Abstraction post-picturale – Le sens et la portée

En termes d’histoire de l’art, le modernisme n’était pas un mouvement. Il s’agissait plutôt d’un processus de conscience artistique de soi. Plutôt que de se concentrer sur la représentation objective, les peintres modernistes ont exploré ce qu’ils pouvaient exprimer par l’abstraction ou par les qualités formelles de la peinture telles que la couleur, la forme, le geste et la surface. Parmi les mouvements de peinture moderniste, l'l'abstraction post-picturale a été l'un des derniers à émerger avant que les attitudes post-modernistes ne prennent de l'importance à la fin du XXe siècle. Il se concentrait sur l’élément le plus essentiel de la peinture : la bidimensionnalité ou la planéité. Cela éliminait toute référence au sujet narratif ainsi qu’à la personnalité propre de l’artiste. Il a réalisé ce que le critique d’art Clement Greenberg considérait comme le but même de la peinture moderniste, à savoir réduire la peinture à son « essence viable ».

Les principes de l’abstraction post-picturale

Pour comprendre l'Abstraction Post-Peintre, il est utile de considérer son opposé : l'Abstraction Peintre, dont l'exemple parfait est l'Expressionnisme Abstrait. Imaginez l'une des peintures éclaboussées de Jackson Pollock, avec son énergie primitive et son drame inhérent. C'est une expression du soi subconscient de Pollock. La peinture s'accumule en couches et en tas, créant des crêtes et des vallées. Des débris comme du verre et des mégots de cigarette s'entremêlent avec le médium, créant une œuvre vive et "peintre", où la main, la personnalité et l'ego de l'artiste sont évidents dans chaque marque.

Helen Frankenthaler - Approche, 1962, Huile sur toile, 82 x 78 pouces, Collection Anderson de l'Université de Stanford, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Dans une peinture abstraite post-picturale, il n'y a pas de coups de pinceau visibles. La surface de la peinture est plate. La peinture et la surface ne font qu'un. Les couleurs sont linéaires, non superposées, et sont également vives et brillantes, exprimant leurs propres qualités essentielles mais rien d'autre. Il n'y a pas de détails dans la peinture autres que la couleur, la forme et l'espace. Plutôt que la composition raconte une histoire ou transmette un drame subconscient, la composition est ouverte, permettant aux qualités formelles de la couleur et de la surface d'être le sujet de l'œuvre. Un exemple parfait est Bridge, peint en 1964 par l'artiste américain Kenneth Noland.

Kenneth Noland - Pont, 1964, Acrylique sur toile, 89 x 98 pouces, © Kenneth Noland

Modernisme et post-modernisme

Il peut sembler déroutant de considérer l’abstraction post-picturale comme l’un des derniers mouvements artistiques modernistes. Après tout, nombreux sont ceux qui croient que le modernisme est toujours d’actualité aujourd’hui. Que vous vous considériez comme moderniste ou post-moderniste dépend essentiellement de ce que vous croyez. Le postmodernisme considère l’histoire comme relative et les concepts de « progrès » linéaire comme étant inutiles.

Jack Bush - Nice Pink, 1965, Acrylique sur toile, © Jack Bush

Le modernisme était basé sur l’idée d’un passé artistique formel mutuellement convenu. Le modernisme exigeait une évolution artistique. Cela exigeait de la nouveauté, ce qui nécessitait de l'invention, qui à son tour exigeait une compréhension de ce qui avait précédé. Essentiellement, le modernisme raconte une histoire. Il dit : « Les artistes faisaient ça jusqu'à ce qu'ils commencent à faire ça », et ainsi de suite. Afin de comprendre l'impact contextuel d'une œuvre de l'art moderniste, vous devez d'abord comprendre pourquoi elle était innovante pour son époque, ce qui nécessite une compréhension de sa place au sein de son mouvement particulier ainsi que de la place de ce mouvement dans le contexte plus large de l'histoire de l'art. narratif.

Ellsworth Kelly - Bleu blanc, 1962, Huile sur toile, © Ellsworth Kelly

L'exposition sur l'abstraction post-picturale de 1964

Le critique d’art Clement Greenberg était un véritable moderniste, ce qui signifie qu’il croyait au récit global de l’histoire de l’art et ressentait le besoin de contextualiser les tendances contemporaines par rapport à cette histoire plus vaste. La sincérité de Greenberg et la profondeur de ses connaissances historiques ont fait de lui l’un des conteurs les plus influents du modernisme. Tout au long du XXe siècle, ses nombreux écrits ont défini le récit moderniste en décrivant son évolution à partir du milieu des années 1800, en contextualisant ses avancées et même en nommant ses mouvements les plus connus de l'après-Seconde Guerre mondiale, y compris l'expressionnisme abstrait.

Morris Louis - Earth Gamut, 1961, Résine acrylique (Magna) sur toile, 86 7/8 x 60 po., Copyright © MICA / Artists Rights Society (ARS ), New York

Greenberg a inventé et défini le terme Abstraction Post-Peinturale en organisant une exposition du même nom au Los Angeles County Museum of Art en 1964. L'exposition Abstraction Post-Peinturale du LACMA présentait le travail de 31 artistes, que Greenberg considérait tous comme représentant ce qu'il considérait comme cette nouvelle tendance dans l'art moderniste. Parmi ceux inclus dans le spectacle, plusieurs artistes sont ensuite devenus certains des peintres les plus célèbres du 20ème siècle, y compris Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland et Frank Stella.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance, 1963, Magna sur toile, © Kenneth Noland

Les stars de l’abstraction post-picturale

Helen Frankenthaler a contribué trois œuvres à l'exposition LACMA Post-Painterly Abstraction. Inclus était Approach, mettant en vedette la technique unique de « teinture par trempage » de Frankenthaler. Cette technique consistait à verser de la peinture diluée directement sur une toile non apprêtée afin de permettre au support d'adopter des formes organiques tout en éliminant les coups de pinceau afin de minimiser l'apparence de la main de l'artiste. 

Jack Bush était un peintre abstrait canadien associé au groupe Painters Eleven. Les artistes de Painters Eleven ne partageaient pas un style commun. Au contraire, ils se consacraient tous simplement à réaliser des œuvres abstraites et à se soutenir mutuellement. Clement Greenberg était un défenseur influent du groupe et s’intéressait particulièrement au travail de Bush, l’encourageant à continuer d’affiner et de simplifier ses couleurs et ses formes.

Les peintures vives et ultra-plates d’Ellsworth Kelly intègrent un langage visuel emblématique basé sur la distillation des formes qu’il a observées dans la nature. En plus de sa contribution à l'avancement de l'abstraction post-picturale, il a également eu un impact sur le minimalisme et l'art conceptuel avec ses œuvres façonnées et monochromes. La contribution de Kelly à l'exposition Post-Painterly Abstraction du LACMA comprenait la peinture Blue White.

Comme sa contemporaine Helen Frankenthaler, Morris Louis, né à Baltimore, versait de la peinture directement sur une toile non apprêtée afin d'éviter l'apparence de coups de pinceau. Son esthétique incorporait des bandes vibrantes et colorées de couleurs coulées, représentées par la peinture Earth Gamut,  qui a été incluse dans l'exposition LACMA.

Pour Kenneth Noland, l'objectif de son travail était de supprimer toute apparence d'émotion. Il crée un vocabulaire esthétique basé sur des surfaces planes composées de cercles concentriques et de bandes de couleurs. Ses œuvres étaient dépourvues de texture, ne révélant rien du geste ou de la main de l’artiste. Il est considéré comme un pionnier non seulement de l'abstraction post-picturale, mais également des idées influentes sur le minimalisme.

Toujours actif aujourd’hui à 80 ans, Frank Stella est devenu l’un des noms les plus reconnaissables de l’abstraction contemporaine. Ses efforts couvrent de multiples mouvements et défient toute catégorisation. Stella s'est fait un nom avec ses premières œuvres dans l'abstraction post-picturale et a présenté trois œuvres dans l'exposition LACMA. Parmi eux se trouvait cette pièce, Henry Garden.

Image en vedette : Frank Stella - Henry Garden, 1963, Huile sur toile, 80 x 80 pouces, Leo Castelli Gallery, New York, © Frank Stella
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio