La beauté trouvée dans les portraits cubistes

En 1878, Margaret Wolfe Hamilton, dans son roman Molly Bawn, a inventé l'un des sentiments les plus appréciés de l'humanité : « La beauté est dans l'œil de celui qui regarde. » Trois ans plus tard, Picasso est né. Bien que Hamilton soit morte de la fièvre typhoïde dix ans avant que l'un d'eux ne soit peint, ses mots semblent faits sur mesure pour les portraits cubistes. Même si beaucoup de ceux qui les ont vus pour la première fois en ont été choqués, et ont même trouvé d'affreuses défigurations, pour beaucoup d'autres, les portraits cubistes étaient la manifestation parfaite de quelque chose de transformateur, de beau et de nouveau.

Premiers portraits cubistes

Pour Pablo Picasso, le portrait était un sujet favori tout au long de sa carrière. Lorsque lui et Georges Braque étaient aux premiers stades du développement du cubisme, ils se concentraient sur le paysage, la nature morte et le portrait comme leurs sujets clés. Braque parlait de leur quête pour représenter l'espace. Y avait-il quelque chose sur le visage humain qui se prêtait parfaitement à une telle quête ? Ou peut-être que les traits humains se prêtaient particulièrement bien à la dissection le long de plusieurs plans linéaires, ou à la représentation de plusieurs points de vue.

Georges BraqueTête de femme, 1909, huile sur toile, 33 x 41 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, France

Georges Braque – Tête de femme 

L'un des premiers portraits cubistes était Tête de femme, peint par Georges Braque en 1909. Ce sujet et ce titre exact seraient repris de nombreuses fois par Braque et Picasso, se manifestant sous forme de peintures, collages et même sculptures. Dans l'exploration initiale du sujet par Braque, nous voyons les éléments essentiels de la pensée cubiste explorés dans des détails simples et élégants. Les yeux montrés de dessus sont mélancoliques, tandis que le visage levé montre de la force et une force tranquille. Le sérieux transparaît dans l'ombre de son front tandis que la douce lumière bleue de la lune sur le côté droit de ses lèvres révèle une gentillesse sensuelle.

Avec Head of a Woman, Braque réussit non seulement à capturer plusieurs points de vue et à créer un sens du temps et de l'espace, mais il utilise chacun des différents points de vue pour explorer des éléments simultanés du caractère de son sujet. En tant que l'un des premiers portraits cubistes, cette œuvre se distingue également par sa palette de couleurs riche. Au fil du temps, la palette cubiste est devenue plus monotone, mais ici, dans cette image, nous avons des bleus, des rouges, des jaunes et des bruns cohabitant dans la même image, ajoutant une richesse et une chaleur directes à la pièce.

Depuis cette même année, nous avons ce portrait de Picasso, également intitulé Tête de femme. L'ambiance générale de l'œuvre, combinée aux lèvres pincées et à certains éléments de l'éclairage, suggère qu'il pourrait s'agir de la même femme, lors de la même séance. Mais les choix de Picasso concernant les plans spatiaux à assombrir et ceux à éclaircir, ainsi que les caractéristiques à mettre en avant, changent radicalement le comportement du sujet. Dans les yeux, de la tristesse. Vu d'en bas, les épaules semblent affaissées, désespérées. Vu sous plusieurs angles simultanés, le visage est tordu dans la perplexité.

Comme pour la Tête de femme de Braque de la même année, cette œuvre de Picasso contient une palette de couleurs relativement vives, incorporant des jaunes, des verts, des oranges et des bleus. La beauté de cette pièce réside dans son obscurité et ses qualités atmosphériques maussades. Picasso utilise la simultanéité non pas pour démontrer une gamme d'émotions ou une multiplicité de traits de caractère, mais utilise plutôt des points de vue différents pour montrer une similitude relative, une tristesse cumulative évidente sous tous les angles.

Pablo Picasso - Portrait de Wilhelm Uhde, 1910, Huile sur toile, 81 x 60 cm, Collection Joseph Pulitzer

Les premiers portraits de Picasso 

En 1910, Picasso peint ce portrait de l'un de ses premiers collectionneurs, le marchand d'art Wilhelm Uhde. Lorsque Picasso a peint ce portrait, Uhde possédait déjà un nombre important de ses œuvres, dont au moins trois portraits cubistes (Buste de femme, Nu assis et Fille à la mandoline). Dans son portrait d'Uhde, comme dans sa précédente Tête de femme, Picasso utilise la simultanéité pour transmettre le sentiment cumulatif d'une émotion unique chez son sujet. Quel que soit le point de vue dont il s’inspire, il semble qu’il se résume à une seule chose : le sérieux.

Ce portrait démontre la palette de couleurs réduite qui a rapidement envahi l'œuvre cubiste au cours de ces années. La palette simplifiée concentre toute notre attention sur le sujet, et permet également de mieux apprécier un autre élément essentiel du cubisme : l'utilisation de la ligne. Dans ce portrait, nous voyons comment chaque ligne répond à toutes les autres lignes, se tirant mutuellement vers le vortex émotionnel du visage froissé d’Uhde. La planéité bidimensionnelle crée une sensation subtile de mouvement vers l'avant tandis que les lignes créent simultanément une impression comique selon laquelle le sujet s'effondre sur lui-même.

Pablo Picasso Tête de femme, 1909, huile sur toile, 60,3 x 51,1 cm, Museum of Modern Art, New York

Jean Metzinger et Juan Gris

Jean Metzinger était un peintre divisionniste qui s’est tourné vers le cubisme dès le début du développement de son style. Écrivain passionné, il est devenu l’un des principaux théoriciens du cubisme, comparant son approche de la représentation de l’espace aux théories mathématiques non euclidiennes. Dans ce portrait de 1911, Metzinger atteint un sens unique de dimensionnalité. Par le placement sélectif de touches de couleur et l'utilisation d'un nombre limité de perspectives, il représente d'une manière ou d'une autre un espace à deux, trois et quatre dimensions. L’œuvre semble plate, et pourtant le sujet semble également émerger de la surface, et en même temps, elle a l’impression d’être en mouvement, de se déplacer dans l’espace, de tourner.

Un ami de Picasso et Braque depuis 1906, Juan Gris a pris les théories cubistes dans une direction esthétique unique parfois appelée cristalline. Dans ce portrait que Gris a peint de Picasso, les différents points de vue ont une nature uniforme, comme s'ils étaient tirés de différentes réflexions à la surface d'un diamant. Sa palette de couleurs limitée, plutôt que d'assombrir l'image, fournit un sens de luminosité. Et bien que la planéité soit vitale pour cette œuvre, son choix de l'endroit où concentrer ses bleus ajoute un effet artificiel indiquant que Picasso est au premier plan, ce qui a du sens pour cet hommage évident.

Jean Metzinger - Portrait de Madame Metzinger, 1911, Crayon et encre sur papier, 22,6 x 15,7 cm, © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

La beauté et le cubisme

Il est facile d’imaginer comment un monde conditionné à un type particulier de beauté esthétique aurait pu rejeter l’idée que ces premiers portraits cubistes étaient beaux. Mais avec le recul, nous pouvons voir à quel point ces œuvres ont contribué à détourner le regard de la culture de la recherche de la beauté uniquement dans le sujet. Dans ces œuvres, nous trouvons la beauté des lignes, des ombres, des formes et des dimensions. Nous découvrons des liens émotionnels avec les éléments de la peinture, pas seulement avec le sujet. Au-delà de la beauté inhérente à ces œuvres, il y a aussi quelque chose de beau là-dedans.

Image en vedette : Juan Gris - Portrait de Picasso, 1912, huile sur toile, 36,73 po x 29,29 po, Art Institute of Chicago, Chicago, IL
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio