Éléments d'abstraction - Elizabeth Gourlay dans une interview

Elizabeth Gourlay considère son travail comme une méditation sur les formes et les couleurs, comparant parfois sa pratique en atelier au processus de composition musicale. Utilisant un mélange de médiums allant des huiles au graphite en passant par le collage, Gourlay crée des compositions abstraites qui font référence à un vocabulaire esthétique subtilement équilibré entre la nature et la géométrie. Résidente de Chester, Connecticut, Gourlay expose ce mois-ci dans quatre expositions collectives à New York, Connecticut et Massachusetts. IdeelArt a eu l’occasion de discuter avec elle de sa pratique, de son calendrier d’expositions et de son nouveau corpus d’œuvres.

Entretien avec Elizabeth Gourlay - Expositions et activités récentes

IdeelArt : Vous avez un mois chargé ! Ce mois-ci, vous participez à quatre expositions collectives dans quatre villes différentes. Lorsque vous vous trouvez dans une période comme celle-ci, où de nombreux spectateurs ont l’occasion de découvrir votre travail, trouvez-vous encore le temps de rester active en atelier ou préférez-vous être dans les galeries à interagir avec ces spectateurs et à absorber leur réaction à votre travail ?

Elizabeth Gourlay : C’est la première fois que j’ai autant d’activité en même temps. C’est excitant mais j’ai tellement l’habitude de consacrer toute mon attention à des expositions individuelles que j’ai dû manquer un vernissage pour en assister à un autre. Mais une fois les œuvres livrées, le temps redevient mien. Bien que je sois extrêmement impatiente de retourner en atelier après même une courte période d’activité qui m’en éloigne, j’apprécie aussi les échanges qui ont lieu en galerie, discuter avec d’autres artistes et amis lors des vernissages et autres événements. L’art abstrait est un langage, et parler avec les spectateurs, en particulier les artistes et amis lors des événements, renforce un sentiment de résilience dans les nouvelles expressions que nous découvrons.

IA : Vous avez des expositions ce mois-ci dans des lieux idylliques et ruraux, comme la Tremaine Gallery à Lakeville, CT, ainsi que dans des centres urbains densément peuplés, comme la galerie 1285 Avenue of the Americas, à Midtown Manhattan. De quelles manières les spectateurs dans ces environnements très différents ont-ils réagi différemment à votre travail ?

E.G. Dans les deux cas, les publics étaient visuellement avertis et semblaient engagés et positifs. À New York, ils semblaient généralement plus expressifs, posant des questions et exprimant leurs opinions plus facilement. Je pense que les spectateurs à New York avaient tendance à s’approcher davantage des œuvres !

IA : De quelle manière les conversations ou autres types d’interactions avec les spectateurs ont-elles influencé l’orientation de votre pratique ?

E.G. J’essaie de ne pas me laisser influencer par les réactions des spectateurs, bien que, inévitablement, si la réponse est positive envers une nouvelle direction qui m’enthousiasme dans le travail, cela a tendance à m’encourager à continuer d’explorer cette voie. Il est toujours intéressant de constater les différences d’opinion et de comprendre comment et pourquoi les gens sont attirés par différentes œuvres.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype sur papier. 40,6 x 38,1 cm.

Passé et présent

IA : En quoi le travail que vous réalisez aujourd’hui diffère-t-il de celui que vous avez fait par le passé ? 

E.G. Mon travail, depuis environ 1994, était très souvent basé sur une grille et au format carré. Il était construit en couches de lavis et de lignes dessinées. Vers 2005, j’ai commencé à jouer avec des formes géométriques beaucoup plus audacieuses et des couleurs saturées. Depuis, je navigue entre des formes et des couleurs fortes et affirmées et un travail plus délicat et atténué, combinant parfois les deux. Les pièces commencent souvent de manière similaire mais peuvent finir très différemment. Probablement le plus grand changement est la liberté que je m’accorde dans le processus de création.

IA : Vous faites parfois référence à la méditation en parlant de votre travail. Pourriez-vous préciser ce que ce mot signifie en relation avec votre art ? Par exemple, considérez-vous le processus de création comme méditatif ? Considérez-vous le produit fini comme un intermédiaire méditatif potentiel pour les spectateurs ? 

E.G. Je considère effectivement le processus comme méditatif. J’essaie de ne pas apporter trop d’idées en atelier, peut-être une idée de couleur ou de forme. En commençant à travailler, je laisse l’œil intérieur, l’esprit inconscient, répondre à l’œuvre et me guider pour saisir l’élément mental insaisissable qui peut être distant et pourtant si présent. Habituellement, mon meilleur travail survient lorsque ma pensée est dégagée, lorsque je suis en harmonie avec l’œuvre. Que je dessine directement ou que je superpose des lavis, j’apprécie l’expérience de laisser la pièce émerger. Je ne saurais mieux dire que Paul Klee qui disait : « ma main est entièrement l’instrument d’une sphère plus lointaine. » Je ne travaille pas avec l’intention de créer quelque chose pour l’expérience d’un autre, mais je reste ouverte à leur réaction et interprétation. Des personnes qui vivent avec mes œuvres m’ont souvent dit que les regarder leur apporte paix, joie calme, ou que la pièce les ancre. Je suis donc certaine que considérer les pièces finies comme des intermédiaires méditatifs est très valable, mais je laisserai ceux qui vivent avec les œuvres et les experts en esprit et méditation en faire la meilleure appréciation. Si une icône, ou intermédiaire méditatif, est un objet qui procure une joie calme, ou une paix qui ancre, alors oui, on me dit souvent que mes pièces ont ces effets.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype sur papier. 38,1 x 40,6 cm.

À propos du processus

IA : Wassily Kandinsky a écrit sur la musique et sa capacité à communiquer l’émotion à un niveau abstrait. Vous faites aussi des liens entre la musique et votre travail. L’un des liens que vous établissez est que votre vocabulaire visuel de lignes et de couleurs pourrait être interprété comme une référence aux gammes musicales. Quelles sont d’autres manières dont votre processus ou vos œuvres partagent des points communs avec la composition musicale ?      

EG : Je ne pense pas consciemment à la musique ou à la composition musicale. Pourtant, le nombre de personnes qui font ce lien avec la musique est si grand qu’il doit y avoir quelque chose dans cette analogie. J’écoute souvent de la musique quand je travaille et j’ai appris à jouer du piano enfant, donc cela peut influencer le travail. Je « compose » d’une manière qui peut sembler similaire à la composition musicale, particulièrement dans le processus de jeu avec des barres, des lignes et des blocs de couleur. Les déplacer sur le plan de l’image est très semblable à avoir des notes et des accords à différents endroits sur une partition. 

IA : Parlez un peu de votre processus, en particulier de la relation que vous avez avec le collage. Par exemple, en quoi le processus de superposition de papiers dans votre travail vous affecte-t-il différemment que le processus de peinture ? 

EG : Le plus souvent, mon processus de peinture, que ce soit sur papier ou sur toile, est très direct. Typiquement, je commence par dessiner des lignes, suivies de lavis de couleur, puis d’éléments de forme. J’essaie de me surprendre avec une forme forte et inattendue, ou une couleur éloignée de ma palette habituelle. Je déplace ces éléments, cherchant un équilibre entre couleur et forme. Cette étape ressemble à une danse continue, où le formalisme s’immisce un peu et où je m’y oppose. Les décisions d’inclure ou non ces intrusions audacieuses créent une dynamique qui peut me tenir attachée à une pièce pendant des semaines. Les pièces en collage commencent par jouer avec la couleur, en teintant les bords à l’encre et en dessinant des lignes sur du papier japonais, puis en découpant ces papiers en bandes. Je les colle sur la toile ou le lin avec soin mais sans composition ou structure préconçue en tête. Au fur et à mesure que la pièce se développe, je commence à analyser pour laisser l’éditeur revenir dans la pièce, ajuster la couleur ou la forme jusqu’à ce que la pièce paraisse juste.   

Image en vedette : Elizabeth Gourlay en atelier