Découvrez l'art de la gouache que vous pouvez collectionner

Nous avons déjà écrit sur l’art à la gouache, explorant son histoire riche et ses traditions en lien avec l’abstraction. La gouache est un médium de peinture polyvalent qui combine certains des traits les plus recherchés de plusieurs autres médiums. La gouache peut être opaque comme les peintures à l’huile, mais elle sèche rapidement comme les acryliques. Elle s’active à l’eau comme les aquarelles, ce qui permet de la réactiver facilement après séchage, mais comme elle n’est pas nécessairement translucide, elle surpasse les aquarelles en termes de teintes éclatantes. La gouache est aussi pratique à utiliser et facile à nettoyer, ce qui la rend accessible aux débutants. Et pourtant, malgré sa simplicité, les subtilités et les potentialités abstraites de la gouache peuvent demander une vie entière à un peintre pour être véritablement maîtrisées, et à un spectateur d’art à la gouache pour être pleinement appréciées.

Collectionner l’art à la gouache

De nombreux peintres abstraits importants du XXe siècle ont utilisé la gouache. Agnes Martin l’appréciait car, une fois sèche, ses propriétés permettent de dessiner dessus avec d’autres médiums comme l’encre et le graphite. Alexander Calder estimait la gouache pour son immédiateté et pour la vivacité des couleurs qu’elle lui permettait de produire. Et Matisse a utilisé la gouache pour réaliser certaines de ses œuvres les plus célèbres, ses découpages emblématiques, ces collages abstraits lumineux et colorés qu’il a créés dans sa soixantaine après avoir été diagnostiqué d’un cancer.

Aujourd’hui, les artistes contemporains utilisent la gouache dans leurs œuvres pour beaucoup des mêmes raisons que les maîtres du siècle dernier : pour ses couleurs éclatantes, sa facilité d’usage, son impact immédiat sur la surface et le spectateur, ainsi que sa capacité à évoquer la réflexion par ses couches. Plusieurs des artistes abstraits contemporains que nous représentons sur IdeelArt ont intégré la gouache dans leurs œuvres. Si vous êtes amateur ou collectionneur d’art à la gouache, voici une introduction à certains de ces artistes, accompagnée d’exemples de leurs travaux :

Joanne Freeman

Les œuvres à la gouache de Joanne Freeman sont peintes sur papier Khadi indien fait main, un papier traditionnel en chiffon fabriqué à 100 % en fibres de coton. Ses compositions allient géométrie aux contours nets et gestes organiques. Elles résultent d’un processus à la fois contrôlé et improvisé. Elle délimite des zones pour obtenir des contours nets, puis fait évoluer spontanément l’image à partir de là. Les propriétés spécifiques de la gouache permettent à Freeman de transmettre la physicalité et l’émotion dans un langage de couleurs claires et vives. Les deux œuvres présentées ici font partie de sa série Covers, qui fait référence à l’esthétique épurée des pochettes d’albums et de livres de milieu de siècle.

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache sur papier Khadi fait main. 33 x 33 cm

Jean Feinberg

Jean Feinberg utilise une variété de matériaux et de médiums pour explorer les interactions entre les relations de couleurs, les matériaux et l’espace. Elle construit souvent ses œuvres à la gouache en association avec du papier trouvé, superposant peinture et collage sur du papier japonais. Ces œuvres en couches, éthérées, commencent par d’innombrables morceaux de papier coloré que Feinberg a collectés dans son atelier. Ces papiers influencent la palette de couleurs et guident les formes et lignes des compositions, menant à une exploration des émotions et des forces naturelles.

Jean Feinberg - Open Heart, 2015. Gouache et collage sur papier japonais. 63 x 47 cm

Ellen Priest

La musique jazz est une influence essentielle pour Ellen Priest. Ses grands collages abstraits en volume commencent par des études à plus petite échelle peintes intuitivement sur vélin à la gouache. Priest appelle ces études rencontres visuelles avec une composition jazz. Dans sa série Jazz Cubano, la peinture à la gouache crée un aspect aplati, tandis que l’intensité des couleurs interagit avec l’espace blanc actif pour créer une dimension, imitant les sensations de lumière, d’eau, d’air et d’espace en été à la plage.

Ellen Priest - Jazz Cubano #5 étude de face, 2013. Unique. Gouache sur papier. 106,7 x 106,7 cm

Tracey Adams

Comme ses peintures sur panneau, les œuvres à la gouache et sur papier que Tracey Adams crée depuis 2016 explorent le point de rencontre entre organisation et spontanéité. Pour chaque œuvre à la gouache, Adams établit certains paramètres stricts, comme une palette de couleurs limitée ou un vocabulaire particulier de gestes physiques. Dans ce cadre, elle construit instinctivement la composition en combinant gouache, encre et collage.

Tracey Adams - La musique est un moyen de transport rapide, 2016. Collage, encre et gouache sur papier Arches. 76 x 56 cm

Elizabeth Gourlay

Les peintures d’Elizabeth Gourlay sont riches en implications métaphoriques. Utilisant des couleurs en couches et un mélange de médiums, elles émergent d’une réponse émotionnelle intérieure à des éléments à la fois intellectuels et extérieurs. Ses peintures à la gouache Broken Line font partie d’une série plus vaste d’œuvres que Gourlay a créées en réaction aux environnements naturels et architecturaux rencontrés lors de son séjour en Ombrie, en Italie.

Elizabeth Gourlay - Broken Line B, 2014. Graphite et gouache sur vélin. 22 x 22 cm

Margaret Neill

L’énergie et la physicalité émanent des peintures lyriques de Margaret Neill. Des motifs apparaissent et disparaissent ; des gestes physiques organiques se mêlent à l’espace géométrique ; un sentiment de calme et d’harmonie existe au milieu de quelque chose de complexe. Neill travaille souvent en séries, explorant ce qu’elle appelle une conception formelle particulière jusqu’à ce qu’elle sente que l’idée s’est résolue. Les œuvres de sa série Groove incorporent des couches ondulées de formes serpentines, tandis que sa série Switchback explore une combinaison de formes ovoïdes translucides et opaques.

Margaret Neill - Groove 2, 2005. Acrylique et gouache sur papier. 58 x 56 cm

Tom McGlynn

Les œuvres de Tom McGlynn répondent à ce qu’il appelle les « abstractions sociales » dans l’environnement contemporain, par exemple les compositions visuelles omniprésentes que l’on trouve dans les enseignes et logos. Il interprète poétiquement l’essence de ces abstractions pour créer des œuvres qui touchent les spectateurs à un niveau instinctif. Il utilise une combinaison de peinture acrylique et de gouache pour obtenir une palette de couleurs concentrée et vive, simplifiant ses compositions à leur état le plus pur. McGlynn décrit sa série Decal comme faisant référence à « un type de culture appliquée, une phénoménologie désincarnée de la couleur et de la forme », tandis que sa série Test Pattern évoque ce qu’il appelle « le test d’étalonnage des couleurs de l’œil mécanique ».

Tom McGlynn - Decal (Deux barres jaunes sur rouge sur bleu), 2014. Acrylique/gouache sur bois. 60 x 76 cm

Image en vedette : Tom McGlynn - Acoma 1, 2012. Unique. Acrylique/Gouache sur bois. 61 x 77 cm
Par Phillip Barcio