Comment le cubisme analytique a préfiguré l’abstraction pure

Ce qui semble être des forces opposées dans le monde se complètent en réalité. Ce fut le cas au tournant du XXe siècle entre deux grandes tendances simultanées dans le monde de l’art : le cubisme analytique et l’abstraction pure. D’un côté se trouvaient les artistes associés au cubisme analytique, des noms célèbres tels que Pablo Picasso et Georges Braque, des génies dédiés à la découverte d’une manière conceptuellement hyperréaliste de créer de l’art. De l’autre côté, les artistes liés à l’abstraction pure ; des personnes comme Wassily Kandinsky, qui cherchaient à découvrir un art complètement non figuratif. Bien que manifestement diamétralement opposées, ces deux approches différentes de la création artistique étaient inextricablement liées. En décomposant la réalité objective pour mieux la présenter, les cubistes analytiques ont aidé l’abstraction pure à trouver sa voix.

Qu’est-ce que le cubisme analytique ?

Lorsque les critiques d’art et les historiens parlent de cubisme analytique, ils font référence à une tendance en peinture qui est apparue entre 1908 et 1912. Avant cette période, les peintures étaient perçues comme bidimensionnelles (si elles manquaient de profondeur) ou tridimensionnelles (si elles donnaient une impression de profondeur grâce à des techniques comme le dégradé). Pendant cette période, un petit groupe d’artistes dirigé par Pablo Picasso et Georges Braque s’est lancé dans des expériences esthétiques révolutionnaires destinées à porter la peinture dans la quatrième dimension.

Les anciennes méthodes de peinture reposaient sur un artiste travaillant à partir d’un seul point de vue. Bien que cela convienne pour montrer une image momentanée d’un sujet, cela n’atteignait pas ce que Picasso considérait comme la réalité, perçue simultanément sous plusieurs angles. Pour obtenir une impression de mouvement et de passage du temps (la 4e dimension), Picasso et son collègue Braque ont abandonné l’usage de la perspective unique. Leur argument était que dans la vie réelle, nous percevons les objets sous une multitude de points de vue différents. Nous voyons quelque chose sous différents angles à différents moments de la journée, sous différentes lumières, parfois en mouvement, parfois immobile. Leurs expériences visaient à montrer leur sujet de cette manière plus réaliste, depuis une multitude de points de vue différents, tous en même temps.

Pablo Picasso - Portrait d’Ambroise Vollard, 1910, huile sur toile. 93 x 66 cm, Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou, © 2017 Succession Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Simultanéité

Leur terme pour ce type de peinture à perspectives multiples était simultanéité. Ils peignaient des fragments de leur sujet sous différents points de vue, dans différentes lumières et à différents moments de la journée, puis combinaient ces fragments sur un seul plan, montrant tous les points de vue en même temps sans en privilégier aucun. Pour renforcer cet effet, ils gardaient leur palette de couleurs simple et évitaient le dégradé ou toute autre technique qui ajouterait de la profondeur à l’image. Le résultat était une image aplatie, multi-vue, apparemment composée de formes géométriques simplifiées.

Pour un observateur occasionnel, une peinture cubiste analytique pourrait sembler abstraite. Mais le cubisme analytique n’était pas vraiment de l’abstraction ; c’était plutôt une forme de réalisme amplifié. Le résultat des expériences de Picasso et Braque était, selon eux, une représentation plus réaliste de leur sujet, du moins d’un point de vue conceptuel, sinon littéral. Un des premiers exemples de ce que nous appelons aujourd’hui le cubisme analytique est le Portrait d’Ambroise Vollard de Picasso, peint en 1909. On y voit clairement que le sujet est destiné à être figuratif, tandis que les différents points de vue, les différentes lumières et les différents plans nous donnent une impression de mouvement et de simultanéité qui renforcent notre compréhension de la présence du sujet.

Wassily Kandinsky - La Vache, 1910, huile sur toile, 95,5 cm x 105 cm

Pendant ce temps à Munich

La même année où Picasso peignait son Portrait d’Ambroise Vollard à Paris, Wassily Kandinsky, l’artiste bientôt reconnu comme l’inventeur de l’abstraction pure, était en Allemagne en train de mener ses propres expériences esthétiques. Kandinsky travaillait aussi sur l’idée de platitude et de simplification du vocabulaire esthétique, mais pour des raisons différentes de celles de Picasso et Braque. Kandinsky avait pour mission de créer des peintures complètement abstraites. Il croyait que, comme la musique instrumentale, l’art visuel pouvait avoir la capacité de communiquer des émotions plus profondes et peut-être un sens spirituel en communiquant sur un plan purement abstrait.

Les expériences de Kandinsky étaient une extension et un aboutissement de nombreuses tendances qui avaient eu lieu dans l’art depuis le milieu du XIXe siècle. Il décomposait la peinture en ses éléments essentiels, tels que la couleur, la ligne et la forme, et apprenait ce que chacun de ces éléments pouvait communiquer seul. Il croyait que ces éléments pouvaient être comparés à différentes notes, tonalités ou rythmes musicaux en ce qui concerne leur effet sur la psyché humaine. Un exemple du travail de Kandinsky de cette époque est sa peinture La Vache, qui, bien que clairement figurative, atteint un aplatissement de l’espace et une déconstruction radicale des éléments esthétiques de l’image.

Wassily Kandinsky - Sans titre (Première aquarelle abstraite), 1910, aquarelle, encre de Chine et crayon sur papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, France

Mondes qui se combinent

Ainsi, en France, Picasso et Braque aplatisaient leurs images et réduisaient leur vocabulaire esthétique afin de pouvoir représenter efficacement leur sujet de manière simplifiée depuis plusieurs points de vue différents. Et en Allemagne, Kandinsky cherchait aussi la platitude et la bidimensionnalité, et simplifiait aussi ses images, mais pour une raison différente. Plutôt que d’utiliser des formes géométriques pour renforcer la compréhension d’un sujet par le spectateur, Kandinsky et d’autres de sa pensée exploraient les significations que pouvaient avoir les formes géométriques utilisées indépendamment de tout sujet figuratif.

Quelqu’un ignorant le but des différentes expériences des artistes pourrait voir l’une ou l’autre de leurs peintures et en tirer une idée très différente de celle réellement voulue. Mais ces deux écoles de pensée étaient néanmoins très opposées dans leur intention. La même année où il peignait La Vache, Kandinsky fit une percée. Il combina ses propres théories sur l’instinct, la spiritualité et la couleur avec les théories des cubistes analytiques sur la platitude et la simplification géométrique et créa ce que la plupart des historiens considèrent aujourd’hui comme la première peinture purement abstraite : Sans titre (Première aquarelle abstraite).

Jean Metzinger - Heure du thé, 1911, huile sur carton, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, Collection Louise et Walter Arensberg, 1950, Philadelphie

Multiples simultanéités contemporaines

Il est amusant aujourd’hui d’imaginer l’agitation provoquée par Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Kandinsky et les peintures cubistes analytiques de Picasso et Braque, et le sentiment que beaucoup de peintres devaient avoir de devoir choisir un camp. Pendant les années suivantes, une multitude d’autres peintres adoptèrent le cubisme analytique et, avec Picasso et Braque, continuèrent à explorer la quatrième dimension dans leurs œuvres. Dans certains cas, leurs peintures devinrent de plus en plus simplifiées, montrant une vision claire de ce qu’était précisément le cubisme analytique. Par exemple, Heure du thé du peintre Jean Metzinger, considéré comme un exemple particulièrement direct, peut-être assez évident, de l’intention du cubisme analytique. Il illustre efficacement la simultanéité tout en s’appuyant sur un nombre limité de perspectives différentes.

D’autres cubistes analytiques réalisaient des œuvres allant dans l’autre sens, devenant plus denses et plus complexes, rendant de plus en plus difficile la reconnaissance du sujet. Un exemple est L’Accordéoniste de Pablo Picasso, peint en 1911. Bien que Picasso n’ait pas voulu que ce soit une peinture abstraite, beaucoup de spectateurs la considèrent encore aujourd’hui comme telle, simplement parce qu’il est difficile de distinguer ce qui est représenté ; surtout à la lumière de tant d’autres peintres qui cherchaient intentionnellement à faire des œuvres abstraites à la même époque.

Pablo Picasso L’Accordéoniste, 1911, huile sur toile, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Succession Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

L’intention compte-t-elle vraiment ?

On a souvent remarqué que lorsqu’on lit un poème, l’effet change si l’on connaît personnellement le poète. On pourrait dire la même chose d’une peinture, d’une pièce de musique, ou peut-être de toute œuvre d’art. Même si les cubistes analytiques ne cherchaient pas à contribuer à l’essor de l’art purement abstrait, le spectateur occasionnel qui ne les connaissait pas personnellement, et qui ignorait tout de la théorie derrière leur travail, a sans doute eu des réactions à l’œuvre sans aucun lien avec les intentions des artistes.

Qu’elle ait été leur intention ou non, les cubistes analytiques ont aidé les abstractionnistes purs en préparant le public, y compris les critiques et les historiens, à accepter l’expérimentation avec la structure et la perspective. Leur travail semblait non figuratif, bien qu’il contînt néanmoins un sujet, si bien qu’en plus de ce que les cubistes analytiques voulaient que les spectateurs ressentent, ceux-ci ont aussi ressenti d’autres choses, à un niveau subconscient. Cette contribution, qui a aidé les spectateurs à contextualiser leurs réactions émotionnelles subconscientes face à des images apparemment non figuratives, fut la contribution la plus importante du cubisme analytique à l’évolution de l’abstraction pure.

Oui, le cubisme analytique et l’abstraction pure étaient des forces opposées en termes d’intention. Mais en remettant en cause le plan pictural et en déformant la perception publique de la réalité figurative, le cubisme analytique a complété l’abstraction pure et l’a aidée à être acceptée dans le domaine public. Bien que semblant opposées, ces deux manières radicalement différentes d’aborder l’art ont beaucoup contribué au succès l’une de l’autre.

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio