L'art Louise Bourgeois et la réduction des formes

Pour ceux qui considèrent l’art abstrait comme un chemin vers une vie plus introspective et épanouissante, Louise Bourgeois incarnait un idéal. Mais pas en raison de ses distinctions ou de ses récompenses, ni de la célébrité qu’elle a acquise : c’est tout le contraire. C’est parce que l’art de Louise Bourgeois parle de ce qui est pertinent dans notre vie quotidienne. Pour paraphraser Gichin Funakoshi, le père du karaté moderne, c’est lorsque nous comprenons le lien entre quelque chose et notre vie quotidienne que nous en découvrons l’essence. Le monde de l’art est trop souvent défini par des manifestes et divisé en mouvements, époques et styles. Les artistes sont trop souvent catégorisés selon leur genre, leur origine, leur nationalité et leur formation. Nous oublions facilement que la véritable valeur de l’art existe au-delà de ces considérations mesquines. L’œuvre de Louise Bourgeois s’élève avec assurance au-dessus des classifications. Sa contribution esthétique habite avec sincérité un espace à la fois figuratif et symbolique. Elle est grotesque et pourtant sublime. Elle a exploré toutes les disciplines imaginables, sans jamais s’attacher à une tendance particulière, tout en inventant quelques tendances au passage. Au cours d’une carrière de sept décennies, elle a accompli ce que peu d’autres artistes abstraits ont réalisé : elle a créé une œuvre personnelle qui est universelle.

Forces contradictoires

Louise Bourgeois est née dans une famille de contradictions. Son père subvenait confortablement aux besoins de la famille, mais il représentait aussi la plus grande menace pour la sécurité de Louise. Ses parents étaient partenaires dans les affaires comme dans la vie, et pourtant son père s’engageait sans remords dans des liaisons qui menaçaient la stabilité de leur couple. La nourrice et tutrice de Louise, censée être une protectrice et une guide, était en réalité la maîtresse de son père. La mère de Louise, tisseuse dans l’entreprise textile familiale, était une présence aimante et protectrice, son plus ardent soutien, mais elle était aussi physiquement fragile et mourut finalement jeune.

Pendant toute sa jeunesse, Louise fut témoin de la brutalité quotidienne d’un foyer défini et menacé à la fois par l’affection. Elle fit l’expérience de la vérité brute sur la fragilité du caractère humain. Elle ressentit la jalousie, la rage, la peur, la solitude et la confusion. Pourtant, elle ne manqua jamais d’un toit, de nourriture, de vêtements ou d’instruction. Elle était aimée et choyée, du moins par l’un de ses parents. Lorsque sa mère mourut, Louise avait 21 ans et étudiait les mathématiques à l’université. Plutôt que de poursuivre dans cette voie, comme le souhaitait son père, Louise fut poussée par la mort de sa mère à changer radicalement de vie. Elle se forgea un chemin qui lui permettrait d’affronter et d’exprimer ses sentiments. Elle abandonna les mathématiques et se consacra à la vie d’artiste.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, patine au nitrate d’argent. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolisme et psychothérapie

Pendant les six années qui suivirent la mort de sa mère, Louise étudia l’art et acquit une formation pratique en visitant les ateliers d’artistes reconnus et en les assistant lors de leurs expositions. À l’âge de 27 ans, elle ouvrit brièvement une boutique dans un coin du magasin de textiles de son père, où elle vendait des reproductions d’œuvres d’art. Il lui permit d’utiliser cet espace puisqu’il s’agissait d’une activité commerciale. Un jour, dans la boutique, elle entama une conversation avec un collectionneur. Puis, comme elle le raconta, « entre des discussions sur le surréalisme et les dernières tendances, » ils se marièrent.

Ce collectionneur se trouvait être Robert Goldwater, un historien de l’art américain respecté. Robert et Louise s’installèrent à New York, où Louise poursuivit ses études artistiques et élargit le champ de sa production esthétique. Influencée par le surréalisme et le concept de psychothérapie, Louise puisa dans son enfance traumatique les sujets de son art. Elle développa un langage symbolique des formes fondé sur une combinaison de ses souvenirs et de ses rêves.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Sculpture en bronze coulé et poli. 4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Édition 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Le symbolisme de Louise Bourgeois

Le langage visuel symbolique de Louise se composait d’images personnelles qui avaient pour elle une signification évidente. Mais pour les spectateurs, son art semblait sauvage, audacieux, abstrait et même choquant. L’une des formes symboliques les plus courantes de Louise était l’araignée. Dès les années 1940, Louise intégra des araignées et des toiles dans ses dessins et ses estampes, et produisit même une série d’œuvres abstraites au crochet inspirées des toiles. Elle expliqua que les araignées faisaient référence symboliquement à sa mère. Sa mère était tisseuse et, comme elle, les araignées sont protectrices puisqu’elles mangent les moustiques, qui propagent des maladies. 

Finalement, ses formes d’araignées prirent une dimension monumentale, atteignant leur apogée avec une sculpture de 9 mètres de haut intitulée Maman. Outre les araignées, le langage visuel symbolique de Bourgeois comprenait des cages, des maisons, des organes génitaux masculins et féminins, des objets domestiques comme des chaises et des vêtements, ainsi que des formes biomorphiques évoquant souvent des parties du corps. L’une de ses œuvres les plus célèbres s’intitule The Destruction of the Father et présente une sélection d’objets ressemblant à des organes et à de la chair, disposés sur une table et entourés de sphères évoquant une immense bouche ouverte remplie de dents.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Acier, tapisserie, bois, verre, tissu, caoutchouc, argent, or et os. 177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Ensemble dans l’isolement

Le fil conducteur de toute l’œuvre de Bourgeois est que toutes ses images se rapportent à ses expériences privées et personnelles. L’un des sentiments les plus puissants qu’elle cherchait à partager avec ses spectateurs était celui de l’interaction entre la communion et l’isolement. Dans les années 1940, elle créa une série de formes sculpturales faisant référence à diverses personnes qu’elle connaissait. Elle exposait ces formes de manière apparemment aléatoire. Mais peu à peu, en observant les arrangements, les formes individuelles commencent à exprimer leurs caractéristiques et chacune acquiert une personnalité propre, jusqu’à ce qu’un sentiment d’interaction s’installe entre elles.

Les sentiments de communion et d’isolement sont également essentiels à une série d’objets sculpturaux que Bourgeois réalisa dans les années 1950, période durant laquelle elle se concentrait sur l’aspect plus doux de la vie, inspirée par son mari et ses enfants. Des objets tels que Night Garden, Cumul I  et Clamart Other représentent chacun un rassemblement de formes. Ces rassemblements semblent organiques, mais paraissent aussi représenter des entités qui se sont regroupées pour se protéger ou trouver du réconfort.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (coulé en 1991). Bronze et acier inoxydable. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Au-delà des étiquettes

Bien que de nombreuses œuvres de Bourgeois semblent figuratives, l’essence de son travail réside dans son caractère symbolique et personnel. Elle représentait souvent la nudité et se concentrait sur la forme féminine, mais elle niait fermement toute dimension sociale ou politique dans son œuvre. Elle était une femme, et la sexualité constituait une force puissante dans son éducation ; pourtant, ces images ne visaient aucun programme social ou politique, ou presque. Néanmoins, en raison de la puissance des images présentes dans une grande partie de son œuvre, elle a souvent été associée à l’art féministe et LGBTQ. Elle ne s’opposerait peut-être pas à une telle représentation si elle était encore en vie aujourd’hui, mais elle a aussi clairement déclaré que son objectif n’était pas d’aborder ces questions dans son travail. Elle a un jour déclaré : « Mon travail traite de problèmes antérieurs au genre. Par exemple, la jalousie n’est ni masculine ni féminine. »

Il est logique de considérer l’œuvre de Bourgeois sur un plan personnel. Après tout, son symbolisme est lié à ses propres expériences. Pourtant, chacun de nous peut y trouver quelque chose auquel s’identifier. Si nous sommes ouverts, nous pouvons l’accueillir dans la perspective d’une sagesse plus vaste. Lorsque nous pouvons voir un corps sans penser en termes d’homme ou de femme, nous sommes moins isolés et plus universellement humains. Lorsque nous nous permettons de tirer profit à la fois de la souffrance et de l’amour de nos semblables, le résultat final est une valeur ajoutée à leur expérience comme à la nôtre.

Image à la une : Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronze, patine polie. 33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio 2016
Édité par IdeelArt (2026)