10 artistes abstraits sud-américains à suivre en 2025

L'art abstrait sud-américain connaît une renaissance remarquable, propulsée par une validation sans précédent du marché et une reconnaissance institutionnelle mondiale.

Cette résurgence n'est pas simplement une tendance curatoriale ; elle est quantifiée par les prix d'enchères en forte hausse pour des maîtres du milieu du siècle comme Lygia Pape et Hélio Oiticica et consolidée par la représentation des domaines historiques et des praticiens contemporains par des galeries mondiales d'élite telles que Hauser & Wirth, Pace et David Zwirner.

Parallèlement, des musées tels que le Getty et le Museum of Modern Art ont entrepris de sérieuses réévaluations savantes de mouvements comme le Néo-Concrétisme et l'Art Cinétique, les faisant passer de la périphérie au centre de l'histoire mondiale de l'art.

Les dix artistes mis en avant ici sont les héritiers et innovateurs de cette tradition revitalisée, exploitant son langage visuel puissant pour explorer les questions contemporaines d'identité, de matérialité et de lieu.

Ad Minoliti (Argentine)

Ad Minoliti (né en 1980) s'est imposé comme l'une des voix les plus innovantes de l'abstraction sud-américaine contemporaine, créant ce qu'ils appellent des œuvres « post-géométriques » qui utilisent « la géométrie et la couleur pour construire des fictions spéculatives non binaires ». Leur grande exposition « Manifestación pluriversal » au Contemporary Art Museum St. Louis (septembre 2024-février 2025) a présenté au public américain leur approche distinctive de l'abstraction en tant que pratique sociale.

Le travail de Minoliti s'inspire de la riche tradition argentine de l'abstraction géométrique tout en réimaginant complètement ses possibilités. Leurs « palettes de bonbons » et leurs investigations formelles ludiques créent ce que The Guardian a décrit comme une « géométrie non binaire » : des œuvres abstraites qui défient la pensée binaire traditionnelle par des moyens purement visuels. Les projets récents ont exploré des thèmes tels que la queerness, le féminisme et les futurs spéculatifs, démontrant comment l'art abstrait peut s'engager dans les enjeux sociaux contemporains.

Leur exposition « Nature is Queer » (2024) et leur participation à « The Feminist School of Painting » à la Galerie Crèvecoeur témoignent de leur reconnaissance internationale croissante. Le travail de Minoliti représente une nouvelle génération d'artistes sud-américains utilisant l'abstraction pour imaginer des futurs alternatifs et remettre en question les structures sociales établies.

Bruno Dunley (Brésil)

Bruno Dunley (né en 1984, Petrópolis) s'est imposé comme ce que les critiques appellent un « peintre des peintres » : un artiste dont le travail démontre une profonde compréhension des propriétés fondamentales de la peinture tout en poussant le médium vers de nouveaux territoires. Sa récente exposition solo « Pequenas Alegrias » (Petites Joies) à Nara Roesler Rio de Janeiro (avril-juin 2024) a mis en lumière son approche mature de l'abstraction comme un processus de révision et de raffinement constants.

Les peintures de Dunley se révèlent lentement, construites par des couches d'application, d'édition et d'effacement. Ses gestes mesurés créent des œuvres qui semblent osciller entre représentation et abstraction pure, avec des formes suggérant paysage, architecture ou émotion pure selon la perspective du spectateur. Les critiques ont noté la relation de son travail à la fois avec les investigations géométriques d'Alfredo Volpi et les approches plus picturales d'artistes européens contemporains comme Luc Tuymans.

Son exposition de 2023 « Clouds » à Nara Roesler New York explorait l'abstraction comme « un événement abstrait », examinant comment les phénomènes naturels peuvent être traduits en investigations purement formelles.

Actuellement représenté par Nara Roesler, Dunley continue de développer une approche singulièrement brésilienne de la peinture contemporaine qui honore l'héritage moderniste du pays tout en restant pleinement contemporaine.

Cristina Ghetti (Argentine/Espagne)

Cristina Ghetti, née en Argentine en 1969, travaille depuis Valence, en Espagne, où elle a développé une approche distinctive de l'abstraction géométrique qui fait le lien entre l'Op Art, l'Abstraction Géométrique et l'Art Cinétique. Titulaire d'un Master en Arts Visuels et Multimédia et ayant soutenu une thèse de doctorat intitulée « Post Medial Geometry » à l'Université Polytechnique de Valence, Ghetti allie intuition artistique et rigueur académique dans sa pratique.

Ses peintures utilisent des systèmes géométriques rigoureux qui créent des décalages perceptifs subtils, faisant paraître les compositions statiques comme pulsantes et respirantes. Travaillant dans la tradition de l'Op Art, les structures colorées en série de Ghetti créent ce qu'elle décrit comme une « musique visuelle » : des motifs qui semblent générer leurs propres propriétés acoustiques par des moyens purement visuels. Sa technique consiste à créer des compositions numériques qui trompent l'esprit en lui faisant percevoir le mouvement et la profondeur, qu'elle traduit ensuite en peintures acryliques sur toile.

Le travail de Ghetti a été largement exposé, notamment au MACBA de Buenos Aires, à l'ambassade d'Argentine à Washington DC, et au Frost Art Museum de Miami. Son œuvre fait partie de collections permanentes telles que le Musée National d'Art Contemporain et de Design de San José, Costa Rica, et le Musée Municipal des Arts Plastiques Eduardo Sívori à Buenos Aires, démontrant son lien continu avec la scène artistique sud-américaine malgré sa base en Espagne.

Daniela Marin (Venezuela/Pérou)

Née au Venezuela en 1977, Daniela Marin s'est imposée comme l'une des voix les plus captivantes de l'abstraction sud-américaine contemporaine depuis sa base à Lima, au Pérou. Diplômée de la prestigieuse Altos de Chavón School of Design, Marin crée des œuvres qui vibrent d'une précision architecturale tout en conservant un rythme presque musical dans leurs relations colorées.

Ses peintures illustrent ce que l'on pourrait appeler un « lyrisme constructif » : chaque toile est construite par un superposition méthodique de formes géométriques qui transcendent d'une certaine manière leurs origines mathématiques pour atteindre quelque chose de profondément émotionnel. La luminosité qu'elle obtient grâce à son orchestration minutieuse des couleurs a suscité des comparaisons avec les grands artistes cinétiques vénézuéliens, mais son travail reste résolument contemporain dans sa rigueur conceptuelle.

Actuellement représentée par IdeelArt, l'œuvre de Marin reflète le dialogue interculturel entre son héritage vénézuélien et son pays d'adoption, le Pérou, créant des abstractions qui parlent de l'expérience plus large de la migration et de la synthèse culturelle en Amérique latine.

Francisca Aninat (Chili)

L'artiste chilienne Francisca Aninat a développé l'une des approches les plus distinctives de la peinture abstraite dans l'art contemporain sud-américain. Son processus, qui consiste littéralement à déchirer des toiles peintes puis à les réassembler par couture, crée des œuvres qui fonctionnent à la fois comme peintures et objets textiles, remettant en question les frontières traditionnelles entre les médiums.

Sa récente exposition solo « Hills in the Distance » chez Bendana-Pinel à Paris (jusqu'en juillet 2024) a démontré comment ses toiles déchirées et cousues créent ce qu'elle appelle « l'abstraction tactile ». Chaque œuvre devient une méditation sur la mémoire, le traumatisme et la guérison, l'acte physique de réparation devenant central dans la signification de l'œuvre.

Le processus d'Aninat attire l'attention sur la matérialité fondamentale de la peinture tout en créant des œuvres qui abordent des thèmes plus larges de fragmentation et de reconstruction — des thèmes qui résonnent puissamment dans le contexte de l'histoire politique complexe du Chili. Son travail fait partie de collections telles que la Women's Art Collection de l'Université de Cambridge, et elle continue de développer son approche unique de l'abstraction en tant qu'expérience à la fois visuelle et physique.

Jaime Gili (Venezuela/Royaume-Uni)

L'artiste vénézuélien basé à Londres Jaime Gili a passé des décennies à développer une approche distinctive de l'abstraction géométrique qui célèbre « le cinétisme et l'optimisme de l'art, de l'architecture et du design modernistes du milieu du siècle » tout en restant pleinement contemporain dans ses préoccupations. Ses peintures à bords durs et à haute chromaticité créent ce qu'un critique a décrit comme une « géométrie électrique en mouvement ».

Le travail de Gili s'inspire explicitement de la riche tradition vénézuélienne d'art cinétique et géométrique, mais recharge ces références historiques pour un public contemporain. Ses peintures, estampes et œuvres publiques démontrent comment les traditions modernistes latino-américaines peuvent être revitalisées sans devenir simplement nostalgiques. Son travail récent s'engage de plus en plus avec la situation politique de son pays natal, utilisant des moyens abstraits pour aborder des réalités sociales concrètes.

Ayant vécu et travaillé au Royaume-Uni depuis 1996, Gili représente la portée mondiale de l'art abstrait sud-américain. Son travail figure dans des collections majeures et continue d'influencer les jeunes artistes explorant l'intersection entre abstraction géométrique et engagement politique.

Johanna Unzueta (Chili)

Johanna Unzueta (née en 1974, Santiago) crée ce que l'on pourrait appeler un « minimalisme chaleureux » — des abstractions géométriques qui utilisent des matériaux naturels et des processus faits main pour créer des œuvres à la fois systématiques et profondément humaines. Travaillant entre New York et Berlin, Unzueta a développé une pratique distinctive qui combine feutre, bois et dessin en systèmes unifiés.

Sa récente exposition « Naturalist » chez Casey Kaplan (2024) a présenté son approche mature de l'abstraction comme moyen d'explorer les relations entre environnements naturels et construits. Ses œuvres en feutre, en particulier, démontrent comment les techniques artisanales traditionnelles peuvent être employées pour créer des compositions abstraites sophistiquées qui évoquent à la fois les traditions textiles indigènes et l'art minimal contemporain.

Le travail d'Unzueta aborde les « notions de travail, de productivité et de progrès » à travers des processus faits main qui ralentissent délibérément la production artistique. Ses compositions géométriques, créées par une expression intuitive plutôt que par des systèmes mathématiques, donnent des œuvres à la fois contemporaines et intemporelles. Elle est également active dans le design éditorial et les publications d'artistes, reflétant son engagement large envers la culture visuelle.

Marina Perez Simão (Brésil)

Marina Perez Simão (née en 1980, Vitória) est l'une des peintres abstraites contemporaines brésiliennes les plus célébrées, 2025 marquant une année charnière pour sa reconnaissance internationale. Sa grande exposition institutionnelle « Tuning Fork » à l'Instituto Tomie Ohtake (août-octobre 2025) représente sa première grande exposition muséale au Brésil, tandis que sa participation à « Horizontes - Peintures brésiliennes » à la Fondation Cartier à Paris (avril-octobre 2023), a fait découvrir son travail au public européen.

Représentée à la fois par Pace Gallery et Mendes Wood DM, Simão crée des peintures qui flottent à la limite du paysage sans jamais devenir tout à fait représentatives. Ses zones de couleur saturée semblent se dissoudre en une atmosphère pure, créant des œuvres qui fonctionnent autant comme des expériences émotionnelles que visuelles. Son processus, basé sur l'accumulation et la juxtaposition de souvenirs et d'images, donne des peintures à la fois profondément personnelles et universellement résonnantes.

Ses expositions récentes incluent « Diffusion » chez Mendes Wood DM Paris (2024) et « ZWIELICHT » à la G2 Kunsthalle de Leipzig, démontrant sa présence internationale croissante. Son travail représente une approche distinctement brésilienne de l'abstraction, qui embrasse à la fois le riche héritage moderniste du pays et sa position globale contemporaine.

Marina Weffort (Brésil)

Marina Weffort (née en 1980, São Paulo) représente l'avant-garde de l'abstraction textile brésilienne, créant des œuvres qui existent à l'intersection de la peinture, de la sculpture et de l'artisanat. Représentée par la Galeria Luisa Strina, l'une des galeries d'art contemporain les plus prestigieuses du Brésil, Weffort travaille avec la peinture, le dessin, les objets et les installations pour étudier les relations entre matériau, processus et signification.

Ses abstractions textiles minimalistes utilisent des tissus coupés et tissés pour créer des structures en treillis qui semblent respirer avec la lumière. Ces œuvres remettent en question les hiérarchies traditionnelles entre beaux-arts et artisanat, démontrant comment les techniques textiles peuvent être employées pour créer des compositions abstraites sophistiquées qui parlent à la fois des traditions culturelles brésiliennes et du discours artistique international contemporain.

La pratique de Weffort reflète une tendance plus large dans l'art contemporain brésilien vers l'expérimentation matérielle et le travail basé sur le processus. Ses investigations sur les relations entre différents médias donnent lieu à des œuvres à la fois rigoureuses conceptuellement et sensuellement attrayantes, représentant une nouvelle génération d'artistes brésiliens élargissant les possibilités de l'art abstrait.

Martin Reyna (Argentine)

Martin Reyna s'est imposé comme un maître de ce que l'on pourrait appeler la « géométrie liquide ». Travaillant principalement à l'aquarelle, un médium souvent dédaigné dans le discours abstrait sérieux, Reyna crée des œuvres de grande échelle où la gravité devient son principal outil de composition. Ses lavis verticaux dévalent le papier avec une spontanéité contrôlée, créant des effets atmosphériques qui suggèrent à la fois des phénomènes naturels et une expérience chromatique pure.

Basé entre Buenos Aires et Paris, le travail de Reyna comble le fossé entre la liberté gestuelle de l'expressionnisme abstrait et les investigations du champ chromatique d'artistes comme Helen Frankenthaler, mais avec une sensibilité distinctement sud-américaine. Ses peintures évoquent souvent les vastes paysages des pampas argentines, tout en restant résolument non représentatives.

Le travail récent de l'artiste a attiré l'attention pour sa compréhension sophistiquée de la manière dont l'imprévisibilité inhérente à l'aquarelle peut être exploitée pour créer des œuvres d'une intégrité structurelle surprenante. Chaque pièce se lit comme une partition visuelle, avec des relations de couleurs qui semblent générer leur propre musique interne.

Son travail a récemment fait l'objet d'une exposition muséale, « The Sound of Color », au MACA-Zulia au Venezuela, affirmant sa place dans le contexte plus large de l'abstraction latino-américaine.

Actuellement représenté par IdeelArt, Reyna continue de développer son approche unique de l'abstraction à travers des médias liquides. 

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Ces dix artistes représentent la diversité et la vitalité de l'art abstrait sud-américain contemporain, chacun apportant une perspective unique au dialogue continu entre abstraction et identité, tradition et innovation.

Ce qui les unit n'est pas un style ou une approche commune, mais plutôt un engagement à pousser l'art abstrait vers de nouveaux territoires tout en restant connecté aux riches traditions culturelles de leur région. Alors que l'art sud-américain continue de gagner en reconnaissance internationale, ces artistes sont positionnés pour jouer des rôles cruciaux dans la définition de ce que signifie l'abstraction au XXIe siècle.

Leur travail démontre que l'art abstrait sud-américain ne suit pas simplement les tendances internationales, mais les façonne activement, créant de nouvelles possibilités pour la manière dont l'art abstrait peut dialoguer avec les réalités sociales, politiques et culturelles contemporaines tout en maintenant son engagement essentiel envers l'innovation formelle et l'expérience esthétique.

Par Francis Berthomier

Image en vedette : Double Wave  par Cristina Ghetti (2017, détail). Toutes les images sont fournies par les artistes.

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