ऑप्टिकल एब्स्ट्रैक्शन का विकास या विक्टर वासारेली ने अपनी शैली कैसे खोजी

कभी-कभी यह माना जाता है कि जब हम “कला और विज्ञान” की बात करते हैं तो हम पूरी तरह से अलग-अलग चीजों की बात कर रहे होते हैं। विज्ञान वस्तुओं का अध्ययन करने के बारे में है, जबकि कला वस्तुएं बनाने के बारे में है। लेकिन क्या वैज्ञानिक भी निर्माण नहीं करते और कलाकार भी अध्ययन नहीं करते? और क्या कल्पना दोनों के लिए आवश्यक नहीं है? विक्टर वासरेली दोनों थे, वैज्ञानिक और कलाकार। आधुनिकतावादी अमूर्त कला आंदोलन ओप-आर्ट के पिता, वे दोनों दुनियाओं में सहज थे। प्रारंभ में चिकित्सा में प्रशिक्षित, वासरेली ने कला को एक व्यवस्थित दृष्टिकोण से देखा। उन्होंने सौंदर्यात्मक वस्तु के औपचारिक गुणों का विश्लेषण किया। उन्होंने दृश्य ब्रह्मांड के निर्माण खंडों की खोज में प्रकृति का अध्ययन किया। और उन्होंने यह समझने के लिए विश्लेषण किया कि दर्शक दृश्य ब्रह्मांड को कैसे देखते हैं ताकि कला मौलिक सत्य को प्रकट करने में मदद कर सके। 1920 के दशक से जब उन्होंने अपने प्रारंभिक सौंदर्य प्रयोग किए, 1960 के दशक तक जब उन्होंने अपनी अंतिम रचना “अल्फाबेट प्लास्टिक” प्रस्तुत की, और 90 वर्ष की आयु तक अपने जीवन के अंत तक, वासरेली ने अपनी कला को एक ऐसे दृष्टिकोण से देखा जिसमें सृजनात्मकता और विश्लेषण दोनों शामिल थे। इस दौरान उन्होंने मानवों के द्वि-आयामी स्थान को देखने के तरीके को बदला और एक ऐसा कार्य बनाया जो उनकी मृत्यु के दशकों बाद भी कलाकारों, कला प्रेमियों, डिजाइनरों और वैज्ञानिकों को प्रेरित करता है।

वैज्ञानिक विक्टर वासरेली

1906 में, जब विक्टर वासरेली का जन्म हुआ, कलाकारों और वैज्ञानिकों को समान सम्मान दिया जाता था। बुडापेस्ट में, जहाँ वासरेली ने विश्वविद्यालय में पढ़ाई की, दोनों क्षेत्रों के सदस्य एक-दूसरे के साथ बातचीत करते थे, खासकर डेन्यूब नदी के किनारे के व्यस्त कैफे में, जो यूरोपीय बौद्धिक जीवन के केंद्र थे। जब वासरेली ने पहली बार विश्वविद्यालय में प्रवेश किया, तो वे बुडापेस्ट विश्वविद्यालय के चिकित्सा विद्यालय में डॉक्टर बनने के लिए पढ़ाई कर रहे थे। लेकिन दो साल बाद उन्होंने अचानक दिशा बदली और कला के अध्ययन को समर्पित करने का निर्णय लिया।

हालांकि उनका विषय बदल गया, उनकी सीखने की विधि नहीं बदली। 1927 में, 21 वर्ष की आयु में, वासरेली ने एक निजी कला विद्यालय में नामांकन किया जहाँ उन्हें चित्रकार के रूप में औपचारिक प्रशिक्षण मिला। वे एक उत्कृष्ट कला छात्र थे, और अपनी सौंदर्य कौशल को निखारते हुए वे उस समय के प्रमुख वैज्ञानिकों की पुस्तकें पढ़ते रहे। इस समय उनके पसंदीदा लेखकों में से एक नील्स बोहर थे, जिन्हें 1922 में परमाणु संरचना के अध्ययन के लिए नोबेल पुरस्कार मिला था। क्वांटम भौतिकी में, बोहर मॉडल परमाणु की संरचना को सौरमंडल की संरचना के समान दर्शाता है। दृश्य रूप से, यह एक वृत्त जैसा होता है जिसके चारों ओर बड़े वृत्त होते हैं, एक पैटर्न जिसे वासरेली ने अपनी कला में बार-बार खोजा।

विक्टर वासरेली - हार्लेक्विन स्पोर्टिफ, लगभग 1988। स्क्रीनप्रिंट। 38 1/2 × 28 1/2 इंच; 97.8 × 72.4 सेमी। 300 संस्करण। RoGallery। © विक्टर वासरेली

अपना तर्क बनाना

कला और विज्ञान के द्वैत अध्ययन के माध्यम से वासरेली ने एक सिद्धांत विकसित करना शुरू किया कि ये दोनों सोच के तरीके इस तरह से मिलते हैं कि जब एक साथ देखे जाते हैं तो, जैसा कि उन्होंने कहा, “एक काल्पनिक संरचना बनाते हैं जो हमारी संवेदनशीलता और समकालीन ज्ञान के अनुरूप होती है।” 1929 में, उन्होंने बुडापेस्ट के मुहेली अकादमी में प्रवेश लिया, जो उस समय हंगरी का बाउहाउस के समान था। वहाँ उनकी पढ़ाई ज्यामिति पर आधारित समग्र कला की अवधारणा पर केंद्रित थी। उन्होंने ज्यामितीय अमूर्तता के साथ प्रयोग किया और समझा कि कैसे ज्यामितीय आकृतियों और रंगों की व्यवस्था से द्वि-आयामी सतह पर दृष्टि भ्रम बनाए जा सकते हैं। उनकी मुहेली अकादमी की एक पेंटिंग Etudes Bauhaus C की तुलना 1975 में बनाई गई पेंटिंग Vonal-Stri से करने पर वासरेली के जीवन भर के एकाग्र और एकमत ध्यान को विज्ञान और कला के संगम को व्यक्त करने के लिए ज्यामिति की संभावनाओं पर देखा जा सकता है।

मुहेली अकादमी छोड़ने के बाद, वासरेली पेरिस चले गए, शादी की और दो बच्चे हुए। उन्होंने एक ग्राफिक कलाकार के रूप में अपने परिवार का पालन-पोषण किया, और रात में अपनी कला का अभ्यास किया। जहाँ उनका दिन का काम साफ-सुथरे, सटीक शैली की मांग करता था, उनकी कला की प्रक्रिया कल्पना के लिए खुली थी। उन्होंने एक व्यक्तिगत शैली विकसित की जो दोनों में गहराई से डूबी थी। यह उनकी “ज़ेबरा” और “हार्लेक्विन” चित्रों में प्रकट हुई, जिन पर वे जीवन भर लौटते रहे, और “द चेसबोर्ड” जैसी पेंटिंगों में भी।

विक्टर वासरेली - चेसबोर्ड, 1975। सिल्कस्क्रीन। 31 1/2 × 30 इंच; 80 × 76.2 सेमी। 300 संस्करण। RoGallery। © विक्टर वासरेली

गलत रास्ता

पेरिस में 14 वर्षों तक दोहरी करियर पर काम करने के बाद, वासरेली को अंततः अपनी पहली बड़ी प्रदर्शनी मिली। इसे इतना अच्छा स्वीकार किया गया कि वे पूरी तरह से कलाकार बनने के लिए प्रतिबद्ध हो गए। इसी समय उन्होंने अपनी दृश्य शैली से एक अलग रास्ता लिया। ब्रेटनी के एक द्वीप पर छुट्टियाँ मनाते हुए, उन्होंने देखा कि तरंगें परिदृश्य को कैसे प्रभावित करती हैं, खासकर वे तटरेखा को कैसे बदलती हैं और पत्थरों को आकार देती हैं। इस अवलोकन ने उन्हें जैविक ज्यामिति की प्राकृतिक दृश्य अभिव्यक्ति से जुड़ने के लिए एक प्रकार की जीवमorphic ज्यामितीय अमूर्तता की ओर ले जाया।

हालांकि वासरेली ने बाद में अपने जीवन के इस समय को “गलत रास्ता” कहा, यह उनके कार्य में एक महत्वपूर्ण विकास था। इसने उनकी पेंटिंगों में अधिक गोलाकार तत्व जोड़े। जब वे अपनी पूर्व ज्यामितीय शैली पर लौटे, तो इसमें गतिशील गोलाकार रूप शामिल थे जो पेंटिंग से बाहर उभरते या सतह से अंदर धंसते प्रतीत होते थे। इन रूपों ने आँख को धोखा दिया कि चित्र हिल रहा है। वह गतिशील भ्रम, वासरेली के कैनवास पर चित्रों की त्रि-आयामीता के साथ मिलकर, उस प्रतिष्ठित सौंदर्य की नींव बनी जिसे अब हम ओप-आर्ट कहते हैं।

विक्टर वासरेली - बिना शीर्षक #8 (गुलाबी और फ़िरोज़ा गोला)। स्क्रीनप्रिंट। 13 × 10 इंच; 33 × 25.4 सेमी। 50 संस्करण। ग्रेग शिनबॉम फाइन आर्ट। © विक्टर वासरेली

पीला घोषणापत्र

1955 में, वासरेली ने पेरिस में “ले मूवमेंट” नामक गतिशील कला की एक प्रदर्शनी में अपने कुछ कार्य प्रदर्शित किए। अपने कार्य के साथ उन्होंने Notes for a Manifesto नामक एक निबंध प्रकाशित किया। पीले कागज पर मुद्रित, यह निबंध बाद में द येलो मैनिफेस्टो के नाम से जाना गया। इसमें वासरेली ने घोषणा की, “हम एक महान युग के आरंभ पर हैं।” उन्होंने कहा कि चित्रकला और मूर्तिकला जैसे लेबल पुराने हो गए हैं क्योंकि कलाकार जैसे आर्प, कैंडिंस्की, मोंड्रियन और काल्डर ने प्लास्टिक कला के बीच कृत्रिम विभाजन को समाप्त कर दिया है। उन्होंने कहा कि चूंकि सभी सौंदर्यात्मक घटनाएँ एक ही प्रेरणा की अभिव्यक्ति हैं, इसलिए अब सभी कलात्मक उपलब्धियों को “विभिन्न स्थानों में एक एकल प्लास्टिक संवेदनशीलता” के रूप में देखना चाहिए।

वासरेली का इस “महान युग” में योगदान स्पष्ट है जब हम उनके जीवन के इस समय में बनाई गई पेंटिंगों को देखते हैं। उनके कार्य ने द्वि-आयामी कला के दर्शक अनुभव को पूरी तरह से पुनर्परिभाषित किया। उन्होंने यह धारणा बनाई कि जहाँ स्थान नहीं था वहाँ स्थान मौजूद है। दर्शक का अनुभव पूरी तरह से दर्शक के मन में मौजूद हो गया। वासरेली के कैनवास पर मौजूद रूप औपचारिक और वैज्ञानिक हैं, फिर भी जब आँख द्वारा व्याख्यायित होते हैं तो वे ऐसी विशेषताएँ ग्रहण करते हैं जो स्थानिक वास्तविकता के वैज्ञानिक तथ्यों को चुनौती देती हैं।

विक्टर वासरेली - पपिलॉन, 1981। आर्चेस कागज पर सिल्कस्क्रीन। 30 7/8 × 37 7/8 इंच; 78.4 × 96.2 सेमी। 250 संस्करण। © विक्टर वासरेली

प्लास्टिक वर्णमाला

1960 के दशक में अपनी लोकप्रियता के चरम पर, वासरेली ने अपनी जीवन की कृति का समापन प्रस्तुत किया। उन्होंने जिसे प्लास्टिक वर्णमाला कहा, वह ज्यामितीय रूपों और रंगों पर आधारित एक प्रतीकात्मक दृश्य भाषा थी। वर्णमाला में 15 रूप थे, जो सभी वृत्त, त्रिभुज और वर्ग के विभिन्न रूपों पर आधारित थे, और प्रत्येक रूप 20 विभिन्न रंगों में मौजूद था। प्रत्येक रूप को एक वर्गाकार फ्रेम के भीतर दर्शाया गया था, और आकृति और उसके चारों ओर का फ्रेम विभिन्न रंगों में प्रस्तुत किया गया था। प्लास्टिक वर्णमाला को अनंत संयोजनों में व्यवस्थित किया जा सकता था और इसका उपयोग अनंत छवियों की श्रृंखला बनाने के लिए किया जा सकता था।

वासरेली ने अपनी प्लास्टिक वर्णमाला के माध्यम से स्पष्ट रूप से यह संकेत दिया कि इसके उपयोग से सृजनात्मक कार्य पूरी तरह से वैज्ञानिक प्रक्रिया के माध्यम से किया जा सकता है। एक ओर यह मानवीयकरण को कम करता था, क्योंकि यह एक प्रकार का प्रोग्रामिंग था, जैसे एक प्रारंभिक कृत्रिम बुद्धिमत्ता जो कला बनाने की प्रक्रिया को संभाल सकती थी। दूसरी ओर यह मानवीयकरण था, क्योंकि इसने सृजनात्मक प्रक्रिया को लोकतांत्रिक और रहस्यमयता से मुक्त किया, जिससे कोई भी सृजनात्मक सौंदर्य गतिविधि में भाग ले सकता था।

विक्टर वासरेली - टाइटन ए, 1985। स्क्रीनप्रिंट। 22 × 23 1/2 इंच; 55.9 × 59.7 सेमी। 300 संस्करण। ग्रेग शिनबॉम फाइन आर्ट। © विक्टर वासरेली

सभी के लिए कला

यह उपयुक्त है कि वासरेली के लिए सबसे यादगार योगदान एक प्रकार का विघटन था। न केवल उनके दृश्य कार्य ने द्वि-आयामी कला की सतह को विकृत किया, बल्कि उनके विचारों और उनकी प्लास्टिक वर्णमाला ने संस्कृति की सतह को भी विकृत किया। वासरेली के मित्र, सहकर्मी और अनुयायी उत्साहपूर्वक याद करते हैं कि उनका एक आदर्श वाक्य था “सभी के लिए कला।” वे अपने कला को कपड़ों, डाक टिकटों, व्यावसायिक उत्पादों और विज्ञापनों में शामिल होते देखकर प्रसन्न थे। उन्होंने भविष्यवाणी की कि भविष्य में कला तभी प्रासंगिक रह सकती है जब हर मानव इसके आनंद में भाग ले सके।

हम न केवल वासरेली की कला की प्रतिध्वनि समकालीन कला और डिजाइन के उत्पादों में देख सकते हैं, बल्कि उनकी दर्शन की प्रतिध्वनि डिजिटल समुदाय और वैश्विक संस्कृति में भी देख सकते हैं, जिसमें उन्होंने योगदान दिया। एक ऐसी फाइन आर्ट शैली बनाकर जो कृत्रिम सामाजिक विभाजनों के पार सार्वभौमिक अपील रखती है, वासरेली ने कुछ अनूठा बनाया: एक सच्चा और आनंदमय सौंदर्य अनुभव जो, यद्यपि अमूर्त है, किसी भी देखने वाले द्वारा आसानी से आनंदित किया जा सकता है। और शायद इससे भी अधिक मूल्यवान, उन्होंने एक ऐसे भविष्य की कल्पना साझा की जिसमें कला और विज्ञान मिलकर एक अधिक रोचक और न्यायसंगत दुनिया की ओर काम करते हैं।

मुख्य छवि: विक्टर वासरेली - ज़ेबरा, 1938। 52 x 60 सेमी। © विक्टर वासरेली
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के लिए उपयोग की गई हैं
फिलिप बार्सियो द्वारा