De brillants exemples d’art minimal

L'L'art minimal est facile à mal comprendre. Cela s’explique en partie par le fait que les artistes, les critiques, les historiens de l’art et les théoriciens de l’art sont souvent en désaccord sur les objectifs et les caractéristiques déterminantes du minimalisme. Certains des plus grands noms du minimalisme refusent même de s’associer au label. D’autres encore prétendent faire de l’art minimal, même si leur travail semble défier la philosophie du minimalisme. Plutôt que de perdre du temps dans une bataille sémantique, nous gardons l’esprit ouvert. Nous avons déjà décrit le minimalisme comme une perspective selon laquelle « moins c’est plus ». Nous ne voulons pas dire qu’il se passe moins de choses dans l’art minimal, ou qu’il y a moins de choses à apprécier, mais que l’art minimal fait plus avec moins. Une grande œuvre d’art minimal se distingue comme quelque chose de spécifique qui peut être apprécié par n’importe qui, à tout moment et dans n’importe quel contexte, simplement pour ce qu’il est.

Forme et couleur

Lorsque Ellsworth Kelly est décédé en décembre 2015 à l'âge de 92 ans, il était l'un des peintres les plus influents du Minimalisme. Cela ne semble pas évident en regardant ses peintures, mais Kelly était controversé même parmi d'autres artistes. Les peintures de Kelly ne contenaient aucun sens de la composition, aucun thème et aucune signification identifiable (symbolique ou autre). Peut-être que la controverse provenait de leur simplicité. Ou peut-être est-elle survenue parce que les spectateurs avaient du mal à comprendre des œuvres qui ne faisaient que se référer à elles-mêmes.

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, peinture polymère synthétique sur toile, 75 x 75 pouces, © 2020 Ellsworth Kelly

Dès le début de sa carrière, l'accent de Kelly était mis sur les formes géométriques et les motifs ainsi qu'une palette de couleurs monochromatique. Afin d'éviter le contenu et les thèmes, il expérimentait parfois avec le hasard, utilisant des choix de couleurs aléatoires pour dicter la direction de ses peintures. Puis, en 1966, il a eu une percée. Il a commencé à façonner ses toiles, en commençant par une peinture appelée Yellow Piece. Plutôt que de peindre, par exemple, une forme géométrique sur une toile rectangulaire, il a créé une toile qui était déjà en forme de la forme qu'il voulait peindre et a ensuite peint toute la toile de manière monochromatique. C'était un saut théorique déterminant. Plutôt qu'une forme étant contextualisée et contenue par une forme (un rectangle), la forme elle-même est devenue l'objet.

Frank Stella - Harran II, 1967, Peinture polymère et polymère fluorescent sur toile, 120 × 240 po, de Young Museum, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Nouveaux commencements

Le peintre Frank Stella est un autre artiste minimal qui a exploré la pratique des toiles en forme. L'œuvre Harran II de Stella est une œuvre en forme qui représente une série d'arcs de couleurs vives contenus dans une série de carrés et de triangles arqués. Aujourd'hui, cette œuvre est emblématique de l'œuvre de Stella. Elle illustre parfaitement ce qui en est venu à être considéré comme son langage visuel signature : des formes découpées, de couleurs vives, jointes à d'autres formes.

Mais avant de travailler avec des toiles façonnées, Stella a apporté une contribution encore plus profonde au minimalisme avec ses peintures dites noires, qui représentaient des lignes noires dans un motif géométrique. Essentiellement, ces peintures ne contiennent rien d’autre que de la peinture sur une surface plane. Cela peut paraître évident, mais ce qu’ils représentent théoriquement est la naissance du minimalisme : l’idée des peintures comme des objets plutôt que comme des représentations de quelque chose d’autre.

Avant la révélation qu’une peinture ne devait pas nécessairement être une peinture mais pouvait être un objet indépendant auto-associé, l’art tridimensionnel faisait référence aux peintures, sculptures, assemblages et éventuellement installations. Cette nouvelle catégorie, « l’objet », n’était rien de tout cela. C'était une nouvelle catégorie théorique de phénomènes esthétiques.

Donald Judd - Fer galvanisé 17, 1973, © Donald Judd

Objets spécifiques

Un essai de l'artiste Donald Judd, intitulé Objets spécifiques, a le mieux exprimé cette nouvelle catégorie de phénomènes esthétiques. Dans cet essai, Judd a expliqué que ces nouveaux objets d'art ne faisaient référence en aucune manière au temps, à la société, à la spiritualité ou à quoi que ce soit d'autre. Ce sont des objets esthétiques sans but utilitaire. Nous avons déjà écrit sur ce moment de l'histoire de l'art, car il a marqué la fin du début de l'abstraction. Les objets spécifiques de Judd utilisent un langage esthétique abstrait, mais comme ils sont purement objectifs, ils sont en fait littéraux. Lorsque Kazimir Malevich a peint un carré noir, cela a été considéré comme une abstraction parce qu'il faisait référence à des idées. Il avait un sens au-delà d'être un carré. Les objets carrés de Judd ne font référence qu'à ce qu'ils sont. Ils n'ont pas d'autre signification que leur propre existence. Ils sont considérés selon leurs propres propriétés. Ils sont dignes de leur propre importance tout comme n'importe quel autre objet existant.

Richard Caldicott - Sans titre (14), 2013, Tirage chromogénique (C Print), 20 x  24 po

Bords durs

Outre ce à quoi l’art fait référence, un élément esthétique important qui est désormais attribué à l’art minimal est ce qu’on appelle le « hard edge ». C’est l’idée selon laquelle les couleurs sur une surface occupent l’espace les unes à côté des autres de manière transparente. Le bord dur parfait donne à une œuvre d’art minimale le sentiment qu’elle a été fabriquée plutôt que faite à la main, ce qui élimine les références à la personnalité de l’artiste.

Brent Hallard - Knot (Rose), 2015, Acrylique sur aluminium anodisé, 13,8 x 13,8 po

Un excellent exemple de la hard edge peut être trouvé dans le travail de l'artiste américain contemporain Brent Hallard. Le travail de Hallard poursuit la conversation minimaliste en explorant la géométrie à travers des couleurs monochromatiques, l'exactitude et la précision. Mais la technique de Hallard n'est pas industrielle. Il utilise des médiums artistiques traditionnels tels que des marqueurs et des aquarelles pour créer ses œuvres sur papier et aluminium. Et il y a un langage personnel dans son œuvre qui se rapporte non seulement au travail mais aussi à l'artiste, réintroduisant un sens de la présence de l'artiste.

Un autre artiste contemporain au style hard edge est l'artiste britannique Richard Caldicott. Comme Hallard, Caldicott met à jour les traditions d'artistes comme Frank Stella et Donald Judd. Artiste pluridisciplinaire, Caldicott incorpore des éléments de dessin, de photographie et de sculpture dans son travail. Il mélange des techniques artisanales avec des processus mécaniques/industriels tels que l'impression jet d'encre. Les objets créés par Caldicott existent indépendamment de toute référence extérieure. Ce sont des produits de processus. Ils ne sont ni objets ni peintures, et pourtant possèdent la capacité d'interagir avec l'espace comme le ferait une peinture.

Agnes Martin - Amitié, 1963, feuille d'or et huile sur toile, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Succession d'Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Les lignes sont faites pour être franchies

Ce que développent ces minimalistes contemporains, c’est l’idée selon laquelle le minimalisme n’est pas un ensemble de lois rigides. Une peinture peut être considérée comme minimale même si elle est également émotionnelle, ou allégorique, ou si elle est faite à la main, ou n’est pas par définition un « objet spécifique ». Bien que Stella et Judd se soient donné beaucoup de mal pour séparer leur travail de tout sens du symbolisme, de l'émotion ou de la personnalité, tous les artistes associés au minimalisme classique n'ont pas adopté la même approche.

Agnes Martin a embrassé le symbolisme dans son travail. L'expression personnelle était une partie vitale de sa pratique, et le sentiment de transcendance qu'elle ressentait en travaillant était quelque chose qu'elle espérait ouvertement que les spectateurs ressentent. Un moment séminal dans l'œuvre de Martin est capturé dans sa peinture Amitié. Son fort élément émotionnel l'associe à l'Expressionnisme Abstrait. Mais son esthétique l'établit comme une œuvre d'art minimal. Nous avons déjà écrit sur la façon dont Martin considérait la ligne comme représentant l'innocence, et sur la façon dont elle espérait que ses sentiments se transmettraient aux spectateurs de son travail. Bien que Amitié ait un sens d'objectivité, elle fait également clairement référence à quelque chose d'allégorique. Comme Martin elle-même, elle agit comme une sorte de pont entre l'Expressionnisme Abstrait et le Minimalisme.

Image en vedette : Frank Stella - Jill, 1959, émail sur toile, 90 3/8 x 78 3/4 po, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio