Qui a peur de Jackson Pollock ?

Je ne peins pas la nature. Je suis la nature. - Jackson Pollock

Une façon de juger la puissance d’une œuvre d’art est de mesurer combien de personnes s’en révoltent. La haine, le dégoût, la confusion et la colère sont des émotions primaires. Pour susciter de tels sentiments chez les humains, pour vraiment les outrer, une œuvre doit toucher à quelque chose de personnel.

Depuis que les peintres préhistoriques ont tracé leurs premières marques dans les grottes, peu d’artistes ont inspiré une telle constance dans l’indignation que Jackson Pollock. En particulier, les peintures abstraites gestuelles de Pollock, vieilles de plus de 60 ans (également appelées peintures éclaboussées, peintures d’action ou peintures au goutte-à-goutte), restent parmi les œuvres les plus controversées au monde, à la fois détestées et adorées.

Qu’est-ce que cela vous fait ressentir ?

Restez une heure devant une œuvre comme « Number 1A, 1948 » de Pollock, une peinture au goutte-à-goutte de 68" x 8' 8", et vous pourriez avoir l’impression d’assister à une séance de thérapie de groupe. Les spectateurs disent : « J’aurais pu faire ça », ou « Mon enfant de 6 ans aurait pu faire ça ». Certains s’exclament : « Vous appelez ça de l’art ? » ou « C’est une plaisanterie ? » ou déclarent : « C’est hideux ! » D’autres trouvent l’œuvre belle, méditative, transcendante ou profonde. Elle fait même pleurer certains.

Les gens se reconnaissent dans « Number 1A, 1948 ». Cette œuvre, comme beaucoup d’autres peintures d’action de Pollock, ne se contente pas d’évoquer une réaction émotionnelle ; elle incarne l’émotion. Face à elles, les spectateurs ressentent quelque chose. C’est pourquoi, aujourd’hui, 60 ans après sa mort, Pollock reste l’un des artistes les plus influents et les plus discutés de l’histoire.

Jackson Pollock - Number 1A, 1948. Huile et peinture émail sur toile, 68″ x 8’8″. Le Musée d’Art Moderne, New York. Achat. © 2013 Fondation Pollock-Krasner / Société des Droits des Artistes (ARS), New York

Pourquoi a-t-il fait cela ?

Le MoMA de New York accueille actuellement une exposition de leur importante collection Jackson Pollock. « Jackson Pollock : Une rétrospective de la collection, 1934–1954 », se tient jusqu’au 1er mai 2016. L’exposition explore l’évolution du style de l’artiste, débutant par ses œuvres plus figuratives de jeunesse et culminant avec les peintures gestuelles transformatrices qui ont fait sa renommée (ou sa mauvaise réputation, selon votre ressenti).

L’essence définitoire de l’art abstrait, ce qui en faisait une rupture avec les méthodes précédentes, est que, au lieu de chercher à représenter une image reconnaissable, comme un objet, un paysage ou une figure humaine, il cherchait à créer de nouvelles images capables d’inspirer une réaction émotionnelle chez les spectateurs. L’expressionnisme abstrait, influencé par le surréalisme et la psychologie d’après-guerre, a approfondi cet objectif, espérant non seulement susciter une réaction émotionnelle, mais aussi toucher les spectateurs à un niveau subconscient, inconscient ou primal.

Jackson Pollock - Sans titre (Animaux et Figures), 1942. Gouache et encre sur papier. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Fonds M. et Mme Donald B. Straus. Collection MoMA. © 2019 Fondation Pollock-Krasner / Société des Droits des Artistes (ARS), New York

Comment ont-ils procédé ?

Les expressionnistes abstraits ont utilisé diverses techniques pour découvrir les images totemiques cachées qu’ils espéraient voir relier les spectateurs à leur moi subconscient. Employant des méthodes et des supports variés, ils se sont engagés dans des tentatives personnelles et passionnées pour faire apparaître des images primitives et les transférer sur toile. La technique emblématique d’éclaboussure de Pollock a si bien atteint les objectifs de l’expressionnisme abstrait qu’elle est devenue le symbole du mouvement. Elle est si essentielle à la compréhension publique de l’expressionnisme abstrait que l’abstraction gestuelle est souvent utilisée comme synonyme pour décrire ce style.

La méthode de Pollock consistait à verser, éclabousser et répandre des couches de peinture fluide sur la toile. Lorsqu’il utilisait des pinceaux ou des bâtons, il les faisait planer légèrement au-dessus de la toile sans la toucher. Sa physicalité libre était essentielle au produit fini. Il travaillait non seulement avec les matériaux, mais aussi avec des forces telles que la gravité, l’élan et le cœur. La peinture d’action offre un moyen de se libérer des notions restrictives de la création d’images. Ce n’était pas la seule technique employée par les premiers expressionnistes abstraits, mais elle est devenue la plus durable et la plus reconnaissable.

Jackson Pollock - La Flamme, vers 1934-38. Huile sur toile montée sur panneau de fibres. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Fonds Enid A. Haupt. Collection MoMA. © 2019 Fondation Pollock-Krasner / Société des Droits des Artistes (ARS), New York

Les ravages du temps

Alors que le MoMA de New York préparait sa rétrospective actuelle de Pollock, le musée a entrepris le travail laborieux de restauration de plusieurs œuvres. Depuis le début des années 1970, le seul entretien réalisé avait été un dépoussiérage occasionnel. La restauration de trois œuvres, « Echo », « One » et « Number 1A, 1948 », a pris environ 18 mois à l’équipe. Le travail a commencé par un nettoyage minutieux des surfaces des peintures. Ensuite, les zones de toile exposées ont été analysées pour détecter les dommages et restaurées avec soin. Puis les couches de peinture ont été analysées et comparées à des images et descriptions antérieures des œuvres. Là où la peinture manquait, ces zones ont été traitées systématiquement. Enfin, les châssis ont été soutenus et réparés.

La restauration a redonné aux œuvres leur éclat et leur vivacité. Elles possèdent une énergie immense, soulevant des questions sur ce que cela a dû être de les voir neuves. Rencontrer ses peintures d’action restaurées rappelle pourquoi Pollock reste si controversé et si populaire. Ces œuvres ne se contentent pas de nous faire ressentir quelque chose. Elles nous relient à quelque chose en nous, à la fois ancien et moderne. Elles nous suggèrent de quoi nous sommes faits, et ce que nous pourrions encore devenir. Elles sont chaotiques, hideuses, compliquées, superposées et belles, tout comme nous.

Image en vedette : Jackson Pollock - Figure sténographique, 1942. Huile sur lin. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Fonds M. et Mme Walter Bareiss. Collection MoMA. © 2019 Fondation Pollock-Krasner / Société des Droits des Artistes (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement