Éléments d'abstraction - Elizabeth Gourlay dans une interview

Elizabeth Gourlay considère son travail comme une méditation sur les formes et les couleurs, comparant parfois sa pratique en atelier au processus de composition musicale. Utilisant un mélange de médiums allant de la peinture à l’huile au graphite et au collage, Gourlay crée des compositions abstraites qui font référence à un vocabulaire esthétique sublimement équilibré entre nature et géométrie. Résidente de Chester, dans le Connecticut, Gourlay présente des œuvres dans quatre expositions collectives ce mois-ci, à New York, dans le Connecticut et dans le Massachusetts. IdeelArt a eu l’occasion de s’entretenir avec elle de sa pratique, de son calendrier d’expositions et de son nouvel ensemble d’œuvres.

Entretien avec Elizabeth Gourlay - Expositions et activités récentes

IdeelArt: Vous avez un mois très chargé ! Ce mois-ci, vous participez à quatre expositions collectives dans quatre villes différentes. Lorsque vous traversez une période comme celle-ci, où de nombreux visiteurs ont l’occasion de découvrir votre travail, trouvez-vous malgré tout le temps de rester active à l’atelier, ou préférez-vous être dans les galeries, échanger avec ces visiteurs et recueillir leurs réactions face à votre travail ?

Elizabeth Gourlay: C’est la première fois que j’ai autant d’activités en même temps. C’est passionnant, mais je suis tellement habituée à accorder toute mon attention à chaque exposition individuelle que j’ai dû manquer un vernissage pour en assister à un autre. Mais une fois les œuvres livrées, je dispose à nouveau de mon temps. Même si je suis extrêmement impatiente de retourner à l’atelier après une courte période d’activité qui m’en éloigne, j’apprécie aussi les échanges qui ont lieu dans la galerie, les discussions avec d’autres artistes et des amis pendant les vernissages et autres événements de la galerie. L’art abstrait est un langage, et parler avec les visiteurs, en particulier les artistes et les amis lors des événements, renforce notre capacité à faire preuve de résilience face aux nouvelles expressions que nous explorons.

IA: Vous exposez ce mois-ci dans des lieux ruraux idylliques, comme la Tremaine Gallery à Lakeville, dans le Connecticut, ainsi que dans des centres urbains densément peuplés, comme la 1285 Avenue of the Americas Gallery, dans le centre de Manhattan. De quelles manières les visiteurs de ces environnements radicalement différents ont-ils réagi différemment à votre travail ?

E.G. Dans les deux cas, les publics étaient visuellement avertis et semblaient intéressés et positifs. À New York, ils semblaient généralement plus loquaces, posant plus facilement des questions et exprimant leurs opinions. Je pense que les visiteurs new-yorkais avaient tendance à s’approcher davantage des œuvres !

IA: De quelle manière les conversations ou autres types d’échanges avec les visiteurs ont-ils influencé l’orientation de votre pratique ?

E.G. J’essaie de ne pas me laisser influencer par les réactions des visiteurs, même si, inévitablement, lorsque l’accueil est positif envers une nouvelle direction qui m’enthousiasme dans mon travail, cela a tendance à m’encourager à continuer d’explorer cette voie. Il est toujours intéressant de constater les différences d’opinion et de comprendre comment et pourquoi les gens sont attirés par des œuvres différentes.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotype sur papier. 40.6 x 38.1 cm.

Passé et présent

IA: En quoi le travail que vous réalisez aujourd’hui diffère-t-il de celui que vous faisiez auparavant ? 

E.G. Mon travail, à partir d’environ 1994, était très souvent fondé sur une grille et réalisé dans un format carré. Il était construit en couches de lavis et de lignes dessinées. Vers 2005, j’ai commencé à expérimenter des formes géométriques beaucoup plus audacieuses et des couleurs saturées. Depuis, j’ai alterné entre des formes et des couleurs franches et affirmées, et un travail plus délicat et atténué, combinant parfois les deux. Les œuvres commencent souvent de manière similaire, mais peuvent s’achever de façon très différente. Le changement le plus important est probablement la liberté que je m’accorde dans le processus de création.

IA: Vous faites parfois référence à la méditation lorsque vous parlez de votre travail. Pourriez-vous préciser ce que ce mot signifie en relation avec votre art ? Par exemple, considérez-vous le processus de création comme méditatif ? Considérez-vous l’œuvre achevée comme un intermédiaire potentiellement méditatif pour les visiteurs ? 

E.G. Je considère effectivement le processus comme méditatif. J’essaie de ne pas apporter trop d’idées à l’atelier, peut-être seulement une idée de couleur ou de forme. Lorsque je commence à travailler, je laisse l’œil intérieur, l’inconscient, réagir à l’œuvre et me conduire à saisir cet élément mental insaisissable, qui peut sembler lointain tout en étant si présent. Habituellement, mes meilleures œuvres apparaissent lorsque ma pensée est dégagée, lorsque je suis en harmonie avec le travail. Que je dessine directement ou que je superpose des lavis, j’apprécie l’expérience qui consiste à laisser l’œuvre émerger. Je ne saurais mieux le dire que Paul Klee, qui a dit : « ma main est entièrement l’instrument d’une sphère plus lointaine ». Je ne travaille pas avec l’intention de créer quelque chose destiné à l’expérience d’autrui, mais je reste ouverte à leurs réactions et à leurs interprétations. Des personnes qui vivent avec mes œuvres m’ont souvent dit que les regarder leur procurait paix, joie calme, ou que l’œuvre les aidait à garder les pieds sur terre. Je suis donc certaine qu’il est tout à fait pertinent de considérer les œuvres achevées comme des intermédiaires méditatifs, mais je laisserai aux personnes qui vivent avec ces œuvres et aux experts de l’esprit et de la méditation le soin de porter le meilleur jugement. Si une icône, ou un intermédiaire méditatif, est un objet qui procure une joie calme ou une paix enracinante, alors oui, on me dit souvent que mes œuvres ont ces effets.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotype sur papier. 38.1 x 40.6 cm.

À propos du processus

IA: Wassily Kandinsky a écrit sur la musique et sa capacité à communiquer des émotions à un niveau abstrait. Vous établissez également des liens entre la musique et votre travail. Vous dites notamment que votre vocabulaire visuel de lignes et de couleurs pourrait être interprété comme une référence aux gammes musicales. De quelles autres manières votre processus ou vos œuvres présentent-ils des points communs avec la composition musicale ?      

EG: Je ne pense pas consciemment à la musique ou à la composition musicale. Pourtant, le nombre de personnes qui établissent ce lien avec la musique est si important qu’il doit y avoir quelque chose dans cette analogie. J’écoute souvent de la musique lorsque je travaille et j’ai appris à jouer du piano enfant, ce qui peut donc influencer mon travail. Je « compose » d’une manière qui peut sembler similaire à la composition musicale, notamment lorsque je joue avec des barres, des lignes et des blocs de couleur. Les déplacer sur le plan de l’image ressemble beaucoup au fait de placer des notes et des accords à différents endroits sur une partition. 

IA: Parlez-nous un peu de votre processus, et plus particulièrement de la relation que vous entretenez avec le collage. Par exemple, de quelles manières le processus de superposition du papier dans votre travail vous affecte-t-il différemment du processus de peinture ? 

EG: Le plus souvent, mon processus de peinture, que ce soit sur papier ou sur lin, est très direct. Je commence généralement par dessiner des lignes, puis j’ajoute des lavis de couleur, suivis d’éléments de forme. J’essaie de me surprendre avec une forme forte et inattendue, ou une couleur éloignée de ma palette habituelle. Je les déplace, en essayant de trouver un équilibre entre la couleur et la forme. Cette étape ressemble à une danse qui se poursuit, où le formalisme s’immisce un moment et où je lui résiste. La décision d’inclure ou non les intrusions audacieuses qui en résultent crée une sorte de dynamique qui peut me garder engagée avec une œuvre pendant des semaines. Les collages commencent par un travail sur la couleur : je teinte les bords à l’encre et dessine des lignes sur du papier japonais, puis je découpe celui-ci en bandes. Je les colle soigneusement sur la toile ou le lin, sans avoir en tête de composition ou de structure prédéfinie. À mesure que l’œuvre se développe, je commence à l’analyser afin de laisser l’éditrice revenir dans la pièce, pour ajuster la couleur ou la forme jusqu’à ce que l’œuvre me semble juste.   

Image à la une : Elizabeth Gourlay dans son atelier 

Par la rédaction d’IdeelArt

Sources

• Elizabeth Gourlay : coloriste du Connecticut, Two Coats of Paint : portrait indépendant confirmant son implantation dans le Connecticut, sa pratique axée sur la couleur et son utilisation du collage, de la gouache et du monotype.
• Le peintre musicien : Paul Klee, The Sublime Blog : informations sur la formation musicale de Klee et sur sa phrase citée à propos de sa main comme instrument d’une sphère lointaine.
• Kandinsky, Du spirituel dans l’art (texte du Wabash College) : texte hébergé du livre de Kandinsky, dans lequel la couleur est comparée à un clavier et l’âme à un instrument dont joue l’artiste.