Willem de Kooning - L'homme aux multiples contradictions

Willem de Kooning est facile à aimer et facile à détester. De Kooning est une figure épique de l’histoire de l’art abstrait du XXe siècle, en partie à cause de son travail et en partie à cause de sa personnalité. Né en 1904 et décédé en 1997, sa vie marque la fin du siècle. Bien qu’il n’ait pas été citoyen américain pendant la majeure partie de sa vie, il incarne néanmoins le mythe américain. Il était fringant et robuste, mais sensible. Il a travaillé dur et a joué dur. C'était un intellectuel brillant et curieux, mais aussi un amoureux prolifique. Il attirait les gens vers lui puis les récompensait généreusement par son honnêteté et son ouverture d'esprit. C’était un influenceur qui permettait aux autres de l’influencer. Au cours des 70 années où il a peint professionnellement, De Kooning a créé l’une des œuvres les plus diversifiées et les plus viscéralement passionnantes de sa génération. Mais les détracteurs de De Kooning prétendent qu'il était un tricheur, un scélérat et un ivrogne. Et puis il y a le fait qu'il a peint ce qui est devenu l'une des œuvres d'art les plus chères vendues jusqu'à présent, un paysage abstrait nommé Interchange. Ce tableau déroute certains spectateurs qui ne comprennent pas son importance et en ennuie d'autres qui le considèrent comme un dérivé de l'œuvre de l'une de ses amantes, Mary Abbott. Mais au-delà de la haine, de la jalousie, des critiques, de la suspicion et de l'amour se trouve un artiste : quelqu'un qui a commencé sérieusement sa vie artistique à l'âge de douze ans et n'a jamais cessé de créer, même lorsqu'il était ravagé par la maladie d'Alzheimer à 80 ans.

Qu'est-ce qu'un artiste ?

Le 18 février 1949, à l'âge de 44 ans, Willem de Kooning a été invité par Barnett Newman (ou Barney comme il l'appelait) à donner ce qui serait sa première conférence publique. Le sujet était le désespoir. De Kooning a ouvert avec la phrase : « Mon intérêt pour le désespoir réside uniquement dans le fait que parfois je me retrouve à être désespéré. Très rarement je commence de cette façon. » De Kooning a ensuite décrit le processus créatif comme intrinsèquement désespéré, puisque toute pensée et action sont l'antithèse de l'harmonie et du contentement. Il a décrit les artistes comme étant opprimés par des idées, engloutis par elles, pensant sans cesse, agissant sans cesse, et donc désespérés pour toujours.

Une grande partie de son propre désespoir venait du fait qu’il était hanté par le besoin de naître et en proie à la peur de stagner. À la fin de la conférence, De Kooning a défini ce qu'est un artiste. Il a déclaré : « Un artiste est quelqu'un qui fait aussi de l'art. Il ne l'a pas inventé. Mais comment un artiste peut-il être original quand l’art n’est qu’un processus sans fin de mimétisme, une légère variation de ce qui a été fait dans le passé ? La réponse, selon De Kooning, est la sincérité et l’humilité. Un artiste innove en s’exprimant honnêtement et reconnaît que les artistes font toujours partie de quelque chose de plus grand : une communauté, une histoire, un mouvement. En d’autres termes, rien de ce qu’un artiste fait n’est fait seul.

Willem de Kooning - Fire Island, c. 1946, Oil on paper, 48.3 x 67.3 cm, Margulies Family Collection © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Devenir américain

Willem de Kooning s'est engagé très jeune dans l'art. Né à Rotterdam, aux Pays-Bas, il a quitté l'école à douze ans et a commencé un apprentissage dans une entreprise de design appelée Gidding & Zonen. L'année suivante, il a commencé à travailler dans l'entreprise de design le jour et à suivre des cours du soir à l'Académie des Beaux-Arts et Techniques de Rotterdam. À 16 ans, De Kooning avait un emploi rémunéré en tant qu'artiste pour un grand magasin. Et à 20 ans, il s'installe à Bruxelles pour travailler dans une entreprise de décoration.

Mais malgré ces premiers succès, De Kooning ne se considère pas encore comme un artiste. Il n’était même pas sûr de vouloir faire des beaux-arts. Il avait pour ambition de simplement gagner bien sa vie et d’avoir une vie passionnante. Et avec ces idées bien en tête, à 22 ans, il s’est embarqué sur un cargo britannique à destination d’une escale sur la côte est de l’Amérique. Lorsque le bateau a accosté, il est entré illégalement dans le pays et s’est dirigé vers Hoboken, dans le New Jersey. Là, l'Institut de l'Église des marins, une organisation qui s'engage à aider les Néerlandais, l'a accueilli. Ils lui ont donné un logement et l'ont aidé à trouver du travail comme peintre en bâtiment.

Willem de Kooning - Untitled (Woman in Forest), ca 1963, Oil on paper, mounted on Masonite, © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Gagner sa vie

Après seulement un an en Amérique, De Kooning trouva un emploi dans une agence de design à New York et put déménager à Manhattan. Il avait réussi l'énorme exploit de venir en Amérique et de s'établir dans l'une des villes les plus compétitives du monde. Mais une fois dans la ville, il commença à se faire des amis parmi de véritables artistes, comme Stuart Davis, John Graham et Arshile Gorky. Le travail que ces artistes réalisaient semblait d'une importance vitale et significative pour De Kooning, qui, au fil des années suivantes, devint progressivement convaincu que bien qu'il gagnait bien sa vie, il n'avait pas encore créé pour lui-même la vie qui lui convenait.

En 1935, à l'âge de 31 ans, De Kooning a quitté sa carrière professionnelle de designer et s'est inscrit en tant qu'artiste auprès de la Works Progress Administration. Il a pris un emploi de muraliste avec le groupe. C'est là qu'il a rencontré l'artiste Fernand Léger et a commencé à s'établir en tant qu'artiste avec un style résolument moderne. Ce choix de se consacrer uniquement à l'art a tout changé pour De Kooning. Au cours des cinq années suivantes, il a rencontré la jeune peintre Elaine Fried, qui deviendrait finalement sa première femme, et le peintre Franz Kline, qui deviendrait son ami le plus cher.

Willem de Kooning - Untitled, 1972, From the series 15-75, Screenprint in color on Arches wove paper, 24 1/8 × 36 1/8 in, photo credits of Galerie d'Orsay, Boston

De Kooning mature

Bien qu'il se soit rapidement imposé comme un intellectuel au sein de la communauté des artistes sérieux travaillant à New York après la guerre, ce n'est que dans la quarantaine que Willem de Kooning est arrivé à ce qui pourrait être considéré comme un style de peinture abstraite mature. Il a d'abord révélé ce style en 1948, lors de sa première exposition personnelle à la Charles Egan Gallery. Dans l'exposition se trouvaient ses célèbres peintures noires, qui, selon la légende, ont été peintes parce qu'il était trop pauvre pour payer d'autres pigments. L'exposition a été couverte positivement par la presse, et le MoMA de New York a acheté l'une de ces peintures noires.

Mais malheureusement, 1948 est aussi l’année où Arshile Gorky se suicide. Gorki était devenu le principal mentor et ami cher de De Kooning. Tous deux partageaient une anxiété commune à l’égard de la peinture – ce désespoir exprimé de manière si poignante dans la première conférence publique prononcée par De Kooning. Néanmoins, malgré son anxiété et la perte de son ami, De Kooning s'épanouit au cours des années suivantes. Il a cofondé The Club, alias le 8th Street Artists Club, un lieu de rassemblement légendaire pour les penseurs les plus brillants de la scène artistique new-yorkaise. Et en 1950, il achève sa toile monumentale Excavation, qui lui vaut la médaille Logan et le prix d'achat, décernés par l'Art Institute of Chicago, renforçant ainsi sa réputation de membre clé de l'école de New York et apportant lui une reconnaissance nationale.

Willem de Kooning - Painting, 1948, enamel and oil on canvas, 42 5/8 x 56 1/8 in., Digital Image © The Museum of Modern Art, New York

Les femmes de De Kooning

À la fin des années 1940, alors qu’il connaît le succès en tant que peintre abstrait, De Kooning est également ramené à ses racines figuratives. Et en 1950, il a choqué nombre de ses admirateurs et amis en exposant une série d'œuvres quasi-figuratives désormais appelées ses peintures Femme. Les peintures Femme combinaient les gestes et les éléments stylistiques de ses œuvres précédentes, mais elles ajoutaient des représentations figuratives primaires de ce que De Kooning considérait comme des images féminines emblématiques.

L'énergie et la violence de ses marquages ​​combinées à des images grotesques ont amené de nombreux spectateurs à supposer que les peintures Femme exprimaient de la colère et de la violence envers les femmes. Mais De Kooning se considérait comme un champion des femmes. Il avait de nombreux amants et ne pensait pas que ses comportements ou ses peintures étaient misogynes. Il considérait ses peintures Femme comme mythologiques et remplies de respect et de fantaisie. Aujourd'hui, ces peintures sont peut-être ses œuvres les plus connues. Mais à l’époque, de nombreux artistes et critiques considéraient comme hérétique qu’un membre avant-gardiste de l’école abstraite de New York fasse marche arrière et revienne à l’art figuratif.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (Left) and Willem Woman, 1949 (Right), © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

La seule constante

Environ cinq ans après le début de sa série Woman, De Kooning a de nouveau changé de style, cette fois-ci en revenant vers l'abstraction. Peut-être inspiré par des idées qu'il avait échangées avec la peintre Mary Abbott, il a commencé à peindre ce qu'il appelait des paysages abstraits. Ces paysages se sont manifestés sur trois périodes distinctes, respectivement appelées Urban, Parkway et Pastoral. Mais il y avait peu, voire rien, de figuratif dans ces peintures qui suggérerait que De Kooning tentait littéralement de peindre des paysages.

Ses paysages véhiculent plutôt un sens abstrait de sa propre interaction avec les environnements naturels et bâtis. Ils expriment un certain détachement, et peut-être du calme. De Kooning avait commencé à passer l'été dans les Hamptons vers 1952 et allait finalement s'installer définitivement dans une partie isolée de Long Island dans les années 1960. Ces peintures de paysages ont été commencées au milieu de cette transition et semblent exprimer une attirance pour quelque chose en dehors de la course folle maniaque de New York. Et ils incarnent le sentiment le plus souvent cité pour lequel on se souvient de De Kooning : « Vous devez changer pour rester le même. »

Willem de Kooning - Japanese Village, 1971, Lithograph, 28 1/4 × 40 in, photo credits of Sragow Gallery, New York

De Kooning contre la maladie d'Alzheimer

Tout au long des années 1960 et 70, De Kooning a continuellement évolué dans ses activités artistiques. Il a expérimenté la lithographie et la sculpture, et a réalisé un grand nombre d'œuvres sur papier. Il a navigué librement entre abstraction et figuration, explorant toutes les approches et sujets que ses passions exigeaient. Il est resté attaché à l'idée qu'il était le seul à pouvoir déterminer quel type d'art il produisait, déclarant : « C'est vraiment absurde de créer une image, comme une image humaine, avec de la peinture aujourd'hui, quand on y pense... Mais tout à coup, il était encore plus absurde de ne pas le faire. Donc, j'ai peur de devoir suivre mes désirs ».

De Kooning a continué à suivre ses envies jusqu'au bout. Au début des années 1980, il abandonne l'alcool et les antidépresseurs et son style de peinture change par la suite, devenant plus clairsemé et plus rapide. Ses proches pensaient qu'il montrait des signes de démence, mais il ignorait les critiques et peignait avidement des œuvres vibrantes et colorées qui, dans l'esprit de maîtres comme Matisse, étaient les plus simplifiées et les plus épurées qu'il ait jamais créées. Même après avoir montré des signes de la maladie d'Alzheimer, il a continué à peindre pendant encore deux ans.

One of the last paintings by Willem de Kooning, an untitled work from 1989, oil on canvas, 28 ½ x 22 in., image courtesy of Keno Auctions

La légende de De Kooning

En bref Willem de Kooning a eu une vie extraordinaire : arrivé en Amérique en tant que passager clandestin, vécu comme immigrant clandestin pendant des décennies, puis s'est immergé dans un groupe d'artistes qui allaient changer le monde. Pourtant, il n’était qu’humain. Il a connu des hauts et des bas, a pris des risques et a suivi son cœur. Il a lutté contre la dépendance, a brisé le cœur de ses amants et n'a pas réussi à répondre à ses propres attentes. Il était sérieux, sincère et toujours en proie au doute. Il était à la fois extraordinaire et tout à fait ordinaire.

Ce qui le distingue, c'est peut-être son courage. Il n'a jamais cessé de se dépasser. L’esprit de ce garçon de 12 ans qui a quitté l’école pour poursuivre une carrière créative est resté avec De Kooning toute sa vie, et il a bien servi cet esprit. Il est normal que l'Académie des Beaux-Arts et Techniques de Rotterdam, où De Kooning fréquentait l'école du soir lorsqu'il était adolescent, ait changé de nom après la mort de De Kooning pour devenir l'Académie Willem de Kooning. Quel meilleur témoignage d'un artiste qui est resté fidèle à son art, à son intellect, à sa passion et à l'esprit intrépide de la jeunesse.

Image en vedette : Willem de Kooning - Fouilles, 1950, huile et émail sur toile, 81 x 100 1/4 po., The Art Institute of Chicago, © The Institut d'art de Chicago
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio