La psychologie derrière la forme et la forme

Pourquoi l’art abstrait séduit-il ? Souvent considéré comme un langage visuel de forme, de couleur et de forme, il y a quelque chose de très particulier dans l’attirance pour une œuvre d’art abstraite. Il existe plusieurs théories visant à expliquer la psychologie derrière le plaisir du spectateur et la création de l’artiste face à l’art abstrait. Les effets du traumatisme chez les artistes peuvent souvent être observés dans un changement notable vers l’abstraction : Willem de Kooning a continué à peindre après avoir développé la maladie d’Alzheimer, après quoi son style est devenu de plus en plus abstrait. L’exemple de de Kooning, et de bien d’autres comme lui, démontre que l’art peut donner un aperçu des changements du cerveau humain qui modifient l’expression et la perception. Dans le rapport suivant, nous aborderons certaines des théories psychologiques attachées à l’art abstrait.

Neuroesthétique : introduire l'objectivité scientifique dans l'étude de l'art

Au cours des années 1990, Semir Zeki, neuroscientifique de la vision de l'University College London, a fondé la discipline connue sous le nom de neuroesthétique qui examine, à partir d'une base neurologique, le succès relatif de différentes techniques artistiques. Plusieurs études scientifiques examinant le raisonnement derrière l’attrait pour l’œuvre abstraite ont conclu que l’étude de ce genre d’art stimule une activité neuronale très active alors que le spectateur lutte pour identifier des formes familières, rendant ainsi l’œuvre « puissante ». Considérant l’œuvre comme un puzzle, le cerveau se réjouit lorsqu’il parvient à « résoudre » cette problématique (Pepperell, Ishai).

Une étude particulière, dirigée par Angelina Hawley-Dolan du Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volume 22, page 435), se demandait si l'art abstrait, créé par des artistes professionnels, serait aussi agréable à l'œil qu'un groupe de lignes aléatoires et couleurs faites par des enfants ou des animaux. Hawley-Donan a demandé à des volontaires de regarder une peinture d'un célèbre artiste abstrait et une autre d'un amateur, un enfant, un chimpanzé ou un éléphant, sans savoir au préalable lequel était lequel. Les bénévoles préféraient généralement les œuvres des artistes professionnels, même lorsque le label leur disait qu'elles avaient été créées par un chimpanzé. L’étude conclut donc que lorsqu’on regarde une œuvre, nous sommes capables – même si nous ne pouvons pas dire pourquoi – de ressentir la vision de l’artiste. L’étude de Hawley-Dolan fait suite aux découvertes selon lesquelles les images floues de l’art impressionniste stimulent l’amygdale du cerveau, qui joue un rôle central dans les sentiments et les émotions. Cependant l’art abstrait, qui cherche souvent à supprimer tout élément interprétable, n’entre pas dans cette catégorie.

S'inspirant de cette étude, Kat Austen dans New Scientist (14 juillet 2012), interroge l'attrait de l'art abstrait, inspirée par l'effet de la vision d'une œuvre de Jackson Pollock, Summertime: Number 9A qui, écrit-elle, était la première fois qu'une œuvre d'art abstrait avait ému ses émotions. Austen soulève l'hypothèse que les œuvres d'art abstrait qui ne contiennent apparemment aucun objet reconnaissable pour le cerveau – à savoir Rothko, Pollock et Mondrian – peuvent avoir un effet grâce à des compositions bien équilibrées car elles font appel à, ou "détournent", le système visuel du cerveau.

Dans une étude menée par Oshin Vartanian de l'Université du Canada, dans laquelle le chercheur a demandé à des volontaires de comparer une série de peintures originales à une série dont la composition avait été modifiée, Vartanian a découvert que nous avons une réaction accrue aux motifs et à la composition. Presque tous les volontaires ont préféré l'œuvre originale, même lorsqu'ils travaillaient avec des styles aussi divers qu'une nature morte de Van Gogh et Bleu I de Miró. Les résultats suggèrent que le spectateur est intrinsèquement conscient de l’intention spatiale derrière les compositions particulières des peintures.

Pour revenir à Austen, elle s'appuie également sur les découvertes d'Alex Forsythe, psychologue à l'Université de Liverpool, qui a établi un lien entre les formes utilisées dans l'art abstrait et la capacité du cerveau à traiter des scènes complexes, en faisant référence aux travaux de Manet. et Pollock. En utilisant un algorithme de compression pour mesurer la complexité visuelle des œuvres d’art et stocker des images complexes, Forsythe a conclu que certains artistes peuvent utiliser cette complexité pour faire appel au besoin de détail du cerveau. Forsythe a également exploré l’attrait du cerveau pour les motifs fractals et l’attrait de l’art abstrait. Ces motifs répétitifs, tirés de la nature, peuvent faire appel au système visuel humain qui a évolué à l'extérieur, et Forsythe explique que les artistes abstraits peuvent utiliser la couleur pour « apaiser une expérience négative que nous aurions normalement lorsque nous rencontrions un contenu fractal trop élevé ». Austen souligne que la neuroesthétique en est encore à ses balbutiements et qu’il est peut-être trop tôt pour faire des déclarations radicales. Cependant, les multiples théories abordées dans ce domaine d’étude nous donnent un meilleur aperçu de l’attrait visuel de l’art abstrait. Certains scientifiques ont notamment estimé que le cerveau pourrait être attiré par le travail d’artistes tels que Pollock, car nous traitons le mouvement visuel – comme une lettre manuscrite – comme s’il rejouait la création. Cela pourrait être une compréhension du dynamisme perçu des œuvres de Pollock, dont la production énergique est revécue par le spectateur.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Charbon et eau sur papier. 63,5 x 101,6 cm.

Vassily Kandinsky : Du spirituel dans l'art

Revenons maintenant à environ un siècle en arrière, à l'un des leaders de l'Expressionnisme allemand, connu pour son rôle d'artiste synesthésique : Kandinsky a joué un rôle central dans les théories du début du 20ème siècle sur la psychologie derrière l'art abstrait. Son livre « Du spirituel dans l'art », publié en 1911, est devenu le texte fondateur de la peinture abstraite et a exploré en détail les propriétés émotionnelles de la forme, de la ligne et de la couleur. La synesthésie de Kandinsky se manifestait par sa sensibilité anormale à la couleur et sa capacité non seulement à la voir, mais aussi à l'entendre. Pour cette raison, il a raisonné qu'une peinture devait échapper à l'analyse intellectuelle et être autorisée à atteindre les parties du cerveau liées au traitement de la musique. Kandinsky croyait que la couleur et la forme étaient les deux moyens fondamentaux par lesquels un artiste pouvait atteindre l'harmonie spirituelle dans la composition et il a ainsi séparé la création et la perception de l'art en deux catégories : nécessité interne et nécessité externe. En faisant référence à Cézanne, Kandinsky a suggéré que l'artiste créait la juxtaposition de formes linéaires et coloristes pour créer l'harmonie, un principe de contraste que Kandinsky a parié était le "principe le plus important dans l'art à toutes les époques". Nous pouvons appliquer l'un des principes de Kandinsky, tel que discuté dans ce travail académique, à la pratique artistique de Jackson Pollock, qui plaçait des toiles au sol et y faisait couler de la peinture d'en haut. Pour Kandinsky, l'artiste ne doit pas adhérer aux règles de l'art et doit être libre de s'exprimer par tous les moyens possibles : un facteur essentiel pour la nécessité interne. Selon Edward Lavine, la peinture, pour Pollock, "devenait une expérience [in] laquelle l'œuvre a des exigences propres qui existent indépendamment de la personnalité du peintre. Ces exigences semblent souvent nécessiter l'abandon du choix personnel au profit de la nécessité intérieure de l'œuvre." (Les résonances mythiques dans l'œuvre de Jackson Pollock) Dans une certaine mesure, cette théorie contredit celle de Forsythe et d'autres mentionnés, car elle implique que l'artiste a un choix limité dans la création de l'œuvre. Néanmoins, elle démontre le pouvoir du processus de création de l'art abstrait.

Anya Spielman - Bury, 2010. Huile sur papier. 28 x 25,4 cm.

Décalage de pointe

L’idée de base derrière le principe du Peak-Shift est que les animaux peuvent répondre dans une plus grande mesure à un stimulus plus exagéré qu’à un stimulus normal. Le concept, formulé à l'origine par l'éthologue Nikolaas Tinbergen, a été appliqué par V.S. Ramachandran et William Hirstein dans l'article de 1999 The Science of Art, qui ont appliqué l'expérience des mouettes - selon laquelle les poussins picorent tout aussi facilement un rouge. une tache sur le bec d'une mère, comme un bâton avec trois bandes rouges au bout - pour démontrer que les poussins réagissent à un « super stimulus », représenté ici par la quantité de rouge contours. Pour les deux hommes, ce bâton au bout rouge s'apparenterait, disons, à un chef-d'œuvre de Picasso en ce qui concerne le niveau de réponse atteint par le spectateur.

Ramachandran a soutenu que les artistes abstraits manipulent cette théorie pour obtenir les résultats les plus positifs, en identifiant l'essence de ce qu'ils veulent représenter, en l'exagérant et en se débarrassant de tout le reste. Selon Ramachandran, notre réponse à l'art abstrait est un changement radical d'une réponse basique à un stimulus original, même si le spectateur ne se souvient pas de ce qu'était le stimulus original.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Huile sur toile. 60 x 54 in.

Lésions cérébrales et abstraction

Pour revenir à de Kooning, des études ont montré que le cerveau ne possède pas un seul centre artistique, mais qu'il utilise les deux hémisphères pour créer de l'art, ce qui peut avoir un effet sur la capacité artistique ou sur la nature de la production artistique suite à une lésion cérébrale ou à une maladie neurodégénérative. maladie. Selon Anjan Chatterjee pour The Scientist, des lésions du côté droit du cerveau peuvent entraîner une déficience du traitement spatial, conduisant souvent à l'adoption d'un style expressif qui n'exige pas le même degré de réalisme. De même, des lésions cérébrales du côté gauche du cerveau peuvent inciter les artistes à utiliser des couleurs plus vives dans leur travail et à modifier le contenu de leurs images. Le style de l’artiste californienne Katherine Sherwood a été jugé plus « brut » et « intuitif » par les critiques à la suite d’un accident vasculaire cérébral hémorragique de l’hémisphère gauche. Ne se limitant pas à la production artistique, les lésions cérébrales peuvent également altérer l'appréciation de l'art, explique Chatterjee. Plus précisément, les lésions du lobe frontal droit peuvent altérer le jugement de l'abstraction, du réalisme et du symbolisme, et les lésions du lobe pariétal droit peuvent affecter le jugement de l'animation et du symbolisme.

Gary Paller - 20 (2015) Bleu, 2015. 59,1 x 45,7 in

Le prestige avant la production

Il existe des preuves significatives suggérant que nous réagissons plus positivement à l'art en fonction de la façon dont nous le vivons. Lorsqu'on leur présente une œuvre d'art abstrait, les gens la jugent plus attrayante lorsqu'on leur dit qu'elle provient d'un musée que lorsqu'ils croient qu'elle a été générée par ordinateur, même si les images sont identiques. Celui-ci fonctionne à différents niveaux psychologiques, en stimulant la partie du cerveau qui traite la mémoire épisodique – l'idée d'aller au musée – et le cortex orbitofrontal, qui répond plus positivement à l'élément de statut ou d'authenticité d'une œuvre qu'à son un véritable contenu sensoriel, suggérant que la connaissance, et non l'image visuelle, joue un rôle clé dans notre attirance pour l'art abstrait. De même, il se pourrait que nous prenions plus de plaisir à mémoriser des informations sur l’art et la culture.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acrylique sur toile. 70 x 100 cm. 

L’art abstrait séduit les artistes

D'autres études ont montré pourquoi l'art abstrait peut plaire davantage à des groupes spécifiques de personnes, à savoir les artistes. En enregistrant les rythmes électriques se produisant dans le cerveau de non-artistes et d’artistes, une étude a montré que le parcours artistique du sujet influençait grandement le traitement de l’art abstrait, révélant que les artistes faisaient preuve d’une attention concentrée et d’un engagement actif avec l’information. Une théorie suggère que cela pourrait être dû au fait que le cerveau utilise la mémoire pour se souvenir d’autres œuvres afin de donner un sens au stimulus visuel. C’est ce sentiment de rappel et un processus à plusieurs niveaux de recherche de reconnaissance qui semblent donner à l’art abstrait une grande partie de son attrait durable. Depuis les travaux exploratoires de Kandinsky de 1911 jusqu'au concept de Peak-Shift et à l'étude contemporaine de la neuroesthétique, la psychologie de l'art abstrait est un domaine d'étude vaste et en constante évolution qui affirme l'intérêt constant de chercher à décoder, expliquer et apprécier art abstrait. 

Image en vedette : John Monteith - Tableau n°3, 2014, 47,2 x 35,4 pouces