Mark Rothko : le maître de la couleur à la recherche du drame humain

Un acteur clé de l'expressionnisme abstrait et de la peinture de champs colorés, Mark Rothko (1903 – 1970) fut l'un des peintres les plus influents du XXe siècle dont les œuvres parlent profondément, et continuent de parler, de la condition humaine. Réputé comme un maître de la couleur, les peintures de Rothko étaient bien loin de simples explorations des éléments picturaux purs. Malgré de nombreuses interprétations basées sur les qualités formelles de son travail, l'artiste s'est lancé dans un voyage pour captiver le spectateur, explorer l'émotion et susciter une expérience au sein d'une toile à travers des pigments riches, des champs de couleur et les relations que les teintes établissent, évoquant une connexion profondément humaine avec l'œuvre qui échappe souvent à la raison et défie l'explication.

Principalement autodidacte et en quelque sorte un marginal, Mark Rothko était un homme et un artiste d'esprit complexe, opposant les étiquettes, confrontant en particulier l'épithète de « coloriste », et un peintre en quête constante de représenter la précarité du drame humain. Tout au long de sa carrière, le peintre n'a jamais adopté une mentalité de groupe, créant un corpus unique qui suivait sa propre trajectoire, nourrie par la tragédie de la condition humaine. De ses premières œuvres figuratives et des multiformes révolutionnaires à la célèbre chapelle Rothko et à la série Noir et Gris, le travail de Rothko est souvent interprété selon une logique évolutive, manifestant une trajectoire qui reflète sa vie.

Suivant l'œuvre de l'artiste, l'exposition révolutionnaire en cours Mark Rothko à la Fondation Louis Vuitton à Paris réexamine chronologiquement le rôle de la couleur, démontrant que son épuration était une tromperie. Imprégnées de tons prune et bordeaux, les toiles sombres du peintre désenchantent l'illusion, comme le montre également une série d'œuvres de la fin des années 1960. « La couleur ne m'intéresse pas. C'est la lumière que je recherche », remarqua un jour Rothko, tissant un fil commun entre toutes ses peintures, révélant la véritable fonction des teintes.

De Rotkovich à Rothko

Synonyme de peinture de champs colorés et parmi les pionniers de l'art abstrait, Mark Rothko est né le 25 septembre 1903 dans une famille juive libérale sous le nom de Marcus Yakovlevich Rotkovich, adoptant le nom anglicisé mondialement connu bien plus tard. Dès son plus jeune âge, l'artiste fut contraint de fuir sa ville natale de Dvinsk (aujourd'hui Daugavpils, Lettonie) et émigra avec sa famille de l'Empire russe aux États-Unis en 1913. Bien qu'il ait fréquenté une école religieuse dans son pays d'origine avant de terminer ses études au lycée Lincoln à Portland, Oregon, Rothko ne fut jamais particulièrement religieux, et la foi n'a guère influencé son œuvre.

Au début des années 1920, le peintre s'inscrivit à Yale grâce à une bourse, qui prit fin après la première année, le poussant à abandonner ses études et à s'installer à New York en 1923, où il rejoignit la Art Students League et suivit des cours dispensés par l'artiste cubiste Max Weber. À cette époque, New York était un refuge sûr pour les artistes européens et un centre créatif florissant, réunissant expressionnistes allemands, modernistes français et surréalistes, dont le travail influença grandement le jeune Rothko, particulièrement impressionné par Paul Klee et Georges Rouault.

Dans les années 1930, le peintre rencontra des artistes tels que Adolph Gottlieb, Barnett Newman, et John Graham, ce qui le rapprocha du peintre Milton Avery, qui joua un rôle décisif dans le choix de Rothko de poursuivre une carrière artistique. Bien qu'influencé au départ par Avery, Rothko commença lentement à s'éloigner du style des autres, ce qui devint évident lors de sa première exposition personnelle sur la côte Est à la Contemporary Arts Gallery de New York en 1933. Deux ans plus tard, le peintre forma The Ten, un groupe indépendant d'artistes comprenant Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman et Nahum Tschacbasov, passant de Marcus Rotkovich à Mark Rothko.

Mark Rothko - Noir sur Bordeaux, 1958. Huile sur toile. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londres. Offert par l'artiste via l'American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Quelle que soit l'époque ou les éléments stylistiques, Mark Rothko semble avoir progressivement libéré un intérêt pour la représentation de la tragédie de l'existence humaine incarnée par la couleur. Sa première exposition personnelle à New York présentait principalement des portraits et des scènes urbaines, annonçant une logique picturale guidée par des champs et des nuances de couleur. La période de transition de l'artiste (1940-1950) s'appuyait encore sur la figuration, mais durant cette période, Rothko commença à intégrer des références mythologiques et des éléments surréalistes, influencé à la fois par ses pairs et par les pionniers de la psychologie moderne, Sigmund Freud et Carl Jung. Les peintures de Rothko, telles que L'Omen de l'Aigle (1942), faisaient partie de l'intention de créer un « mythe contemporain », servant de précurseur à l'expressionnisme abstrait.

Dépouillé de tout élément ou référence figurative, Rothko commença à peindre ses célèbres Multiformes en 1946. La composition des œuvres abstraites fut entièrement réduite à des champs rectangulaires superposés de couleur, explorant les sensations émotionnelles, psychologiques et visuelles que la fusion de différentes teintes et tons pouvait induire. « Une peinture n'est pas une image d'une expérience. C'est une expérience », résuma Rothko, éclairant l'importance de l'échelle et l'abandon du cadre aussi cruciaux que les teintes, les tons et la vivacité de la couleur dans sa mission de construire une expérience multisensorielle plutôt qu'une simple peinture.

Mark Rothko - N° 14, 1960. Huile sur toile. 290,83 cm x 268,29 cm. Musée d'Art Moderne de San Francisco - Achat avec le fonds Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Une expérience immersive et intime

L'intention de Rothko d'immerger le spectateur dans ses œuvres s'est concrétisée dans plusieurs commandes et projets, notamment les célèbres fresques Seagram (1956-1958), créées en harmonie avec l'architecture. Bien que conçues pour le bâtiment Seagram de Mies van Der Rohe, les neuf toiles trouvèrent leur place à la Tate, formant la spectaculaire salle Rothko. Dans les fresques Seagram, la palette de Rothko s'assombrit ; les champs de couleur marron, bordeaux, pourpre et rouge se fondaient les uns dans les autres, et sa composition s'orienta vers des plans horizontaux et verticaux suggérant des formes architecturales, des portes et fenêtres se fondant dans l'arrière-plan. La première rencontre de Rothko avec l'architecture fut une commande pour la Philips Collection à Washington D.C., suivie des fresques de Harvard, et culminant avec la chapelle Rothko à Houston, Texas. Avant son suicide en 1970, Mark Rothko travaillait sur la série Noir et Gris, suggérant un lien avec le minimalisme selon certaines interprétations récentes.

Durant une période critique de sa pratique picturale, Rothko se consacra à l'écriture d'un livre pour éclairer sa vision de la peinture. Publié à titre posthume en 2004, La Réalité de l'Artiste offre un précieux aperçu de l'esprit et de l'âme de l'un des artistes les plus éminents du XXe siècle dont les peintures continuent d'enchanter par leurs mystères. Bien que la lecture de Rothko fournisse la clé pour déchiffrer les secrets de ses peintures, elle ne peut jamais remplacer le réflexe intime, émotionnel et inexplicable que nous éprouvons face à une œuvre si nous osons suivre l'invitation de Rothko : « Pour nous, l'art est une aventure dans un monde inconnu, qui ne peut être exploré que par ceux prêts à prendre des risques. »

Par Francis Berthomier

Image en vedette : Rothko à la Fondation Louis Vuitton, © Ideelart