Éléments d'abstraction - Elizabeth Gourlay dans une interview
Elizabeth Gourlay considère son travail comme une méditation sur les formes et les couleurs, comparant parfois sa pratique en studio au processus de composition musicale. Utilisant un mélange de mediums allant des huiles au graphite en passant par le collage, Gourlay crée des compositions abstraites qui font référence à un vocabulaire esthétique subtilement équilibré entre la nature et la géométrie. Résidente de Chester, Connecticut, Gourlay a des œuvres dans quatre expositions collectives ce mois-ci, à New York, Connecticut et Massachusetts. IdeelArt a eu l'occasion de discuter avec elle de sa pratique, de son calendrier d'expositions et de son nouveau corpus de travail.
Elizabeth Gourlay Entretien - Expositions et Activités Récentes
IdeelArt : Vous avez un mois chargé ! Ce mois-ci, vous participez à quatre expositions collectives dans quatre villes différentes. Lorsque vous vous trouvez dans une période comme celle-ci, où de nombreux spectateurs différents ont l'opportunité de découvrir votre travail, prenez-vous encore le temps de rester actif en studio ou préférez-vous être dans les galeries, interagir avec ces spectateurs et absorber leur réaction à votre travail ?
Élisabeth Gourlay : C'est la première fois que j'ai autant d'activité d'un coup. C'est passionnant, mais je suis tellement habitué à accorder toute mon attention à des spectacles individuels que je devais maintenant manquer une ouverture pour assister à une autre. Mais une fois l’œuvre livrée, le temps devient le mien. Bien que j'aie extrêmement hâte d'entrer en studio après même une courte période d'activité qui m'éloigne, j'apprécie également l'interaction qui se produit dans la galerie, en discutant avec d'autres artistes et amis lors des vernissages et autres événements de la galerie. L'art abstrait est un langage, et parler avec les spectateurs, en particulier avec les artistes et les amis lors d'événements, crée un sentiment de résilience face aux nouvelles expressions que nous trouvons.
IA : Vous avez des expositions ce mois-ci dans des lieux ruraux idylliques, comme la galerie Tremaine à Lakeville, Connecticut, ainsi que dans des centres urbains densément peuplés, comme 1285 Avenue of the Americas Gallery, à Midtown Manhattan. Comment les spectateurs, dans des environnements radicalement différents, ont-ils réagi différemment à votre travail ?
PAR EX. Dans les deux cas, le public était visuellement sophistiqué et semblait engagé et positif. À New York, ils semblaient généralement plus bruyants, posant des questions et exprimant leurs opinions plus facilement. Je pense que les téléspectateurs new-yorkais avaient tendance à se rapprocher des pièces !
IA : De quelle manière les conversations ou autres types d'interactions avec les spectateurs ont-ils affecté l'orientation de votre pratique ?
PAR EX. J'essaie de ne pas me laisser influencer par les réactions des spectateurs, mais inévitablement, si la réponse est positive vers une nouvelle direction qui me passionne dans le travail, alors cela a tendance à m'influencer à continuer d'explorer cette voie. Il est toujours intéressant de constater les différences d’opinion et de comprendre comment et pourquoi les gens sont attirés par des œuvres différentes.
Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype sur papier. 40,6 x 38,1 cm.
Passé et présent
IA : En quoi le travail que vous réalisez aujourd'hui est-il différent de celui que vous avez réalisé dans le passé ?
PAR EX. Mon travail, datant d'environ 1994, était très souvent basé sur une grille et dans un format carré. Il a été construit en couches de lavis et de lignes tracées. Vers 2005, j’ai commencé à jouer avec des formes géométriques beaucoup plus audacieuses et des couleurs saturées. Depuis, j’ai fait des allers-retours entre des formes et des couleurs audacieuses et fortes et des travaux plus délicats et plus discrets, combinant parfois les deux. Les pièces commencent souvent de la même manière mais peuvent se terminer de manière très différente. Le changement le plus important est probablement la liberté que je m'accorde dans le processus de création.
IA : Vous faites parfois référence à la méditation lorsque vous discutez de votre travail. Pourriez-vous nous expliquer ce que ce mot signifie par rapport à votre art ? Par exemple, considérez-vous le processus de réalisation de l’œuvre comme méditatif ? Considérez-vous le produit fini comme un intermédiaire méditatif potentiel pour les spectateurs ?
PAR EX. Je considère le processus comme méditatif. J'essaie de ne pas apporter trop d'idées au studio, peut-être une idée de couleur ou une idée de forme. Lorsque je commence à travailler, je laisse l'œil intérieur, l'inconscient, réagir au travail et m'amener à capturer l'élément mental illusoire qui peut être lointain et pourtant si présent. Habituellement, mon meilleur travail se produit lorsque ma pensée est épurée, lorsque je suis en phase avec le travail. Que ce soit en dessinant directement ou en superposant des lavis, j'apprécie l'expérience de laisser émerger la pièce. Je ne peux pas mieux dire que Paul Klee qui disait : « ma main est entièrement l’instrument d’une sphère plus lointaine ». Je ne travaille pas avec l’intention de créer quelque chose pour l’expérience d’autrui, mais je suis ouvert à sa réaction et à son interprétation. J'ai souvent eu des gens qui vivent avec l'œuvre qui disent que regarder l'œuvre leur procure de la paix, une joie calme ou que l'œuvre est ancrée. Je suis donc sûr que considérer les pièces finies comme intermédiaires méditatifs est très valable, mais je laisserai ceux qui vivent avec les pièces et ceux qui sont experts en esprit et en méditation faire la meilleure évaluation. Si une icône, ou un intermédiaire méditatif, est un objet qui procure une joie calme, ou une paix qui s'enracine, alors oui, on me dit souvent que mes pièces ont ces effets.
Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype sur papier. 38,1 x 40,6 cm.
À propos du processus
IA : Wassily Kandinsky a écrit sur la musique et sa capacité à communiquer des émotions à un niveau abstrait. Vous établissez également des liens entre la musique et votre travail. Un lien que vous établissez est que votre vocabulaire visuel de lignes et de couleurs peut être interprété comme faisant référence à des gammes musicales. De quelles autres manières votre processus ou vos œuvres partagent-ils des points communs avec la composition musicale ?
Par exemple : Je ne pense pas consciemment à la musique ou à la composition musicale. Pourtant, le nombre de personnes qui établissent ce lien avec la musique est si important qu’il doit y avoir quelque chose dans l’analogie. J'écoute souvent de la musique lorsque je travaille et j'ai appris à jouer du piano quand j'étais enfant, cela peut donc influencer le travail. Je « compose » d’une manière qui peut sembler similaire à la composition musicale, notamment en jouant avec les mesures, les lignes et les blocs de couleur. Les déplacer autour du plan de l’image est très similaire à avoir des notes et des accords à différents endroits autour d’une partition.
IA : Parlez un peu de votre processus, en particulier de la relation que vous entretenez avec le collage. Par exemple, en quoi le processus de superposition du papier dans votre travail vous affecte-t-il différemment du processus de peinture ?
Par exemple : Le plus souvent, ma démarche de peinture, que ce soit sur papier ou sur lin, est très directe. En règle générale, je commence par dessiner des lignes, suivies de lavis de couleur, suivis d'éléments de forme. J'essaie de me surprendre avec une forme forte et inattendue, ou une couleur qui s'éloigne de ma palette habituelle. Je les déplace en essayant d’obtenir un équilibre entre la couleur et la forme. Cette étape ressemble à une danse en cours, où le formalisme s'installe un peu et où je le repousse. La décision d’inclure ou non les intrusions audacieuses qui en résultent est une sorte de dynamique qui peut me maintenir engagé dans une pièce pendant des semaines. Les pièces de collage commencent par jouer avec la couleur, en colorant les bords à l'encre et en traçant des lignes sur du papier japonais, puis en les découpant en bandes. Je les colle soigneusement sur la toile ou le lin, mais sans composition ni structure préconçue. Au fur et à mesure que la pièce se développe, je commence à analyser pour permettre à l'éditeur de revenir dans la pièce, d'ajuster la couleur ou la forme jusqu'à ce que la pièce soit parfaite.
Image à la une : Elizabeth Gourlay en studio
