Le cubisme synthétique expliqué – Plans, formes et points de vue

Pablo Picasso, le père du cubisme, était célèbre pour son désir d'évoluer. Après avoir inventé le cubisme analytique en 1907, il aurait facilement pu continuer à peindre dans ce style pendant des décennies tout en devenant riche et célèbre. Mais au lieu de cela, il a continué à expérimenter, contribuant à inventer ce qui est devenu connu sous le nom de Cubisme synthétique en 1911 en ajoutant au Cubisme analytique une palette de couleurs élargie, de nouvelles textures, des formes plus simples, de nouveaux matériaux. et en simplifiant l'utilisation du point de vue et du plan. Depuis son invention jusque vers 1920, le cubisme synthétique était considéré comme le summum de l’avant-garde. Il a élargi l’éventail des façons dont les peintres pouvaient explorer la réalité et a contribué à la montée des dadaïstes, des surréalistes et même du pop art.

Le cubisme synthétique en 200 mots

Le Cubisme synthétique est le résultat d'un départ de ces techniques mêmes, dans une tentative de créer quelque chose d'encore plus réel. Picasso, Braque et le peintre Juan Gris ont réintroduit une gamme vibrante de couleurs dans leurs œuvres, réintroduit de la profondeur et diminué le nombre de perspectives et de plans simultanés dans leurs images. Plus important encore, afin de donner le sens ultime de la réalité à leurs peintures, ils ont commencé à ajouter du papier, du tissu, du papier journal, du texte, et même du sable et de la terre à leurs œuvres, tentant d'apporter un sens total de l'essence de leur sujet.

Pablo Picasso - Nature morte à la chaise cannée, 1912, Huile sur toile cirée sur toile bordée de corde, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Société pour les droits des artistes (ARS), New York

Nouveaux matériaux et techniques

En 1912, Picasso a créé l'œuvre d'art qui est considérée comme le premier exemple de collage, et un exemple déterminant du Cubisme Synthétique : Nature morte avec cannage de chaise. L'œuvre est une représentation cubiste d'une table de café avec une sélection d'aliments, un journal et une boisson. En plus des médiums traditionnels, Picasso a ajouté à la surface de la peinture une section du cannage en osier qui se trouvait traditionnellement sur les chaises de café. Cet ajout apparemment trivial a eu d'énormes conséquences pour l'Art Moderne. Plutôt que de peindre une chaise, une partie d'une chaise a en fait été mise sur la peinture. Plutôt que de montrer quelque chose sous plusieurs perspectives pour que cela semble réel, Picasso a simplement mis la chose réelle, ou du moins une partie de celle-ci, directement sur l'œuvre.

Picasso a également ajouté du texte à cette œuvre, écrivant les lettres "JOU" sur une partie de la surface. Ce mot "Jou" pourrait littéralement être traduit par "jeu" en français, un fait qui a contribué au sentiment que beaucoup de gens ont que Picasso avait l'intention que le Cubisme Synthétique réintroduise un sens de frivolité dans l'art après le sérieux académique de le Cubisme Analytique. Cependant, "JOU" aurait également pu être destiné à être la première partie du terme français pour journal quotidien, ou revue, une référence au fragment de journal que l'on voit sur l'image.

Bien qu’il ait réalisé une première en ajoutant un peu de cannage de chaise à son œuvre, Picasso n’a pas été le premier cubiste à ajouter du texte à un tableau. En 1911, Georges Braque avait créé une œuvre intitulée Les Portugais, qui fut la première œuvre cubiste à introduire le lettrage. Le premier collage de Picasso comme la première pièce textuelle de Braque s’éloignent de la nature sérieuse et trop complexe de certaines de leurs œuvres cubistes analytiques ultérieures. Il y a une simplicité fantaisiste dans les images de ces œuvres d’art. Les perspectives se simplifient et les images deviennent presque ludiques, à l’image des images anthropomorphes des clichés publicitaires.

Georges Braques - Les Portugais, 1911, Huile sur toile, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

En 1912, Braque innovera au moins à deux reprises. Cette année-là, il devient le premier peintre cubiste à ajouter du sable à un tableau afin d'ajouter des niveaux de texture et de profondeur à l'œuvre, et il devient également le premier à incorporer la technique connue sous le nom de papier colles, qui fait référence au collage de pièces découpées. de papier sur une surface. Ces deux techniques ont été utilisées dans son œuvre intitulée Fruit Dish and Glass. Dans cette peinture, il a appliqué des morceaux de papier peint découpés directement sur la surface, puis a ombré la pièce à l'aide de peinture remplie de sable, ajoutant ainsi de la profondeur et de la texture à l'image.

Braque a également inclus du texte dans cette œuvre, utilisant les mots clairement définis et facilement lisibles « Ale » et « Bar ». Ces mots remettent en question les lignes séparant l'imagerie publicitaire et ce qu'on appelle l'art haut. La combinaison de ces trois techniques s'est finalement révélée être une influence majeure sur les Dadaïstes, qui s'appuyaient fortement sur le collage et le texte pour confondre et obscurcir les significations apparentes de leurs œuvres et pour défier les notions bourgeoises de l'art.

Georges Braque - Plat de fruits et verre, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Plans, formes, points de vue et couleurs

L’artiste le plus responsable de l’introduction de couleurs vives dans le cubisme synthétique était le peintre cubiste espagnol Juan Gris. Gris a également utilisé un langage visuel considérablement simplifié qui démontre superbement le nombre réduit de points de vue et l'utilisation simplifiée des formes et des plans qui définissent le cubisme synthétique. Dans l’œuvre de Gris, Newspaper and Fruit Dish, nous voyons tous ces éléments en jeu. Nous pouvons également voir dans ce même tableau bon nombre des raisons pour lesquelles le cubisme synthétique est souvent considéré comme le précurseur du Pop Art.

Ce n'est pas seulement que les Cubistes Synthétiques ont joué avec les notions de la ligne floue entre l'art populaire et l'art élitiste, ainsi qu'entre l'art et la publicité. Cette peinture évoque également de manière incroyable les points Ben-Day de Roy Lichtenstein, et semble presque identiquement présager la répétition, le placement des images et la palette de couleurs de Buffalo II de Robert Rauschenberg.

Robert Rauschenberg -  Buffalo II, 1964, Huile et encre sérigraphiée sur toile. 96 x 72 pouces (243,8 x 183,8 cm). © Fondation Robert Rauschenberg / Sous licence VAGA à Artists Right Society (ARS), New York

Les premières peintures cubistes analytiques avaient incorporé tant de points de vue différents que la complexité des images devenait presque impossible à démêler. Leur sujet semblait abstrait au point d'être méconnaissable : chaque point de vue était représenté par des formes géométriques séparées sur un plan distinct et chaque plan semblait empilé au-dessus des autres puis à nouveau aplati. Et les formes géométriques utilisées dans les peintures cubistes analytiques semblaient parfois presque transparentes. Elles étaient peintes d'une manière qui démontrait la vitesse, la vibration et le mouvement. Elles représentaient différents moments de la journée, différents éclairages et différents points de vue.

Juan Gris - Journal et plat de fruits, 1916, huile sur toile. 93,5 x 61 cm, Musée Solomon R. Guggenheim, New York

En ajoutant une palette de couleurs vibrantes aux images cubistes, Juan Gris a donné au style un sentiment de jeu et d'excitation qui manquait à ces œuvres cubistes antérieures. Et le vocabulaire visuel simplifié de Gris présentait l’idée que le cubisme pouvait atteindre ses objectifs d’une manière simple, simplifiée et esthétique. Dans le tableau Le Violon de Gris, il réalise le nombre minimum absolu de points de vue, de formes et de plans afin d'être toujours considéré comme une œuvre cubiste. L’image qui en résulte ressemble plus à un exemple de suggestion du cubisme qu’à une définition rigoureuse de celui-ci.

Juan Gris - Le violon, 1916, Huile sur panneau triple épaisseur, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Bâle

Synthétique : un autre mot pour faux ?

En ajoutant des écrits et des morceaux d'objets du quotidien dans leurs peintures, Picasso, Braque et Gris s'efforçaient de se connecter avec un sens élargi de la réalité de leurs sujets. Mais en ajoutant ces éléments artificiels à leurs œuvres, ils créaient également quelque chose de manifestement irréel et différent de toutes les œuvres d'art cubistes précédentes. Parfois, ils peignaient même des formes qui ressemblaient à du collage, mêlant des éléments de collage imités avec de véritables éléments de collage dans la même œuvre. Ce nouveau style a été nommé cubisme synthétique précisément pour cette raison, en raison de la nature artificielle des techniques utilisées par rapport au sérieux du travail cubiste précédent.

Le cubisme synthétique était plus symbolique que le cubisme analytique. Il ne s’agissait pas d’atteindre une vision plus élevée de la réalité quadridimensionnelle. Il s’agissait plutôt de donner une idée de la réalité, mais de manière déformée. Ce fut une transformation qui a énormément contribué aux théories et aux recherches entourant le surréalisme.

Le Cubisme Synthétique a également remis en question les différences entre la peinture et la sculpture. Au lieu de décomposer l'image puis de la réassembler à partir de plusieurs perspectives différentes, le Cubisme Synthétique a assemblé l'image, la construisant à partir d'une surface plane en un objet multi-couches, comme un objet tridimensionnel reposant sur une surface bidimensionnelle. De toutes ces manières, le Cubisme Synthétique a abordé ses réalisations par le biais d'un paradoxe clair et intentionnel : en créant des œuvres de plus en plus fausses, ils ont atteint quelque chose de plus en plus réel.

Image en vedette : Pablo Picasso - Trois musiciens, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio