Comment le cubisme analytique a préfiguré l’abstraction pure

Ce qui semble être des forces opposées dans le monde se complète en réalité. Nous étions donc au tournant du XXe siècle entre deux tendances majeures et simultanées dans le monde de l’art : le cubisme analytique et l’abstraction pure. D'un côté se trouvaient les artistes associés au cubisme analytique, des noms célèbres tels que Pablo Picasso et Georges Braque, des génies dédiés à la découverte d'une manière conceptuellement hyper-réaliste de créer art. De l’autre côté se trouvaient les artistes associés à l’abstraction pure ; des gens comme Wassily Kandinsky, qui se consacraient à la découverte d'un art totalement non figuratif. Bien qu’apparemment diamétralement opposées, ces deux approches différentes de la création artistique étaient inextricablement liées. En brisant la réalité objective pour la présenter plus pleinement, les cubistes analytiques ont aidé l'abstraction pure à trouver sa voix.

Qu’était le cubisme analytique ?

Lorsque les critiques d'art et les historiens de l'art parlent du cubisme analytique, ils font référence à une tendance dans la peinture qui est apparue entre 1908 et 1912. Avant cette époque, les peintures étaient considérées comme soit bidimensionnelles (si elles manquaient de profondeur) soit tridimensionnelles (si elles donnaient une impression de profondeur grâce à des techniques comme l'ombrage). Pendant cette période, un petit groupe d'artistes dirigé par Pablo Picasso et Georges Braque s'est engagé dans des expériences esthétiques révolutionnaires destinées à amener la peinture dans la quatrième dimension.

Les anciennes méthodes de peinture reposaient sur un artiste travaillant à partir d’une seule perspective. Même si cela permettait de montrer une image momentanée d’un sujet, cela ne permettait pas d’atteindre ce que Picasso considérait comme la réalité, perçue sous plusieurs angles à la fois. Afin d'obtenir une impression de mouvement et de passage du temps (la 4ème dimension), Picasso et son collègue Braque ont abandonné l'utilisation de la perspective unique. Leur argument était que dans la réalité, nous percevons les objets sous une multitude de perspectives différentes. Nous voyons quelque chose sous différents points de vue, à différents moments de la journée, sous différents éclairages, parfois en mouvement et parfois immobiles. Leurs expériences s’efforçaient de montrer leur sujet de manière plus réaliste, sous une multitude de points de vue différents à la fois.

Pablo Picasso - Portrait d'Ambroise Vollard, 1910, Huile sur toile. 93 x 66 cm, Musée national des beaux-arts Pouchkine, Moscou, © 2017 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Simultanéité

Leur mot pour désigner ce type de peinture à perspectives multiples était simultanéité. Ils ont peint des morceaux de leur sujet sous différents points de vue, sous différents éclairages et à différents moments de la journée, puis ont combiné ces morceaux sur un seul plan, montrant tous les différents points de vue à la fois et sans donner de préférence particulière à aucun d'entre eux. . Afin d’accentuer cet effet, ils ont gardé leur palette de couleurs simple et ont évité les ombres ou toute autre technique qui ajouterait de la profondeur à l’image. Le résultat était une image aplatie à vues multiples apparemment composée de formes géométriques simplifiées.

Pour un observateur occasionnel, une peinture cubiste analytique peut sembler abstraite. Mais le cubisme véritablement analytique n’était pas une abstraction ; c'était plutôt une forme de réalisme accru. Le résultat des expériences de Picasso et Braque était, dans leur esprit, une représentation plus réaliste de leur sujet, du moins d’un point de vue conceptuel sinon littéral. L'un des premiers exemples de ce que nous appelons aujourd'hui le cubisme analytique est le Portrait d'Ambroise Vollard de Picasso, peint en 1909. On y voit clairement que le sujet se veut figuratif, tandis que les différents les points de vue, les différents éclairages et les différents plans nous donnent une sensation de mouvement et de simultanéité qui renforce notre compréhension de la présence du sujet.

Vassily Kandinsky - La vache, 1910, Huile sur toile, 95,5 cm x 105 cm

Pendant ce temps à Munich

La même année où Picasso peint son Portrait d'Ambroise Vollard à Paris, Vassily Kandinsky, l'artiste qui sera bientôt crédité de l'invention de l'abstraction pure, mène en Allemagne ses propres expériences esthétiques. Kandinsky travaillait également avec l'idée de planéité et de simplification du vocabulaire esthétique, mais pour des raisons différentes de celles de Picasso et Braque. Kandinsky avait pour mission de créer des peintures complètement abstraites. Il pensait que, comme la musique instrumentale, l’art visuel pouvait avoir la capacité de communiquer des émotions plus profondes et peut-être un sentiment de spiritualité en communiquant à un niveau purement abstrait.

Les expériences de Kandinsky constituaient le prolongement et le point culminant de nombreuses tendances différentes apparues dans l’art depuis le milieu des années 1800. Il décomposait la peinture en ses éléments essentiels, tels que la couleur, la ligne et la forme, et apprenait ce que chacun de ces éléments pouvait communiquer à lui seul. Il pensait que ces éléments pouvaient être comparés à différentes notes, tonalités ou tempos de musique dans le sens de l'effet qu'ils pouvaient avoir sur le psychisme humain. Un exemple de l’œuvre de Kandinsky de cette époque est sa peinture La Vache, qui, bien que clairement figurative, réalise un aplatissement de l’espace et une déconstruction radicale des éléments esthétiques du tableau.

Wassily Kandinsky - Sans titre (Première aquarelle abstraite), 1910, Aquarelle et encre de Chine et crayon sur papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, France

Les mondes se combinent

Ainsi, en France, Picasso et Braque aplatissaient leurs images et réduisaient leur vocabulaire esthétique, afin de pouvoir représenter efficacement leur sujet de manière simplifiée sous différents angles. Et en Allemagne, Kandinsky cherchait également la platitude et la bidimensionnalité, et simplifiait aussi son imagerie, mais pour une raison différente. Plutôt que d'utiliser des formes géométriques pour améliorer la compréhension par le spectateur du sujet d'une peinture, Kandinsky et d'autres de son état d'esprit exploraient les significations qui pouvaient être tirées des formes géométriques si elles étaient utilisées indépendamment de tout sujet représentatif.

Quelqu’un qui n’était pas conscient du but des différentes expériences des artistes pourrait voir l’une ou l’autre de leurs peintures et repartir avec un concept très différent de celui réellement prévu. Mais ces deux écoles de pensée différentes étaient néanmoins assez opposées dans leurs intentions. La même année où il peint La Vache, Kandinsky fait une percée. Il a combiné ses propres théories sur l'instinct, la spiritualité et la couleur avec les théories analytiques des cubistes sur la planéité et la simplification géométrique et a créé ce que la plupart des historiens considèrent aujourd'hui comme la première peinture purement abstraite : Sans titre (Première aquarelle abstraite).

Jean Metzinger - Tea Time, 1911, Huile sur carton, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphie

Plusieurs simultanéités contemporaines

Il est drôle aujourd’hui d’imaginer l’émoi causé par Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Kandinsky et les peintures cubistes analytiques de Picasso et Braque, et le sentiment que tant de peintres ont dû avoir de devoir prendre parti. Au cours des deux années suivantes, de nombreux autres peintres se sont lancés dans le cubisme analytique et, avec Picasso et Braque, ont continué à explorer la quatrième dimension dans leurs œuvres. Dans certains cas, leurs peintures sont devenues de plus en plus simplifiées, démontrant une vision claire de ce qu'était précisément le cubisme analytique. Par exemple, Tea Time du peintre Jean Metzinger, qui est considéré comme un exemple particulièrement direct, peut-être assez évident, de l’intention du cubisme analytique. Il démontre efficacement la simultanéité tout en s’appuyant sur un nombre limité de perspectives différentes.

D’autres cubistes analytiques effectuaient des travaux allant dans l’autre sens, devenant plus denses et plus complexes, rendant de plus en plus difficile la compréhension du sujet. Un exemple est l'Accordéoniste de Pablo Picasso, peint en 1911. Même si Picasso n'avait pas l'intention d'en faire une peinture abstraite, de nombreux spectateurs encore aujourd'hui comprennent mal cette œuvre et la considèrent comme abstraite simplement parce qu'elle est difficile à comprendre. distinguer ce qui est représenté ; surtout à la lumière de tant d’autres peintres qui essayaient intentionnellement de réaliser des œuvres abstraites en même temps.

Pablo Picasso Accordéoniste, 1911, Huile sur toile, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

L’intention compte-t-elle vraiment ?

On a souvent remarqué que lors de la lecture d’un poème, l’effet change si l’on connaît personnellement le poète. On pourrait facilement dire la même chose d’un tableau, d’un morceau de musique ou peut-être de n’importe quelle œuvre d’art. Même si les cubistes analytiques n'avaient pas l'intention de contribuer à l'essor de l'art purement abstrait, le spectateur occasionnel, qui ne les connaissait pas personnellement et qui ne connaissait rien de la théorie derrière leur travail, avait sans aucun doute des réactions à l'égard de leur œuvre qui n'avaient aucune corrélation. avec les intentions des artistes.

Que ce soit leur intention ou non, les cubistes analytiques ont aidé les purs abstractionnistes en préparant le public, y compris les critiques et les historiens, à accepter l'expérimentation de la structure et de la perspective. Leur travail semblait non figuratif, même s'il contenait néanmoins un sujet, donc en plus de ce que les cubistes analytiques voulaient faire ressentir aux spectateurs, ils ressentaient également d'autres choses, à un niveau subconscient. Cette contribution consistant à aider les spectateurs à contextualiser les réactions émotionnelles subconscientes à des images apparemment non représentatives a été la contribution la plus vitale du cubisme analytique à l’évolution de l’abstraction pure.

Oui, le cubisme analytique et l’abstraction pure étaient des forces opposées en termes d’intention. Mais en remettant en question le plan pictural et en déformant le sens de la réalité représentationnelle du public, le cubisme analytique complète l’abstraction pure et l’aide à être accepté dans le domaine public. Bien qu’apparemment opposées, ces deux manières radicalement différentes d’aborder l’art ont beaucoup contribué à leur succès mutuel.

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio