La psychologie derrière la forme et la forme

Pourquoi l’art abstrait séduit-il ? Souvent considéré comme un langage visuel de formes, couleurs et volumes, il y a quelque chose de très particulier dans l’attrait pour une œuvre d’art abstraite. Plusieurs théories existent pour expliquer la psychologie derrière le plaisir du spectateur et la création de l’artiste face à l’art abstrait. Les effets d’un traumatisme chez les artistes peuvent souvent se traduire par un virage marqué vers l’abstraction : célèbrement, Willem de Kooning a continué à peindre après avoir développé la maladie d’Alzheimer, après quoi son style est devenu de plus en plus abstrait. L’exemple de de Kooning, et de bien d’autres comme lui, montre que l’art peut offrir un aperçu des changements du cerveau humain qui modifient l’expression et la perception. Dans le rapport qui suit, nous aborderons quelques-unes des théories psychologiques liées à l’art abstrait.

Neuroesthétique : introduire l’objectivité scientifique dans l’étude de l’art

Dans les années 1990, le neuroscientifique de la vision Semir Zeki de l’University College London a fondé la discipline appelée neuroesthétique qui examine, sur une base neurologique, le succès relatif de différentes techniques artistiques. Plusieurs études scientifiques portant sur les raisons de l’attrait pour l’art abstrait ont conclu que l’étude de ce genre stimule une activité neuronale très intense, le spectateur cherchant à identifier des formes familières, rendant ainsi l’œuvre « puissante ». Considérant l’œuvre comme un casse-tête, le cerveau est satisfait lorsqu’il parvient à « résoudre » ce problème (Pepperell, Ishai).

Une étude particulière, menée par Angelina Hawley-Dolan du Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volume 22, page 435), s’est interrogée sur le fait de savoir si l’art abstrait, créé par des artistes professionnels, serait aussi plaisant à l’œil qu’un groupe de lignes et de couleurs aléatoires réalisées par des enfants ou des animaux. Hawley-Dolan a demandé à des volontaires d’observer un tableau d’un artiste abstrait célèbre, et un autre d’un amateur, enfant, chimpanzé ou éléphant, sans savoir lequel était lequel. Les volontaires ont généralement préféré l’œuvre des artistes professionnels, même lorsque l’étiquette leur indiquait qu’elle avait été créée par un chimpanzé. L’étude a donc conclu que, face à une œuvre, nous sommes capables – bien que nous ne sachions pas pourquoi – de percevoir la vision de l’artiste. L’étude de Hawley-Dolan faisait suite aux découvertes selon lesquelles les images floues de l’art impressionniste stimulent l’amygdale du cerveau, qui joue un rôle central dans les sentiments et les émotions. Cependant, l’art abstrait, qui cherche souvent à éliminer tout élément interprétable, ne relève pas de cette catégorie.

S’inspirant de cette étude, Kat Austen dans New Scientist (14 juillet 2012), interroge l’attrait de l’art abstrait, inspirée par l’effet de la contemplation d’une œuvre de Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, qui, écrit-elle, fut la première fois qu’une œuvre d’art abstrait a éveillé ses émotions. Austen avance l’hypothèse que les œuvres d’art abstrait qui semblent ne contenir aucun objet reconnaissable pour le cerveau – notamment Rothko, Pollock et Mondrian – peuvent agir par des compositions bien équilibrées qui séduisent, ou « détournent », le système visuel du cerveau.

Dans une étude menée par Oshin Vartanian à l’Université du Canada, où le chercheur a demandé à des volontaires de comparer une série de peintures originales à une version dont la composition avait été modifiée, Vartanian a découvert que nous avons une réponse accrue aux motifs et à la composition. Presque tous les volontaires ont préféré l’œuvre originale, même en travaillant avec des styles aussi divers qu’une nature morte de van Gogh et Bleu I de Miró. Les résultats suggèrent que le spectateur est intrinsèquement conscient de l’intention spatiale derrière les compositions particulières des tableaux.

Pour revenir à Austen, elle considère aussi les conclusions d’Alex Forsythe, psychologue à l’Université de Liverpool, qui a établi un lien entre les formes utilisées dans l’art abstrait et la capacité du cerveau à traiter des scènes complexes, en faisant référence au travail de Manet et Pollock. Utilisant un algorithme de compression pour mesurer la complexité visuelle des œuvres d’art et stocker des images complexes, Forsythe a conclu que certains artistes peuvent utiliser cette complexité pour répondre au besoin du cerveau de détails. Forsythe a également exploré l’attrait du cerveau pour les motifs fractals et l’attrait de l’art abstrait. Ces motifs répétitifs, tirés de la nature, peuvent séduire le système visuel humain qui a évolué en plein air, et Forsythe avance que les artistes abstraits peuvent utiliser la couleur pour « apaiser une expérience négative que nous aurions normalement en rencontrant un contenu fractal trop élevé ». Austen souligne que la neuroesthétique en est encore à ses débuts, et qu’il est peut-être trop tôt pour faire des affirmations générales. Cependant, les multiples théories abordées dans ce domaine d’étude nous offrent un meilleur aperçu de l’attrait visuel de l’art abstrait. Notamment, certains scientifiques ont avancé que le cerveau peut être attiré par les œuvres d’artistes comme Pollock, car nous traitons le mouvement visuel – comme une lettre manuscrite – comme si nous revivions la création. Cela pourrait être une explication du dynamisme perçu des œuvres de Pollock, dont la production énergique est revécue par le spectateur.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Fusain et eau sur papier. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky : De l’esprit dans l’art

Revenons maintenant à environ un siècle en arrière, à l’un des chefs de file de l’expressionnisme allemand, connu pour son rôle d’artiste synesthète : Kandinsky a joué un rôle central dans les théories du début du XXe siècle sur la psychologie de l’art abstrait. Son livre « De l’esprit dans l’art », publié en 1911, est devenu le texte fondamental de la peinture abstraite et explorait en détail les propriétés émotionnelles de la forme, de la ligne et de la couleur. La synesthésie de Kandinsky se manifestait par sa sensibilité anormale à la couleur et sa capacité non seulement à la voir, mais aussi à l’entendre. Pour cette raison, il estimait qu’un tableau devait échapper à l’analyse intellectuelle et être plutôt autorisé à atteindre les parties du cerveau liées au traitement de la musique. Kandinsky croyait que la couleur et la forme étaient les deux moyens fondamentaux par lesquels un artiste pouvait atteindre l’harmonie spirituelle dans la composition et il séparait ainsi la création et la perception de l’art en deux catégories : nécessité interne et nécessité externe. Faisant référence à Cézanne, Kandinsky suggérait que l’artiste créait la juxtaposition de formes linéaires et colorées pour créer l’harmonie, un principe de contraste que Kandinsky considérait comme « le principe le plus important en art à toutes les époques ». Nous pouvons appliquer l’un des principes de Kandinsky, tel que discuté dans ce travail académique, à la pratique artistique de Jackson Pollock, qui plaçait ses toiles au sol et y laissait couler la peinture d’en haut. Pour Kandinsky, l’artiste ne doit pas se conformer aux règles de l’art et doit être libre de s’exprimer par tous les moyens possibles : un facteur essentiel pour la nécessité interne. Selon Edward Lavine, la peinture, pour Pollock, « devient une expérience [dans laquelle] l’œuvre a des exigences propres qui existent indépendamment de la personnalité du peintre. Ces exigences semblent souvent nécessiter l’abandon du choix personnel au profit de la nécessité intérieure de l’œuvre. » (Mythical overtones in the work of Jackson Pollock) Dans une certaine mesure, cette théorie contredit celle de Forsythe et d’autres mentionnées, car elle implique que l’artiste a un choix limité dans la création de l’œuvre. Néanmoins, elle démontre la puissance du processus de création de l’art abstrait.

Anya Spielman - Bury, 2010. Huile sur papier. 28 x 25,4 cm.

Effet de décalage maximal

L’idée de base derrière le principe de décalage maximal est que les animaux peuvent réagir davantage à un stimulus exagéré qu’à un stimulus normal. Le concept, initialement formulé par l’éthologue Nikolaas Tinbergen, a été appliqué par V.S. Ramachandran et William Hirstein dans l’article de 1999 The Science of Art, qui a utilisé l’expérience de la mouette – selon laquelle les poussins picorent aussi volontiers une tache rouge sur le bec de leur mère qu’un bâton avec trois bandes rouges à son extrémité – pour démontrer que les poussins réagissent à un « super-stimulus », ici représenté par la quantité de contour rouge. Pour ces deux chercheurs, ce bâton à l’extrémité rouge serait comparable, par exemple, à un chef-d’œuvre de Picasso en ce qui concerne le niveau de réponse suscité chez le spectateur.

Ramachandran a soutenu que les artistes abstraits manipulent cette théorie pour obtenir les résultats les plus positifs, en identifiant l’essence de ce qu’ils veulent représenter, en l’exagérant et en éliminant tout le reste. Selon Ramachandran, notre réponse à l’art abstrait est un décalage maximal à partir d’une réponse de base à un stimulus original, même si le spectateur ne se souvient pas de ce qu’était le stimulus original.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Huile sur toile. 60 x 54 pouces.

Dommages cérébraux et abstraction

Pour revenir à de Kooning, des études ont montré que le cerveau ne possède pas un centre unique dédié à l’art, mais utilise les deux hémisphères pour créer, ce qui peut avoir un effet sur la capacité artistique ou sur la nature de la production artistique après un dommage cérébral ou une maladie neurodégénérative. Selon Anjan Chatterjee pour The Scientist, une lésion du côté droit du cerveau peut entraîner une altération du traitement spatial, conduisant souvent à l’adoption d’un style expressif ne nécessitant pas le même degré de réalisme. De même, un dommage au côté gauche du cerveau peut inciter les artistes à utiliser des couleurs plus vives dans leurs œuvres et à modifier le contenu de leurs images. Le style de l’artiste californienne Katherine Sherwood a été jugé plus « brut » et « intuitif » par les critiques après un accident vasculaire cérébral hémorragique de l’hémisphère gauche. Ne se limitant pas à la production artistique, les lésions cérébrales peuvent aussi modifier l’appréciation de l’art, explique Chatterjee. Plus précisément, une lésion du lobe frontal droit peut altérer le jugement de l’abstraction, du réalisme et du symbolisme, et une lésion du lobe pariétal droit peut affecter le jugement de l’animation et du symbolisme.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 pouces

Le prestige plutôt que la production

Il existe des preuves importantes suggérant que nous réagissons plus positivement à l’art en fonction de la manière dont nous en faisons l’expérience. Lorsqu’on présente une œuvre d’art abstrait, les gens la jugent plus attrayante lorsqu’on leur dit qu’elle provient d’un musée que lorsqu’ils croient qu’elle a été générée par ordinateur, même si les images sont identiques. Cela agit à plusieurs niveaux psychologiques, stimulant la partie du cerveau qui traite la mémoire épisodique – l’idée d’aller au musée – et le cortex orbitofrontal, qui réagit plus positivement à l’élément de statut ou d’authenticité d’une œuvre qu’à son contenu sensoriel réel, suggérant que la connaissance, et non l’image visuelle, joue un rôle clé dans notre attrait pour l’art abstrait. De même, il se peut que nous tirions plus de plaisir à nous souvenir d’informations sur l’art et la culture.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acrylique sur toile. 70 x 100 cm. 

L’art abstrait séduit les artistes

D’autres études ont montré pourquoi l’art abstrait peut séduire plus vivement certains groupes de personnes, notamment les artistes. En enregistrant les rythmes électriques dans le cerveau de non-artistes et d’artistes, une étude a montré que le parcours artistique du sujet influençait grandement le traitement de l’art abstrait, révélant que les artistes faisaient preuve d’attention concentrée et d’engagement actif avec l’information. Une théorie suggère que cela peut être dû au fait que le cerveau utilise la mémoire pour rappeler d’autres œuvres afin de donner un sens au stimulus visuel. C’est ce sens du rappel et ce processus à plusieurs niveaux de recherche de reconnaissance qui semblent conférer à l’art abstrait une grande part de son attrait durable. De l’œuvre exploratoire de Kandinsky en 1911, au concept de décalage maximal, jusqu’à l’étude contemporaine de la neuroesthétique, la psychologie de l’art abstrait est un vaste domaine d’étude en constante évolution qui confirme l’intérêt durable à chercher à déchiffrer, expliquer et apprécier l’art abstrait. 

Image en vedette : John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 pouces