Comment définir la peinture monochrome

En 1921, l'artiste constructiviste Alexander Rodchenko expose trois peintures monochromes – intitulées Pure Red Color, Pure Blue Color, et Pure Yellow Color – qu'il considère comme l'expression picturale ultime, et a déclaré que la peinture était morte. Si la peinture monochrome a tué la peinture, alors la peinture est morte de mille morts. Les anciens artistes chinois peignaient des monochromes, tout comme les artistes hindous. Rodchenko n’était même pas le premier artiste occidental moderne à peindre un monochrome. Trois ans plus tôt, Blanc sur blanc de Kazimir Malevitch avait tenté de tuer la peinture. Mais plutôt que de tuer la peinture, les monochromes ont réussi exactement le contraire. Ils lui ont donné une nouvelle vie.

Les vraies couleurs de la peinture monochrome

Nous apprenons la couleur par l’expérience. Toute créature sensible capable de remarquer différentes couleurs est également potentiellement capable d’y associer des pensées et des sentiments personnels. Ainsi, une seule couleur peut susciter une multitude de réactions différentes en fonction des associations auxquelles les différents voyants la relient. En plus d’être un style de peinture qui n’utilise qu’une seule couleur, la peinture monochrome est un outil transcendantal. C’est une façon pour les artistes de s’attaquer au phénomène de la couleur et de l’émotion, de la couleur et de la spiritualité, de la couleur et de l’esprit. En se concentrant sur une teinte spécifique comme sujet d’un tableau, un artiste peut explorer l’éventail des associations que les spectateurs entretiennent avec cette teinte.

De nombreux écrivains, théoriciens et artistes ont tenté de définir les qualités conscientes, subconscientes, mystiques ou scientifiques des différentes teintes qui composent le monde de la couleur. Mais la couleur est terriblement subjective. Nous le voyons chacun de manière subtilement différente, le décrivons différemment et nous nous en souvenons différemment. Ce que nous ressentons à propos d’une couleur particulière dépend des contextes dans lesquels nous l’avons rencontrée précédemment. C’est l’une des raisons pour lesquelles les peintures monochromes suscitent parfois une telle controverse. Quelle que soit l’intention d’un artiste en en peignant un, un monochrome n’est jamais terminé tant que les spectateurs ne le regardent pas et n’y ajoutent pas de sens, quels que soient les préjugés et les idées préconçues qu’ils ont apportés avec eux.

Kazimir Malevich - Suprematist Composition, White on White, Oil on Canvas, 1917-1918, 79.4 x 79.4 cm, Museum of Modern Art (MoMA), New York City, NY

La perspective est primordiale

Kazimir Malevich et Alexander Rodchenko étaient des constructivistes, un groupe d'artistes qui croyaient que les anciennes façons de voir l'art, à travers les lignes d'horizon, les perspectives, les sujets, etc., étaient inutiles à l'ère moderne. Ils aspiraient à un art qui pourrait exister en dehors du domaine personnel et qui pourrait être apprécié par l’ensemble de la société. Ils n’essayaient pas de tuer la peinture ; ils essayaient de le démocratiser.

L’ironie de leur effort pour créer un art moins personnel est qu’en simplifiant leur palette et en réduisant, voire en éliminant leur vocabulaire de formes, ils ont invité plus que jamais à l’introspection. Ils ont créé des toiles qui invitaient à des évaluations esthétiques complexes. La profondeur et la complexité des nuances subtiles évidentes dans White on White offrent aux spectateurs attentifs des heures infinies de plaisir contemplatif. Et lorsque des facteurs tels que l’éclairage et le contexte sont pris en compte, de tout nouveaux niveaux de contemplation et d’interprétation entrent en jeu.

Alexander Rodchenko - Pure Red Color, 1921, Ivanovo Regional Art Museum © A. Rodchenko & V. Stepanova Archive / DACS 

Contenu vs. Contexte

Dès les années 1890, Claude Monet peignait des toiles d’une seule couleur. Mais ces toiles contenaient un contenu représentatif, de sorte que la palette limitée est facilement négligée au lieu des maisons, des arbres ou du sol de l'image. En éliminant tout contenu et en se concentrant uniquement sur la couleur, une peinture monochrome oblige le spectateur à contempler quelque chose de tout à fait personnel. Un spectateur pourrait regarder une peinture rouge monochromatique et la rejeter complètement. Un autre pourrait se souvenir de quelque chose de personnel à propos de la couleur rouge et relier l’œuvre à ce souvenir. Un autre pourrait utiliser la peinture monochrome comme moyen spirituel permettant de se connecter à quelque chose de subconscient ou d’universel. Un autre peut simplement y réagir esthétiquement, le déclarant beau ou hideux.

En 1955, l'artiste Yves Klein a exposé une sélection de différentes peintures monochromes colorées. Les spectateurs les ont appréciées mais les ont interprétées simplement comme de la décoration. En réaction à ce malentendu, Klein a créé sa propre teinte de bleu et pour son prochain spectacle en 1957, il a exposé 11 toiles identiques toutes peintes de cette même couleur de bleu. La couleur est devenue connue sous le nom d'IKB (International Klein Blue), et l'effet que cette exposition a eu sur le public était bien plus profond.

Le vide

Klein a suivi le spectacle bleu avec un spectacle sous-titré The Void, dans lequel il a tout retiré d'une galerie, sauf un meuble, et a peint toute la pièce en blanc. Il a teint un rideau IKB et l'a accroché à l'entrée de l'espace. Il a détourné l’attention du spectateur du contenu artistique de l’exposition vers le contexte dans lequel l’art est présenté. Ce changement de perception du contenu vers le contexte a radicalement changé la façon dont l’art pouvait être perçu. Et la peinture monochrome est devenue le véhicule idéal pour explorer cette nouvelle perspective.

Une peinture monochrome peut facilement devenir un élément de mise en valeur d’un environnement. Un monochrome pourrait également devenir le point central d’un environnement, interagissant avec le contexte d’une manière qui attire spécifiquement l’attention sur lui-même et sur rien d’autre. Un monochrome peut devenir le vide ou combler le vide. Il peut révéler le vide chez le spectateur, ou le spectateur peut combler le vide apparent du monochrome avec un transfert de contenu expérientiel.

Alexander Rodchenko - Pure Yellow Color, 1921, Ivanovo Regional Art Museum © A. Rodchenko & V. Stepanova Archive / DACS 

Alors, qu’est-ce qu’un monochrome ?

En termes simples, la seule qualité déterminante d’un monochrome est la singularité de la couleur. Mais une peinture monochrome est plus que la somme de ses composants. Une peinture monochrome se définit également par sa capacité à transformer un spectateur ou un environnement. Il communique directement quelque chose, comme « rouge », « bleu » ou « jaune ». Et pourtant, cela ne communique rien non plus. Il attend un voyant, un auditeur, un traducteur dans l'esprit du spectateur, avant de décider de ce qu'il veut communiquer.

D’une certaine manière, le monochrome est à la fois le type de peinture le plus figuratif possible et aussi le plus abstrait. C'est un totem universel. Il nous offre quelque chose de spécifique et pourtant il accepte tout ce que nous avons à donner.

Image en vedette : Yves Klein - Bleu monochrome sans titre (IKB 92), pigment sec en résine synthétique sur toile, monté sur carton, 92,1 x 71,8 cm, © 2017 Artistes Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris
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Par Phillip Barcio