Comment l’action painting a changé l’art

Si l’expression « action painting » semble déroutante, c’est peut-être parce qu’elle semble contenir une redondance. La peinture implique l'action. Peut-il y avoir des peintures d’inaction ? Mais ni le fait que la peinture soit une action ni que les peintures résultent d'une action n'ont grand-chose à voir avec la définition de l'action painting. En fait, l’action painting n’est pas vraiment une question d’action ou de peinture. Il s'agit d'un état d'esprit. Le critique d'art Harold Rosenberg a inventé l'expression peinture d'action en 1952, dans un essai intitulé « The American Action Painters. L'essai visait à expliquer ce que Rosenberg considérait comme un changement fondamental survenu dans la mentalité d'un petit groupe de peintres abstraits américains. Plutôt que d’aborder la peinture comme une création d’images, ces peintres utilisaient l’acte de peindre pour enregistrer les résultats de drames personnels, intuitifs et subconscients qu’ils jouaient devant la toile. Ils utilisaient la toile comme scène. C'étaient des acteurs et la peinture était le moyen d'enregistrer les preuves de l'événement. Dans son essai, Rosenberg a non seulement souligné la nouveauté de cette méthode, mais il a également complètement détourné l'attention des peintures en tant qu'objets, déclarant que tout ce qui comptait pour les peintres d'action était l'acte créatif.

La fin de l'objectivité

Avant l'observation de Rosenberg, aucun critique d'art respecté n'avait jamais suggéré par écrit que le but du travail d'un artiste n'était pas de créer quelque chose de tangible. Il était acquis que le but d'être artiste était de créer des œuvres d'art. Mais ce que Rosenberg a observé chez des peintres comme Jackson Pollock, Franz Kline et Willem de Kooning, c'est qu'ils n'étaient pas concentrés sur la création d'objets. Au contraire, ils se concentraient sur leur propre processus en tant que peintres. Ils accordaient la plus grande importance non pas au produit fini, mais à l'acte de se connecter à leur propre inconscient. La peinture était simplement un moyen pour eux d'enregistrer les effets résultants de cette connexion.

Imaginez qu'on vous bande les yeux et qu'on vous donne un pinceau, puis qu'on vous demande de vous frayer un chemin à travers un labyrinthe tout en passant le pinceau sur la surface du mur. La marque laissée sur le mur ne serait pas tant une réalisation esthétique qu’un témoignage de votre voyage. Telle était l’origine de l’observation de Rosenberg : les peintres d’action ne faisaient pas d’images ; ils faisaient des enregistrements extérieurs de leurs voyages intérieurs.

Jackson Pollock - Numéro 8, 1949, 1949. Peinture à l'huile, émail et aluminium sur toile. 34 × 71 1/2 pouces ; 86,4 × 181,6 cm. Fédération américaine des arts.  © 2020 Fondation Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), New York

Techniques de peinture d'action

Lorsqu'un peintre entreprend de réaliser une peinture d'une image spécifique, les outils et les techniques impliqués doivent offrir au peintre autant de contrôle que possible. Mais si le but d’un tableau n’est pas de créer une image spécifique et prédéterminée, mais plutôt de créer une relique visuelle abstraite d’un événement psycho-physique, le peintre peut bénéficier d’une plus grande flexibilité en termes d’outils et de techniques. Puisque l’action painting est une question de spontanéité et de capacité à transmettre de manière transparente chaque intuition subconsciente à travers un geste physique, tout ce qui entrave la liberté et l’instinct doit être abandonné.

Le peintre d'action Jackson Pollock a abandonné les préparations et les supports traditionnels et a plutôt peint directement sur des toiles non apprêtées posées au sol. Il a renoncé aux outils traditionnels et a préféré appliquer de la peinture sur ses surfaces en utilisant tout ce qu'il avait, y compris des pinceaux, des bâtons ou même à mains nues. Il jetait, versait, éclaboussait et coulait souvent de la peinture sur ses surfaces directement du récipient dans lequel elle se trouvait. Et il utilisait tous les supports disponibles, y compris toutes sortes de peinture liquide, ainsi que du verre brisé, des mégots de cigarettes, des élastiques et autres. sinon, son instinct le commandait.

Jackson Pollock- Peinture murale, 1943. Huile et caséine sur toile. 95 7/10 × 237 1/2 po ; 243,2 × 603,2 cm. Musée Guggenheim Bilbao. Bilbao

Grands gestes

En plus d'être libres avec les médiums, les outils et les techniques, les peintres d'action se libèrent également des contraintes de leur propre physicalité. Les peintures d’action de Franz Kline sont entièrement axées sur le geste physique. Chaque marque audacieuse que Kline a faite sur la toile est un enregistrement d'un moment où son corps était pleinement en mouvement. Alors qu’un coup de pinceau impressionniste est aussi subtil qu’un mouvement de poignet, les coups de pinceau de Kline ont été réalisés par une poussée de tout son bras, ou de tout son corps, guidé par les profondeurs intérieures de son esprit.

Pollock n'avait souvent aucun contact avec la toile. Au lieu de cela, il s'est appuyé sur l'élan et l'utilisation dynamique de son corps, créant vitesse et puissance pour projeter le médium dans l'espace et sur la surface. En n'entravant pas son mouvement par le contact avec la surface, il collaborait avec les forces de la nature, ce qui aboutissait à des marques fluides, élégantes et d'apparence organique. Dans un sens, les gestes de Pollock et Kline ne créaient pas seulement des marques, ils produisaient des impacts. Comme les cratères de météores, ces impacts peuvent être appréciés à la fois pour leur apparence et également pour les forces naturelles primitives et anciennes qui les ont provoqués.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Huile et collage de papier sur toile, 80 × 100 po (203,2 × 254 cm). Musée d'art américain Whitney, New York ; achat avec les fonds des Amis du Whitney Museum of American Art 57.10. © 2020 Domaine Franz Kline / Artists Rights Society (ARS), New York

L'inconscient conscient

L’essor de l’action painting n’était pas un mystère. Il avait des racines logiques dans le contexte de la culture américaine de l’après-Seconde Guerre mondiale. La société américaine dans son ensemble se remettait de la guerre et s’adaptait à une étrange nouvelle réalité moderne. Dans leurs efforts pour se comprendre eux-mêmes et comprendre leur monde, les gens se sont de plus en plus intéressés à la psychologie, en particulier aux idées entourant les pensées subconscientes et inconscientes. Dans l'esprit des peintres d'action américains, ces idées étaient directement liées au travail des surréalistes avec le dessin automatique, qui consistait à laisser le corps créer des marques basées sur des mouvements réflexifs inspirés par des impulsions inconscientes.

Leur pensée était également liée aux traditions primitives trouvées dans les œuvres d’art totémiques des cultures autochtones d’Amérique du Nord. L'art totémique est lié à la croyance selon laquelle les gens sont connectés les uns aux autres, à l'histoire et aux mondes naturel et spirituel par le biais de certains objets naturels ou par des êtres possédant des pouvoirs spirituels ou mystiques. Les peintres d'action espéraient que, grâce à leur style de peinture intuitif et subconscient, ils pourraient canaliser des images totémiques avec lesquelles les spectateurs pourraient se connecter en présence des reliques esthétiques de leur processus.

Jaanika Peerna - Petit Maelström (Réf 855), 2009. Crayon pigment sur mylar. 45,8 x 45,8 cm

L’héritage de l’Action Painting

La précieuse valeur du cadeau que la peinture d'action a offert aux générations futures d'artistes ne peut être surestimée. Les observations réfléchies de Harold Rosenberg ont inspiré un changement énorme dans l'art moderniste. Il a donné des mots à l'idée que le processus est plus important que le produit. Il a prouvé que le voyage est vraiment plus important que la destination, ou si cela semble trop cliché, il a prouvé que le drame qui se déroule pendant le processus de l'acte créatif d'un peintre est plus important que le vestige qui résulte de ce processus.

La réalisation de Rosenberg a libéré les générations d’artistes suivantes de penser leur travail uniquement en termes de « fabrication de produits ». Ils pourraient s’engager dans des processus expérimentaux et se concentrer pleinement sur les idées. Ils avaient la permission de commencer sans avoir à prédire les résultats finaux. Sans ce changement dans la conscience des artistes, nous n'aurions jamais pu apprécier les «happenings», le travail des artistes conceptuels ou le mouvement Fluxus. Nous n’aurions jamais pu expérimenter les mystères éphémères et éphémères du land art. Nous n’aurions jamais pu profiter des fruits du mouvement alternatif des espaces artistiques. À bien des égards, c’est l’action painting qui a permis aux artistes de détourner leur attention de l’endroit où ils allaient exactement et de se rappeler que souvent, la chose la plus importante dans l’art et dans la vie est la manière dont ils y arrivent.

Image en vedette : Jackson Pollock - Arc-en-ciel grisé, 1953. Huile sur lin. 72 × 96 1/10 po ; 182,9 × 244,2 cm. Institut d'art de Chicago, Chicago. © 2020 Fondation Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio