Clarté du ton et de la forme dans les peintures de Barnett Newman

Les célèbres peintures à bandes verticales lumineuses de Barnett Newman, présentant de fines bandes verticales lumineuses entourées de champs de couleur immersifs, sont considérées comme certaines des œuvres les plus émouvantes et puissantes du XXe siècle. Mais Newman n’a pas été apprécié de son vivant. Il avait la quarantaine lorsqu’il a atteint son style mature, et lorsque ses peintures à bandes ont été exposées pour la première fois, critiques et collectionneurs les ont universellement méprisées. Néanmoins, Newman est resté entièrement concentré sur ce qu’il voulait communiquer avec son art. Son long et difficile chemin vers le succès lui a offert une perspective unique, ainsi qu’une occasion de deviner par lui-même le sens et le but de la vie et de l’art. Lorsque l’histoire a rattrapé Newman, sa perspective unique avait donné naissance à un œuvre artistique qui communique avec une parfaite clarté l’universel, l’individuel et le sublime.

Barnett Newman l’écrivain

Barnett Newman est né avec une passion pour la communication, tant par les mots que par les images. Enfant dans le Bronx, il a remporté un concours d’éloquence à l’école. Lorsqu’il était en terminale, il suivait presque tous les jours des cours à l’Art Students League. À l’université, il a mis ses passions à profit, étudiant l’art, se spécialisant en philosophie et contribuant à des publications scolaires. Mais malgré son immense talent et sa détermination, après l’université, Newman manquait d’une direction claire pour savoir comment mettre ses passions au service d’une carrière.

Après avoir obtenu son diplôme en philosophie en 1927, Newman a commencé à travailler dans l’entreprise familiale, essayant d’économiser avant de vivre la vie d’artiste. Mais lorsque le krach boursier a eu lieu deux ans plus tard, presque toutes les perspectives pour lui et sa famille ont été détruites. Face à ces dures réalités, Newman s’est mis sérieusement en quête de survivre comme il pouvait. Il a essayé l’enseignement suppléant et a écrit pour plusieurs publications sur des sujets comme la politique et l’histoire de l’art. Tout en luttant et en cherchant, il a continué à peindre et a noué des liens avec d’autres âmes partageant ses idées et cherchant aussi leur voie. Ces liens comprenaient sa femme Annalee, les peintres Mark Rothko et Adolph Gottlieb, ainsi que la galeriste Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Bleu Minuit, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Cologne, Allemagne. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman le philosophe

Tout au long des années 1930 et au début des années 1940, Newman était sans cesse insatisfait de ses propres efforts en tant que peintre. Il avait le cœur d’un poète et d’un philosophe et cherchait un moyen de communiquer sa nature intérieure par son art. Il trouvait du réconfort en écrivant sur l’art, rédigeant des essais pour des catalogues d’exposition d’autres artistes, grâce à son association avec Betty Parsons. Ces écrits, ainsi que ses diverses expériences de vie et ses luttes personnelles, l’ont peu à peu conduit à développer une théorie profonde sur la nature de l’humanité et le but de l’art.

Il a exposé cette philosophie dans deux essais qu’il a écrits en 1947 et 1948, respectivement. Le premier essai s’intitulait Le premier homme était un artiste. Newman y soutenait que l’instinct poétique ou artistique a toujours précédé l’instinct utilitaire chez l’homme, depuis le commencement des temps. Il affirmait que les sculptures en boue de dieux avaient précédé la poterie, et que les grognements et cris poétiques exprimant les émotions les plus primitives avaient précédé les soi-disant paroles civilisées. « La poterie est le produit de la civilisation », écrivait Newman. « L’acte artistique est un droit personnel de l’homme. »

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Huile sur toile. Dimensions totales : 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 po). Don d’Annalee Newman, en l’honneur du 50e anniversaire de la National Gallery of Art. 1988.57.2. Collection de la National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman le peintre

Le second essai important que Newman a écrit s’intitulait Le sublime est maintenant. Dans ce texte, il reprochait à tous les artistes passés de ne faire que courir après la beauté. Même les artistes modernistes, affirmait-il, ne faisaient que réinterpréter ce qui était beau, créant un « transfert de valeurs au lieu de créer une nouvelle vision ». Il affirmait que lui et ses contemporains cherchaient quelque chose de tout à fait nouveau, « en niant complètement que l’art ait quelque chose à voir avec le problème de la beauté et où la trouver ». Il soutenait que l’œuvre qu’il créait, ainsi que celle de ses pairs, n’avait aucun lien avec quoi que ce soit d’historique, de nostalgique ou de mythique, mais était « évidente par elle-même » et faite « à partir de nos propres sentiments ».

Le résultat de toute cette philosophie s’est manifesté artistiquement pour Newman en 1948, lorsqu’il a créé son chef-d’œuvre emblématique Onement, la première de ses peintures à bandes. Le titre de l’œuvre est un jeu de mots. Il fait référence au mot atonement (expiation), qui peut signifier réparer quelque chose mais est aussi une référence chrétienne à la fusion de l’humanité et de la divinité représentée par la figure du Christ. Mais en omettant les deux premières lettres du mot, Newman faisait aussi référence à la totalité de l’individu, l’un, et à son idée générale que l’ensemble de toute compréhension sublime peut être contenu en soi dans une seule personne, ou, pour le dire autrement, dans une seule peinture.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Huile sur toile et huile sur ruban adhésif sur toile. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Don d’Annalee Newman. 390.1992. Collection MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Une expression singulière de la finalité

Après avoir peint Onement, Barnett Newman a détruit toutes ses œuvres précédentes. Il avait atteint la voix esthétique qu’il cherchait, et à partir de ce moment, il a continué à détruire toute œuvre qui ne correspondait pas à sa vision spécifique. Ironiquement, il n’était pas le seul à ressentir le besoin de détruire son travail. Il a appris cette leçon malheureuse en 1950 lorsqu’il a commencé à être représenté par son amie Betty Parsons. Au cours des deux années suivantes, il a tenu deux expositions personnelles dans sa galerie. Lors des deux expositions, ses peintures ont été lacérées, et dans leurs critiques, les critiques ont universellement raillé son travail.

Ébranlé par la haine qu’il a subie, Newman a retiré ses œuvres de Betty Parsons et a complètement cessé d’exposer pendant les quatre années suivantes. Il a même racheté une de ses peintures vendues, écrivant au collectionneur : « Les conditions n’existent pas encore... pour permettre une attitude directe et innocente envers une œuvre isolée de mon travail ». Mais il a continué à peindre ses peintures à bandes, croyant intrinsèquement qu’elles communiquaient la pureté et la grandeur de l’esprit sublime et individuel. Lorsqu’il a finalement décidé d’exposer à nouveau, son travail a encore été raillé, un critique d’une exposition de 1957 de la peinture Vir Heroicus Sublimis allant jusqu’à maudire l’œuvre et ne remarquant que sa taille et le fait qu’elle soit rouge.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Huile sur toile. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Don de M. et Mme Ben Heller. 240.1969. Collection MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

La génération suivante

Malgré la méprise du public à l’égard de ses efforts, Newman a persévéré, consolidant son expression en la simplifiant. Ses œuvres les plus réussies ne comportaient que deux éléments : le ton et la forme. Les bandes elles-mêmes n’étaient pas tant des formes que des figures. Mais les peintures étaient des formes dans leur totalité. Les bandes étaient en réalité des expressions de qualités tonales, un changement de couleur les différenciant des champs de couleur environnants colorés. Il exprimait aussi le ton dans un sens musical, comme une expression claire, précise et prolongée d’une voix. Par son expression claire du ton et de la forme, Newman définissait sa ferme croyance en la valeur de l’autonomisation, de l’idiosyncrasie et de l’essence universelle de l’individu.

Malgré sa sincérité et sa passion, tout au long des années 1950, un seul critique soutenait Barnett Newman, et c’était Clement Greenberg. Bien que son soutien ait peu convaincu l’establishment artistique de la valeur de l’œuvre, il reflétait la compréhension croissante que la jeune génération avait de ce que représentait Barnett Newman. Pour les jeunes peintres, plutôt que de les attacher au passé, Newman les avait libérés pour embrasser leur individualité unique. Il avait démontré que les spectateurs pouvaient aborder n’importe laquelle de ses peintures et les rencontrer de la même manière qu’ils rencontreraient un autre être humain : une entité essentielle rencontrant une autre. Il a prouvé que les peintures n’avaient pas besoin d’être liées entre elles, ni d’être liées à l’histoire. Il a montré que chaque œuvre d’art était un univers en soi.

 

Barnett Newman - Le Troisième, 1964. Huile sur toile. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Une influence tardive mais durable

Même s’il a fallu attendre que Newman ait soixante ans pour qu’une nouvelle génération puisse se connecter à ses idées, il a finalement obtenu le respect et la reconnaissance qu’il méritait. Aujourd’hui, l’influence de Barnett Newman se retrouve chez de nombreux artistes abstraits contemporains qui ont créé des visions esthétiques idiosyncrasiques basées sur le ton et la forme. Par exemple, considérez Tom McGlynn, qui a créé une vision sublime et idiosyncrasique fondée sur le ton et la forme ; ou le travail de Richard Caldicott, qui explore la répétition en série et les structures dans la création d’espaces esthétiques singulièrement uniques.

Malgré la méprise initiale envers son travail, Barnett Newman est désormais régulièrement inclus parmi les meilleurs expressionnistes abstraits, artistes du champ coloré et même minimalistes. Mais il se considérait comme non affilié à aucun de ces groupes. Il se voyait plutôt comme un mouvement à lui seul. Néanmoins, bien qu’il ne fût pas comme les expressionnistes abstraits dans le style, il était un porte-étendard de la valeur de l’expression personnelle. Bien qu’il ne fût pas un artiste du champ coloré, il a démontré la capacité des qualités tonales seules à créer des formes esthétiques méditatives et contemplatives. Et bien qu’il ne fût pas un minimaliste, il a exprimé de manière prémonitoire la valeur de simplifier et de réduire le langage visuel.

 

Barnett Newman - Feu Noir I, 1963. Huile sur toile. 114 x 84 po (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Image en vedette : Barnett Newman - Onement I (détail), 1948. Huile sur toile et huile sur ruban adhésif sur toile. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Don d’Annalee Newman. 390.1992. Collection MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio