De brillants exemples d’art minimal

L’art minimal est facile à mal comprendre. En partie parce que les artistes, critiques, historiens et théoriciens de l’art ne s’accordent pas toujours sur les objectifs et les caractéristiques définitoires du minimalisme. Certains des plus grands noms du minimalisme refusent même de s’associer à cette étiquette. D’autres encore prétendent faire de l’art minimal, bien que leur travail semble défier l’esprit du minimalisme. Plutôt que de perdre du temps dans une bataille sémantique, nous restons ouverts d’esprit. Nous avons déjà décrit le minimalisme comme une perspective où « moins c’est plus ». Nous ne voulons pas dire qu’il y a moins de choses dans l’art minimal, ni qu’il y a moins à apprécier, mais que l’art minimal fait plus avec moins. Une grande œuvre d’art minimal se distingue comme quelque chose de spécifique qui peut être apprécié par quiconque, à tout moment et en tout contexte, simplement pour ce qu’elle est.

Forme et couleur

Lorsque Ellsworth Kelly est décédé en décembre 2015 à l’âge de 92 ans, il était l’un des peintres les plus influents du minimalisme. Cela ne semble peut-être pas évident en regardant ses peintures, mais Kelly était controversé même parmi d’autres artistes. Les peintures de Kelly ne contenaient aucun sens de composition, aucun thème, ni aucune signification identifiable (symbolique ou autre). Peut-être que la controverse venait de leur simplicité. Ou peut-être parce que les spectateurs avaient du mal à comprendre des œuvres qui ne faisaient référence qu’à elles-mêmes.

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, peinture au polymère synthétique sur toile, 75 x 75 pouces, © 2020 Ellsworth Kelly

Dès le début de sa carrière, Kelly s’est concentré sur les formes géométriques et les motifs ainsi qu’une palette de couleurs monochromatique. Afin d’éviter le contenu et les thèmes, il expérimentait parfois le hasard, utilisant des choix de couleurs aléatoires pour orienter ses peintures. Puis en 1966, il a eu une percée. Il a commencé à façonner ses toiles, en commençant par une peinture appelée Yellow Piece. Plutôt que de peindre, par exemple, une forme géométrique sur une toile rectangulaire, il a créé une toile déjà façonnée selon la forme qu’il voulait peindre, puis a peint toute la toile de manière monochromatique. Ce fut un saut théorique déterminant. Plutôt qu’une forme contextualisée et contenue par une forme (un rectangle), la forme elle-même est devenue l’objet.

Frank Stella - Harran II, 1967, peinture au polymère et polymère fluorescent sur toile, 120 × 240 pouces, musée de Young, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Nouveaux départs

Le peintre Frank Stella est un autre artiste minimaliste qui a exploré la pratique des toiles façonnées. Harran II de Stella est une œuvre façonnée qui représente une série d’arcs vivement colorés contenus dans une série de carrés et de triangles arqués. Aujourd’hui, cette œuvre est emblématique dans l’ensemble de l’œuvre de Stella. Elle illustre parfaitement ce qui est devenu sa langue visuelle signature : des formes découpées, vivement colorées, assemblées avec d’autres formes.

Mais avant de travailler avec des toiles façonnées, Stella a apporté une contribution encore plus profonde au minimalisme avec ses soi-disant peintures noires, qui représentaient des lignes noires dans un motif géométrique. Essentiellement, ces peintures ne contiennent rien de plus que de la peinture sur une surface plane. Cela peut sembler évident, mais ce qu’elles représentaient théoriquement est la naissance du minimalisme : l’idée de la peinture comme objet plutôt que comme représentation de quelque chose d’autre.

Avant la révélation qu’une peinture n’avait pas à être une peinture mais pouvait être un objet indépendant s’auto-associant, l’art tridimensionnel désignait les peintures, sculptures, assemblages et possiblement les installations. Cette nouvelle catégorie, « l’objet », n’était rien de tout cela. C’était une nouvelle catégorie théorique de phénomènes esthétiques.

Donald Judd - Galvanized Iron 17, 1973, © Donald Judd

Objets spécifiques

Un essai de l’artiste Donald Judd, intitulé Specific Objects, a le mieux exprimé cette nouvelle catégorie de phénomènes esthétiques. Dans cet essai, Judd expliquait que ces nouveaux objets d’art ne faisaient référence en aucun cas au temps, à la société, à la spiritualité ou à quoi que ce soit d’autre. Ils étaient des objets esthétiques sans but utilitaire. Nous avons déjà écrit sur ce moment de l’histoire de l’art, car il marquait la fin du commencement de l’abstraction. Les objets spécifiques de Judd utilisent un langage esthétique abstrait, mais puisqu’ils sont purement objectifs, ils sont en fait littéraux. Lorsque Kazimir Malevich peignait un carré noir, c’était considéré comme une abstraction parce qu’il faisait référence à des idées. Il avait une signification au-delà d’être un carré. Les objets carrés de Judd ne font référence qu’à ce qu’ils sont. Ils n’ont pas d’autre signification que leur propre existence. Ils sont considérés selon leurs propres propriétés. Ils méritent leur propre importance comme n’importe quel autre objet existant.

Richard Caldicott - Sans titre (14), 2013, tirage chromogénique (tirage C), 20 x 24 pouces

Bords nets

Au-delà de ce à quoi l’art fait référence, un élément esthétique important qui a été attribué à l’art minimal est ce qu’on appelle le « bord net ». C’est l’idée que les couleurs sur une surface occupent l’espace côte à côte de manière homogène. Le bord net parfait donne à une œuvre minimaliste l’impression d’avoir été fabriquée plutôt que faite à la main, ce qui élimine les références à la personnalité de l’artiste.

Brent Hallard - Knot (Rose), 2015, acrylique sur aluminium anodisé, 13,8 x 13,8 pouces

Un excellent exemple du bord net se trouve dans le travail de l’artiste américain contemporain Brent Hallard. Le travail de Hallard poursuit la conversation minimaliste en explorant la géométrie à travers des couleurs monochromatiques, l’exactitude et la précision. Mais la technique de Hallard n’est pas industrielle. Il utilise des médiums artistiques traditionnels tels que les marqueurs et les aquarelles pour créer ses œuvres sur papier et aluminium. Et il y a un langage personnel dans son œuvre qui se rapporte non seulement au travail mais aussi à l’artiste, réintroduisant un sens de la présence de l’artiste.

Un autre artiste contemporain du bord net est l’artiste britannique Richard Caldicott. Comme Hallard, Caldicott renouvelle les traditions d’artistes comme Frank Stella et Donald Judd. Artiste pluridisciplinaire, Caldicott incorpore des éléments de dessin, photographie et sculpture dans son travail. Il mêle techniques artisanales et procédés mécaniques/industriels tels que l’impression à jet d’encre. Les objets créés par Caldicott existent indépendamment de toute référence extérieure. Ce sont des produits de processus. Ils ne sont ni objet ni peinture, et pourtant possèdent la capacité d’interagir avec l’espace comme le ferait une peinture.

Agnes Martin - Friendship, 1963, feuille d’or et huile sur toile, 1,90 m x 1,90 m, © 2020 succession Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Les lignes sont faites pour être franchies

Ce que ces minimalistes contemporains développent, c’est l’idée que le minimalisme n’est pas un ensemble rigide de règles. Une peinture peut être considérée comme minimale même si elle est aussi émotionnelle, ou allégorique, ou faite à la main, ou n’est pas par définition un « objet spécifique ». Bien que Stella et Judd aient fait de grands efforts pour séparer leur travail de toute notion de symbolisme, d’émotion ou de personnalité, tous les artistes associés au minimalisme classique n’ont pas adopté la même approche.

Agnes Martin a embrassé le symbolisme dans son travail. L’expression personnelle était une part vitale de sa pratique, et le sentiment de transcendance qu’elle ressentait en travaillant était quelque chose qu’elle espérait ouvertement que les spectateurs percevraient. Un moment clé dans l’œuvre de Martin est capturé dans sa peinture Friendship. Son fort élément émotionnel l’associe à l’expressionnisme abstrait. Mais son esthétique l’établit comme une œuvre d’art minimal. Nous avons déjà écrit sur la façon dont Martin considérait la ligne comme représentant l’innocence, et sur la manière dont elle espérait que ses sentiments se transmettraient aux spectateurs de son œuvre. Bien que Friendship ait un sens d’objet, elle fait aussi clairement référence à quelque chose d’allégorique. Comme Martin elle-même, elle agit comme une sorte de pont entre l’expressionnisme abstrait et le minimalisme.

Image en vedette : Frank Stella - Jill, 1959, émail sur toile, 229,5 x 200 cm, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio