Comment Arshile Gorky a découvert l'abstraction

Où serions-nous sans camouflage ? Cela a aidé les Alliés à gagner la Seconde Guerre mondiale et est depuis devenu omniprésent dans la stratégie militaire. Et il existe d'autres types de camouflage en plus de ceux utilisés en guerre. Les animaux utilisent le camouflage. Les plantes aussi. Et qu'en est-il du camouflage émotionnel ? L'artiste abstrait Arshile Gorky était un maître du camouflage. Dans les années précédant la Seconde Guerre mondiale, Gorky était l'un des nombreux artistes invités par le gouvernement américain à participer au développement de techniques de camouflage efficaces pour les soldats, les véhicules et les navires. Gorky a même organisé un groupe d'artistes de New York pour préparer leurs compétences en camouflage afin de contribuer pacifiquement à l'effort de guerre. Et en 1941, il a enseigné un cours sur le camouflage à la Grand Central School of Art. Dans la description du cours, il a écrit : « Ce que l'ennemi détruirait… il doit d'abord le voir. Confondre et paralyser cette vision est le rôle du camouflage. » Betty Parsons, propriétaire de la galerie éponyme de Manhattan, a suivi le cours de camouflage de Gorky et a remarqué des années plus tard que, « Gorky savait probablement plus sur l'esthétique que quiconque que j'ai jamais rencontré dans ma vie. » Mais la variété visuelle n'était qu'un type de camouflage dont Gorky était un maître. Il a également camouflé sa vie, falsifiant son nom, sa biographie et son CV. Et pendant des décennies, jusqu'à quelques années avant sa mort tragique, il a même camouflé sa véritable voix artistique.

Graines de souffrance

L'histoire d'Arshile Gorky commence par l'histoire de Vosdanig Adoian, un garçon né de parents paysans en Turquie ottomane au cours des quatre premières années du 20e siècle. Vosdanig vivait dans un beau pays, plein de jardins, de ruisseaux et de saules. Dès son plus jeune âge, il saisit toutes les occasions pour étudier l'art afin de copier les belles choses qu'il voyait. Selon sa sœur, le jeune Vosdanig dessinait même dans son sommeil, sa main bougeant comme s'il tenait un crayon pendant qu'il rêvait.

Quand Vosdanig avait environ six ans, son père partit pour l'Amérique. La famille était censée suivre, mais avant qu’elle n’y parvienne, la Première Guerre mondiale éclata. Le gouvernement turc a commencé un génocide systématique des Turcs arméniens. Au cours des cinq années suivantes, Vosdanig et sa famille ont fui de camp de réfugiés en camp de réfugiés, pataugeant dans la boue et souffrant de maladies. Après des années d’horreur, la famille assiégée de Vosdanig s’est réfugiée dans la relative sécurité d’une pièce abandonnée et sans toit en Russie. Dans cette pièce, Vosdanig a vu mourir sa mère affamée.

Arshile Gorky - Jardin de Sotchi, v. 1943. Huile sur toile. 31 x 39" (78,7 x 99 cm). Acquis grâce au legs Lillie P. Bliss (par échange). The Museum of Modern Art, New York. © 2018 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Devenir Arshile Gorky

Après la mort de leur mère, Vosdanig et ses sœurs ont fui la Russie par bateau. Après un an passé de port en port, ils arrivèrent en Amérique où leur famille les attendait dans le Massachusetts. Comme c'est souvent arrivé, les agents de l'immigration d'Ellis Island ont mal nommé leur petit groupe de survivants, appelant Vosdanig « Vartanouche ». Ce ne serait pas son changement de nom de famille. Il passera le reste de sa vie à modifier son identité dans le but de surmonter la tragédie de son passé. 

Une fois installé en Amérique, Vosdanig retourne à sa passion pour l'art. Il fréquente les musées et s’inscrit à la New School of Design and Illustration de Boston. Artiste réaliste expert, il subvenait à ses besoins en dessinant des images contre de l'argent sur le trottoir. Ses compétences étaient si impressionnantes que les administrateurs de la New School l'invitèrent à revenir après l'obtention de son diplôme pour enseigner le dessin d'après modèle. C'est là, en 1924, pendant la récréation, que Vosdanig peignit Park Street Church, Boston et la signa « Gorky, Arshele », première utilisation d'un pseudonyme qui deviendra finalement Arshile Gorky.

Arshile Gorky - Nuit, énigme et nostalgie, 1931-1932. Plume, pinceau et encre à bord. 26 1/16 × 34 1/8 po. Whitney Museum of American Art, New York, NY, États-Unis. © 2018 Succession d'Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Le New York de Gorki

Peu de temps après avoir choisi son nouveau nom, Gorky a eu l'opportunité de réécrire le reste de son histoire. Il a déménagé à New York pour enseigner au nouveau campus de Broadway de la New School. Envoûté par New York, il s'est lancé dans ce qu'il appelait des "apprentissages" avec les maîtres qu'il admirait, notamment Cezanne et Picasso, s'asseyant devant leurs tableaux dans les musées et copiant méticuleusement leurs œuvres. Deux ans plus tard, il a obtenu son poste d'enseignant à l'École de peinture et de dessin de la Grand Central School of Art. Sa biographie à l'école le décrit comme un natif russe ayant étudié à Paris et dont le travail avait été inclus dans plusieurs expositions : tout cela est un mensonge.

Les raisons des mensonges de Gorki étaient peut-être fondées sur la peur. Il craignait sûrement des réactions négatives contre le fait d’être un immigrant. Et il a dû craindre de ne pas être pris au sérieux sans un pedigree impressionnant. Il a lutté sans relâche pour gagner sa vie à New York. Son travail d’enseignant était peu rémunéré et le monde de l’art new-yorkais ne s’intéressait presque pas au travail des immigrants. La plupart des galeries et des musées recherchaient le modernisme européen ou l’art populaire américain. Ce que faisaient Gorki et ses contemporains se situait quelque part entre les deux, une sorte de creuset d’influences et de styles.

Arshile Gorky - Argula, 1938. Huile sur toile. 15 x 24" (38,1 x 61 cm). Crédit Don de Bernard Davis. Museum of Modern Art, New York. © 2018 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York

Percer

Malgré ses luttes, Gorky était immensément passionné et parlait de manière poétique de la promesse du modernisme. Il a attiré de nombreux grands artistes de New York à lui par la puissance de sa personnalité. Ses connaissances comprenaient Lee Krasner, Isamu Noguchi, André Breton et Willem de Kooning, qui a un jour dit : “[Gorky] savait beaucoup plus de choses sur la peinture et l'art—il le savait juste par nature—des choses que je suis censé savoir, ressentir et comprendre. . . . Il avait un don extraordinaire pour mettre le doigt sur le problème.”

Heureusement pour Gorki et le reste de ces artistes, deux nouveaux musées ouvrirent à New York au début des années 1930 : le Whitney et le MoMA. L’une des premières expositions de Gorki était une exposition collective d’artistes contemporains de moins de 35 ans au MoMA. Le catalogue de cette exposition propose un autre récit différent de son lieu de naissance en plus de la fausse affirmation selon laquelle il a étudié auprès du peintre Wassily Kandinski. Malgré la beauté et la maîtrise évidentes de l’œuvre de Gorki, les critiques l’ont qualifiée de dérivée. Gorki était si habile à copier qu'il incorporait des éléments d'autres artistes abstraits dans ses peintures. Peut-être que ses fausses affirmations sur ses apprentissages étaient une tentative de justifier cela auprès de ses détracteurs.

Arshile Gorky - La feuille d'artichaut est un hibou, 1944. Huile sur toile. 28 x 35 7/8" (71,1 x 91,2 cm). Crédit Sidney et Fonds de collection Harriet Janis. Musée d'art moderne, New York © 2018 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.

Vivre le rêve

Le processus qui a finalement conduit à la percée de Gorki a commencé en 1936, lorsqu’il a lu le livre de Julien Levy sur le surréalisme. Gorki a commencé à expérimenter le dessin automatique, s'ouvrant à son authentique subconscient. Au cours des huit années suivantes, à travers une multitude de revers dus à des relations ratées, à des problèmes d'argent et au début de la Seconde Guerre mondiale, Gorki a développé sa recherche de lui-même. En 1944, il développa ce qui allait devenir reconnu comme son style mature et unique. Il s'inspire de la technique surréaliste mais s'appuie sur un langage visuel complètement abstrait.

Avec l'aide de son ami André Breton, Gorki ajoute à ses nouvelles œuvres des titres profondément personnels, ce qui leur confère une qualité expressive qui défie leur nature abstraite. Les titres transmettaient ce qui était finalement le récit véridique de l’histoire de sa vie. Entre les années 1944 et 1948, ses peintures seront considérées comme ses chefs-d'œuvre, tels que Le foie est le peigne du coq, Comment le tablier brodé de ma mère se déroule dans ma vie,  et L'Eau. du Moulin Fleuri.

Arshile Gorky - Somme, 1947, Crayon, pastel et charbon sur papier buff monté sur panneau de composition. 6' 7 5/8" x 8' 5 3/4" (202,1 x 258,2 cm). Crédit Nina et Gordon Bunshaft Fund. Musée d'Art Moderne, New York. © 2018 Succession d'Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.

Un succès doux-amer

Ayant enfin trouvé sa voix, Gorky s'est associé aux artistes les plus influents de son temps. Il a été inclus dans l'article “Cinq peintres américains” dans Harper’s Bazaar avec Jackson Pollock. Et après une exposition qui incluait son travail aux côtés de Mark Rothko et Lee Krasner, le propriétaire de la galerie a remarqué : “Je crois que nous voyons la véritable peinture américaine commencer maintenant.” Le mélange d'expression personnelle, subconsciente et d'imagerie abstraite de Gorky est devenu la marque de fabrique que de nombreux historiens désignent comme le début de l'Expressionnisme Abstrait.

Mais au plus fort de son succès, la vie de Gorki redevient tragique. En seulement deux ans, un incendie a détruit son atelier, anéantissant des dizaines d'œuvres d'art et tous ses livres préférés ; on lui a diagnostiqué un cancer et il a subi une intervention chirurgicale ; son père est mort ; puis, sous une tempête de pluie, Gorki a eu un accident de voiture et s'est cassé le cou. Après l’accident, Gorki craignait de ne plus jamais peindre. Sa dépression a provoqué la dépression de sa femme. Elle l'a quitté et a emmené les enfants. Quelques jours plus tard, Gorki ôta sa minerve et se pendit. Sa note de suicide disait : « Au revoir mes bien-aimés ».

Considérant sa vie tragique, les libertés que Gorky a prises avec la réalité peuvent être pardonnées. Il n'a pas menti, autant qu'il a abstrait. Comme il l'a dit, “La matière de la pensée est la graine de l'artiste… L'abstraction permet à l'homme de voir avec son esprit ce qu'il ne peut pas voir physiquement avec ses yeux... C'est l'émancipation de l'esprit. C'est une explosion dans des domaines inconnus.” Le génie de Gorky à cacher les faits grotesques de la réalité objective a inspiré sa transformation en l'un des artistes abstraits américains les plus influents du 20ème siècle. Grâce à l'imagination et à l'exagération, il a créé un camouflage pour son esprit, dont il est sorti pour incarner l'accomplissement ultime pour un artiste abstrait : à travers l'obscurcissement, il a exprimé la vérité.

Image en vedette : Arshile Gorky - Le foie est le peigne du coq, 1944, Le foie est le peigne du coq (1944). Huile sur toile. Support : 73 1/4 x 98 3/8 pouces (186,055 x 249,8725 cm) ; encadré : 75 3/16 x 100 3/8 x 2 3/4 pouces (190,98 x 254,95 x 6,99 cm). Collection Galerie d'art Albright-Knox, Buffalo, New York. Don de Seymour H. Knox, Jr., 1956. © 2018 Succession d'Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio