Abstraction et nature dans les peintures d'Ellsworth Kelly

Lorsqu’un artiste devient célèbre pour avoir réalisé un type d’œuvre particulier, les meilleurs exemples de ce type d’œuvre ont tendance à devenir les pièces les plus précieuses de son œuvre. C'est peut-être la raison pour laquelle tant de peintures d'Ellsworth Kelly que nous trouvons dans les collections de musées illustrent les œuvres monochromes et aux formes étranges réalisées par Kelly. Les observateurs occasionnels peuvent supposer que c’est le seul type d’art créé par Kelly. Ils pourraient également supposer que la signification de ces pièces est purement abstraite. Les monochromes de Kelly pourraient facilement être considérés comme des expressions de l’abstraction géométrique, de la peinture hard-edge, de l’art conceptuel, de l’art des champs de couleurs ou du minimalisme. Et même si certaines de ces tendances ont pu influencer Kelly à un moment donné de sa carrière, il serait plus exact de dire que les artistes travaillant dans ces domaines ont été influencés par lui. Kelly était une innovatrice. Et à l’insu de beaucoup, ses peintures n’étaient pas purement abstraites, mais étaient des représentations de formes qu’il trouvait dans la nature.

Les racines naturelles d'Ellsworth Kelly

Kelly a été élevée avec un lien personnel avec la nature. Il est né en 1923 dans la ville idyllique de Newburgh, sur la rivière Hudson, à New York, à 60 miles au nord de Manhattan. Entouré de bois, de collines et de rivières, il a très tôt développé une appréciation pour les plantes et les animaux de la nature sauvage environnante. Après avoir étudié l'art et le design à Pratt pendant deux ans, Kelly s'est enrôlée dans l'armée. Avec plusieurs autres artistes, Kelly faisait partie de l'Armée fantôme pendant la Seconde Guerre mondiale, une unité pour laquelle il était particulièrement bien adapté, car son rôle était de concevoir et d'exécuter des opérations de camouflage visant à tromper les troupes ennemies dans les campagnes européennes.

 

Ellsworth Kelly - dessin au crayon du jardin des Tuileries, Paris, 1949 

 

Après la guerre, Kelly passe plusieurs années à Paris pour poursuivre ses études artistiques. Bien que son intérêt précoce se soit porté sur les peintres figuratifs, il a vite remarqué que son intérêt esthétique personnel ne portait pas du tout sur les œuvres figuratives ornées, ni même nécessairement sur la peinture. Il s’est plutôt trouvé attiré par les formes simples des objets qu’il voyait autour de lui. Il a réalisé des croquis de base des formes qui l'intéressaient telles que des fenêtres, des éléments architecturaux et divers éléments naturels tels que des fleurs, des arbustes, des arbres, des feuilles et des fruits.

 

Le jardin des Tuileries aujourd'hui 

 

Dessins d'Ellsworth Kelly

Quel que soit le sujet qu'il esquissait, Kelly réduisait les objets de son intérêt à leurs formes les plus simples. Il a étudié les formes et a commencé à les exprimer dans son art. Tout au long de sa carrière, les croquis qu'il a réalisés au début de sa vie ont inspiré un nombre considérable de peintures, sculptures, sérigraphies et autres objets esthétiques. Bien que les œuvres qu'il a créées soient souvent perçues comme étant dépourvues d'émotion, Minimalistes abstractions de formes sans signification, la vérité est qu'elles font référence à un langage spécifique et réel de formes naturelles qui a inspiré Kelly.

 

Ellsworth Kelly - Wild Grape, 1960, Crayon sur deux feuilles de papier, 28 1/2 x 45 pouces, Collection MoMA

 

Dans les années 1960, il réalise une série de dessins représentant divers fruits sauvages, légumes du jardin, arbres, branches ainsi que feuilles et fleurs de diverses autres plantes. Son dessin de 1960 intitulé Wild Grape réduit les feuilles du raisin sauvage à leurs formes les plus simples. Dans son tableau Red White de 1962, Kelly prend exactement cette forme et l'inverse sur une toile blanche.

 

Ellsworth Kelly - Rouge Blanc, 1962, Huile sur toile, 80 1/8 x 90 1/4 pouces, Collection SFMOMA

 

Dans son dessin Pamplemousse de 1965 (représenté ci-dessous sous forme de lithographie), Kelly réduit l'image d'un pamplemousse mûr et de plusieurs feuilles suspendues à une branche. L'agglomération de formes et la gamme conceptuelle de couleurs représentées par ces éléments se manifestent la même année dans sa lithographie Bleu et jaune et rouge-orange.

 

Ellsworth Kelly - Pamplemousse (Pamplemousse), 1965, Une d'une série de douze lithographies, 23 7/16 x 20 po., Collection MoMA

 

Un autre des intérêts de Kelly était la relation du spectateur à l'espace dans lequel l'art est présenté. Dans sa quête pour aborder cet aspect de l'expérience esthétique, Kelly a réalisé la percée dans son travail qui le mènerait au style visuel iconique qui l'a rendu célèbre : des objets monochromatiques en forme qui pendent au mur. Ces objets n'étaient pas vraiment des peintures ; ils étaient plus de nature sculpturale, une distinction considérée comme sans importance par Kelly. Un exemple précoce de ce type de travail est Yellow Piece. La forme de l'œuvre est une expression mûre de la combinaison de ses inspirations naturelles et du processus de création de phénomènes esthétiques manufacturés.

 

Ellsworth Kelly - Bleu et jaune et rouge-orange (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Lithographie, 25 3/8 x 13 13/16 po .

 

Peintures d'Ellsworth Kelly

Yellow Piece, ainsi que les autres œuvres façonnées de Kelly, représentent un saut conceptuel majeur. En façonnant la toile, Kelly a recontextualisé le mur et l'architecture environnante. Plutôt que la toile servant de fond à une image, le mur lui-même devient le support de l’œuvre. Plutôt que d’être un environnement ambiant désengagé dans lequel l’art est observé, l’architecture est devenue une partie intégrante de l’expérience du spectateur. Kelly exprime ainsi parfaitement son inspiration. Il a fait de la galerie un environnement naturel. Son art faisait partie de l'environnement, il en sortait, il le soutenait, il l'améliorait et le valorisait. Le spectateur l'a rencontré de la même manière qu'il rencontrerait une feuille, une fleur, une tige ou tout autre élément naturel dans un jardin ou un champ.

 

Ellsworth Kelly - Pièce jaune, 1966, Peinture polymère synthétique sur toile, 75 x 75 po.

 

Certaines de ses pièces façonnées ont encore approfondi son exploration des relations esthétiques spatiales en introduisant une sorte d’élément superposé ressemblant à un collage. Ces œuvres dites « en relief » étaient des objets superposés à plusieurs panneaux qui combinaient dimensionnalité et toiles façonnées. Ces pièces s'étendent vers l'extérieur dans l'espace entre l'objet et le spectateur, invitant à l'émergence d'une relation personnelle, presque anthropomorphique, entre le spectateur et l'œuvre d'art. La question de savoir quelles sont réellement les différences formelles entre le spectateur et l’œuvre fait partie intégrante de cette relation.

 

Ellsworth Kelly - Noir sur bleu, 1963, Aluminium peint, 81 ¾ x 64 ¼ po x 6 po, Collection SFMOMA

 

Sculptures

Kelly était également un fabricant prolifique d'objets sculpturaux traditionnels. Ses sculptures suivent le même langage esthétique que ses autres œuvres, faisant référence aux formes et compositions naturelles qui apparaissent dans nombre de ses croquis naturels. Dans la sculpture White Curves de Kelly de 2002, nous voyons réapparaître la forme d'un seul pétale de fleur de magnolia, telle que capturée dans sa lithographie de 1966 Magnolia.

 

Ellsworth Kelly - White Curves, 2002, White aluminium, Situé dans le jardin de sculptures de la Fondation Beyeler, Riehen, Suisse

 

La prochaine fois que vous découvrirez l’œuvre d’Ellsworth Kelly, considérez-la du point de vue de l’inspiration qu’il a lui-même exprimée. Plutôt que d’interagir avec ses œuvres comme s’il s’agissait d’objets géométriques purement abstraits et sans émotion, considérez-les comme une expression du langage visuel de la nature qui existe tout autour de nous. Comme le dit Kelly, « dessiner des plantes m'a toujours conduit dans mes peintures et mes sculptures. Tout mon travail vient de la perception. Je ne suis pas un artiste géométrique.

 

Image en vedette : Ellsworth Kelly Magnolia, 1966, lithographie, 24 1/4 x 34 3/4" Toutes les images © Ellsworth Kelly, toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio