Music of Color de Sam Gilliam à Bâle
À l'occasion du lancement d'Art Basel 2018, le Kunstmuseum Basel a récemment inauguré ce que l'on appelle la première exposition personnelle européenne jamais consacrée au travail de l'artiste abstrait américain Sam Gilliam. . Intitulée La musique de couleur : Sam Gilliam, 1967 – 1973, l'exposition présente un total de 45 œuvres provenant de collections privées et institutionnelles. des États-Unis et d’Europe. De l'avis de nombreux artistes travaillant aujourd'hui, Gilliam est l'un des peintres américains les plus importants, non seulement parce que son œuvre est belle, mais aussi en raison de sa contribution à la théorie de l'art contemporain. Ses innovations ont brisé les idées préconçues à un moment charnière et ont directement défié certaines des voix les plus fortes de sa génération. Ses idées étaient si importantes qu’il peut sembler difficile de croire que Gilliam n’a jamais eu d’exposition personnelle en Europe. Pourtant, si l’on examine réellement sa carrière, cela n’est peut-être pas si surprenant après tout. Gilliam a toujours fait les choses à sa manière. Même si son travail a contribué à établir le marché de l’art aux multiples facettes que nous connaissons aujourd’hui, il n’a jamais répondu aux attentes de ce marché. En un mot, Gilliam est une rebelle. Bien qu’il ait représenté les États-Unis à deux reprises à la Biennale de Venise, en 1972 et 2017, il n’a signé que récemment avec une galerie, pour la première fois de sa carrière. Dans le passé, même lorsqu’il était sous le feu des projecteurs, il vendait principalement ses œuvres lui-même, hors de son atelier. Néanmoins, ses acheteurs comprenaient des dizaines de musées parmi les plus prestigieux du monde, dont la Tate Modern, le musée Guggenheim de New York, le Metropolitan Museum of Art, le MoMA et la National Gallery of Art de Washington, DC, qui détiennent tous ses oeuvres. Sa volonté de ne jamais faire ce qu’on attend pourrait bien être ce qui a empêché Gilliam de faire jusqu’à présent l’objet d’une exposition monographique européenne. Mais c’est aussi ce qui a conduit à ses plus grandes percées. Sa confiance singulière dans sa propre vision fait de Gilliam le parfait représentant de l’indépendance dans le monde de l’art, et c’est ce qui a fait de lui une légende vivante dans le monde de l’art abstrait contemporain.
Sur le bord biseauté
Né en 1933, Gilliam a commencé sa carrière professionnelle à une époque où les tendances se dirigeaient vers le Minimalisme, l'Abstraction Géométrique et l'Abstraction Post-Peintre. Comme beaucoup d'autres peintres de sa génération, il a commencé par peindre exactement ce genre d'œuvre. Ses œuvres abstraites géométriques à bords nets des années 1960 rappellent celles d'artistes comme Frank Stella, Max Bill ou Carmen Herrera. L'année où tout a changé pour Gilliam était 1967. C'est à ce moment-là qu'il a adopté une méthode complètement différente consistant à verser de la peinture acrylique directement sur une toile non préparée, puis à plier la toile pendant que la peinture était encore humide. Il laissait ensuite la toile sécher afin que les lignes froissées soient à jamais incorporées dans le matériau. Ce n'est qu'alors qu'il tendait la toile sur des barres de châssis.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrylique sur toile, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Photo : Fredrik Nilsen, avec l'aimable autorisation de l'artiste, du Metropolitan Museum of Art de New York et de la David Kordansky Gallery de Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurich
Les lignes résultantes de cette méthode servent de vestiges de la main de l’artiste et ajoutent structure et dimensionnalité à l’objet d’art. Cette innovation à elle seule était révolutionnaire. Mais Gilliam ne s’est pas arrêté là. Il a ensuite biseauté les bords de ses châssis, ce qui a apporté une nouvelle attention aux côtés du tableau, leur donnant une importance égale à celle de la surface. Les bords biseautés donnaient l’impression que les peintures émergeaient du mur, plutôt que simplement accrochées à celui-ci. Cela donnait aux peintures une présence presque sculpturale. Il a appelé ces œuvres « Slice Paintings ». Le mot tranche avait plusieurs significations. Les barres de civière ont été découpées, créant un effet biseauté. De plus, les plis de la toile ont agi comme des tranches dans l'image, créant des combinaisons de couleurs imprévisibles et des variations structurelles inattendues dans l'œuvre rappelant les lits de rivières creusés dans la surface de la Terre.
Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrylique sur toile, poutres en chêne. 261 x 366 x 198 cm. Photo : Lee Thompson, avec la courtoisie de l'artiste, Kunstmuseum Basel et David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurich
Jamais deux fois la même chose
La prochaine innovation pour laquelle Gilliam est connu s'est produite en 1968, lorsqu'il a créé son premier « Drape Painting ». Cet ensemble d’œuvres habite un espace théorique quelque part entre la peinture, la sculpture et l’installation, car il élimine les châssis, élargissant ainsi la définition de ce que peut être une peinture. Gilliam a peint ses « Drape Paintings » en utilisant la même méthode qu'il a utilisée pour ses « Slice Paintings », en versant de la peinture acrylique directement sur une toile non apprêtée. Mais une fois le tableau terminé, plutôt que de le froisser puis de l'étirer, il drape simplement la toile directement sur le mur, comme un rideau ou un vêtement. Ses « Drape Paintings » ont porté l'idée d'une toile façonnée à un nouveau niveau, permettant à l'œuvre d'adopter une configuration complètement nouvelle à chaque fois qu'elle est présentée. Gilliam a noté avec plaisir que ses « Drape Paintings » ne sont jamais montrées deux fois de la même manière.
Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acryl auf Leinwand, 203 x 144 x 30 cm. Foto : Cathy Carver, avec l'aimable autorisation de l'artiste et du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zurich
Depuis ses grandes percées à la fin des années 1960, Gilliam a continué à expérimenter et à évoluer en tant qu'artiste. Il a élargi sa gamme de surfaces, peignant sur papier et bois. Il a également examiné les limites du collage, trouvant toujours plus de façons de mélanger matériaux, médiums et techniques. Malgré les différences apparentes dans tous ses différents corpus d'œuvres, il y a cependant un aspect de tout ce que Gilliam a fait qui définit sa contribution unique à l'art contemporain, qui a trait à la manière dont il nous a aidés à comprendre que la peinture et la sculpture sont vraiment la même chose. Les gens disent souvent qu'un artiste a flouté les frontières entre la peinture et la sculpture, peut-être parce que ses peintures ont une dimension, ou parce qu'elles pendent du plafond ou reposent sur le sol. Gilliam a accompli bien plus que cela. Il traite vraiment ses surfaces de la même manière qu'un sculpteur pourrait traiter le métal, le marbre ou l'argile. Il prouve que la surface d'une peinture possède la capacité de transmettre des émotions, de raconter une histoire ou de communiquer un sujet formel. Il définit la surface comme plus qu'un support—il en fait un médium à part entière. The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 est exposé jusqu'au 30 septembre au Kunstmuseum Basel.
Image en vedette : Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acryl auf Leinwand, 304,8 x 2 269 cm. Collection Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zurich
Par Phillip Barcio
