Abstraction et nature dans les peintures d'Ellsworth Kelly
Lorsqu’un artiste devient célèbre pour un type particulier d’œuvre, les exemples majeurs de ce type tendent à devenir les pièces les plus précieuses de son œuvre. C’est peut-être pourquoi tant de tableaux d’Ellsworth Kelly que l’on trouve dans les collections muséales illustrent les œuvres monochromes aux formes étranges que Kelly réalisait. Les observateurs occasionnels pourraient supposer que c’est le seul type d’art que Kelly a créé. Ils pourraient aussi penser que la signification de ces pièces est purement abstraite. Les monochromes de Kelly pourraient facilement être pris pour des expressions d’abstraction géométrique, de peinture à bords nets, d’art conceptuel, d’art champ de couleur ou de minimalisme. Et bien que certaines de ces tendances aient pu influencer Kelly à un moment donné de sa carrière, il serait plus juste de dire que les artistes travaillant dans ces domaines ont été influencés par lui. Kelly était un innovateur. Et à l’insu de beaucoup, ses peintures n’étaient pas purement abstraites, mais représentaient des formes qu’il trouvait dans la nature.
Les racines naturelles d’Ellsworth Kelly
Kelly a grandi avec un lien personnel à la nature. Il est né en 1923 dans la charmante ville de Newburgh, sur la rivière Hudson, à 60 miles au nord de Manhattan. Entouré de bois, de collines ondulantes et de la rivière, il a développé très tôt une appréciation pour les plantes et les animaux de la nature environnante. Après avoir étudié l’art et le design à Pratt pendant deux ans, Kelly s’est engagé dans l’armée. Avec plusieurs autres artistes, Kelly faisait partie de la Ghost Army pendant la Seconde Guerre mondiale, une unité pour laquelle il était particulièrement bien adapté, car son rôle était de concevoir et d’exécuter des opérations de camouflage pour tromper les troupes ennemies dans la campagne européenne.
Ellsworth Kelly - dessin au crayon du Jardin des Tuileries, Paris, 1949
Après la guerre, Kelly a passé plusieurs années à Paris pour poursuivre sa formation artistique. Bien que son intérêt initial fût pour les peintres figuratifs, il remarqua vite que son intérêt esthétique personnel ne se portait pas du tout sur les œuvres figuratives ornées, ni même nécessairement sur la peinture. Il se sentait plutôt attiré par les formes simples des objets qu’il voyait autour de lui. Il réalisait des croquis basiques de formes qui l’intéressaient, telles que des fenêtres, des éléments architecturaux, et divers éléments naturels comme des fleurs, des arbustes, des arbres, des feuilles et des fruits.
Le Jardin des Tuileries aujourd’hui
Les dessins d’Ellsworth Kelly
Quel que soit le sujet qu’il esquissait, Kelly réduisait les objets qui l’intéressaient à leurs formes les plus simples. Il étudiait ces formes et commença à les exprimer dans son art. Tout au long de sa carrière, les croquis qu’il avait réalisés dans sa jeunesse ont inspiré un nombre considérable de peintures, sculptures, sérigraphies et autres objets esthétiques. Bien que ses œuvres soient souvent perçues comme dénuées d’émotion, des abstractions minimalistes de formes dénuées de sens, la vérité est qu’elles font référence à un langage spécifique et réel de formes naturelles qui ont inspiré Kelly.
Ellsworth Kelly - Wild Grape, 1960, Crayon sur deux feuilles de papier, 28 1/2 x 45 pouces, Collection MoMA
Dans les années 1960, il réalisa une série de dessins de divers fruits sauvages, légumes de jardin, arbres, branches ainsi que des feuilles et fleurs de différentes plantes. Son dessin de 1960 intitulé Wild Grape réduit les feuilles de la vigne sauvage à leurs formes les plus simples. Dans sa peinture de 1962 Red White, Kelly reprend cette forme exacte et l’inverse sur une toile blanche.
Ellsworth Kelly - Red White, 1962, Huile sur toile, 80 1/8 x 90 1/4 pouces, Collection SFMOMA
Dans son dessin de 1965 Grapefruit (montré ci-dessous en lithographie), Kelly réduit l’image d’un pamplemousse mûr et de plusieurs feuilles pendantes à une branche. La combinaison des formes et la gamme conceptuelle des couleurs représentées par ces éléments se manifestent la même année dans sa lithographie Blue and Yellow and Red-Orange.
Ellsworth Kelly - Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Une lithographie parmi une série de douze, 23 7/16 x 20 pouces, Collection MoMA
Un autre de ses centres d’intérêt était la relation du spectateur à l’espace dans lequel l’art est présenté. Dans sa quête pour aborder cet aspect de l’expérience esthétique, Kelly fit une percée dans son travail qui conduisit au style visuel emblématique qui le rendit célèbre : des objets façonnés, monochromes suspendus au mur. Ces objets n’étaient pas vraiment des peintures ; ils étaient plus sculpturaux par nature, une distinction que Kelly jugeait sans importance. Un exemple précoce de ce type d’œuvre est Yellow Piece. La forme de cette pièce est une expression aboutie de la combinaison de ses inspirations naturelles et du processus de création de phénomènes esthétiques manufacturés.
Ellsworth Kelly - Blue and Yellow and Red-Orange (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Lithographie, 25 3/8 x 13 13/16 pouces.
Les peintures d’Ellsworth Kelly
Yellow Piece, ainsi que les autres œuvres façonnées de Kelly, représentent un saut conceptuel majeur. En façonnant la toile, Kelly a recontextualisé le mur et l’architecture environnante. Plutôt que la toile agisse comme un fond pour une image, le mur lui-même devint le support de l’œuvre. Plutôt que d’être un environnement ambiant et détaché dans lequel l’art est regardé, l’architecture devint une partie intégrante de l’expérience du spectateur. De cette manière, Kelly exprima parfaitement son inspiration. Il fit de la galerie un environnement naturel. Son art faisait partie de cet environnement, en émanant, soutenu par lui, enrichi par lui et l’enrichissant. Les spectateurs le rencontraient de la même façon qu’ils pourraient rencontrer une feuille, une fleur, une tige ou tout autre élément naturel dans un jardin ou un champ.
Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, Peinture synthétique sur toile, 75 x 75 pouces.
Certaines de ses pièces façonnées ont même prolongé son exploration des relations esthétiques spatiales en introduisant un élément superposé, semblable à un collage. Ces œuvres dites « en relief » étaient des objets à plusieurs panneaux superposés qui combinaient la tridimensionnalité avec des toiles façonnées. Ces pièces s’étendent dans l’espace entre l’objet et le spectateur, invitant à l’émergence d’une relation personnelle, presque anthropomorphique, entre le spectateur et l’œuvre d’art. Au cœur de cette relation se trouve la question de ce que sont réellement les différences formelles entre le spectateur et l’œuvre.
Ellsworth Kelly - Black over Blue, 1963, Aluminium peint, 81 ¾ x 64 ¼ x 6 pouces, Collection SFMOMA
Sculptures
Kelly fut également un créateur prolifique d’objets sculpturaux traditionnels. Ses sculptures suivent le même langage esthétique que ses autres œuvres, faisant référence aux formes naturelles et aux compositions que l’on retrouve dans tant de ses croquis de la nature. Dans la sculpture de Kelly de 2002 White Curves, on retrouve la forme d’un seul pétale de fleur de magnolia, telle qu’elle est capturée dans sa lithographie de 1966 Magnolia.
Ellsworth Kelly - White Curves, 2002, Aluminium blanc, Situé dans le jardin de sculptures de la Fondation Beyeler, Riehen, Suisse
La prochaine fois que vous rencontrerez une œuvre d’Ellsworth Kelly, considérez-la du point de vue de l’inspiration qu’il a lui-même exprimée. Plutôt que d’interagir avec ses œuvres comme s’il s’agissait d’objets géométriques abstraits et dénués d’émotion, considérez-les comme une expression du langage visuel de la nature qui nous entoure. Comme l’a dit Kelly : « dessiner des plantes m’a toujours conduit vers mes peintures et mes sculptures. Tout mon travail vient de la perception. Je ne suis pas un artiste géométrique. »
Image en vedette : Ellsworth Kelly Magnolia,1966, Lithographie,24 1/4 x 34 3/4" Toutes les images © Ellsworth Kelly, toutes les images utilisées à des fins illustratives uniquement
Par Phillip Barcio
