि-आयामी स्थान को देखने के तरीके को बदला और एक ऐसा कार्य संग्रह बनाया जो उनकी मृत्यु के दशकों बाद भी कलाकारों, कला प्रेमियों, डिजाइनरों और वैज्ञानिकों को प्रेरित करता है।

विक्टर वासरेली: वैज्ञानिक

1906 में, जब विक्टर वासरेली का जन्म हुआ, तब कलाकारों और वैज्ञानिकों को समान सम्मान दिया जाता था। बुडापेस्ट में, जहाँ वासरेली विश्वविद्यालय गए थे, दोनों क्षेत्रों के सदस्य एक-दूसरे के साथ बातचीत करते थे, खासकर डेन्यूब नदी के किनारे स्थित व्यस्त कैफे में, जो यूरोपीय बौद्धिक सीन के केंद्र थे। जब वासरेली ने पहली बार विश्वविद्यालय में प्रवेश लिया, तो वे बुडापेस्ट विश्वविद्यालय के चिकित्सा विद्यालय में डॉक्टर बनने के लिए पढ़ाई कर रहे थे। लेकिन दो साल बाद उन्होंने अचानक दिशा बदल दी और कला अध्ययन को समर्पित करने का निर्णय लिया।

लेकिन भले ही उनके विषय वस्तु में बदलाव आया, उनकी सीखने की विधि नहीं बदली। 1927 में, 21 वर्ष की आयु में, वासरेली ने एक निजी कला विद्यालय में नामांकन कराया जहाँ उन्हें चित्रकार के रूप में औपचारिक प्रशिक्षण मिला। वे एक उत्कृष्ट कला छात्र थे, और अपनी सौंदर्य कौशल को निखारते हुए वे उस समय के प्रमुख वैज्ञानिकों की किताबें पढ़ते रहे। उनके जीवन के इस समय में पढ़ने वाले पसंदीदा लेखकों में से एक नील्स बोहर थे, जिन्हें 1922 में परमाणु संरचना के अध्ययन के लिए नोबेल पुरस्कार मिला था। क्वांटम भौतिकी में, बोहर मॉडल एक परमाणु की संरचना को सौरमंडल की संरचना के समान दर्शाता है। दृश्य रूप से, यह एक वृत्त जैसा होता है जिसके चारों ओर बड़े वृत्त होते हैं, एक पैटर्न जिसे वासरेली ने अपनी कला में बार-बार खोजा।

विक्टर वासरेली - हार्लेक्विन स्पोर्टिफ, लगभग 1988 - © विक्टर वासरेली

अपना मामला बनाना

कला और विज्ञान के अपने दोहरे अध्ययन के माध्यम से वासरेली ने एक सिद्धांत विकसित करना शुरू किया कि ये दोनों सोच के तरीके इस तरह से मिलते हैं कि जब एक साथ समझे जाते हैं, तो वे, जैसा कि उन्होंने कहा, “एक काल्पनिक संरचना बना सकते हैं जो हमारी संवेदनशीलता और समकालीन ज्ञान के अनुरूप हो।” 1929 में, उन्होंने बुडापेस्ट की Mühely अकादमी में नामांकन किया, जो उस समय हंगरी का बाउहाउस के बराबर था। वहां उनकी पढ़ाई ज्यामिति पर आधारित कुल कला की अवधारणा पर केंद्रित थी। उन्होंने ज्यामितीय अमूर्तता के साथ प्रयोग किया और समझना शुरू किया कि कैसे दो-आयामी सतह पर ज्यामितीय आकृतियों और रंगों की व्यवस्था से ऑप्टिकल भ्रम बनाए जा सकते हैं। उनके M में से एक की तुलनाühely अकादमी के Etudes Bauhaus C शीर्षक चित्र से लेकर 1975 में बनाए गए Vonal-Stri चित्र तक, वासरेली के जीवन भर और एकाग्रता से ज्यामिति की संभावनाओं पर ध्यान केंद्रित करने का प्रदर्शन होता है, जो विज्ञान और कला के संगम को व्यक्त करता है।

M छोड़ने के बादühely अकादमी से, वासरेली पेरिस चले गए, शादी की और दो बच्चे हुए। उन्होंने एक ग्राफिक कलाकार के रूप में अपने परिवार का समर्थन किया, और रात में अपनी कला का अभ्यास किया। जहां उनका दिन का काम साफ-सुथरी, सटीक शैली की मांग करता था, वहीं उनकी कला की प्रैक्टिस उनकी कल्पना के लिए खुली थी। उन्होंने एक व्यक्तिगत शैली विकसित की जो दोनों में गहराई से डूबी थी। यह उनकी “ज़ेबरा” (देखें FAQ 9) और “हार्लेक्विन” (ऊपर देखें) चित्रों में प्रकट हुई, जिनकी श्रृंखला में वे जीवन भर लौटते रहे, और “द चेसबोर्ड” जैसे चित्रों में भी।

विक्टर वासरेली - शतरंज बोर्ड, 1975 - © विक्टर वासरेली

“गलत रास्ता” और गतिशील जागरूकता

पेरिस में दोहरी करियर पर 14 वर्षों तक काम करने के बाद, वासरेली को अंततः अपनी पहली बड़ी प्रदर्शनी मिली। इसे इतना अच्छा स्वीकार किया गया कि वह इस बात के लिए आश्वस्त हो गए कि वे पूर्णकालिक कलाकार बन सकते हैं। इसी समय के आसपास उन्होंने अपनी दृश्य शैली से एक अलग रास्ता लिया जो वे बना रहे थे। ब्रेटनी के एक द्वीप पर छुट्टियां मनाते हुए, उन्होंने देखा कि लहरें परिदृश्य को कैसे प्रभावित करती हैं, खासकर वे तटरेखा को कैसे बदलती हैं और पत्थरों को आकार देती हैं। इस अवलोकन ने उन्हें एक प्रकार के बायोमॉर्फिक ज्यामितीय अमूर्तता की ओर ले जाया, क्योंकि उन्होंने जैविक दुनिया की प्राकृतिक ज्यामिति के दृश्य अभिव्यक्ति से जुड़ने का प्रयास किया।

हालांकि वासरेली ने बाद में अपने जीवन के इस समय को "गलत रास्ता" कहा, लेकिन इससे उनके कार्य में एक महत्वपूर्ण विकास हुआ। इसने उनके चित्रों में अधिक गोलाकार तत्व जोड़े। जब वे अपने पूर्व ज्यामितीय शैली पर लौटे, तो इसमें गतिशील गोलाकार रूप शामिल थे जो चित्र से बाहर की ओर उभारते या सतह से अंदर की ओर धंसते प्रतीत होते थे। इन रूपों ने आँख को इस तरह धोखा दिया कि ऐसा लगता था कि चित्र हिल रहा है। वह गतिशील भ्रम, वासरेली के कैनवास पर चित्रों की त्रि-आयामीता के साथ मिलकर, उस प्रतिष्ठित सौंदर्यशास्त्र की नींव बन गया जिसे अब हम ऑप-आर्ट कहते हैं।

विक्टर वासरेली - बिना शीर्षक #8 (गुलाबी और फ़िरोज़ा गोला) - © विक्टर वासरेली

द येलो मैनिफेस्टो: गतिशील कला

1955 में, वासरेली ने पेरिस में "ले मूवमेंट" नामक गतिशील कला की एक प्रदर्शनी में अपने कुछ कार्य प्रदर्शित किए। अपने कार्य के साथ उन्होंने Notes for a Manifesto नामक एक निबंध प्रकाशित किया। पीले कागज पर मुद्रित यह निबंध बाद में द येलो मैनिफेस्टो के नाम से जाना गया। इसमें वासरेली ने घोषणा की, “हम एक महान युग के उदय पर हैं।” उन्होंने जोर दिया कि पेंटिंग और मूर्तिकला जैसे लेबल पुराने हो गए हैं क्योंकि आर्प, कांदिंस्की, मोंड्रियन और काल्डर जैसे कलाकारों ने प्लास्टिक कला के बीच कृत्रिम विभाजनों को नष्ट कर दिया है। उन्होंने कहा कि चूंकि सभी सौंदर्यात्मक घटनाएँ एक ही प्रेरणा के प्रकट रूप हैं, इसलिए अब सभी कलात्मक उपलब्धियों को “विभिन्न स्थानों में एक एकल प्लास्टिक संवेदनशीलता” के हिस्से के रूप में देखना चाहिए।

वासरेली का इस "महान युग" में योगदान स्पष्ट होता है जब हम उनके जीवन के इस समय में बनाए गए चित्रों को देखते हैं। उनके कार्य ने दो-आयामी कला के दर्शक अनुभव को पूरी तरह से पुनर्परिभाषित कर दिया। उन्होंने वह धारणा बनाई कि जहाँ स्थान मौजूद नहीं था वहाँ स्थान मौजूद है। दर्शक का अनुभव पूरी तरह से दर्शक के मन में मौजूद होने के लिए परिवर्तित हो गया। वासरेली के कैनवास पर मौजूद रूप औपचारिक और वैज्ञानिक हैं, फिर भी जब आँख द्वारा व्याख्यायित किए जाते हैं तो वे ऐसी विशेषताएँ ग्रहण कर लेते हैं जो स्थानिक वास्तविकता के वैज्ञानिक तथ्यों को चुनौती देती हैं।

विक्टर वासरेली - पापिलॉन, 1981 - © विक्टर वासरेली

प्लास्टिक वर्णमाला: सौंदर्य प्रोग्रामिंग

1960 के दशक में अपनी लोकप्रियता के चरम पर, वासरेली ने अपने जीवन के कार्य का चरमोत्कर्ष प्रस्तुत किया। उन्होंने जिसे प्लास्टिक वर्णमाला कहा, वह ज्यामितीय रूपों और रंगों पर आधारित एक प्रतीकात्मक दृश्य भाषा थी। वर्णमाला में 15 रूप थे, जो सभी वृत्त, त्रिभुज और वर्ग के विभिन्न रूपों पर आधारित थे, और प्रत्येक रूप 20 विभिन्न रंगों की श्रृंखला में मौजूद था। प्रत्येक रूप को एक वर्गाकार फ्रेम के भीतर दर्शाया गया था, और आकृति और उसके चारों ओर का फ्रेम विभिन्न रंगों में प्रस्तुत किया गया था। प्लास्टिक वर्णमाला को अनंत संयोजनों में व्यवस्थित किया जा सकता था और इसका उपयोग अनंत छवियों की एक स्पष्ट रूप से अंतहीन श्रृंखला बनाने के लिए किया जा सकता था।

प्लास्टिक वर्णमाला के साथ वासरेली ने जो अवधारणा स्पष्ट रूप से व्यक्त की, वह यह थी कि इसके कार्यान्वयन के माध्यम से, रचनात्मक क्रिया को पूरी तरह से वैज्ञानिक प्रक्रिया के माध्यम से संचालित किया जा सकता है। एक ओर यह मानवीयकरण को कम करता था, क्योंकि यह एक प्रकार के प्रोग्रामिंग का प्रतिनिधित्व करता था, जैसे एक प्रारंभिक कृत्रिम बुद्धिमत्ता जो कला बनाने की प्रक्रिया को संभाल सकती थी। दूसरी ओर यह मानवीयकरण करता था, क्योंकि इसने रचनात्मक प्रक्रिया को लोकतांत्रिक और रहस्यमयता से मुक्त कर दिया, जिससे कोई भी रचनात्मक सौंदर्य गतिविधि में भाग ले सकता था।

विक्टर वासरेली - टाइटन ए, 1985 - © विक्टर वासरेली

सभी के लिए कला

यह उपयुक्त है कि वासरेली के लिए सबसे अधिक याद किया जाने वाला योगदान एक प्रकार का व्यवधान है। न केवल उनके दृश्य कार्य ने द्वि-आयामी कला की सतह को विकृत किया, बल्कि उनके विचारों और उनके प्लास्टिक वर्णमाला ने संस्कृति की सतह को भी विकृत किया। वासरेली के मित्र, सहयोगी और अनुयायी उत्साहपूर्वक याद करते हैं कि उनका एक आदर्श वाक्य था “सभी के लिए कला।” वे अपनी कला को कपड़ों, पोस्टकार्ड, व्यावसायिक उत्पादों और विज्ञापनों में शामिल होते देखकर रोमांचित थे। उन्होंने भविष्यवाणी की थी कि भविष्य में कला केवल तभी प्रासंगिक रह सकती है जब हर मानव इसके आनंद में भाग ले सके।

हम केवल वासरेली की कला के प्रभावों को समकालीन कला और डिजाइन के उत्पादों में ही नहीं देख सकते, बल्कि हम उनकी दर्शनशास्त्र के प्रभावों को डिजिटल समुदाय और उस वैश्विक संस्कृति में भी देख सकते हैं, जिसमें उन्होंने योगदान दिया है। एक ऐसी फाइन आर्ट शैली बनाकर जो कृत्रिम सामाजिक विभाजनों के पार सार्वभौमिक अपील रखती हो, वासरेली ने कुछ अनोखा रचा: एक सच्चा और आनंदमय सौंदर्य अनुभव जो, यद्यपि अमूर्त है, किसी भी व्यक्ति द्वारा आसानी से आनंदित किया जा सकता है जो देख सकता है। और शायद इससे भी अधिक मूल्यवान, उन्होंने एक ऐसे भविष्य की दृष्टि साझा की जिसमें कला और विज्ञान मिलकर एक अधिक रोचक और न्यायसंगत दुनिया की ओर काम करते हैं।

जीवित विरासत: समकालीन धारणा मास्टर्स

वासरेली के ऐतिहासिक फोकस को ऑप्टिकल मूवमेंट, ग्रिड्स, और लोकतांत्रिक सृजन में आधुनिक युग में अनुवादित करते हुए, IdeelArt के कई समकालीन अमूर्त कलाकार मानव आंख द्वारा प्रकाश, स्थान, और गति को संसाधित करने की सीमाओं को आगे बढ़ाते रहते हैं। जबकि हम यहां उनके व्यक्तिगत अभ्यासों पर विस्तार से चर्चा नहीं करेंगे, हाल ही में हमने उनके कार्यों का गहराई से अन्वेषण किया है हमारे व्यापक संपादकीय में, ऑप आर्ट: द पर्सेप्चुअल एम्बुश एंड द आर्ट दैट रिफ्यूजेस टू स्टैंड स्टिल यह चयनित संग्रह आज काम कर रहे कुछ सबसे रोमांचक धारणा मास्टर्स का प्रतिनिधित्व करता है:

• Cristina Ghetti: धड़कते ज्यामितीय लय और गणना किए गए वर्णक्रमीय कंपन का उपयोग करती हैं ताकि चित्रित कैनवास बनाए जा सकें जो दर्शक की नजर के नीचे भौतिक रूप से फैलते और बदलते प्रतीत होते हैं।

• Andy Harwood: अपने Mesmerism श्रृंखला में सूक्ष्म पारदर्शी ग्रेडिएंट्स और तेज मास्किंग का उपयोग करते हैं ताकि आंख को निरंतर दृश्य प्रवाह की स्थिति में रखा जा सके।

• Sebastiaan Knot: स्टूडियो में ऑप्टिकल भ्रम को पुनः आविष्कार करते हैं, शारीरिक ज्यामितीय संरचनाओं की तस्वीरें लेते हैं जो केवल रंगीन प्रकाश किरणों के संधि से निर्मित होती हैं।

• Louise Blyton: ऑप्टिकल अमूर्तता को सपाट फ्रेम से मुक्त करती हैं, आकार वाले त्रि-आयामी लिनन कैनवास बनाकर जिन्हें मखमली, कच्चे रंगों से कोट किया गया है।

• Jesus Perea: सावधानीपूर्वक संतुलित, वास्तुशिल्पीय ज्यामितीय आकृतियों की रचना करते हैं जो छाया, गहराई, और सपाट सतहों पर स्थानिक अभिविन्यास के साथ खेलती हैं।

• Bernadette Jiyong Frank: प्रकाश की बदलती, चमकीली अपवर्तनशीलता को पकड़ने के लिए दर्जनों सूक्ष्म-पतले, पारदर्शी रंगीन पट्टियों को ओवरले करती हैं।

• Brent Hallard: तेज मास्किंग और अत्यधिक संतृप्त मोनोक्रोम सतहों का उपयोग करते हैं जो ज्यामितीय तनाव और हार्ड-एज दृश्य कंपन की सीमाओं को धकेलते हैं।

मुख्य चित्र: विक्टर वासरेली - यूनिवर्सल स्ट्रक्चर, वेगा पीरियड (1968 से), विवरण, © विक्टर वासरेली
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप बार्सियो (2016) और फ्रांसिस बर्थोमियर (2026) द्वारा

F Berthomier (IdeelArt सह-संस्थापक) Fondation Vasarely में - 2022 - ©F Berthomier

C Thomas (IdeelArt सह-संस्थापक) Fondation Vasarely में - 2022

- ©F Berthomier

अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्न: विक्टर वासरेली और ऑप आर्ट की स्थापना

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