L’art sombre et abstrait d’Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb était l'une des figures clés de l'abstraction du milieu du XXe siècle. Ses peintures sont émouvantes, clairsemées et primitives, et beaucoup de gens les considèrent comme sombres. Mais Gottlieb se considérait comme l’opposé de l’obscurité. Il se sentait énergique, complexe, passionnément moderne et quelqu'un qui brillait une lumière, ouvrant la voie avec son art vers quelque chose de meilleur pour l'humanité. Né à New York au début de l'une des périodes les plus tumultueuses de l'histoire de l'humanité, Gottlieb a définitivement atteint sa maturité dans une période sombre : une époque de détresse sociale, politique et économique, où l'avenir de la société était remis en question dans un contexte réel, sens concret. Il ressort clairement non seulement de son art mais aussi de ses écrits que les angoisses et les ambiguïtés de la Première Guerre mondiale, de la Grande Dépression et de la Seconde Guerre mondiale ont absolument contribué au développement de sa vision esthétique. Mais cette vision esthétique n’était pas seulement une vision de tristesse ou de malheur, comme de nombreux critiques l’ont suggéré. Il s’agissait en fait d’une œuvre à travers laquelle Gottlieb s’efforçait simplement de communiquer la vérité sur le cœur et l’esprit humains, avec espoir. Il est peut-être inévitable que la vérité telle que Gottlieb la percevait comporte un certain degré de folie et de chaos. Mais le vaste corpus d’œuvres laissé par Gottlieb à sa mort en 1974 comprenait également le beau, le serein, le paisible et le sublime. Ces complexités paradoxales, qui ont défini sa vision du monde parfois controversée, ont finalement conduit Adolph Gottlieb à redéfinir l'art abstrait et ont abouti à la création d'une œuvre qui commence seulement maintenant à être reconnue pour son véritable éclat et sa lumière.
Un artiste dans l'âme
Adolph Gottlieb est né dans une famille d'immigrés de la classe ouvrière à New York en 1904. Comparé à beaucoup d'autres enfants grandissant dans le Lower East Side à l'époque, il a eu un départ dans la vie exceptionnel, car ses parents avaient construit une entreprise de papeterie prospère et espéraient la lui transmettre un jour. Mais très jeune, il savait avec certitude que tout ce qu'il voulait être, c'était un artiste. Il était si certain de ce fait qu'il a quitté l'école à l'âge de 15 ans pour se consacrer pleinement à son art. Il a assisté à des conférences à l'Art Students League, une institution dirigée par des artistes où de nombreux artistes qui deviendront finalement partie du mouvement Expressionnisme Abstrait suivaient des cours. Et puis, à seulement 17 ans, Gottlieb est parti pour l'Europe, gagnant son passage en travaillant à bord d'un navire se dirigeant vers la France.
Sa croyance juvénile en ses capacités a porté ses fruits à l'étranger, car il s'est rapidement familiarisé avec le monde du modernisme européen. En contraste avec l'art américain des années 1920, l'art européen de l'époque était fantastiquement inventif. Il a été exposé au fauvisme, cubisme, suprématisme, futurisme et abstraction géométrique. Il fréquentait les musées et assistait à tous les cours d'art gratuits qu'il pouvait trouver. Et quand son visa a expiré, il a passé près d'une autre année à voyager à travers l'Europe. En chemin, il est devenu convaincu que les artistes européens étaient connectés à quelque chose d'important. En particulier, il est devenu fasciné par l'influence croissante de l'art tribal, une tendance qui l'a inspiré à rejeter le colloquialisme de l'art figuratif américain au profit de la recherche d'universalités au sein des symboles anciens et des traditions visuelles séculaires.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, sérigraphie couleur, 31 1/8 × 23 1/8 in, 79,1 × 58,7 cm (à gauche) et Flying Lines, 1967, sérigraphie couleur, 30 × 22 in, 76,2 × 55,9 cm, crédits photo Galerie Marlborough
L'Artiste Philosophe
Lorsque Gottlieb est revenu à New York en 1922, il a ramené un sens de sa propre responsabilité en tant qu'artiste. Il se voyait comme une force de modernisation pour sa culture et a embrassé l'idée que les artistes devraient être des philosophes et des agents de changement social. Il a terminé sa formation artistique et, au cours des années suivantes, est devenu ami avec un groupe d'autres artistes/philosophes, tels que Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith et Milton Avery, dont certains deviendraient finalement les artistes américains les plus célèbres de leur génération. Gottlieb et ses camarades étaient des anomalies. Ils étaient des artistes abstraits, ou du moins des artistes dont l'art était interprété comme étant abstrait, mais ils étaient également désireux de parler publiquement du sens de leur travail.
À cette époque, les artistes avant-gardistes, et en particulier les artistes abstraits, n'étaient pas compris aux États-Unis et n'étaient définitivement pas largement respectés - même pas à New York. Beaucoup avaient du mal à défendre eux-mêmes et leur valeur, et surtout la valeur des idéaux esthétiques modernistes. Mais Gottlieb était un défenseur naturel et un communicateur né. Il était engagé politiquement et socialement, et était rapide à s'exprimer en faveur de ce qu'il considérait comme important. En 1935, Gottlieb et son ami Mark Rothko (alors connu sous le nom de Marcus Rothkowitz) ont mis leurs croyances en action en formant un groupe appelé The Ten. Il comprenait Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg et Yankel Kufeld. En protestation ouverte contre les tendances dominantes de la scène curatoriale new-yorkaise, The Ten ont exposé ensemble leur travail abstrait, rejetant ce qu'ils appelaient « l'équivalence réputée de la peinture américaine et de la peinture littérale. »
Adolph Gottlieb - Fond Rouge, Huile sur papier marouflé sur toile
Les Pictogrammes
L'une des premières avancées vers le style abstrait mature que Gottlieb a finalement développé a eu lieu au début des années 1940, sous la forme de ses peintures Pictographes. Ces œuvres étaient essentiellement des tentatives visant à créer un nouveau langage symbolique d’images capable de communiquer des émotions et des sentiments universels. Gottlieb a conceptualisé ses peintures pictographes de telle manière que leur surface était aplatie, éliminant ainsi la profondeur et tout sentiment d'illusion qui pourrait être associé à leurs éléments figuratifs. Il démocratise également tous les domaines de la toile, faisant une référence prémonitoire à ce que l’on appellera bientôt la peinture « all-over ». SesPictogrammes utilisaient une crudité rappelant les marquages enfantins et évoquaient les tendances esthétiques des sociétés tribales.
D’une certaine manière, Gottlieb essayait de créer un nouvel alphabet d’images dans la tradition des hiéroglyphes ou des kanji chinois. Mais au lieu de tenter de communiquer des récits spécifiques, il tentait de résumer ses déclarations à l’essentiel. Plutôt que d’épeler les mythes auxquels il faisait référence, il a tenté de communiquer les sentiments humains collectifs qui les habitent au cœur. Pour atteindre cet objectif, il a soigneusement créé des images totalement originales et libres de toute association extérieure, espérant que leur nature universelle transcenderait les petites différences culturelles qui séparaient les gens.
Adolph Gottlieb - Pictogramme, 1942, huile sur carton d'artiste, 29 1/4 × 23 1/4 in, 74,3 × 59,1 cm, crédits photo Hollis Taggart Galleries, New York (à gauche) et sans titre, 1949, pastel sur papier, 24 × 18 po, 61 × 45,7 cm, crédits photo Berggruen Gallery, San Francisco (Droite)
Paysages imaginaires
Au fur et à mesure que Gottlieb développait ses pictogrammes, il s'engagea dans un processus de simplification. Grâce à ce processus, il est arrivé à une série d'œuvres qu'il a appelées Paysages imaginaires. Contrairement aux Pictogrammes, qui ne mettaient pas clairement l'accent sur une partie quelconque de l'image, Gottlieb séparait le plan de l'image dans ces peintures en deux zones distinctes grâce à l'introduction d'une ligne d'horizon. Sous la ligne, Gottlieb a ajouté des gribouillages pictographiques. Au-dessus de la ligne, il ajoute des formes géométriques colorées. Les Paysages Imaginaires suggéraient une relation hiérarchique entre les deux types d'images. Représenté comme soumis, il s’agit d’une expression griffonnée, émotionnelle et complexe de l’angoisse humaine. Au-dessus se trouve une expression simple et directe de la pureté universelle.
Le Paysage imaginaire est ensuite devenu encore plus simplifié dans ce que Gottlieb a appelé des peintures Burst. Dans ces œuvres, il élimine la ligne d'horizon, mais conserve le gribouillage en bas et la forme unifiée en haut. Les Bursts utilisaient de grands champs de couleur et unifiaient l'élément de couleur avec celui de forme. Ils invitaient à la contemplation à un niveau presque sacré et semblaient communiquer le concept d'une relation symbiotique entre une conscience supérieure et une conscience inférieure.
Adolph Gottlieb - Paysage imaginaire, 1971, Aquatinte en couleurs, sur papier Fabriano, avec toutes marges, 26 3/10 × 32 1/2 po, 66,7 × 82,6 cm
L'héritage d'Adolph Gottlieb
En 1970, Gottlieb a eu un AVC et a perdu l'usage du côté gauche de son corps. Il a néanmoins continué à créer, produisant certaines des expressions les plus profondes et extrêmes de sa série Burst juste un an avant sa mort. Au moment de la fin de sa vie, il était connu non seulement pour l'œuvre unique qu'il avait créée, mais aussi pour son influence sur le travail des autres. Ses philosophies étaient intégrales aux idées des expressionnistes abstraits. Et sa vision esthétique est considérée comme ayant été influente dans l'essor de la peinture de champs de couleur et du minimalisme.
Mais la contribution qu’il a apportée à la communauté artistique plus large à laquelle il appartenait – celle qui transcende les avancées formelles, les générations et les mouvements – est tout aussi importante pour l’héritage esthétique des peintures, sculptures et gravures qu’Adolph Gottlieb a créées au cours de ses 70 années. Gottlieb avait une vision de l’artiste comme quelqu’un qui n’était pas séparé du reste de la société, mais qui y était étroitement lié. Il croyait au potentiel de l'art pour transformer la civilisation et qu'il était important de discuter des idées esthétiques ouvertement et dans un langage simple afin qu'elles puissent être comprises par tous. Il a perçu que les artistes sont essentiels à la capacité d'une culture à se comprendre elle-même et, à travers son travail, il a démontré la responsabilité de tous les artistes d'exprimer la folie, le chaos, l'éclat, la beauté, l'obscurité et la lumière de leur temps.
Image à la une : Adolph Gottlieb -
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio
