Sérieux et pas si sérieux : Kyong Lee en 14 questions

LE LANGAGE DE LA COULEUR

Chez IdeelArt, nous croyons que l'histoire d'un artiste se raconte à la fois à l'intérieur et à l'extérieur de l'atelier. Dans cette série, nous posons 14 questions qui comblent le fossé entre la vision créative et la vie quotidienne, mêlant l'expertise professionnelle aux particularités personnelles qui rendent chaque artiste unique.

Depuis son atelier surplombant les rizières coréennes, un espace partagé avec cinq chats, un chien, et la lumière changeante des saisons, Kyong Lee crée des œuvres qui cherchent à transformer l'émotion en un langage visible. Découvrez comment un amour pour le jazz, l'influence d'un mentor réfléchi, et un tournant décisif dans les matériaux l'ont aidée à trouver la « Couleur Émotionnelle » qui définit sa pratique aujourd'hui.

Les questions pas si sérieuses

8 questions pour révéler les bizarreries inattendues et la vie quotidienne de Kyong Lee

Si votre art était une chanson ou un morceau de musique, qu'est-ce qui jouerait en fond ?

Kind of Blue de Miles Davis,
The Köln Concert de Keith Jarrett,
Travels de Pat Metheny,
et Clair de Lune de Debussy.

Je passe de longues heures dans l'atelier, et cette musique m'aide à rester dans un état calme et réfléchi où la couleur et l'émotion peuvent se déployer lentement.

Quelle est une chose qui vous passionne ou vous intéresse beaucoup et qui n'a rien à voir avec l'art ?

Je cultive un petit potager, je me promène tous les jours avec mon chien, je m'occupe des chats errants dans ma cour, et j'aime regarder le ciel.

Café, thé ou quelque chose de plus fort pendant que vous travaillez ? Ou juste de la lumière et du silence ?

Je commence ma journée avec une seule tasse de café, puis je passe au thé - souvent du thé au lait ou du thé au yuzu - au fil de la journée. Je travaille toujours avec de la musique, généralement du jazz. Les mélodies d'artistes comme Pat Metheny et Keith Jarrett m'aident souvent à garder un rythme fluide dans mon travail.
Mon atelier est parfaitement intégré à ma vie quotidienne, partagée avec un chien et cinq chats. Un petit ruisseau coule à proximité, et un grand orme de Sibérie ainsi qu'un cerisier se dressent dans la cour, entourés de rizières. C'est un environnement où les saisons qui changent se ressentent profondément, et je trouve l'inspiration lors de mes promenades quotidiennes ici avec mon chien.

Si vous pouviez rencontrer n'importe qui, vivant ou décédé, qui serait-ce ?

Le regretté Klaus Stümpfel, mon professeur à la HBK Braunschweig. Il m'a enseigné à travers sa passion et son sérieux envers l'art. Il n'était pas célèbre, mais il a été le professeur le plus important de ma vie.

Si vous n'étiez pas artiste, que feriez-vous ?

Je suis attirée par l’art depuis la cinquième, quand j’ai commencé à copier les aquarelles du Mont Sainte-Victoire de Cézanne — c’est là que le rêve a pris racine. Quand j’ai réalisé plus tard que la vie d’artiste n’était pas l’idéal romantique que j’avais imaginé enfant, je me suis encore plus engagée dans mon travail. Je n’ai jamais sérieusement envisagé une autre profession, mais si je devais en imaginer une, ce serait peut-être chercheuse en biologie ou en histoire — des sujets que j’ai toujours aimés.

Pouvez-vous partager une courte histoire ou un moment de votre vie qui a eu un fort impact sur votre vie d’artiste ?

Une personne qui a profondément influencé mon parcours artistique est Christelle Thomas d’IdeelArt. Depuis notre première rencontre en ligne en 2017, elle soutient mon travail avec une confiance et une bienveillance constantes.

Lors des moments où je me sens émotionnellement à plat ou bloquée créativement, ses messages brefs mais sincères deviennent souvent une force tranquille qui m’aide à revenir à mon travail. L’automne dernier, elle m’a envoyé une photo de l’atelier de Paul Cézanne à Aix-en-Provence. Connaissant mon admiration pour Cézanne, ce geste attentionné m’a profondément touchée et m’a poussée à me demander à nouveau : Quelle couleur a cette émotion que je ressens ? Quels mots pourraient la contenir ? Et sous quelle forme pourrais-je donner corps à ces émotions qui se construisent, couche après couche ?
Des moments comme celui-ci — des rencontres inattendues et de subtiles vibrations émotionnelles — renouvellent continuellement ma curiosité et deviennent la force motrice de mon désir de créer.

À quoi ressemble une bonne journée pour vous, en dehors de l’atelier ?

Une bonne journée en dehors de l’atelier est une journée où je sens que mes sens sont encore vivants. Les routines quotidiennes peuvent émousser la perception, mais dans cette répétition, des moments inattendus de conscience émergent souvent.
Promener mon chien par une journée claire et laisser mon regard suivre les crêtes lointaines, partager un café fraîchement préparé avec mon mari, ou remarquer les premières azalées en fleurs à mi-montagne après un long hiver — ces moments ordinaires m’apportent une joie tranquille.
La plupart des jours sont remplis de répétition et d’un certain sentiment de stagnation. Mais quand, dans cette ordinarité, mes sens se réveillent doucement à nouveau, cela suffit pour que la journée soit bonne.

Y a-t-il quelque chose chez vous qui surprendrait probablement les personnes qui ne connaissent votre travail qu’à travers votre art ?

Je suis une petite femme coréenne. Les personnes qui découvrent mon travail avant de me rencontrer avouent souvent qu’elles imaginaient l’artiste comme un grand homme peignant ces œuvres.

L’interview (plus) sérieuse

6 questions pour approfondir les idées, expériences et espoirs qui façonnent le parcours créatif de Lee.

Quels thèmes ou questions reviennent sans cesse dans votre travail ?

Je reviens sans cesse à la question de savoir comment l’émotion devient langage, et comment le langage, à son tour, devient couleur. Je suis attiré par les états avant que les choses ne soient clairement définies - où les sentiments persistent, changent et résistent à une nomination précise. C’est dans cet espace liminal que je trouve la plus vraie expression de l’expérience humaine.
Un autre élément récurrent dans mon travail est la structure horizontale. Les bandes horizontales qui apparaissaient dans mes œuvres antérieures et dans la série « Emotional Color Change » fonctionnent comme un cadre discret, permettant au temps, à l’émotion et à la perception de se déployer de manière égale plutôt que hiérarchique. À travers cette structure, j’explore l’accumulation, la variation subtile et l’équilibre entre ordre et hasard.

Pouvez-vous décrire un moment clé dans votre parcours d’artiste ?

Je suis parti pour l’Allemagne à l’été 1991 et suis revenu en Corée à l’été 2000. Pendant mes études à l’étranger, j’ai créé des œuvres abstraites à la peinture à l’huile avec l’eau comme motif, et j’ai continué dans cette veine après mon retour.
Le tournant est survenu en 2001. Grâce à un programme d’échange international à la résidence Ssamzie Space, j’ai visité New York et acquis deux insights cruciaux. Premièrement, la saison des moussons en Corée était en conflit direct avec ma méthode de travail. La technique de peinture à l’huile que j’utilisais - qui reposait sur la séparation de l’eau et de l’huile - produisait des craquelures et des couleurs boueuses dans une humidité élevée. Deuxièmement, pour réaliser la structure horizontale que je poursuivais, un changement fondamental de matériaux était nécessaire. Je voulais que chaque couleur occupe son propre territoire distinct sur la toile, et non simplement se fondre en gradations.
Collaborer avec des artistes new-yorkais m’a donné le courage d’expérimenter. J’ai commencé à explorer les peintures acryliques de haute qualité qui venaient tout juste d’être disponibles en Corée à cette époque. La méthode consistant à appliquer du ruban adhésif épais horizontalement et à remplir les espaces avec de la peinture - cela était impossible avec les huiles à séchage lent, mais réalisable avec l’acrylique. Ce changement technique n’était pas simplement un changement de matériaux ; c’était le moment décisif qui a ouvert la voie à la concrétisation du langage visuel que je cherchais depuis toujours.

Quels matériaux ou procédés sont les plus importants dans votre pratique, et pourquoi ?

Travailler avec de la peinture acrylique sur papier et toile est au cœur de ma pratique. Je choisis l’acrylique pour sa réactivité au temps - la rapidité avec laquelle elle sèche, la précision avec laquelle elle peut être superposée, et la vivacité avec laquelle elle conserve la couleur. Ces qualités permettent à chaque couleur de garder son propre territoire plutôt que de se fondre en une gradation continue.
Je travaille souvent avec des structures horizontales, utilisant du ruban adhésif pour définir des limites et créant un rythme par la répétition. Ce processus reflète ma compréhension de l’émotion - comme quelque chose qui s’accumule avec le temps, structuré mais ouvert à des changements subtils.
Les matériaux comptent pour moi car ils permettent à la couleur de fonctionner non pas comme une simple représentation, mais comme un témoignage des états perceptifs et émotionnels.

Comment souhaitez-vous que les gens se sentent lorsqu’ils découvrent votre travail ?

J’espère que les spectateurs s’arrêtent, puis se sentent attirés à s’approcher de l’œuvre. Pas pour la décoder, mais pour sentir les émotions revenir doucement en eux, sans pression.
La couleur nous atteint avant le langage - elle est ressentie avant d’être expliquée. Si mon travail peut créer un moment où l’émotion arrive avant les mots, et que les spectateurs découvrent un nom pour un sentiment qu’ils ne connaissaient pas encore à travers les couleurs, cela me suffit.

Pouvez-vous nous décrire une journée type de travail dans votre atelier ?

Je travaille uniquement lorsqu’il y a de la lumière du jour. Même si j’utilise des lumières équilibrées pour la lumière du jour à l’intérieur, j’évite de travailler la couleur la nuit, car je me fie aux subtils changements de la lumière naturelle. Le soir, je lis généralement des livres ou regarde des films sur Netflix plutôt que de dessiner. Un film mémorable que j’ai récemment vu est Train Dreams, basé sur le roman de Dennis Johnson, que j’ai trouvé très impressionnant.
Pour rester fidèle aux émotions du jour, je travaille avec plusieurs toiles ou feuilles de papier disposées en même temps. Je ne suis aucun rituel fixe - le travail de chaque jour répond aux conditions émotionnelles et situationnelles du moment. Je me concentre sur mon travail en atelier le matin, prends un brunch tardif vers 13h, puis continue à travailler tout l’après-midi jusqu’au dîner.

Quels rêves ou espoirs avez-vous pour votre parcours artistique ?

Ma série « Couleur comme adjectif », qui explore la relation entre émotion, couleur et langage, compte désormais plus de 420 œuvres. Certaines couleurs ont déjà été épuisées et ne peuvent plus être créées, tandis que beaucoup d’autres attendent d’être découvertes et créées. J’ai exposé ces couleurs en petits groupes sous le nom singulier de « beauté ».
Ce dont je rêve maintenant, c’est de rassembler toute la série dans un seul espace. Ce serait une totalité de toutes les émotions que j’ai découvertes, vécues et ressenties - un témoignage du temps lui-même. J’espère qu’à l’intérieur de cet espace, les visiteurs découvriront leurs propres émotions à travers le langage de la couleur, et vivront le monde d’une manière différente, ou peut-être semblable à la mienne.

Par Francis Berthomier
Toutes les images ©Kyong Lee

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