लुईज़ बुर्जुआ कला और रूप की कमी
जिन लोगों के लिए अमूर्त कला एक अधिक आत्मनिरीक्षण और पूर्ण जीवन की ओर मार्ग है, लुईस बोरज्वा एक आदर्श की मूर्ति थीं। लेकिन यह उनके सम्मान या पुरस्कारों, या उनकी प्रसिद्धि के कारण नहीं था: बल्कि इसके विपरीत। यह इसलिए है क्योंकि लुईस बोरज्वा कला हमारे रोज़मर्रा के जीवन से संबंधित बातों को व्यक्त करती है। आधुनिक कराटे के पिता गिचिन फुनाकोशी के शब्दों में, जब हम समझते हैं कि कोई चीज़ हमारे दैनिक जीवन से कैसे जुड़ी है, तभी हम उसकी सार्थकता को पाते हैं। कला की दुनिया अक्सर घोषणापत्रों द्वारा परिभाषित होती है और आंदोलनों, युगों और शैलियों में विभाजित होती है। कलाकारों को अक्सर लिंग, जाति, राष्ट्रीयता और शैक्षिक पृष्ठभूमि के आधार पर वर्गीकृत किया जाता है। हम आसानी से भूल जाते हैं कि कला का सच्चा मूल्य ऐसी तुच्छ बातों से परे होता है। लुईस बोरज्वा की कलाकृतियाँ आत्मविश्वास के साथ वर्गीकरणों से ऊपर उठती हैं। उनका सौंदर्यशास्त्र एक ऐसा स्थान है जो एक साथ रूपात्मक और प्रतीकात्मक दोनों है। यह विकृत और फिर भी महान है। उन्होंने हर संभव विधा का अन्वेषण किया, कभी किसी विशेष प्रवृत्ति से खुद को बांधा नहीं, और फिर भी रास्ते में कुछ प्रवृत्तियाँ आविष्कृत कीं। सात दशकों के करियर में उन्होंने वह हासिल किया जो बहुत कम अन्य अमूर्त कलाकारों ने किया है: उन्होंने व्यक्तिगत कला बनाई जो सार्वभौमिक थी।
विरोधाभासी शक्तियाँ
लुईस बोरज्वा विरोधाभासों वाले परिवार में जन्मीं। उनके पिता एक सफल उपार्जक थे, लेकिन वे लुईस की सुरक्षा के लिए सबसे बड़ा खतरा भी थे। उनके माता-पिता व्यवसाय और जीवन दोनों में साथी थे, फिर भी उनके पिता बिना किसी पछतावे के ऐसे संबंधों में लिप्त थे जो दोनों की स्थिरता को खतरे में डालते थे। लुईस की घर में रहने वाली दाई और शिक्षक, जो कि संरक्षक और मार्गदर्शक मानी जाती थी, वास्तव में उनके पिता की प्रेमिका थी। लुईस की माँ, जो परिवार के वस्त्र व्यवसाय में बुनकर थीं, एक प्रेमपूर्ण, रक्षक शक्ति थीं और उनकी सबसे बड़ी समर्थक थीं, लेकिन वे शारीरिक रूप से कमजोर थीं और अंततः कम उम्र में ही चल बसीं।
अपने पूरे बचपन में लुईस ने एक ऐसे घर की दैनिक क्रूरता देखी जो एक साथ स्नेह से परिभाषित और खतरे में था। उन्होंने मानव स्वभाव की नाजुकता की कच्ची सच्चाई देखी। उन्होंने ईर्ष्या, क्रोध, भय, अकेलापन और भ्रम महसूस किया। फिर भी उन्हें आश्रय, भोजन, वस्त्र या शिक्षा की कमी नहीं थी। उन्हें कम से कम एक माता-पिता द्वारा प्यार और सम्मान मिला। जब उनकी माँ का निधन हुआ, तब लुईस 21 वर्ष की थीं और विश्वविद्यालय में गणित पढ़ रही थीं। उस रास्ते पर आगे बढ़ने के बजाय, जो उनके पिता की इच्छा थी, लुईस अपनी माँ के निधन से प्रेरित होकर अपने जीवन में नाटकीय बदलाव लाईं। उन्होंने एक ऐसा मार्ग चुना जो उन्हें अपनी भावनाओं का सामना करने और व्यक्त करने की अनुमति देता था। उन्होंने गणित छोड़ दी और इसके बजाय एक कलाकार के जीवन को समर्पित कर दिया।
लुईस बोरज्वा - FEMME, 2005। कांस्य, चांदी नाइट्रेट पटिना। 13 × 16 1/2 × 7 3/4 इंच; 33 × 41.9 × 19.7 सेमी। © 2018 द ईस्टन फाउंडेशन
प्रतीकवाद और मनोचिकित्सा
अपनी माँ के निधन के बाद छह वर्षों तक लुईस ने कला का अध्ययन किया और सफल कलाकारों के स्टूडियो जाकर और उनके प्रदर्शनों में सहायता करके व्यावहारिक शिक्षा प्राप्त की। 27 वर्ष की आयु में उन्होंने अपने पिता के वस्त्र दुकान के एक कोने में एक दुकान खोली, जहाँ वे कला मुद्रण बेचती थीं। उन्होंने इस स्थान का उपयोग करने की अनुमति दी क्योंकि यह एक व्यावसायिक प्रयास था। एक दिन दुकान में उन्होंने एक संग्रहकर्ता से बातचीत की। फिर, जैसा कि उन्होंने कहा, “सुररियलिज्म और नवीनतम प्रवृत्तियों की बातों के बीच,” वे शादी कर लीं।
वह संग्रहकर्ता अमेरिका के एक सम्मानित कला इतिहासकार रॉबर्ट गोल्डवाटर थे। रॉबर्ट और लुईस न्यूयॉर्क चले गए जहाँ लुईस ने कला का अध्ययन जारी रखा और अपनी सौंदर्य उत्पादन की सीमा बढ़ाई। सुररियलिज्म और मनोचिकित्सा की अवधारणा से प्रभावित होकर, लुईस ने अपने आघातपूर्ण बचपन को अपनी कला के विषय के रूप में चुना। उन्होंने अपनी यादों और सपनों के संयोजन पर आधारित एक प्रतीकात्मक भाषा विकसित की।
लुईस बोरज्वा - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990। ढाला और पॉलिश किया हुआ कांस्य मूर्ति। 4 1/2 × 9 × 6 इंच; 11.4 × 22.9 × 15.2 सेमी। संस्करण 5/20। Caviar20, टोरंटो। © 2018 द ईस्टन फाउंडेशन
लुईस बोरज्वा का प्रतीकवाद
लुईस की प्रतीकात्मक दृश्य भाषा में व्यक्तिगत चित्र शामिल थे जिनका उनके लिए स्पष्ट अर्थ था। लेकिन दर्शकों के लिए उनकी कला जंगली, साहसी, अमूर्त और यहां तक कि चौंकाने वाली लगती थी। लुईस के सबसे सामान्य प्रतीकात्मक रूपों में से एक मकड़ी थी। 1940 के दशक से ही लुईस ने मकड़ियों और जालों को चित्रों और मुद्रणों में शामिल किया, और यहां तक कि जाल से प्रेरित क्रोशिया कार्यों की एक श्रृंखला भी बनाई। उन्होंने बताया कि मकड़ियाँ उनकी माँ का प्रतीक थीं। उनकी माँ एक बुनकर थीं, और उनकी तरह मकड़ियाँ भी रक्षक होती हैं क्योंकि वे मच्छरों को खाती हैं, जो रोग फैलाते हैं।
अंततः उनके मकड़ी रूप विशाल आकार के हो गए, जिसका चरम बिंदु 9 मीटर ऊँची मूर्ति Maman थी। मकड़ियों के अलावा, बोरज्वा की प्रतीकात्मक दृश्य भाषा में पिंजरे, घर, पुरुष और महिला जननांग, घरेलू वस्तुएं जैसे कुर्सियाँ और कपड़े शामिल थे, और वे अक्सर शरीर के अंगों जैसे जैविक रूपों को भी चित्रित करती थीं। उनके सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक का नाम The Destruction of the Father है, जिसमें अंगों और मांस जैसे वस्तुओं का चयन एक मेज पर फैला हुआ है, जिसके चारों ओर दांतों से भरे एक विशाल खुले मुँह की तरह गोले हैं।
लुईस बोरज्वा - मकड़ी, 1997। स्टील, टेपेस्ट्री, लकड़ी, कांच, कपड़ा, रबर, चांदी, सोना और हड्डी। 177 × 262 × 204 इंच; 449.6 × 665.5 × 518.2 सेमी। © 2018 द ईस्टन फाउंडेशन
अकेले साथ
बोरज्वा के सभी कार्यों में एक सामान्य धागा यह है कि उनकी सभी छवियाँ उनके निजी, व्यक्तिगत अनुभवों से संबंधित हैं। उनके दर्शकों के साथ साझा करने के लिए सबसे शक्तिशाली भावनाओं में से एक था साथ होने और अलगाव के बीच का संबंध। 1940 के दशक में, उन्होंने विभिन्न लोगों के संदर्भ में मूर्तिकला रूपों की एक श्रृंखला बनाई। उन्होंने इन रूपों को ऐसे तरीकों से प्रदर्शित किया जो यादृच्छिक लगते थे। लेकिन धीरे-धीरे, जब इन व्यवस्थाओं को देखा जाता है, तो व्यक्तिगत रूप अपनी विशेषताएँ व्यक्त करने लगते हैं और प्रत्येक एक अलग व्यक्तित्व धारण करता है जब तक कि उनके बीच बातचीत की भावना विकसित न हो जाए।
साथ होने और अलगाव की भावनाएँ 1950 के दशक में बोरज्वा द्वारा बनाए गए मूर्तिकला वस्तुओं की एक श्रृंखला में भी अंतर्निहित हैं, जब वे अपने पति और बच्चों से प्रेरित होकर जीवन के कोमल पक्ष पर केंद्रित थीं। Night Garden, Cumul I और Clamart Other जैसी वस्तुएं प्रत्येक रूपों के एक समूह को दर्शाती हैं। ये समूह जैविक लगते हैं, फिर भी वे ऐसे प्राणी प्रतीत होते हैं जो सुरक्षा या आराम के लिए एक साथ इकट्ठा हुए हों।
लुईस बोरज्वा - चाकू जोड़ा, 1949 (1991 में ढाला गया)। कांस्य और स्टेनलेस स्टील। 67 1/2 × 12 × 12 इंच; 171.5 × 30.5 × 30.5 सेमी। Hauser & Wirth। © 2018 द ईस्टन फाउंडेशन
लेबल से परे
हालांकि बोरज्वा के कई कार्य रूपात्मक लगते हैं, उनके कार्य का सार यह है कि यह प्रतीकात्मक और व्यक्तिगत है। वे अक्सर नग्नता को चित्रित करती थीं और महिला रूप पर ध्यान केंद्रित करती थीं, लेकिन वे अपने कार्य में किसी भी सामाजिक या राजनीतिक बयान को स्पष्ट रूप से अस्वीकार करती थीं। वे महिला थीं, और उनकी परवरिश में कामुकता एक शक्तिशाली शक्ति थी; ऐसी छवियों में कोई सामाजिक या राजनीतिक एजेंडा नहीं था। फिर भी, उनके कार्यों में शक्तिशाली छवियों के कारण, उन्हें अक्सर नारीवादी और LGBTQ कला के साथ जोड़ा गया है। यदि वे आज जीवित होतीं तो शायद वे ऐसी पहचान का विरोध न करतीं, लेकिन उन्होंने स्पष्ट रूप से कहा कि उनका उद्देश्य अपने कार्य में इन मुद्दों को संबोधित करना नहीं था। उन्होंने एक बार कहा, “मेरा काम उन समस्याओं से संबंधित है जो लिंग से पहले की हैं। उदाहरण के लिए, ईर्ष्या न तो पुरुष है और न ही महिला।”
बोरज्वा के कार्य को व्यक्तिगत स्तर पर समझना समझदारी है। आखिरकार उनका प्रतीकवाद उनके अपने अनुभवों से संबंधित है। फिर भी हम में से प्रत्येक इसमें कुछ न कुछ पा सकता है जिससे वह जुड़ सके। यदि हम खुले हैं, तो हम इसे एक बड़ी बुद्धिमत्ता के दृष्टिकोण से स्वीकार कर सकते हैं। जब हम एक शरीर को देखते हैं और उसे पुरुष या महिला के रूप में नहीं सोचते, तो हम कम अलग-थलग और अधिक सार्वभौमिक रूप से मानव बन जाते हैं। जब हम अपने साथी मानव के दुःख और प्रेम दोनों से लाभ लेने की अनुमति देते हैं, तो अंत में इसका मूल्य उनके अनुभव और हमारे अपने दोनों में जुड़ जाता है।
प्रदर्शित छवि: लुईस बोरज्वा - Arch of Hysteria, 1993। कांस्य, पॉलिश पटिना। 33 × 40 × 23 इंच; 83.8 × 101.6 × 58.4 सेमी। न्यूयॉर्क का आधुनिक कला संग्रहालय। © 2018 द ईस्टन फाउंडेशन
सभी छवियाँ केवल उदाहरण के लिए उपयोग की गई हैं
फिलिप Barcio द्वारा
