द नियो Supports/Surfaces: 21वीं सदी में भौतिक यथार्थवाद के लिए एक घोषणापत्र
कला इतिहास के मानचित्र में, आंदोलनों का आम तौर पर एक स्पष्ट आरंभ और अंत होता है। वे तेज़ी से चमकते हैं, फिर धुँधले पड़ जाते हैं और अंततः संग्रहालयों के शांत अभिलेखागार में चले जाते हैं। Supports/Surfaces, जिसका जन्म 1966 की सैद्धांतिक आग में हुआ था, एक दुर्लभ अपवाद है जिसने बुझने से इनकार कर दिया।
हालाँकि इस आंदोलन को मूल रूप से मई 1968 के राजनीतिक उग्रवाद से बल मिला था और अंततः इसके माओवादी तथा मार्क्सवादी गुटों के बीच हिंसक मतभेदों ने इसे घेर लिया, लेकिन इसकी असली विरासत अपने वैचारिक उद्गम से कहीं अधिक टिकाऊ साबित हुई है। Supports/Surfaces की मूल खोज राजनीतिक नहीं, बल्कि सत्तामीमांसक थी: आधार (स्ट्रेचर) को सतह (कैनवास) से अलग करके इन कलाकारों ने चित्रकला के भौतिक सत्य को उजागर किया। उन्होंने साबित किया कि चित्र कोई भ्रम की दुनिया में खुलने वाली खिड़की नहीं, बल्कि वास्तविक दुनिया में मौजूद एक भौतिक वस्तु है।
जब हम जनवरी 2026 की कला-दुनिया में आगे बढ़ते हैं, तो यह अवधारणा विकसित होकर उस रूप में आ गई है जिसे आलोचक "नवीन Supports/Surfaces" आंदोलन कह सकते हैं: इसके कुछ संस्थापक, जो अब सभी 80 या 90 की उम्र में हैं, आज भी सक्रिय रूप से अपनी सबसे महत्वपूर्ण कृतियाँ बना रहे हैं। उनके साथ उत्तराधिकारियों की एक उभरती पीढ़ी भी है, जिसने पुराने राजनीतिक आग्रहों को हटाकर अपना पूरा ध्यान माध्यम की कलात्मक शक्ति पर केंद्रित किया है।
कला के जानकारों के लिए यह इतिहास का पाठ नहीं, बल्कि एक जीवंत समयरेखा है, जो 1960 के दशक के क्रांतिकारी विखंडन को आज संग्रहकर्ता जिस भौतिक "सत्य" की तलाश करते हैं, उससे जोड़ती है।
I. जीवित स्तंभ: संस्थापक अब भी काम कर रहे हैं
किसी ऐतिहासिक अवाँ-गार्द आंदोलन के प्रवर्तकों को आज भी अपनी कला की बुलंदी पर काम करते देखना एक दुर्लभ सौभाग्य है। ये वही लोग हैं जिन्होंने पचास साल पहले इस आंदोलन की व्याकरण रची थी।
क्लोद वियाल्ला - गैलरी सेय्सों बेनेतिएर में एकल प्रदर्शनी, 2023 - इंस्टॉलेशन दृश्य
कहानी की शुरुआत क्लोद वियाल्ला (जन्म 1936) से होती है, जो इस आंदोलन के अथक पितामह हैं। 1966 में, वियाल्ला ने कैनवास को उसके लकड़ी के फ़्रेम से मुक्त करने का क्रांतिकारी निर्णय लिया, जिससे खुले कैनवास का दौर शुरू हुआ। आज, 89 वर्ष की उम्र में भी, वे समूह की सबसे चर्चित हस्ती बने हुए हैं। उनकी काम के प्रति विख्यात लगन उन्हें हर दिन काम करने के लिए प्रेरित करती है। वे केवल अतीत को दोहरा नहीं रहे; वे जीवन भर बनाई गई एक लय को और गहरा कर रहे हैं, यह साबित करते हुए कि उनके विशिष्ट "सेम" आकार की एकमात्र सीमा के भीतर अनंत विविधता संभव है।
डैनियल डेज़ूज़, म्यूज़े पॉल वैलेरी (सेते, फ्रांस) में "हाल की कृतियाँ 2020-2015", 2026
यदि वियाल्ला ने कैनवास पर अपना दावा किया, तो डैनियल डेज़ूज़ (जन्म 1942) ने रिक्तता पर अपना दावा किया। खाली लकड़ी के फ़्रेम और दीवारों से टिकाकर रखी गई लचीली सीढ़ियाँ प्रदर्शित करने के लिए मशहूर डेज़ूज़ ने दशकों तक पश्चिमी चित्रकला के "कंकाल" को उजागर किया। 2026 में भी उनका काम "खिड़की" के भ्रम को तोड़ता रहता है और कला की अडिग "वस्तुता" पर ज़ोर देता है। उनकी बौद्धिक कठोरता आज भी इस आंदोलन के लिए एक मानदंड बनी हुई है।
Noël Dolla - Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne में एकल प्रदर्शनी, 2025 - प्रदर्शनी का इंस्टॉलेशन दृश्य
Noël Dolla (जन्म 1945) इस आंदोलन के मूल शिल्पियों में अब बचे अंतिम कलाकारों में से एक हैं। रंगों के साहसिक प्रयोग और अपरंपरागत सामग्रियों के लिए प्रसिद्ध Dolla ने कैनवास से परे अमूर्तन की भाषा का लगातार विस्तार किया है। उनके शुरुआती काम—रंगे हुए बर्तन पोंछने के कपड़े, तनी हुई डोरियाँ और लैंड आर्ट की कलात्मक स्थापनाएँ—ने पारंपरिक पदानुक्रमों को चुनौती दी और Supports/Surfaces की पदार्थवादी दृष्टि को निजी तथा सार्वजनिक, दोनों क्षेत्रों तक पहुँचाया। हाल के वर्षों में भी Dolla का काम उतना ही आविष्कारशील रहा है। वह विशाल बाहरी स्थापनाओं और ऐसी नाज़ुक, प्रक्रिया-आधारित कृतियों के बीच आता-जाता है, जो स्थान, वास्तुकला और दर्शक की अपनी गति से जुड़ती हैं। अपने दृष्टिकोण को नए रूप देने के साथ-साथ वैचारिक दृढ़ता बनाए रखने की उनकी क्षमता उन्हें समकालीन अमूर्तन की एक सशक्त शक्ति और इस आंदोलन की उत्पत्ति से जोड़ने वाली जीवंत कड़ी बनाती है।
Bernard Pagès - Galerie में एकल प्रदर्शनी Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - प्रदर्शनी का इंस्टॉलेशन दृश्य
Bernard Pagès (जन्म 1940) Supports/Surfaces की मूर्तिकला की अग्रणी धारा का प्रतिनिधित्व करते हैं। शुरुआत से ही Pagès ने चित्रकला और मूर्तिकला के बीच की सीमाओं को खोलकर अपनी अलग पहचान बनाई। उन्होंने लकड़ी, पत्थर, धातु और कंक्रीट जैसी साधारण सामग्रियों को जोड़कर ऐसी कृतियाँ रचीं, जिनमें प्रक्रिया, संयोजन और पदार्थ के अंतर्निहित गुण उभरकर सामने आते हैं। उनके काम में वस्तु, स्थान और दर्शक के संबंध पर गहरा ध्यान देने के साथ-साथ कलात्मक कर्तृत्व और मूल्य पर लगातार सवाल उठाना भी दिखाई देता है। Pagès की हालिया प्रदर्शनियों ने एक प्रमुख नवोन्मेषक के रूप में उनकी स्थिति की फिर पुष्टि की है और दिखाया है कि नए रूपों और सामग्रियों के ज़रिये इस आंदोलन के सिद्धांतों को लगातार नए सिरे से सक्रिय किया जा सकता है। संरचना, लय और भौतिक उपस्थिति की उनकी सतत पड़ताल यह सुनिश्चित करती है कि Supports/Surfaces की प्रयोगधर्मी भावना जीवंत और विकसित होती रहे।
II. गैलरी की ताकत: Ceysson & Bénétière की निर्णायक भूमिका
चारों संस्थापक कलाकारों की कृतियाँ आज भी सक्रिय रूप से प्रदर्शित की जाती हैं और प्राथमिक बाज़ार में उनका प्रतिनिधित्व विशेष रूप से Ceysson & Bénétière करती है। गैलरी की निरंतर प्रतिबद्धता ने Supports/Surfaces के कलाकारों की दीर्घकालिक दृश्यता और उनकी कला तक पहुँच सुनिश्चित करने में अहम भूमिका निभाई है।
दरअसल, Supports/Surfaces की नियति को आकार देने वाले अनेक लोगों में Ceysson & Bénétière की भूमिका सबसे अलग है। 2006 में स्थापित यह गैलरी Saint-Étienne के एक क्षेत्रीय स्थल से बढ़कर बहुराष्ट्रीय शक्ति बन गई है। इसके नौ प्रदर्शनी स्थल यूरोप, उत्तरी अमेरिका और एशिया में फैले हैं, जिनमें 2025 में टोक्यो गैलरी का ऐतिहासिक उद्घाटन भी शामिल है। पारंपरिक कला-केंद्रों से बाहर स्थित गहरी बौद्धिक और व्यवस्थापकीय नींव पर आधारित इस विस्तार ने Ceysson & Bénétière को समकालीन कला बाज़ार के नियम नए सिरे से लिखने में सक्षम बनाया है।
“Supports/Surfaces” प्रदर्शनी, Galerie Ceysson Bénétière, टोक्यो 2025 - स्थापना की तस्वीर
शुरुआत से ही, गैलरी ने Supports/Surfaces के ऐतिहासिक और कलात्मक महत्व पर बड़ा दाँव लगाया। उन कलाकारों को बढ़ावा देकर जिन्हें बाज़ार ने लंबे समय तक कम आँका था: Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour और कई अन्य, Ceysson & Bénétière ने इस आंदोलन की विरासत का पुनर्मूल्यांकन करने और उसे सुरक्षित रखने में निर्णायक भूमिका निभाई। उनकी क्यूरेटोरियल कठोरता, विद्वत्तापूर्ण प्रकाशन कार्यक्रम और अंतरराष्ट्रीय प्रदर्शनी रणनीति ने सुनिश्चित किया है कि इन कलाकारों की कृतियाँ सबसे ऊँचे स्तर पर प्रदर्शित हों, संग्रहित की जाएँ और उन पर चर्चा हो।
गैलरी की प्रतिबद्धता केवल विरासत को सँजोने तक सीमित नहीं है। 2025 में टोक्यो में उद्घाटन जैसी प्रदर्शनियों के साथ (ऊपर स्थापना की तस्वीर देखें), जिसकी प्रमुख प्रस्तुति Supports/Surfaces का एक व्यापक सर्वेक्षण थी, Ceysson & Bénétière ने इस आंदोलन को एक जीवंत और वैश्विक स्तर पर प्रासंगिक शक्ति के रूप में स्थापित किया है। ऐतिहासिक गहराई और समकालीन गतिशीलता के बीच संतुलन बनाने की उनकी क्षमता उन उभरते कलाकारों के प्रति उनके समर्थन में साफ़ दिखाई देती है, जो Supports/Surfaces की पदार्थवादी और प्रक्रिया-केंद्रित भावना को नए क्षेत्रों तक ले जा रहे हैं।
III. आंदोलन के पीछे का विद्यालय: शिक्षक बने क्रांतिकारी
एक कलात्मक क्रांतिकारी के लिए, संग्रहालय में पूर्वव्यापी प्रदर्शनी से परे एक खास तरह की पहचान होती है: उस क्रांति को सिखाने का अवसर, जिसे बनाने में उसने मदद की हो। जिस कलाकार ने चित्रकला के स्वीकृत नियमों को चुनौती दी, उसे आगे आने वालों के निर्माण की ज़िम्मेदारी सौंपी जाती है। संस्था को दी गई पुरानी चुनौती, उसके भीतर ही एक शक्ति बन जाती है। Supports/Surfaces के इतिहास में, कला विद्यालयों ने ठीक यही अवसर दिया: केवल एक उग्र आंदोलन का अध्ययन नहीं, बल्कि उन कलाकारों तक सीधी पहुँच, जिन्होंने उसकी खोजों को जन्म दिया था।
Claude Viallat ने इस पद को असाधारण अधिकार के साथ संभाला। उनका शिक्षण करियर 1963 में शुरू हुआ, 1966 में उनके दोहराए जाने वाले रूप के उभरने से पहले, और Supports/Surfaces के गठन तथा उसके बाद के विकास के दौरान जारी रहा। नीस, लिमोज़ और मार्सेई सहित कई स्थानों पर नियुक्तियों के बाद, वे 1979 में निम पहुँचे और बाद में 1991 में पेरिस के ब्यू-ज़ार में चले गए। इसलिए, निम में वे ऐसी उथल-पुथल नहीं सिखा रहे थे जो अभी होनी बाकी थी: वे उस दृष्टिकोण को आगे पहुँचा सकते थे, जिसकी स्थापना में वे पहले ही मदद कर चुके थे, और साथ ही अपने काम में उसकी संभावनाओं को तलाशते रह सकते थे। विद्यार्थियों का सामना इस प्रस्ताव के केवल व्याख्याकार से नहीं, बल्कि उसके रचयिता से हुआ।
इससे Nîmes का Beaux-Arts आंदोलन की संस्थागत विरासत में एक विशिष्ट स्थान पाता है। स्कूल ने ऐसा परिवेश दिया जहाँ आधार, सतह, रंग और प्रक्रिया से जुड़े प्रश्न सीधे कलात्मक आविष्कार से शिक्षा तक पहुँच सकते थे। Viallat का शिक्षण, Histoire de la pédagogie artistique साक्षात्कार संग्रह में दर्ज है। उसमें सामग्री के साथ अभ्यास और संवाद पर ज़ोर दिया गया, जिसमें यह सवाल भी शामिल था कि छात्रों के अनुकरण के लिए खुद को एक आदर्श बनने से कैसे रोका जाए। इस विशेषाधिकार के साथ एक ज़िम्मेदारी भी थी: क्रांति से खुली स्वतंत्रता को आगे पहुँचाना, न कि केवल उसके पहचाने जाने वाले रूपों को।
Alain Clément इस संस्थान में एक जुड़ा हुआ, लेकिन स्वतंत्र अनुभव लेकर आए। उन्होंने Nîmes में पढ़ाया और फिर 1985 से 1990 तक स्कूल का निर्देशन किया। Supports/Surfaces के सदस्यों के निकट रहते हुए भी उसके संस्थापकों में शामिल न होने के कारण, उन्होंने 1960 के दशक के उत्तरार्ध की कलात्मक पूछताछ में भाग लिया और अपनी वैचारिक पड़ताल विकसित की। बाद में गीतात्मक हाव-भाव और रंगों के संयोजन से उनकी जुड़ाव ने उनके योगदान को विशेष रूप से महत्वपूर्ण बनाया। वे ऐसे कलाकार थे जो अतीत की किसी स्थिति को स्थायी दायित्व माने बिना, आमूल बदलाव के अपने अनुभव से सिखा सकते थे।
Clément का चित्रकला और मूर्तिकला के बीच संवाद इस स्वतंत्रता को भौतिक अभिव्यक्ति देता है। हाव-भाव निर्माण बन जाता है; रंग आयतन का संकेत देता है; एक वक्र रेखा कैनवस से निकलकर अंतरिक्ष में जा सकती है। उनका काम दिखाता है कि कलाकार-शिक्षक का अधिकार किसी स्थिर सिद्धांत की रक्षा पर ही आधारित होना ज़रूरी नहीं। यह दिखाने पर भी आधारित हो सकता है कि किसी भाषा का लगातार नवीनीकरण कैसे होता है।
फिर भी, इस उपलब्धि में अपना विरोधाभास निहित है। इस लेख के लेखक के साथ बातचीत में शिक्षण कार्यक्रम को याद करते हुए, Clément ने एक ही शैली में काम करने वाले बहुत अधिक कलाकार तैयार होने के खतरे पर मज़ाक किया। “हमें रुकना पड़ा,” उन्होंने चौड़ी मुस्कान के साथ कहा। यह टिप्पणी उस क्षण को पकड़ती है जब एक सफल हस्तांतरण एक तयशुदा फ़ॉर्मूला बन जाने का जोखिम उठाता है। क्रांतिकारी को मिलने वाला सर्वोच्च सम्मान—उस चीज़ को सिखा पाना जिसे संभव बनाने में उसने मदद की—यह खतरा भी लाता है कि कल की मुक्ति कल की परंपरा बन जाए।
हालाँकि, संस्थागत मान्यता हर सहभागी तक समान रूप से नहीं पहुँचती। इस लेख के लेखक के लिए, कभी प्रिय मित्र रहे आंद्रे-पियेर आर्नाल इस इतिहास के वर्णन में अधिक प्रमुख स्थान के हक़दार हैं। यह व्यक्तिगत आकलन याद दिलाता है कि इसके प्रमुख व्यक्तियों की दृश्यता पूरी पीढ़ी की स्वीकार्यता का प्रतिनिधित्व नहीं कर सकती। कोई क्रांति विद्यालय और संग्रहालय तक पहुँच सकती है, जबकि उसके योगदान के कुछ हिस्सों को पर्याप्त मान्यता न मिले।
आंद्रे-पियेर आर्नाल - शीर्षकहीन (लाल त्रिभुज) - 1973
(F.Berthomier का संग्रह)
निम का महत्व कलात्मक आविष्कार, संस्थागत मान्यता और प्रत्यक्ष हस्तांतरण के इस मेल में निहित है। जिन लोगों ने चित्रकला की परंपराओं को उलटने में मदद की थी, वे एक अन्य पीढ़ी को शिक्षित करने की स्थिति में थे। सबसे स्थायी प्रतिफल उनकी खोजों की पुनरावृत्ति नहीं, बल्कि यह संभावना थी कि विद्यार्थी उनका उपयोग कुछ और खोजने के लिए कर सकें।
IV. “शुद्ध” उत्तराधिकारी: कठोरता और स्वायत्तता
“नव-सपोर्ट्स/सरफेसेस” आंदोलन को “मध्यवर्ती पीढ़ी” आगे बढ़ाती है—वे कलाकार जिन्हें सीधे गुरु-कलाकारों ने प्रशिक्षित किया और जिन्होंने 60 के दशक के कच्चे विखंडन को एक सटीक, चिंतनशील विज्ञान में परिष्कृत किया है।
फ़्रेडरिक प्रा - Galerie Richard में सोलो शो, 2025 - इंस्टॉलेशन दृश्य
फ़्रेडरिक प्रा (जन्म 1966) इस आंदोलन के “शास्त्रीय” मोड़ का प्रतिनिधित्व करते हैं। पेरिस के ब्यू-आर्ट्स में क्लोद वियाला और टोनी ग्रां के विद्यार्थी रहे प्रा ने अपना करियर इस आंदोलन की व्याकरण को शुद्ध करने में बिताया है। वे प्रकृतिवादी जुड़ावों को सख्ती से नकारते हैं और इसके बजाय “अ-रूपों” की चरम खोज में जुटे रहते हैं। उनके बड़े वर्गाकार कैनवस में एकवर्णी पृष्ठभूमियाँ होती हैं, जिनमें स्वायत्त “चित्रात्मक घटनाएँ”, लूप और रेखाएँ व्यवधान डालती हैं, जो अपने अलावा किसी और चीज़ का निरूपण करने से इनकार करती हैं। जहाँ वियाला ने संरचना को नष्ट करने के लिए पुनरावृत्ति का उपयोग किया, वहीं प्रा शुद्ध विचार की वस्तु गढ़ने के लिए “अ-छवि” का उपयोग करते हैं। फ़्रांस में Galerie Richard द्वारा प्रस्तुत, उनकी कठोर औपचारिकतावादी कला को वैश्विक डिजिटल संदर्भ में IdeelArt प्रस्तुत करता है।
स्टेफ़ान बोर्डारिये - गैलरी ETC में सोलो शो, 2023 - इंस्टॉलेशन दृश्य
निम, स्टेफ़ान बोर्डारिये (जन्म 1953) इस समूह के धर्मशास्त्री की भूमिका निभाते हैं। उनकी कला एक अडिग बाध्यता से परिभाषित होती है: colle de peau (पशु-चर्म गोंद) का उपयोग। यह माध्यम जल्दी जम जाता है, इसलिए बोर्डारिये को अपने “झूठे एकवर्णी चित्र” समय के विरुद्ध दौड़ते हुए बनाने पड़ते हैं, जिससे आत्मपरक हिचकिचाहट की कोई गुंजाइश नहीं रहती। यह प्रक्रिया अहं के बजाय कार्यविधि पर आंदोलन के ज़ोर से पूरी तरह मेल खाती है।
Guillaume Moschini - Galerie Oniris में एकल प्रदर्शनी, 2023 - इंस्टॉलेशन दृश्य
Guillaume Moschini (जन्म 1970), जिन्हें Viallat, Saytour और Bioulès की त्रयी ने मार्गदर्शन दिया, ने अपने शिक्षकों की आक्रामक विखंडन-प्रक्रिया को नरम किया है। बिना प्राइमर वाले कैनवस और "अवशोषण" तकनीक के साथ काम करते हुए, वे पतले ऐक्रिलिक रंगों को सीधे रेशों में समाने देते हैं। इसका परिणाम प्रकाश और पारदर्शिता का एक "सद्गुणी चक्र" है—एक "कोमल ज्यामिति", जो दर्शक का सामना करने के बजाय रंगों के साथ स्पंदित होती है। Galerie Oniris के ज़रिए फ़्रांसीसी अमूर्त कला जगत का अहम हिस्सा बनी Moschini की कलाकृति IdeelArt के माध्यम से अंतरराष्ट्रीय संग्राहकों तक पहुँचती है।
V. नवप्रवर्तक
यह आंदोलन इसलिए भी जीवित है क्योंकि इसे चुनौती दी जा रही है। सबसे युवा पीढ़ी Supports/Surfaces के औज़ारों का उपयोग करके इसके तर्क की आलोचना करती है या उसे नए माध्यमों तक विस्तारित करती है।
Jean-Daniel Salvat की No 1113 , 2020
Jean-Daniel Salvat (जन्म 1969), Viallat की 1992 की कक्षा के छात्र, ने "Post-Supports/Surfaces" बनाने के लिए मूल आंदोलन को अनिवार्य रूप से उलट दिया। जहाँ उनके गुरु ने कैनवस की देहाती बुनावट का उत्सव मनाया, वहीं Salvat पारदर्शी विनाइल की उलटी तरफ़ चित्र बनाते हैं। दर्शक प्लास्टिक के आर-पार कलाकृति देखते हैं, जिससे पेंटिंग की एक चिकनी, औद्योगिक "नकल" सामने आती है, जो डिजिटल स्क्रीन की चमक को प्रतिबिंबित करती है। वे वस्तु के प्रति आंदोलन के जुनून को बनाए रखते हैं, लेकिन देहातीपन की जगह कृत्रिमता ले आते हैं। उनकी कलाकृति IdeelArt.com पर भी उपलब्ध है।
Nicolas Chardon - Galerie Jean Broly में एकल प्रदर्शनी, 2014 - इंस्टॉलेशन दृश्य
Nicolas Chardon (जन्म 1974), Patrick Saytour के घरेलू कपड़ों के साथ वैचारिक संवाद करते हैं। Chardon "Vichy" (गिंगम) कपड़ों पर चित्र बनाते हैं, लेकिन एक मोड़ के साथ: जब वे उन्हें खींचकर तानते हैं, तो तनाव के कारण जालीदार रेखाएँ स्वाभाविक रूप से विकृत हो जाती हैं। वे इन विकृत रेखाओं के अनुसार अपने ज्यामितीय वर्ग बनाते हैं, और साबित करते हैं कि मन की "आदर्श" ज्यामिति को हमेशा आधार की भौतिक वास्तविकता के आगे झुकना पड़ता है।
Adrien Vescovi - Ceysson & Bénétiere St Etienne में एकल प्रदर्शनी, 2017 - इंस्टॉलेशन दृश्य
आखिरकार, यह विरासत बाहर खुले में भी पहुँच गई है—Adrien Vescovi (जन्म 1981) के साथ, जो 1970 की "Intérieur/Extérieur" प्रदर्शनियों के उत्तराधिकारी हैं। Vescovi toile libre को पूरी तरह स्टूडियो से बाहर ले जाते हैं। प्राकृतिक रंगों का उपयोग करते हुए, वे अपने कैनवस को महीनों तक धूप, हवा और बारिश के संपर्क में रखते हैं, जिससे आंदोलन का केंद्र "मार्क्सवादी भौतिकवाद" से हटकर "पारिस्थितिक भौतिकवाद" पर आ जाता है। 2026 में प्रमुख संस्थागत परियोजनाओं के साथ, उन्होंने Ceysson & Bénétière के साथ भी प्रदर्शन किया है, जो आंदोलन के संस्थापकों का समर्थन करने वाली वही दिग्गज गैलरी है।
VI. पश्चिमी संस्कृति में समानांतर इतिहास और सार्वभौमिक भाषा
यदि Supports/Surfaces की शुरुआत विशेष रूप से फ्रांसीसी विद्रोह के रूप में हुई थी, तो उसके उठाए सवाल सार्वभौमिक थे। पता चलता है कि चित्रकला को विखंडित करने की चाह केवल नीम तक सीमित नहीं थी; वह एक वैश्विक युग-चेतना थी।
संग्राहक के लिए, यह खंड "उत्तराधिकारियों" की वंशावली नहीं, बल्कि समान विचारधारा वाले कलाकारों का नक्षत्र प्रस्तुत करता है। ये पश्चिमी कलाकार अलग-अलग राजधानियों और दशकों से उभरे, फिर भी एक ही "Supports/Surfaces" निष्कर्ष पर पहुँचे। इससे साबित होता है कि पदार्थगत सत्य की खोज सांस्कृतिक सीमाओं से परे एक आवश्यकता है।
2022 में फोंदासियोन लुई वितों में "रंग की उड़ान"। सैम गिलियम - ड्रेप पेंटिंग्स शृंखला
अमेरिकी समकक्ष: सैम गिलियम (1933–2022)।
यह ऐतिहासिक समकालिकता का मामला है: ठीक उसी समय जब क्लोद वियाला दक्षिणी फ्रांस में अपने कैनवस खोलकर फैला रहे थे, सैम गिलियम वॉशिंगटन, डी.सी. में स्ट्रेचर फ्रेम हटा रहे थे। उनकी मशहूर "ड्रेप पेंटिंग्स"—अंतरिक्ष में लटके विशाल, रंगों से सराबोर कैनवस—फ्रांसीसी स्कूल की वंशज नहीं, बल्कि उसकी आध्यात्मिक जुड़वाँ हैं। फ्रांसीसी संस्थापकों की तरह, गिलियम समझते थे कि रंग को फ्रेम की कठोर संरचना से मुक्त करने पर वह वास्तविक स्थान में फैल सकता है। चाहे उनके काम ढीली, मूर्तिकला-जैसी तहों में लटकें या तीव्र रंगद्रव्य से सराबोर हों, वे कैनवस को खिड़की के बजाय एक भौतिक त्वचा मानते हैं और अटलांटिक के पार पदार्थवादी खोज को मान्यता देते हैं।
2022 में फोंदासियोन लुई वितों में "रंग की उड़ान"। स्टीवन पैरिनो
पंक की समानांतर धारा: स्टीवन पैरिनो (1958–2005)।
स्टीवन पैरिनो को चित्रकला की सीमाओं को आमूलचूल विखंडन तक ले जाने के लिए अंतरराष्ट्रीय स्तर पर जाना जाता है। उनकी प्रतिष्ठित कृतियाँ—बड़े, गोलाकार कैनवस जिन्हें मरोड़ा, मोड़ा या सिकोड़कर अक्सर गाढ़ी धारियों या धात्विक एकरंगी रंगों से रंगा जाता है—कैनवस को एक मूर्तिकला-वस्तु के रूप में प्रस्तुत करती हैं और सामग्री की भौतिकता तथा प्रतिरोध को उभारती हैं। फर्श पर रखे सिकुड़े हुए धात्विक रूप इन हावभावों की प्रतिध्वनि करते हैं और चित्रकला तथा मूर्तिकला के बीच की सीमा को मिटा देते हैं।
पैरिनो का हस्तक्षेप सिर्फ विनाश के बारे में नहीं है, बल्कि उस ऊर्जा और तनाव के बारे में है जो चित्रकला की परंपराओं को उलटने पर पैदा होते हैं। उन्होंने अपना दृष्टिकोण स्वतंत्र रूप से विकसित किया, फिर भी पैरिनो का काम Supports/Surfaces की विचारधारा से गहराई से मेल खाता है: दोनों ही प्रक्रिया, पदार्थगत गुणों और चित्रित वस्तु की स्वायत्तता को प्रमुखता देते हैं। उनका अभ्यास इस आंदोलन का सीधा विस्तार होने के बजाय उसका एक सशक्त समानांतर है, जो दिखाता है कि चित्रकला की सीमाओं पर आमूलचूल पुनर्विचार अटलांटिक के दोनों ओर किस तरह सामने आया।
PS1 MOMA में Sergej Jensen, 2011। प्रदर्शनी की स्थापना का दृश्य।
समकालीन संवाद: Sergej Jensen (जन्म 1973) और Wyatt Kahn (जन्म 1983)।
आज, बर्लिन से न्यूयॉर्क तक के कलाकार इस दृष्टिकोण का विस्तार कर रहे हैं। जेन्सेन की "बिना पेंट वाली पेंटिंग्स" (लिनन और टाट से सिली हुई) पैट्रिक सेतूर द्वारा घरेलू कपड़ों के इस्तेमाल की याद दिलाती हैं। वहीं, Wyatt Kahn कच्चे कैनवस और आकार दिए गए फ्रेमों से पहेली-जैसी संयोजित कृतियाँ बनाते हैं, जो डैनियल देज़ूज़ की खाली सीढ़ियों का वास्तुशिल्पीय जवाब हैं। वे फ़्रांसीसी कलाकारों की नकल नहीं कर रहे; वे उसी सामग्री-भाषा में बात कर रहे हैं।
Wyatt Kahn - शीर्षकहीन (ग्रेस्केल शहर-पेंटिंग्स) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. वैश्विक प्रतिध्वनियाँ: Supports/Surfaces और एशिया
हालाँकि Supports/Surfaces की शुरुआत फ्रांस में हुई, लेकिन पेंटिंग की सामग्रियों और परंपराओं पर इसकी क्रांतिकारी पुनर्विचारधारा युद्धोत्तर एशियाई कला में उल्लेखनीय समानताएँ पाती है। इसका कोई प्रत्यक्ष एशियाई समकक्ष या औपचारिक संबंध नहीं है, फिर भी दक्षिण कोरिया के दन्सेख्वा और जापान के गुताई जैसे कलाकारों और आंदोलनों ने स्वतंत्र रूप से उन्हीं कई सरोकारों को तलाशा है, जो Supports/Surfaces को प्रेरित करते हैं।
दन्सेख्वा कलाकार जैसे पार्क सॉ-बो (1931–2023), हा चोंग-ह्युन (जन्म 1935) और Lee Ufan (जन्म 1936) कैनवस की भौतिकता, दोहराए जाने वाले हावभाव और आधार की स्वायत्तता को प्रमुखता देते हैं। उनकी प्रक्रिया-केंद्रित, ध्यानमग्न कृतियों में अक्सर कैनवस को आकार देना, खुरचना या बुनना शामिल होता है, जो Supports/Surfaces में पाए जाने वाले सामग्री-प्रयोग और विखंडन की प्रतिध्वनि है।
"ली उफ़ान और क्लॉद वियाला, मुलाक़ात" पेस लंदन में, 2023। प्रदर्शनी की स्थापना का दृश्य।
इसी तरह, जापान में गुताई समूह ने 1950 और 60 के दशकों में पेंटिंग के लिए एक प्रयोगधर्मी दृष्टिकोण का सूत्रपात किया। इसमें उन्होंने अपरंपरागत आधारों, प्रदर्शनात्मक हावभावों और रचनात्मक प्रक्रिया में शरीर तथा संयोग के समावेश को अपनाया। जैसे कलाकार Kazuo Shiraga (1924–2008), अपने गतिशील, पैरों से बनाए गए कैनवस के साथ, और Shozo Shimamoto (1928–2013), अपने क्रांतिकारी सामग्री-प्रयोगों और प्रदर्शनात्मक “बोतल फेंकने” वाली पेंटिंग्स के लिए जाने जाते हैं। ये भौतिकता और प्रक्रिया-केंद्रित दृष्टिकोण का प्रतिनिधित्व करते हैं, जो Supports/Surfaces की विचारधारा से गहराई से मेल खाता है। यह पेंटिंग को भ्रम के रूप में देखने की पदानुक्रमित धारणा को चुनौती देता है और कलाकृति की वस्तुगतता तथा भौतिक उपस्थिति पर ज़ोर देता है।
आज, क्यूरेटर और आलोचक इन समानताओं को बढ़ती हुई मान्यता दे रहे हैं। वे प्रदर्शिनियों में Supports/Surfaces, Dansaekhwa और Gutai को साथ लाकर, सामग्री, प्रक्रिया और चित्रकला की पारंपरिक सीमाओं के विघटन की ओर बढ़ते व्यापक वैश्विक आंदोलन को रेखांकित करते हैं। यह संगम दर्शाता है कि कला में सामग्री की सच्चाई की तलाश भूगोल तक सीमित नहीं है, बल्कि महाद्वीपों और संस्कृतियों में गूँजती है।
“एक्शन” - व्हाइटस्टोन गैलरी में शोज़ो शिमामोटो और काज़ुओ शिरागा, 2023। स्थापना दृश्य
VIII. IdeelArt का कलाकार-समूह: व्यवहार में सामग्री-यथार्थवाद
“नव-आधार/सतह” आंदोलन महज़ इतिहास का एक फुटनोट नहीं है; यह एक जीवंत तरंग है, जो समकालीन कला-अभ्यास में लगातार गूँजती रहती है। IdeelArt में, इस परंपरा की जड़ें उन प्रत्यक्ष उत्तराधिकारियों में हैं जिनकी हम पहले ही चर्चा कर चुके हैं: फ़्रेडरिक प्रा, “गैर-रूप” के अपने कठोर शुद्धीकरण के साथ; जीन-डैनियल साल्वा, जो विनाइल पर अपने काम के ज़रिए चित्रकला की त्वचा पर ही सवाल उठाते हैं; और गिलाउम मोशिनी, जिनका रंग लगाने का प्रक्रियात्मक तरीका अहंकार को मिटाकर आधार की तरंग को उजागर करता है।
फिर भी, “सामग्री की सच्चाई” की तलाश इन प्रत्यक्ष उत्तराधिकारियों से आगे तक जाती है। यह अंतरराष्ट्रीय कलाकारों के विविध समूह में दिखाई देती है, जो सचेत रूप से या सहज रूप से इसी निष्कर्ष पर पहुँचे हैं: कला-कृति को छवि बनने से पहले वास्तविक दुनिया में एक वस्तु होना चाहिए।
जीन फाइनबर्ग - एड रोथफार्ब स्टूडियो में "मिनिमल/मैक्सिमल" प्रदर्शनी, 2025 - स्थापना दृश्य
जीन फाइनबर्ग (अमेरिका) इस आंदोलन के “वस्तु के रूप में चित्रकला” के आग्रह का मूर्त रूप हैं। उनका काम पारंपरिक चित्रकला की आयताकार खिड़की को अस्वीकार करता है और इसके बजाय बचाई गई लकड़ी, कैनवास और पेंट से बनी “संरचनाओं” को अपनाता है। बर्नार्ड पाजेस के शुरुआती प्रयोगों की तरह, फाइनबर्ग की कृतियाँ किसी चीज़ की छवियाँ नहीं हैं; वे स्वायत्त इकाइयाँ हैं, जो दर्शक के स्थान में उभर आती हैं। मिली हुई वस्तुओं के अवशेषों और संरचनात्मक लकड़ी को शामिल करके, वह इस विचार की पुष्टि करती हैं कि वस्तु का भौतिक तनाव ही कला का वास्तविक विषय है।
लुईस ब्लाइटन - "मुलूनिंग" - फाइव वॉल्स गैलरी, मेलबर्न में एकल प्रदर्शनी, 2025 - स्थापना दृश्य
लुईस ब्लाइटन (ऑस्ट्रेलिया) “आधार की सच्चाई” के साथ एक गहरे संवाद में संलग्न हैं। क्लॉड वियाला द्वारा कैनवास को मुक्त करने की भावना से प्रेरित होकर, ब्लाइटन कच्चे लिनेन को निष्क्रिय पृष्ठभूमि से उठाकर एक सक्रिय, दृश्य सामग्री का रूप देती हैं। उनकी न्यूनतावादी तकनीक—लिनेन को आकार दिए गए बाल्सा लकड़ी के रूपों पर लपेटना और बिना अहंकार के वर्णक की अनगिनत परतें लगाना—ऐसी कृतियाँ रचती है जो न तो चित्रकला हैं, न मूर्तिकला, बल्कि संकर वस्तुएँ हैं। वे अपने निर्माण को छिपाती नहीं; वे अपनी सतह की बुनी हुई वास्तविकता का उत्सव मनाती हैं।
एंथनी फ्रॉस्ट अपने स्टूडियो में (2023)
Anthony Frost (UK) साधारण सामग्रियों को निर्भीकता से अपनाकर "ललित कला" की कीमतीपन वाली सोच को नकारने के आंदोलन के रुख को आगे बढ़ाते हैं। जैसे नोएल डोला ने बर्तन पोंछने के कपड़ों और टार्लटन का उपयोग किया, वैसे ही Frost पाल-कपड़े, फलों की जाली और टाट से अपनी प्रभावशाली अमूर्त कृतियाँ बनाते हैं। ये भ्रम पैदा करने वाली तटस्थ सतहें नहीं, बल्कि खुरदरी औद्योगिक वास्तविकताएँ हैं, जो अपने इतिहास को दृढ़ता से सामने रखती हैं। उनकी कृतियाँ साबित करती हैं कि "Neo Supports/Surfaces" की भावना वहाँ फलती-फूलती है जहाँ कलाकार निरूपण के छल से अधिक पदार्थ की सहज ईमानदारी को प्राथमिकता देता है।
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, विक्टोरिया एंड अल्बर्ट म्यूज़ियम, 2025
Richard Caldicott (UK) फ़ोटोग्राफ़ी माध्यम पर आंदोलन के विखंडनकारी तर्क को लागू करते हैं। जैसे डैनियल देज़ूज़ ने उसकी कंकाल-संरचना उजागर करने के लिए चित्रकला को स्ट्रेचर तक सीमित कर दिया, वैसे ही Caldicott फ़ोटोग्राफ़ी को उसके मूलभूत तत्त्वों: प्रकाश और काग़ज़ तक सीमित कर देते हैं। फ़ोटोग्राम और काग़ज़ी नेगेटिव के ज़रिए वे कैमरे के दस्तावेज़ी काम को दरकिनार करके ऐसी छवियाँ बनाते हैं जो दुनिया की भौतिक छाप हैं। वे फ़ोटोग्राफ़ी का "अस्तित्वगत सत्य" उजागर करते हैं और उसे वास्तविकता के दर्पण से ठोस रूपों के सर्जक में बदल देते हैं।
हमारा मानना है कि "Neo Supports/Surfaces" आंदोलन की जड़ें उसके फ़्रांसीसी मूल से कहीं अधिक व्यापक हैं; यह भौतिक सत्य की वैश्विक खोज है। इसे "Provisional Painting," "Casualism," "New Materialism," चाहे जो नाम दिया जाए, या Dansaekhwa और Gutai में देखा जाए, ब्रुकलिन से सियोल तक के कलाकार इसी खोज में सक्रिय रूप से जुटे हैं।
यह पुरानी यादों में खोना नहीं, बल्कि 21वीं सदी के लिए एक मान्य, सार्वभौमिक कार्यपद्धति है। नीम के स्टूडियो में जो शुरू हुआ, उसकी प्रतिध्वनि वॉशिंगटन डी.सी. के पर्दों, डेनमार्क की वस्त्र-कला, न्यूयॉर्क के न्यूनतावाद और एशिया के चिंतनशील कैनवस में सुनाई देती है।
संस्थापकों ने उसकी सच्चाई खोजने के लिए चित्रकला को तोड़कर अलग किया; संस्थागत सेतु ने उस सच्चाई को सुरक्षित रखा; और कलाकारों की एक वैश्विक पीढ़ी इसका उपयोग नई संरचनाएँ बनाने में कर रही है। 1968 के राजनीतिक पर्चे भले ही धुंधले पड़ गए हों, लेकिन सौंदर्यबोध से जुड़ी खोज अब भी ठोस है: चित्रकला का विषय स्वयं चित्रकला है।
फ़्रांसिस बेर्तोमिए द्वारा
क्लोद वियाल्ला और क्रिस्तेल थॉमस। "Avatar 2005-2025". टूलॉन का होटल देज़ आर्त। दिसंबर 2025।
यह लेख हाल ही में टूलॉन (फ़्रांस) के होटल देज़ आर्त में आयोजित वियाल्ला प्रदर्शनी की यात्रा से प्रेरित है। वहाँ क्लोद वियाल्ला से हुई बातचीत से पुष्टि हुई कि वे अब भी दिन में तीन कृतियाँ बनाते हैं। यह उनकी निरंतर जीवंतता और आंदोलन की जीवंत ऊर्जा का स्थायी प्रमाण है।
विशेष चित्र: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" कैरे द'आर्ट (नीम, फ़्रांस) में, 2018। प्रदर्शनी की स्थापना का दृश्य।
