Gutai Group - Mouvement abstrait gestuel d'Asie

Écrit en 1956, le manifeste de Gutai Art dit notamment : « Nous avons décidé de poursuivre avec enthousiasme les possibilités de la créativité pure. Nous pensons qu'en fusionnant les qualités humaines et les propriétés matérielles, nous pouvons concrètement comprendre l'espace abstrait. Le collectif d'art d'avant-garde connu sous le nom de Gutai Group formé à Osaka, au Japon, en 1954. Au cours des 18 années d'existence du groupe, ses artistes ont radicalement transformé la scène mondiale de l'art moderne grâce à leurs idées. Écrit par Yoshihara Jiro, le fondateur du groupe, leur manifeste complet de 1 270 mots explique en détail leurs sincères intentions philosophiques. Il décrit l’art du passé comme une fraude et une illusion et insiste sur le fait que le véritable art doit contenir l’esprit de la vie. «Disons adieu», dit-il, «aux canulars accumulés sur les autels et dans les palais, les salons et les antiquaires. Enfermez ces cadavres dans le cimetière. Gutai appelait à un nouvel art : un art vivant et rempli d'esprit, qui respectait autant les matériaux utilisés dans sa réalisation que l'artiste, sans la participation duquel il ne pourrait se manifester. Leurs efforts ont redéfini l’identité artistique japonaise au lendemain de la Seconde Guerre mondiale et sont devenus une démonstration vivante de l’intérêt renouvelé des Japonais pour la liberté, l’individualité et l’interconnexion avec le reste du monde.

L'homme contre la boue

La matérialité était la préoccupation première des premiers artistes Gutai. Ils utilisaient les matériaux de telle manière que leurs qualités physiques essentielles restaient un élément visible et vital de l'œuvre. Ils ont été inspirés par l’observation selon laquelle les ruines architecturales en décomposition semblent souvent vivantes, car le temps permet aux matières premières utilisées pour les créer de réaffirmer leur essence physique. Cette valeur est exprimée poétiquement dans le mot gutai. Souvent traduit par concret, gutai pourrait plutôt être traduit par concrétion, comme en train de devenir concret. Quand, grâce à la facilitation d’un artiste, la matière se transforme, tout en incarnant la véritable essence de ses propriétés matérielles ; c'est l'esprit de gutai.

Pour une démonstration parfaite de gutai, pensez au Challenge To The Mud, interprété en 1955 par Shiraga Kazuo. Pour ce travail, Shiraga s'est jeté dans une bande boueuse d'argile humide et a commencé à lutter avec elle. En enfonçant toutes les parties de son corps profondément dans l'argile, il a créé des cratères, des monticules, des tranchées et des étagères. Il a pressé l'argile en formes et sculpté des motifs avec ses ondulations. À la fin de la représentation, la zone dans laquelle Shiraga avait lutté avec la boue a été laissée comme une œuvre d'art à admirer pour ses propres qualités. La performance incarnait les paroles de Yoshihara Jiro, qui a déclaré : « Dans l'art Gutai, l'esprit humain et la matière se serrent la main tout en gardant leurs distances.

Shiraga Kazuo - BB64, 1962

Léger et léger

En 1956, Murakami Saburõ développe l'art de Shiraga Kazuo, en utilisant cette fois un matériau synthétique comme médium. Pour sa performance intitulée Laceration of Paper, Murakami a encadré plusieurs grandes feuilles de papier puis les a disposées en une ligne serrée. Prenant un bon départ, il sauta à travers les cadres en papier, les faisant éclater chacun avec un grand bruit. Après avoir traversé toutes les feuilles de papier et en être ressorti de l'autre côté, Murakami a laissé derrière lui une relique qui démontrait les effets potentiellement traumatisants de la collaboration humaine tout en exprimant de manière vibrante les qualités physiques essentielles du papier.

La même année, Tanaka Atsuko pousse l'utilisation de matériaux synthétiques à un niveau encore plus extrême à travers sa création d'une pièce intitulée Electric Dress. Cette œuvre d'art consistait en un costume portable composé d'ampoules peintes qui s'allumaient dans un affichage multicolore. L’artiste humain à l’intérieur du costume a littéralement animé le matériau, lui donnant vie tout en lui permettant d’exprimer sa véritable essence. La combinaison était également conçue pour choquer périodiquement le porteur avec une petite décharge électrique. Le choc a servi à exprimer l'essence non pas du matériau synthétique utilisé pour l'œuvre, les ampoules, mais du matériau naturel utilisé dans l'œuvre, l'électricité : une expression pas si subtile du danger inhérent lorsque les humains interfèrent avec le pouvoir de l'œuvre. monde naturel.

Murakami Saburo - Laceration of Paper, 1956

Créativité pure

Outre leur respect de la matérialité, la deuxième valeur la plus importante du groupe Gutai était leur respect de la liberté de création. Yoshihara Jiro a succinctement exprimé ce concept dans une œuvre qu'il a réalisée en 1956 intitulée Veuillez dessiner librement. La pièce consistait en une immense surface vierge placée à l'extérieur, à l'air libre, accompagnée d'un assortiment d'instruments d'écriture et de dessin, ainsi que d'une invitation à tous à venir s'exprimer de la manière qu'ils souhaitent. En donnant à chacun la possibilité d'une expression créative illimitée et sans restriction, Yoshihara a transformé le concept de liberté en médium et a transformé le processus créatif en œuvre d'art.

Dans sa quête de liberté, le Groupe Gutai a poursuivi chaque idée sans retenue, dans un esprit de sincérité. Ils ont peint avec des voitures télécommandées et des canons à peinture, expérimenté l'abstraction gestuelle et testé une multitude d'autres approches liées à la fusion du physique et de la matérialité. Et dans un effort pour diffuser leurs encouragements au reste du monde, ils ont également correspondu avec exubérance par courrier avec d'autres artistes dans plusieurs autres pays, créant ainsi une énorme communauté d'âmes partageant les mêmes idées. Leurs efforts ont forgé des liens avec les artistes qui ont finalement créé le mouvement Fluxus, et ils ont réalisé des percées dans l’art de la performance, l’art collaboratif, l’art de l’installation, l’art public et de nombreux autres modes d’expression contemporains populaires qui n’en étaient alors qu’à leurs balbutiements.

Yoshihara Jiro - Please Draw Freely, 1956, Outdoor Gutai Art Exhibition, Ashiya Park

Possibilités futures

Vers la fin du manifeste de l'art Gutai, Yoshihara Jiro mentionne que certains de leurs premiers travaux étaient comparés à ceux des dadaïstes. Pour lui, cela signifiait que les expériences des artistes gutai étaient mal interprétées comme étant absurdes ou anti-art. Les artistes Gutai insistaient sur le fait de dépasser le passé, mais reconnaissaient l'importance vitale de l'art en général, ainsi que la validité de certains de leurs prédécesseurs. Dada, en revanche, était largement basé sur le principe du mépris actif pour le passé, et pour toutes les institutions, physiques ou autres, liées à l'art. Dada était d'une créativité folle, mais aussi cynique, et souvent destructeur. Les artistes Gutai se demandaient simplement quelles nouvelles possibilités pouvaient être imaginées pour l'avenir.

En réponse à la comparaison avec Dada, Yoshihara a souligné que, bien que Dada mérite du respect, les intentions de gutai sont très différentes, car elles ne se concentrent pas sur le cynisme mais sur la sincérité. Dans son manifeste, il écrit : « Gutai accorde une importance primordiale à l'audacieuse avancée dans le monde inconnu. Certes, nos œuvres ont souvent été confondues avec des gestes dadaïstes. Et nous reconnaissons certainement les réalisations de Dada. Mais contrairement au dadaïsme, l'art Gutai est le produit qui a émergé de la recherche de possibilités. » En 1972, Yoshihara Jiro est décédé. Étant donné qu'il avait été en grande partie responsable du financement de leurs activités, le groupe Gutai s'est ensuite dissous. Mais avant de mettre fin à leur travail, leur esprit avait touché des artistes du monde entier et avait inspiré leurs générations, ainsi que les générations futures. Gutai perdure aujourd'hui dans le respect que les artistes ont acquis pour les environnements de studio multidisciplinaires, dans le travail des collectifs d'art expérimental, et dans chaque espace d'exposition qui consacre du temps et des ressources aux artistes poursuivant des idées auparavant inimaginables.

Image en vedette : Jiro Yoshihara - Cercle, 1971
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio