L'Escargot d'Henri Matisse et les qualités clés de l'art abstrait

« L'Escargot » (1953) a été achevé l'année précédant la mort de Matisse. Il est considéré comme son dernier « découpage » majeur et aussi comme un chef-d’œuvre. Pour Matisse, cependant, qui était infatigable dans sa production prolifique, il s’agissait peut-être simplement d’une œuvre d’art parmi d’autres, quelque chose qu’il oubliait dès qu’il l’avait terminée pour pouvoir passer à l’œuvre suivante. Pourtant, pour ceux qui ont vu « L’Escargot » en personne, c’est une image obsédante, voire inoubliable, qui illustre le summum de l’abstraction moderniste. L’œuvre mesure environ trois mètres carrés, soit deux fois la hauteur de la plupart des spectateurs. Il se compose de formes colorées collées sur un fond blanc. Chaque forme est découpée dans un morceau de papier de couleur gouache. Les formes sont disposées en spirale lâche, une expression de la coquille d'un escargot. Matisse a également donné à l'œuvre un deuxième titre : « La Composition Chromatique » ou « La Composition Chromatique ». Ce deuxième titre recèle du mystère. La plupart des écrivains supposent que Matisse l'a voulu comme une référence aux couleurs. Après tout, il a sélectionné des teintes parfaitement complémentaires pour la pièce, créant ainsi une composition visuelle vibrante et joyeuse. Pourtant, si le mot chromatique est effectivement souvent utilisé pour désigner quelque chose qui a trait à la couleur, il a également une connotation musicale, tout comme le mot composition. En musique, une gamme chromatique comprend les 12 notes pouvant être jouées sur un piano standard. Il s’agit d’une échelle complète et englobante. En regardant « L’Escargot », de nombreux téléspectateurs perçoivent 12 teintes présentes. Matisse aurait-il pu faire référence à la musique ainsi qu'à la couleur avec ce titre secondaire ? Une chose est sûre, en attribuant les deux titres à cette œuvre, Matisse l'a dotée de qualités à la fois figuratives et abstraites, ajoutant de riches couches prêtes à être interprétées, et faisant de « L'Escargot » une œuvre d'art idéale à utiliser comme étude sur les qualités clés de l'abstrait. art.

Le Déroulement

« L'Escargot » a été acheté par la Tate de Londres en 1962. Quatorze ans plus tard, le musée a reçu une lettre de Mme Lydia Delectorskaya, une Russe exilée qui était mannequin, assistante de studio et directrice de carrière pour Matisse dans ses dernières années. La lettre décrit la création de « L’Escargot ». Il cite Matisse : « J'ai d'abord dessiné l'escargot d'après nature, en le tenant. J'ai pris conscience d'un déroulement, j'ai retrouvé dans mon esprit une image purifiée de la coquille, puis j'ai pris les ciseaux. » Dans cette simple phrase se trouve un résumé poétique de toute la carrière de Matisse. Il travaille d’abord d’après nature, peignant des tableaux figuratifs. Son imitation de la nature s'est ensuite révélée alors qu'il explorait les qualités abstraites et dynamiques de la couleur. Il simplifie, réduisant son travail à des images épurées comme « The Dance II » (1932), une fresque murale de la Barnes Foundation en Pennsylvanie, ou « Reclining Nude » (1935), pour laquelle Mme Delectorskaya a servi de modèle. Finalement, il « a pris les ciseaux », transformant sa méthode de travail après avoir constaté qu’il ne pouvait plus peindre suite à des complications liées à une opération chirurgicale pour un cancer duodénal.

Cette phrase, "a pris les ciseaux", fait référence à la technique de collage découpé que Matisse a développée alors qu'il était malade. En fauteuil roulant, il prescrivait les couleurs exactes qu'il souhaitait utiliser à ses assistants, qui peignaient ensuite des morceaux de papier dans ces couleurs en gouache. Matisse découpait les papiers avec des ciseaux, façonnant le papier selon son imagination. Il dirigeait ses assistants dans la création de compositions précises sur des panneaux accrochés au mur. Cette évolution, de la peinture aux découpages, est née d'une nécessité, mais c'était aussi un geste moderniste parfait, car cela a dépouillé les mensonges de dessiner des formes puis de peindre des couleurs à l'intérieur, permettant un processus plus honnête dans lequel méthode, médium et matériau devenaient un. "L'Escargot" est en outre considéré comme une déclaration moderniste particulièrement profonde car le motif en spirale sur une coquille d'escargot, ce que Matisse appelait le "déroulement", fait référence au Nombre d'Or, une stratégie compositionnelle fréquemment utilisée dans l'art abstrait précoce qui est considérée comme une expression de l'harmonie universelle dans la nature.

Couleur et musique

En attribuant à « L’Escargot » le titre supplémentaire de « La Composition Chromatique », Matisse a ouvert la porte à ce que la pièce soit considérée non seulement selon ses qualités de représentation narrative, mais aussi selon ses termes esthétiques purement formels. Ce choix était une reconnaissance de la part de l'artiste qu'il acceptait la manière dont son travail pouvait être interprété dans les deux sens par les spectateurs. Cela a été perçu dans les deux sens par lui, et il voulait clairement que nous ouvrions également notre esprit aux deux points de vue. Considérée comme simplement un assemblage concret et formel de couleurs et de formes, l'œuvre déclare une gamme de qualités émotionnelles et physiques, comme la jubilation, l'énergie et le mouvement. La planéité de l’image rivalise de manière subtile avec les aspects dimensionnels des papiers superposés. Les teintes sombres et claires créent des illusions de profondeur.

Quant à ceux qui souhaitent contempler les qualités musicales de « La Composition Chromatique », c'est un plaisir d'approfondir les différentes teintes présentes dans l'œuvre. Combien de nuances d’orange existe-t-il ? Combien de nuances de vert ? Il y a 11 formes au centre de l'image, plus le fond blanc et le cadre orange, lui-même composé d'au moins sept pièces. Selon la façon dont votre cerveau perçoit la couleur, il peut y avoir jusqu'à 19 teintes différentes. Mais la plupart des gens voient neuf teintes distinctes au centre, plus du blanc et deux teintes orange supplémentaires dans le cadre. Ces 12 teintes serpentent lyriquement autour de la composition, rendant hommage à une autre grande notion moderniste : selon laquelle les éléments visuels abstraits s’apparentent à la musique. Ensemble, ces différentes manières de se rapporter à ce chef-d'œuvre constituent une classe de maître sur la manière d'interagir avec l'art abstrait. Cette découpe est en partie peinture, en partie sculpture en relief, en partie concrète, en partie lyrique, en partie géométrique, en partie figurative et en partie abstraite. C'est tout cela, et rien de tout cela. Dans sa multiplicité, il incarne le mystère de la croyance exprimée un jour par Matisse, selon laquelle « l’exactitude n’est pas la vérité ».

Image à la une : Henri Matisse - L'Escargot, 1953. Gouache sur papier, découpée et collée sur papier marouflé sur toile. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ po × 108 po). Moderne, Londres. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio