Clarté du ton et de la forme dans les peintures de Barnett Newman

Les peintures zippées emblématiques de Barnett Newman, présentant de fines bandes verticales lumineuses entourées de champs de couleurs immersifs, sont considérées comme l'une des œuvres les plus émouvantes et les plus puissantes du XXe siècle. Siècle. Mais Newman n’était pas apprécié à son époque. Il avait la quarantaine avant d'arriver à son style mature, et lorsqu'il exposa pour la première fois ses peintures zippées, les critiques et les collectionneurs les méprisèrent universellement. Néanmoins, Newman reste concentré sur ce qu’il veut communiquer avec son art. Son chemin long et difficile vers le succès lui a donné une perspective unique et l’opportunité de deviner par lui-même le sens et le but de la vie et de l’art. Au moment où l’histoire a rattrapé Newman, sa perspective unique avait abouti à une œuvre artistique qui communique avec une parfaite clarté l’universel, l’individuel et le sublime.

Barnett Newman l'écrivain

Barnett Newman est né avec une passion pour la communication, tant par les mots que par les images. Lorsqu'il était enfant dans le Bronx, il a déjà remporté un concours d'art oratoire à l'école. Au moment où il était lycéen, il suivait des cours presque tous les jours de la semaine à la Art Students League. À l'université, il a mis ses passions à profit, étudiant l'art, se spécialisant en philosophie et rédigeant des articles dans des publications scolaires. Mais malgré son immense talent et son dynamisme, après l'université, Newman s'est retrouvé sans direction claire sur la manière exacte de mettre ses passions à profit dans une carrière.

Après avoir obtenu un diplôme en philosophie en 1927, Newman a commencé à travailler dans l'entreprise familiale, essayant d'économiser de l'argent avant de vivre la vie d'un artiste. Mais lorsque le marché boursier s'est effondré deux ans plus tard, presque toutes les perspectives pour lui et sa famille ont été détruites. Confronté à des réalités difficiles, Newman s'est mis sérieusement à survivre de toutes les manières possibles. Il a essayé d'enseigner en tant que remplaçant et a écrit pour plusieurs publications sur des sujets comme la politique et l'histoire de l'art. Tout en luttant et en cherchant, il a continué à peindre et a noué des liens avec d'autres âmes partageant les mêmes idées, également en difficulté pour trouver leur chemin. Ces connexions comprenaient sa femme Annalee, les peintres Mark Rothko et Adolph Gottlieb, et la propriétaire de galerie Betty Parsons.

Barnett Newman - Bleu nuit, 1970. 239 x 193 cm. Musée Ludwig, Cologne, Allemagne. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman le philosophe

Tout au long des années 1930 et au début des années 1940, Newman fut sans cesse insatisfait de ses propres efforts de peintre. Il avait un cœur de poète et de philosophe et cherchait un moyen de communiquer sa nature intérieure à travers son art. Il a trouvé du réconfort en écrivant sur l'art, en écrivant des essais sur des catalogues d'exposition pour divers autres artistes, grâce à son association avec Betty Parsons. Ces écrits, ainsi que ses diverses expériences de vie et ses luttes personnelles, l'ont progressivement amené à développer une théorie profonde sur la nature de l'humanité et le but de l'art.

Il a exposé cette philosophie dans deux essais qu’il a écrits respectivement en 1947 et 1948. Le premier essai était intitulé Le premier homme était un artiste. Newman y affirmait que l'instinct poétique ou artistique a toujours précédé l'instinct utilitaire chez l'homme, depuis la nuit des temps. Il soutenait que les sculptures de dieux en boue étaient antérieures à la poterie et que les grognements et les cris poétiques exprimant les émotions les plus primaires étaient antérieurs aux énoncés dits civilisés. « La poterie est le produit de la civilisation », a écrit Newman. « L'acte artistique est un droit personnel de naissance de l'homme. »

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Huile sur toile. Hors tout : 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 po). Don d'Annalee Newman, en l'honneur du 50e anniversaire de la National Gallery of Art. 1988.57.2. La collection de la Galerie nationale d'art. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman le peintre

Le deuxième essai important que Newman a écrit s'intitulait Le Sublime est Maintenant. Dans ce texte, il a réprimandé tous les artistes du passé pour avoir simplement poursuivi la beauté. Même les artistes modernistes, a-t-il soutenu, ne faisaient que réinterpréter ce qui était beau, créant un « transfert de valeurs au lieu de créer une nouvelle vision. » Il a affirmé que lui et ses contemporains recherchaient quelque chose de complètement nouveau, « en niant complètement que l'art ait quoi que ce soit à voir avec le problème de la beauté et où la trouver. » Il a affirmé que le travail qu'il faisait, ainsi que celui de ses pairs, n'avait aucun lien avec quoi que ce soit d'historique, de nostalgique ou de mythique, mais était « évident » et fait « de nos propres sentiments. »

Le résultat de toute cette philosophie s'est manifesté artistiquement pour Newman en 1948, lorsqu'il a créé son chef-d'œuvre emblématique Onement, le premier de ses peintures zip. Le titre de l'œuvre est un jeu de mots. Il fait référence au mot expiation, qui pourrait signifier réparer quelque chose mais est aussi une référence chrétienne à la fusion de l'humanité et de la divinité représentée par la figure du Christ. Mais en omettant les deux premières lettres du mot, Newman faisait également référence à la totalité de l'individu, l'un, et à son idée globale selon laquelle l'intégralité de toute compréhension sublime peut être contenue en une seule personne, ou pour ainsi dire, une seule peinture.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Huile sur toile et huile sur ruban de masquage sur toile. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Don d'Annalee Newman. 390.1992. Collection MoMA. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Une expression singulière d’un objectif

Après avoir peint Onement, Barnett Newman a détruit toutes ses œuvres précédentes. Il avait atteint la voix esthétique qu'il recherchait et, à partir de ce moment, il continua à détruire toute œuvre qui ne correspondait pas à sa vision spécifique. Ironiquement, il n’était pas le seul à ressentir le besoin de détruire son œuvre. Il a appris cette malheureuse leçon en 1950 lorsqu’il a commencé à se faire représenter par son amie Betty Parsons. Au cours des deux années suivantes, il organise deux expositions personnelles dans sa galerie. Lors des deux expositions, ses peintures ont été sabrées et, dans leurs critiques, les critiques ont universellement tourné en dérision son œuvre.

Secoué par la haine qu'il avait subie, Newman a retiré son travail de Betty Parsons et a complètement cessé d'exposer ses œuvres pendant les quatre années suivantes. Il a même racheté l'une de ses peintures qui avait été vendue, écrivant au collectionneur : « Les conditions n'existent pas encore . . . qui peuvent rendre possible une attitude directe et innocente envers une pièce isolée de mon travail ». Mais il a continué à peindre ses toiles zippées, croyant intrinsèquement qu'elles communiquaient la pureté et la grandeur du sublime, esprit individuel. Cependant, lorsqu'il a finalement décidé d'exposer à nouveau son travail, il a été de nouveau ridiculisé, un critique d'une exposition de 1957 de la peinture Vir Heroicus Sublimis allant jusqu'à maudire l'œuvre et à attirer l'attention uniquement sur sa taille et le fait qu'elle est rouge.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Huile sur toile. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Cadeau de M. et Mme Ben Heller. 240.1969. Collection du MoMA. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

La prochaine génération

Malgré le malentendu du public concernant ses efforts, Newman a persisté, solidifiant son expression en la simplifiant. Ses œuvres les plus réussies se composaient uniquement de deux éléments : le ton et la forme. Les zips eux-mêmes n'étaient pas tant des formes que des formes. Mais les peintures étaient des formes dans leur totalité. Les zips étaient en réalité juste des expressions de qualités tonales, un changement de couleur les différenciant de leurs champs de couleur environnants. Et il exprimait également le ton dans un sens musical, comme dans une expression claire, précise et allongée d'une voix. À travers son expression claire du ton et de la forme, Newman a défini sa croyance adamante en la valeur de l'autonomisation, de l'idiosyncrasie et de l'essence universelle de l'individu.

Malgré sa sincérité et sa passion, tout au long des années 1950, un seul critique soutenait Barnett Newman : Clement Greenberg. Bien que son soutien n’ait pas convaincu l’establishment artistique de la valeur de l’œuvre, il reflétait la compréhension croissante de la jeune génération pour ce que représentait Barnett Newman. Pour les jeunes peintres, plutôt que de les lier au passé, Newman les avait libérés pour qu'ils embrassent leur individualité unique. Il avait démontré que les spectateurs pouvaient approcher n'importe laquelle de ses peintures et les rencontrer exactement de la même manière qu'ils rencontreraient un autre être humain : une simple entité essentielle en rencontrant une autre. Il a prouvé que les peintures n’avaient pas besoin d’être liées les unes aux autres, ni à l’histoire. Il a montré que chaque œuvre d’art était un univers en soi.

Barnett Newman – Le Troisième, 1964. Huile sur toile. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Une influence retardée mais durable

Bien qu'il ait fallu attendre que Newman atteigne la soixantaine avant qu'une nouvelle génération puisse se connecter à ses idées, il a finalement gagné le respect et la reconnaissance qu'il méritait. Aujourd'hui, l'influence de Barnett Newman peut être vue chez de nombreux artistes abstraits contemporains qui ont créé des visions esthétiques idiosyncratiques basées sur le ton et la forme. Par exemple, considérons Tom McGlynn, qui a créé une vision sublime et idiosyncratique basée sur le ton et la forme ; ou le travail de Richard Caldicott, qui explore la répétition sérielle et les structures dans la création d'espaces esthétiques uniques.

Malgré l'incompréhension initiale à l'égard de son travail, Barnett Newman figure désormais régulièrement parmi les meilleurs expressionnistes abstraits, artistes Color Field et même minimalistes. Mais il ne se considérait comme affilié à aucun de ces groupes. Il se considérait plutôt comme un mouvement qui lui était propre. Néanmoins, même s'il ne ressemblait pas par son style aux expressionnistes abstraits, il était un porte-drapeau de la valeur de l'expression personnelle. Bien qu'il ne soit pas un artiste Color Field, il a démontré la capacité des seules qualités tonales à créer des formes esthétiques méditatives et contemplatives. Et même s’il n’était pas un minimaliste, il a exprimé de manière prémonitoire l’intérêt de simplifier et de réduire le langage visuel.

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Huile sur toile. 114 x 84 po (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Image en vedette : Barnett Newman - Onement I (détail), 1948. Huile sur toile et huile sur ruban de masquage sur toile. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Don d'Annalee Newman. 390.1992. Collection MoMA. © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York
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Par Phillip Barcio