Les Neo Supports/Surfaces : Un manifeste pour la Matérialité au XXIe siècle

Dans la cartographie de l’histoire de l’art, les mouvements ont généralement un début et une fin clairs. Ils brillent intensément, s’estompent, et finissent par migrer dans les archives silencieuses des musées. Supports/Surfaces, né dans le feu théorique de 1966, est la rare exception qui a refusé de s’éteindre.

Alors que le mouvement était à l’origine alimenté par le radicalisme politique de mai 1968, et finalement consumé par des dissensions violentes entre ses factions maoïstes et marxistes, son véritable héritage s’est avéré bien plus durable que ses origines idéologiques. La découverte centrale de Supports/Surfaces n’était pas politique, mais ontologique : en séparant le support (le châssis) de la surface (la toile), ces artistes ont révélé la vérité physique de la peinture. Ils ont prouvé qu’un tableau n’est pas une fenêtre sur une illusion, mais un objet matériel dans le monde réel.

Alors que nous naviguons dans le monde de l’art de janvier 2026, ce concept a évolué en ce que les critiques pourraient appeler le mouvement "Néo-Supports/Surfaces" : avec certains des pères fondateurs, tous dans leurs 80 ou 90 ans, produisant encore activement leurs œuvres les plus vitales aux côtés d’une génération montante d’héritiers qui ont dépouillé l’ancienne politique pour se concentrer entièrement sur la puissance artistique du médium.

Pour le connaisseur, ce n’est pas une leçon d’histoire ; c’est une chronologie vivante reliant le démantèlement radical des années 1960 à la "vérité" matérielle recherchée par les collectionneurs aujourd’hui.

I. Les Piliers Vivants : Les Fondateurs Sont Toujours en Activité

C’est un privilège rare de voir les fondateurs d’une avant-garde historique encore à l’œuvre au sommet de leur art. Ce sont les hommes qui, il y a cinquante ans, ont établi la grammaire du mouvement.

Claude Viallat - Exposition solo à la Galerie Ceysson Bénétière, 2023 - Photo d’installation

Le récit commence avec Claude Viallat (né en 1936), le patriarche infatigable du mouvement. En 1966, Viallat a pris la décision radicale de libérer la toile de son châssis en bois, inaugurant l’ère de la toile libre. Aujourd’hui, à 89 ans, il reste la figure la plus visible du groupe, animé par une éthique de travail légendaire qui le voit produire quotidiennement. Il ne se contente pas de répéter le passé ; il approfondit un sillon de toute une vie, prouvant que la variation infinie peut exister dans la contrainte unique de sa forme emblématique en "haricot". 

Daniel Dezeuze, "Oeuvres Récentes 2020-2015" au Musée Paul Valéry (Sète, France), 2026

Si Viallat revendiquait la toile, Daniel Dezeuze (né en 1942) revendiquait le vide. Célèbre pour exposer des cadres en bois vides et des échelles flexibles appuyées contre les murs, Dezeuze a passé des décennies à révéler le "squelette" de la peinture occidentale. En 2026, son travail continue de démanteler l'illusion de la "fenêtre", insistant sur l'"objectité" sans compromis de l'art. Sa rigueur intellectuelle reste une référence pour le mouvement.

Noël Dolla - Exposition personnelle à la Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne, 2025 - Photo d'installation

Noël Dolla (né en 1945) fait partie des derniers architectes originaux du mouvement. Réputé pour son usage audacieux de la couleur et des matériaux non orthodoxes, Dolla a constamment élargi le langage de l'abstraction au-delà de la toile. Ses premières œuvres, chiffons teints, ficelles tendues et interventions de land art, remettaient en cause les hiérarchies conventionnelles et apportaient l'éthique matérialiste des Supports/Surfaces tant dans les sphères privées que publiques. Ces dernières années, la pratique de Dolla est restée aussi inventive que jamais, oscillant entre installations monumentales en extérieur et œuvres délicates basées sur le processus qui dialoguent avec l'espace, l'architecture et le mouvement du spectateur. Sa capacité à réinventer son approche tout en maintenant un noyau conceptuel rigoureux fait de lui une force vitale de l'abstraction contemporaine et un lien vivant avec les origines du mouvement.

Bernard Pagès - Exposition personnelle à la Galerie Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - Photo d'installation

Bernard Pagès (né en 1940) représente l'avant-garde sculpturale des Supports/Surfaces. Dès le départ, Pagès s'est distingué en déconstruisant les frontières entre peinture et sculpture, assemblant des matériaux modestes - bois, pierre, métal, béton - en œuvres qui mettent en avant le processus, la juxtaposition et les qualités inhérentes de la matière. Sa pratique se caractérise par une attention profonde à la relation entre objet, espace et spectateur, ainsi qu'une remise en question persistante de l'auteur et de la valeur artistique. Les expositions récentes de Pagès ont réaffirmé sa position d'innovateur clé, démontrant comment les principes du mouvement peuvent être continuellement réactivés à travers de nouvelles formes et matériaux. Son exploration continue de la structure, du rythme et de la présence physique garantit que l'esprit expérimental des Supports/Surfaces reste vivant et en évolution.

II. Le moteur de la galerie : le rôle décisif de Ceysson & Bénétière

Les quatre artistes fondateurs restent activement exposés et sont notamment représentés sur le marché primaire par Ceysson & Bénétière. L'engagement soutenu de la galerie a été déterminant pour assurer la visibilité et l'accessibilité durables des artistes Supports/Surfaces. 

En effet, parmi les nombreux acteurs qui façonnent le destin des Supports/Surfaces, le rôle de Ceysson & Bénétière se distingue. Fondée en 2006, la galerie est passée d’un espace régional à Saint-Étienne à une force multinationale, avec neuf lieux d’exposition en Europe, en Amérique du Nord et en Asie, incluant l’ouverture emblématique de leur galerie de Tokyo en 2025. Cette expansion centrifuge, ancrée dans une base intellectuelle et logistique profonde hors des capitales traditionnelles, a permis à Ceysson & Bénétière de réécrire les règles du marché de l’art contemporain.

"Supports/Surfaces" exposition, Galerie Ceysson Bénétière, Tokyo 2025 - Photo d'installation

Dès le départ, la galerie a fait un pari audacieux sur la valeur historique et artistique des Supports/Surfaces. En défendant des artistes longtemps sous-estimés par le marché : Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour, et bien d’autres, Ceysson & Bénétière a joué un rôle décisif dans la réévaluation et la sécurisation de l’héritage du mouvement. Leur rigueur curatoriale, leur programme éditorial savant et leur stratégie d’exposition internationale ont assuré que les œuvres de ces artistes restent visibles, collectionnées et discutées au plus haut niveau.

L’engagement de la galerie n’est pas seulement patrimonial. Avec des expositions comme l’ouverture de Tokyo en 2025 (voir photo d’installation ci-dessus), mettant en vedette une grande rétrospective Supports/Surfaces, Ceysson & Bénétière a positionné le mouvement comme une force vivante et pertinente à l’échelle mondiale. Leur capacité à équilibrer profondeur historique et dynamisme contemporain se manifeste dans leur soutien aux artistes émergents qui prolongent l’éthique matérialiste et processuelle des Supports/Surfaces vers de nouveaux territoires.

III. Les héritiers "Purs" : Rigueur et Autonomie

Le mouvement "Néo Supports/Surfaces" est porté par la "Génération Intermédiaire", des artistes formés directement par les maîtres qui ont affiné la déconstruction brute des années 60 en une science précise et contemplative.

Frédéric Prat - Exposition solo à la Galerie Richard, 2025 - Photo d'installation

Frédéric Prat (né en 1966) représente le tournant "classique" du mouvement. Élève de Claude Viallat et Toni Grand aux Beaux-Arts de Paris, Prat a consacré sa carrière à purifier la grammaire du mouvement. Il rejette rigoureusement les associations naturalistes, s'engageant plutôt dans une recherche extrême de "non-formes". Ses grandes toiles carrées présentent des fonds monochromes interrompus par des "événements picturaux" autonomes, des boucles et des lignes qui refusent de représenter quoi que ce soit en dehors d'elles-mêmes. Là où Viallat utilisait la répétition pour détruire la composition, Prat utilise la "non-image" pour construire un objet de pure pensée. Représenté par la Galerie Richard en France, son formalisme rigoureux est représenté dans le contexte numérique mondial par IdeelArt.

Stéphane Bordarier - Exposition solo à la Galerie ETC, 2023 - Photo d'installation

À Nîmes, Stéphane Bordarier (né en 1953) agit comme le théologien du groupe. Sa pratique est définie par une contrainte inflexible : l'utilisation de colle de peau (colle animale). Parce que ce médium sèche rapidement, Bordarier est contraint de peindre ses "faux monochromes" dans une course contre la montre, éliminant toute possibilité d'hésitation subjective. Ce procédé s'aligne parfaitement avec l'accent mis par le mouvement sur la procédure plutôt que sur l'ego. 

Guillaume Moschini - Exposition solo à la Galerie Oniris, 2023 - Photo d'installation

Guillaume Moschini (né en 1970), formé par le triumvirat Viallat, Saytour et Bioulès, a adouci la déconstruction agressive de ses maîtres. Travaillant sur toile non apprêtée et avec la technique d'"imbibition", il laisse les acryliques diluées s'imprégner directement dans la fibre. Le résultat est un "cercle vertueux" de lumière et de transparence, une "géométrie douce" qui vibre avec la couleur plutôt que de confronter le spectateur. Pilier de la scène abstraite française via Galerie Oniris, le travail de Moschini atteint des collectionneurs internationaux grâce à IdeelArt.

IV. Les Innovateurs

Le mouvement survit aussi parce qu'il est remis en question. La plus jeune génération utilise les outils de Supports/Surfaces pour critiquer ou étendre sa logique vers de nouveaux médias.

No 1113 par Jean-Daniel Salvat, 2020

Jean-Daniel Salvat (né en 1969), élève de la promotion 92 de Viallat, a essentiellement inversé le mouvement pour créer les "Post-Supports/Surfaces". Alors que son mentor célébrait la trame rustique de la toile, Salvat peint sur le verso du vinyle transparent. Le spectateur voit l'œuvre à travers le plastique, donnant un "fac-similé" lisse et industriel d'une peinture qui reflète la fluidité d'un écran numérique. Il conserve l'obsession du mouvement pour l'objet mais échange le rustique contre le synthétique. Son travail est également disponible via IdeelArt.com.

Nicolas Chardon - Exposition solo à la Galerie Jean Broly, 2014 - Photo d'installation

Nicolas Chardon (né en 1974) engage un dialogue conceptuel avec les tissus domestiques de Patrick Saytour. Chardon peint sur des tissus "Vichy" (à carreaux), mais avec une particularité : lorsqu'il les tend, les lignes de la grille se déforment naturellement sous la tension. Il peint ses carrés géométriques en suivant ces lignes déformées, prouvant que la géométrie "idéale" de l'esprit doit toujours s'incliner devant la réalité physique du support.

Adrien Vescovi - Exposition solo à Ceysson & Bénétiere St Etienne, 2017 - Photo d'installation

Enfin, l'héritage s'est même déplacé en extérieur avec Adrien Vescovi (né en 1981), héritier des expositions "Intérieur/Extérieur" de 1970. Vescovi sort la toile libre entièrement de l'atelier. Utilisant des teintures naturelles, il expose ses toiles au soleil, au vent et à la pluie pendant des mois, déplaçant le focus du mouvement du "matérialisme marxiste" vers le "matérialisme écologique". Avec de grands projets institutionnels en 2026, il est représenté par Ceysson & Bénétière, la même puissance défendant les fondateurs du mouvement.

V. Histoires parallèles et langage universel dans la culture occidentale 

Si Supports/Surfaces a commencé comme une rébellion spécifiquement française, les questions qu'elle posait étaient universelles. Il s'avère que l'envie de démanteler la peinture n'était pas unique à Nîmes ; c'était un zeitgeist mondial.

Pour le collectionneur, cette section ne trace pas une lignée d'"héritiers", mais plutôt une constellation d'esprits apparentés. Ce sont des artistes occidentaux qui, issus de différentes capitales et de différentes décennies, sont arrivés aux mêmes conclusions "Supports/Surfaces", prouvant que la recherche de la vérité matérielle est une nécessité interculturelle.

"La Couleur en Fugue" à la Fondation Louis Vuitton, 2022. Sam Gilliam - série Drape Paintings

Le pendant américain : Sam Gilliam (1933–2022).

Il s'agit d'une synchronicité historique : au moment précis où Claude Viallat déroulait ses toiles dans le Sud de la France, Sam Gilliam retirait les châssis à Washington, D.C. Ses célèbres "Drape Paintings" - vastes toiles saturées de couleur suspendues dans l'espace - ne sont pas des descendants de l'école française, mais son jumeau spirituel. Comme les fondateurs français, Gilliam comprenait que libérer la couleur de l'architecture rigide du cadre lui permettait d'habiter l'espace réel. Qu'elles soient suspendues en plis lâches et sculpturaux ou tachées d'un pigment intense, ses œuvres traitent la toile comme une peau physique plutôt qu'une fenêtre, validant la quête matérialiste de l'autre côté de l'Atlantique.

"La couleur en fugue" à la Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino

Le parallèle punk : Steven Parrino (1958–2005).

Steven Parrino est reconnu internationalement pour avoir repoussé les limites de la peinture vers une déconstruction radicale. Ses œuvres emblématiques, de grandes toiles circulaires tordues, pliées ou froissées, souvent peintes en larges rayures ou en monochrome métallique, traitent la toile comme un objet sculptural, mettant en avant la physicalité et la résistance du matériau. Les formes métalliques froissées au sol font écho à ces gestes, dissolvant la frontière entre peinture et sculpture.

Les interventions de Parrino ne concernent pas simplement la destruction, mais l'énergie et la tension qui surgissent lorsque les conventions de la peinture sont bouleversées. Bien qu'il ait développé son approche indépendamment, le travail de Parrino résonne fortement avec l'esprit de Supports/Surfaces : tous deux mettent en avant le processus, la matérialité, et l'autonomie de l'objet peint. Sa pratique constitue un parallèle puissant, plutôt qu'une extension directe, du mouvement, démontrant comment la réinvention radicale des limites de la peinture s'est déployée des deux côtés de l'Atlantique.

Sergej Jensen au PS1 MOMA, 2011. Photo d'installation.

Le dialogue contemporain : Sergej Jensen (né en 1973) & Wyatt Kahn (né en 1983).

Aujourd'hui, des artistes de Berlin à New York continuent d'élargir cette logique. Les "peintures sans peinture" de Jensen (cousues en lin et en toile de jute) reflètent l'utilisation de textiles domestiques par Patrick Saytour. Par ailleurs, Wyatt Kahn construit des assemblages semblables à des puzzles de toile brute et de cadres façonnés, créant une réponse architecturale aux échelles vides de Daniel Dezeuze. Ils ne copient pas les Français ; ils parlent la même langue matérielle.

Wyatt Kahn - Sans titre (Peintures de ville en niveaux de gris) - 2018 ©Wyatt-Kahn

VI : Résonances mondiales : Supports/Surfaces et l'Asie

Bien que Supports/Surfaces soit né en France, sa réinvention radicale des matériaux et des conventions de la peinture trouve des parallèles frappants dans l'art asiatique d'après-guerre. Bien qu'il n'existe pas d'équivalent asiatique direct ni de lien formel, des artistes et mouvements tels que Dansaekhwa en Corée du Sud et Gutai au Japon ont exploré de manière indépendante de nombreuses préoccupations similaires à celles qui animent Supports/Surfaces.

Les artistes Dansaekhwa tels que Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (né en 1935), et Lee Ufan (né en 1936) mettent en avant la matérialité de la toile, le geste répétitif, et l'autonomie du support. Leurs œuvres méditatives, axées sur le processus, impliquent souvent la manipulation, le grattage ou le tissage de la toile, faisant écho à l'expérimentation matérielle et à la déconstruction que l'on retrouve dans Supports/Surfaces.

"Lee Ufan et Claude Viallat, Rencontre" à Pace London, 2023. Photo d'installation.

De même, le Le groupe Gutai au Japon a été pionnier d'une approche expérimentale de la peinture dans les années 1950 et 60, adoptant des supports non conventionnels, des gestes performatifs, et l'intégration du corps et du hasard dans l'acte créatif. Des artistes comme Kazuo Shiraga(1924–2008), avec ses toiles dynamiques peintes au pied, et Shozo Shimamoto (1928–2013), connu pour ses expériences matérielles radicales et ses peintures performatives de « lancer de bouteilles », incarnent une matérialité et une orientation vers le processus qui font fortement écho à l'esprit de Supports/Surfaces, remettant en cause la hiérarchie de la peinture comme illusion et insistant sur l'objectivité et la présence physique de l'œuvre.

Aujourd'hui, ces affinités sont de plus en plus reconnues par les conservateurs et critiques, qui réunissent Supports/Surfaces, Dansaekhwa et Gutai dans des expositions pour mettre en lumière un mouvement global plus large vers la matérialité, le processus et la dissolution des frontières traditionnelles de la peinture. Cette convergence souligne que la recherche de la vérité matérielle en art n'est pas limitée par la géographie, mais résonne à travers les continents et les cultures.

"Action" - Shozo Shimamoto et Kazuo Shiraga à la galerie Whitestone, 2023. Photo d'installation

Nous croyons que le mouvement "Neo Supports/Surfaces" est bien plus vaste que ses origines françaises ; c'est une quête mondiale de la vérité matérielle. Qu'il soit appelé "Peinture Provisoire,""Casualisme,""Nouveau Matérialisme," ou visible dans Dansaekhwa et Gutai, les artistes de Brooklyn à Séoul sont activement engagés dans cette même quête.

Ce n'est pas de la nostalgie, mais une méthodologie valide et universelle pour le XXIe siècle. Ce qui a commencé dans les ateliers de Nîmes trouve son écho dans les drapés de Washington D.C., l'art textile du Danemark, le minimalisme de New York et les toiles méditatives d'Asie.

Les fondateurs ont déconstruit la peinture pour en trouver la vérité ; le pont institutionnel a préservé cette vérité ; et une génération mondiale d'artistes l'utilise pour construire de nouvelles architectures. Les pamphlets politiques de 1968 ont peut-être disparu, mais la découverte esthétique reste solide : l'objet de la peinture est la peinture elle-même.

Par Francis Berthomier

Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". Hôtel des Arts de Toulon. Déc 2025.

Cet article a été inspiré par une visite récente de l'exposition Viallat à l'Hôtel des Arts de Toulon, où une conversation avec Claude Viallat lui-même a confirmé qu'il produit encore trois œuvres par jour, un témoignage durable de sa vitalité continue et de l'énergie vivante du mouvement.

Image en vedette : "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" au Carré d'Art (Nîmes, France) 2018. Photo d'installation.

Œuvres d'Alain Clement, Frédéric Pratt, Jean-Daniel Salvat et Guillaume Moschini