Les artistes d'aujourd'hui inspirés par le style de peinture sur champs de couleurs de Rothko

Le silence est d’une justesse absolue.
Mark Rothko

Lorsque nous recherchons les héritiers actuels du style emblématique de peinture en champs colorés de Mark Rothko, nous ne pouvons pas nous contenter de chercher des œuvres qui lui ressemblent. Nous devons également nous intéresser à des œuvres fondées sur des idées similaires. Pour les artistes contemporains du champ coloré, imiter le style visuel de Rothko est une chose. Partager ses intentions et parvenir à les communiquer avec succès en est une tout autre. Mais comment savoir quelles étaient les intentions de Rothko ? C’est simple. Il nous l’a dit.

En 1971, la ville de Houston, au Texas, devint la destinataire d’une œuvre d’art unique : la Rothko Chapel, une structure moderniste octogonale abritant 14 peintures de grand format de Rothko. Dans le vestibule, des textes sacrés issus de plusieurs religions du monde sont mis à la disposition des visiteurs. Ils peuvent prendre un livre pour l’emporter dans l’espace, ou non. Rothko considérait le bâtiment et l’art qu’il abrite comme une seule et même œuvre. La chapelle constitue son accomplissement majeur. Elle clarifie l’intention de Rothko : ses peintures ne doivent pas être perçues comme des fins en soi, mais comme des moyens permettant aux spectateurs d’accéder, par la couleur, à une expérience plus vaste.

Autrement dit, Rothko voulait que les spectateurs fassent plus qu’admirer l’agencement des couleurs : il voulait que la rencontre avec ces couleurs ouvre un espace pour le sentiment, la contemplation et une conscience accrue de leur propre expérience intérieure. Comme il le disait lui-même : « Si vous n’êtes ému que par les relations entre les couleurs, vous passez à côté de l’essentiel. »

Les dix artistes ci-dessous font vivre cette intention. Cinq d’entre eux travaillent avec IdeelArt, et nous connaissons leur pratique jusque dans l’intimité de leur atelier. Cinq autres évoluent en dehors de notre sélection. Aucun n’imite Rothko. Chacun, dans un médium différent, considère la couleur ou la lumière comme un passage plutôt que comme une destination.

Cinq artistes d’IdeelArt qui partagent l’intention de Rothko

Paul Snell

L’artiste australien Paul Snell, qui vit et travaille à Launceston, en Tasmanie, commence par une photographie d’un lieu ou d’un objet, puis le dépouille numériquement de tout ce qui est reconnaissable, jusqu’à ce qu’il ne reste que des bandes de couleur, de rythme et de lumière. Les œuvres achevées sont des tirages chromogènes sur papier métallique, montés sur Plexiglas, et brillent comme des surfaces peintes. Snell énonce clairement son objectif : immerger le spectateur dans la couleur, le rythme et l’espace, « créant une expérience sensorielle de contemplation intérieure et de transcendance ». Parmi tous les artistes avec lesquels nous travaillons, ses mots sont ceux qui se rapprochent le plus de ceux de Rothko.

Découvrez l’œuvre de Paul Snell

Anne Katrine Senstad

L'artiste norvégienne Anne Katrine Senstad, qui partage son temps entre New York et Oslo, travaille dans les domaines de la photographie, de la vidéo, du néon et de l'installation immersive. Sa série Color Kinesthesia, présentée chez Freight + Volume à New York en 2020, a été conçue en dialogue avec les peintures de champs colorés de Rothko. Le titre fait référence à la réaction du corps aux transitions de couleur, qu'elle capture en photographiant des négatifs de films couleur. Senstad décrit son travail comme une réponse perceptive et cognitive à la lumière, au son et à la couleur, plutôt que comme une réponse spirituelle. Cette distinction en fait une héritière fascinante : elle atteint l'espace intérieur et ouvert de Rothko par la perception plutôt que par la croyance. Elle a également exposé aux côtés de James Turrell dans le cadre de l'exposition d'art lumineux Through The Spectrum à la galerie Athr de Djeddah.

Senstad a également été présentée dans la série télévisée Immersive World, dans un épisode consacré à la sculpture lumineuse qui présentait sa pratique aux côtés de celles d'Anthony McCall et de Dan Flavin. Ce contexte prolonge l'idée centrale de l'article : la couleur n'a pas besoin de rester sur une surface peinte pour devenir une expérience immersive.

Découvrez l'œuvre d'Anne Katrine Senstad

Yari Ostovany

Le peintre américano-iranien Yari Ostovany, qui vit et travaille à San Francisco, construit de riches champs de couleur superposés au terme d'un long processus consistant à ajouter, délaver, gratter et dissoudre le pigment. Chaque peinture commence par ce qu'il appelle une explosion gestuelle : des marques calligraphiques qu'il frotte et dilue ensuite jusqu'à ce qu'elles se fondent dans les couches sous-jacentes. Sa pratique s'enracine dans l'expressionnisme abstrait et la peinture de champs colorés, ainsi que dans plusieurs traditions mystiques d'Orient et d'Occident. Des titres tels que Numinous, Missa in Angustiis (messe pour les temps troublés) ou Le Colloque des oiseaux rendent cette intention explicite. Ce sont des peintures dans lesquelles on est invité à entrer, et pas seulement à regarder.

Découvrez l'œuvre de Yari Ostovany

Arvid Boecker

Le peintre allemand Arvid Boecker travaille à Heidelberg. Il commence chaque peinture par une composition au crayon, puis construit la surface en lentes couches de couleur qu'il retire partiellement à l'aide de raclettes de sérigraphie, laissant visibles les traces de cette érosion. Il appelle le résultat une « archéologie de la couleur ». Comme les rectangles voilés de Rothko, les strates de Boecker récompensent une observation prolongée. Plus on reste devant une surface, plus le regard s'enfonce, à travers la couleur et la lumière, vers une conscience paisible du temps qui passe. Lisez notre entretien avec lui dans Sérieux et moins sérieux : Arvid Boecker en 14 questions.

Découvrez les œuvres d’Arvid Boecker

Kim Uchiyama

La peintre new-yorkaise Kim Uchiyama utilise la couleur pour construire la lumière et la forme, et pour ouvrir le potentiel métaphysique de l’espace pictural. Elle a étudié auprès du peintre Nicolas Carone, lui-même élève de Hans Hofmann, et partage avec eux l’importance accordée à la couleur comme architecture de la peinture. Avant de commencer une œuvre, elle attend de « voir » une première couleur sur la surface vierge, puis construit une grille de formes colorées, certaines opaques, d’autres translucides. Souvent inspirée par la lumière d’un lieu précis, elle utilise la couleur pour en transmettre l’essence émotionnelle plutôt que l’apparence. Ce transfert, de ce qui est vu à ce qui est ressenti, est exactement celui que recherchait Rothko.

Découvrez les œuvres de Kim Uchiyama

Cinq artistes au-delà de notre catalogue

Sean Scully

Né à Dublin en 1945, Sean Scully est l’un des peintres abstraits les plus influents en activité aujourd’hui, et celui que l’on compare le plus souvent à Rothko. La comparaison est méritée : en 1999, un an après avoir commencé sa série Wall of Light, il a écrit un essai intitulé Rothko: Bodies of Light. Scully a décrit sa tâche comme celle de reconnecter l’abstraction au monde réel, afin que les gens puissent ressentir directement quelque chose face à une peinture abstraite. Il souligne aussi sa différence : contrairement à Rothko, dit-il, il n’est pas passif. Ses briques de couleur empilées sont construites, pondérées et physiques. En 2026, son exposition To Feel a ouvert chez Thaddaeus Ropac à Salzbourg, et l’intégralité de sa série Stack a été présentée au Château La Coste, en Provence.

Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Collection permanente du North Carolina Museum of Art

James Turrell

James Turrell, né à Los Angeles en 1943, travaille depuis six décennies avec la lumière elle-même. Ses Skyspaces, des chambres ouvertes sur le ciel par une ouverture au plafond, ainsi que ses salles immersives de lumière transforment la couleur en quelque chose dans lequel on se tient. Sa déclaration centrale ressemble à un commentaire sur Rothko : « Mon travail porte sur votre regard. » Élevé dans une famille quaker, il assistait à des réunions silencieuses où les fidèles s’asseyaient ensemble en attendant la lumière intérieure. En juin 2026, son plus grand Skyspace dans un musée, As Seen Below, a ouvert au musée d’art ARoS Aarhus, au Danemark. Il s’agit de son 100e Skyspace.

James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

Mary Corse

Mary Corse, née à Berkeley en 1945, est l'une des rares femmes au cœur du mouvement californien Light and Space. En 1968, elle découvre les microsphères de verre, les billes utilisées dans le marquage routier, et commence à les mélanger à sa peinture. Ses peintures White Light changent à mesure que le spectateur se déplace, car la lumière se trouve dans la peinture plutôt que d'y être représentée. « L'art n'est pas sur le mur, il est dans la perception du spectateur », a-t-elle déclaré. Comme Rothko, elle situe l'œuvre dans la rencontre. Sa première rétrospective muséale s'est ouverte au Whitney Museum of American Art en 2018, puis a été présentée au LACMA en 2019.

Mary Corse à la Pace Gallery - 2025

Olafur Eliasson

Né à Copenhague en 1967 et élevé entre le Danemark et l'Islande, Olafur Eliasson travaille dans un vaste atelier à Berlin. Ses espaces de lumière colorée, de brouillard et de reflets s'articulent autour d'une idée qu'il appelle « se voir en train de ressentir » : faire une expérience tout en ayant conscience de la vivre. Eliasson reconnaît que cette expression doit beaucoup à l'artiste de la lumière et de l'espace Robert Irwin, qui parlait de se percevoir en train de percevoir. Rothko demandait aux spectateurs une conscience accrue de leur propre expérience intérieure ; Eliasson a fait de cette conscience son sujet. Il place souvent le mot « your » dans ses titres, comme un geste de confiance envers son public.

Olafur Eliasson - De l'exposition Reality Machines à la Tanya Bonakdar Gallery - 2016

Rachel Garrard

L'artiste britannique Rachel Garrard, née dans le Devon en 1984 et vivant entre New York et le Mexique, broie ses propres pigments à partir de roches et de minéraux collectés au cours de ses voyages, notamment du quartz cristallin et des cendres. Elle décrit sa pratique comme un voyage entre recherche scientifique et pratique ésotérique, et ses compositions sont nourries par la méditation. Ses peintures ne présentent ni image ni signification fixe. Elles visent une expérience au-delà du langage, un lien entre le monde extérieur et le monde intérieur. Dans sa génération, elle compte parmi les artistes les plus proches de la conviction de Rothko selon laquelle une peinture est un seuil plutôt qu'un objet.

Au-delà de la surface

Les peintures tardives de Rothko demandent du temps et du silence. Il en va de même pour ces dix ensembles d'œuvres, qu'ils soient réalisés à l'huile, à l'aquarelle, avec des pigments minéraux, des négatifs de film, des billes de verre ou le ciel lui-même. Ce qui les relie n'est ni un rectangle ni une palette, mais une conviction commune : la couleur, lorsqu'on lui accorde suffisamment d'attention, peut nous ramener à nous-mêmes.

Découvrez davantage d'abstraction contemplative dans nos œuvres d'art minimalistes, ou consultez notre guide ultime de Mark Rothko.

Francis Berthomier

Image à la une : Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (détail)Toutes les images sont utilisées uniquement à des fins d'illustration