L’art sombre et abstrait d’Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb fut l’une des figures majeures de l’abstraction du milieu du XXe siècle. Ses peintures sont expressives, épurées et primitives, et beaucoup les considèrent comme sombres. Mais Gottlieb se voyait comme l’opposé de l’obscurité. Il se sentait énergique, complexe, passionnément moderne, et comme quelqu’un qui éclairait la voie, guidant par son art vers un avenir meilleur pour l’humanité. Né à New York au début d’une des périodes les plus tumultueuses de l’histoire humaine, Gottlieb a indéniablement mûri dans une époque sombre : une période de troubles sociaux, politiques et économiques, où l’avenir de la société était remis en question de manière concrète. Il est clair, non seulement à travers son art mais aussi ses écrits, que les angoisses et ambiguïtés de la Première Guerre mondiale, de la Grande Dépression et de la Seconde Guerre mondiale ont profondément contribué à forger sa vision esthétique. Mais cette vision n’était pas seulement empreinte de tristesse ou de fatalité, comme beaucoup de critiques l’ont suggéré. En réalité, elle était un moyen pour Gottlieb de communiquer la vérité sur le cœur et l’esprit humains, d’une manière pleine d’espoir. Peut-être est-il inévitable que cette vérité, telle que Gottlieb la percevait, inclue une part de folie et de chaos. Mais l’importante œuvre qu’il a laissée à sa mort en 1974 comprend aussi le beau, le serein, le paisible et le sublime. Ces complexités paradoxales, qui définissaient sa vision du monde parfois controversée, ont finalement conduit Adolph Gottlieb à redéfinir l’art abstrait, donnant naissance à un ensemble d’œuvres qui ne commence qu’à être reconnu pour sa véritable splendeur et lumière.
Un artiste dans l’âme
Adolph Gottlieb est né en 1904 dans une famille immigrée de la classe ouvrière à New York. Comparé à beaucoup d’autres enfants grandissant dans le Lower East Side à cette époque, il bénéficia d’un excellent départ dans la vie, ses parents ayant fondé une entreprise de papeterie prospère qu’ils espéraient lui transmettre un jour. Mais très tôt, il sut avec certitude qu’il voulait être artiste. Il était si sûr de cela qu’il quitta l’école à 15 ans pour se consacrer entièrement à son art. Il assista à des conférences à la Art Students League, une institution dirigée par des artistes où de nombreux artistes qui allaient rejoindre le mouvement Expressionniste abstrait suivaient des cours. Puis, à seulement 17 ans, Gottlieb partit pour l’Europe, gagnant son passage en travaillant à bord d’un navire en direction de la France.
Sa confiance juvénile en ses capacités porta ses fruits à l’étranger, où il se familiarisa rapidement avec le monde du modernisme européen. Contrairement à l’art américain des années 1920, l’art européen de l’époque était d’une inventivité fantastique. Il découvrit le fauvisme, le cubisme, le suprématisme, le futurisme et l’abstraction géométrique. Il fréquentait les musées et suivait tous les cours d’art gratuits qu’il pouvait trouver. Lorsque son visa expira, il passa presque une année supplémentaire à voyager à travers l’Europe. En chemin, il devint convaincu que les artistes européens étaient liés à quelque chose d’important. Il fut particulièrement fasciné par l’influence grandissante de l’art tribal, une tendance qui l’inspira à rejeter le langage familier de l’art figuratif américain au profit de la recherche d’universaux dans les symboles anciens et les traditions visuelles séculaires.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, sérigraphie en couleurs, 31 1/8 × 23 1/8 po, 79,1 × 58,7 cm (gauche) et Flying Lines, 1967, sérigraphie en couleurs, 30 × 22 po, 76,2 × 55,9 cm, crédits photo Marlborough Gallery
L’artiste philosophe
Quand Gottlieb revint à New York en 1922, il rapporta avec lui un sens aigu de sa propre responsabilité en tant qu’artiste. Il se voyait comme une force de modernisation pour sa culture, et adopta l’idée que les artistes devaient être des philosophes et des agents de changement social. Il termina sa formation artistique et, au cours des années suivantes, se lia d’amitié avec un groupe d’autres artistes/philosophes, tels que Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith et Milton Avery, dont certains deviendraient les artistes américains les plus célèbres de leur génération. Gottlieb et ses compagnons étaient des anomalies. Ils étaient des artistes abstraits, ou du moins des artistes dont l’art était interprété comme abstrait, mais ils étaient aussi désireux de parler publiquement du sens de leur travail.
À cette époque, les artistes d’avant-garde, et particulièrement les artistes abstraits, n’étaient pas compris aux États-Unis, et encore moins respectés — même à New York. Beaucoup avaient du mal à défendre leur valeur, et surtout celle des idéaux esthétiques modernistes. Mais Gottlieb était un défenseur naturel et un communicateur né. Il était engagé politiquement et socialement, et n’hésitait pas à prendre la parole en faveur de ce qu’il considérait important. En 1935, Gottlieb et son ami Mark Rothko (alors connu sous le nom de Marcus Rothkowitz) mirent leurs convictions en action en formant un groupe appelé The Ten. Il comprenait Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg et Yankel Kufeld. En protestation ouverte contre les tendances dominantes dans le milieu des commissaires d’exposition new-yorkais, The Ten exposèrent ensemble leurs œuvres abstraites, rejetant ce qu’ils appelaient « l’équivalence supposée entre la peinture américaine et la peinture littérale. »
Adolph Gottlieb - Red Ground, huile sur papier monté sur toile
Les pictographes
L’une des premières avancées vers le style abstrait mature que Gottlieb développa finalement apparut au début des années 1940, sous la forme de ses peintures Pictograph. Ces œuvres étaient essentiellement des tentatives de création d’un nouveau langage symbolique d’images capable de communiquer des émotions et sentiments universels. Gottlieb conçut ses peintures Pictograph de manière à aplatir la surface, éliminant la profondeur et toute illusion pouvant être associée à leurs éléments figuratifs. Il démocratisa aussi toutes les parties de la toile, en référence prémonitoire à ce qui allait bientôt être appelé la peinture « en tout-venant ». Ses Pictograph employaient une crudité rappelant les marques enfantines, et évoquaient les tendances esthétiques des sociétés tribales.
En un sens, Gottlieb tentait de créer un nouvel alphabet d’images dans la tradition des hiéroglyphes ou des kanji chinois. Mais au lieu de chercher à communiquer des récits spécifiques, il cherchait à distiller ses messages jusqu’à l’essentiel. Plutôt que d’épeler les mythes auxquels il faisait référence, il tentait de transmettre les sentiments humains collectifs qui en sont le cœur. Pour atteindre cet objectif, il créa soigneusement des images totalement originales et libres de toute association extérieure, espérant que leur nature universelle transcenderait les petites différences culturelles qui divisent les hommes.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, huile sur panneau d’artiste, 29 1/4 × 23 1/4 po, 74,3 × 59,1 cm, crédits photo Hollis Taggart Galleries, New York (gauche) et Sans titre, 1949, pastel sur papier, 24 × 18 po, 61 × 45,7 cm, crédits photo Berggruen Gallery, San Francisco (droite)
Paysages imaginaires
Au fur et à mesure que Gottlieb développait ses Pictograph, il s’engagea dans un processus de simplification. Par ce processus, il arriva à une série d’œuvres qu’il appela Paysages imaginaires. Contrairement aux Pictograph, qui ne mettaient pas en avant une partie précise de l’image, Gottlieb sépara le plan de l’image dans ces peintures en deux zones distinctes par l’introduction d’une ligne d’horizon. En dessous de cette ligne, Gottlieb ajouta des griffonnages pictographiques. Au-dessus, il ajouta des formes géométriques colorées. Les Paysages imaginaires suggéraient une relation hiérarchique entre ces deux types d’images. Dépeint comme subordonné, un griffonnage émotionnel et compliqué exprimant l’angoisse humaine. Flottant au-dessus, une expression simple et directe de pureté universelle.
Le Paysage imaginaire fut ensuite simplifié davantage dans ce que Gottlieb appela les peintures Explosion. Dans ces œuvres, il élimina la ligne d’horizon, mais conserva le griffonnage en bas et la forme unifiée en haut. Les Explosions utilisaient de larges champs de couleur, unifiant l’élément couleur avec celui de la forme. Elles invitaient à la contemplation sur un plan presque sacré, et semblaient communiquer le concept d’une relation symbiotique entre une conscience supérieure et une conscience inférieure.
Adolph Gottlieb - Paysage imaginaire, 1971, aquatinte en couleurs, sur papier Fabriano, avec marges complètes, 26 3/10 × 32 1/2 po, 66,7 × 82,6 cm
L’héritage d’Adolph Gottlieb
En 1970, Gottlieb eut un accident vasculaire cérébral et perdit l’usage du côté gauche de son corps. Il continua néanmoins à créer, réalisant certaines des expressions les plus profondes et extrêmes de sa série Explosion seulement un an avant sa mort. À la fin de sa vie, il était connu non seulement pour l’ensemble unique d’œuvres qu’il avait créé, mais aussi pour son influence sur le travail des autres. Ses philosophies furent essentielles aux idées des Expressionnistes abstraits. Et sa vision esthétique est considérée comme ayant influencé l’essor de la Peinture de champs de couleur et du minimalisme.
Mais aussi importante que soit la contribution esthétique des peintures, sculptures et gravures qu’Adolph Gottlieb créa au cours de ses 70 ans, est celle qu’il apporta à la communauté artistique plus large à laquelle il appartenait — celle qui transcende les avancées formelles, les générations et les mouvements. Gottlieb avait une vision de l’artiste non pas comme quelqu’un séparé du reste de la société, mais intimement lié à elle. Il croyait au potentiel de l’art pour transformer la civilisation, et qu’il était important de discuter des idées esthétiques ouvertement et dans un langage clair afin qu’elles soient comprises de tous. Il percevait que les artistes sont essentiels à la capacité d’une culture à se comprendre elle-même, et à travers son œuvre, il démontra la responsabilité que tous les artistes ont d’exprimer la folie, le chaos, la splendeur, la beauté, l’obscurité et la lumière de leur temps.
Image en vedette : Adolph Gottlieb -
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
