La mère de l'expressionnisme abstrait - Betty Parsons

Betty Parsons est morte il y a 35 ans, lorsque j’avais 13 ans. Je ne l’ai jamais connue. Théoriquement, j’aurais pu la rencontrer si j’avais su qu’il fallait essayer. Mais je n’ai découvert son existence que lorsqu’il était bien trop tard. J’imagine que beaucoup de gens regrettent de ne pas avoir connu Parsons. C’était une révolutionnaire de l’art moderne. Même si je soupçonne qu’elle n’avait aucune idée de l’influence qu’elle aurait, son exemple m’a inspiré, ainsi que, je le crois, de nombreux membres de ma génération, à rechercher de nouveaux modèles d’authenticité et d’exception dans l’art. Des collectifs artistiques à but non lucratif aux espaces de projets dirigés par des artistes, en passant par les musées expérimentaux, le monde de l’art actuel regorge de personnes et de lieux qui accordent plus de valeur au grand art qu’aux grands profits. C’est à Parsons que je dois cet héritage. Mais on a beaucoup écrit sur elle, dans les magazines d’art les plus prestigieux, par des auteurs bien plus accomplis que moi. Je ne peux rien apporter de nouveau à son sujet. Mais puisqu’elle était unique d’une manière que mon âme apprécie, je suis malgré tout tenté d’essayer. Son surnom, « la mère adoptive de l’expressionnisme abstrait », est apparu dans un article d’ARTnews datant de 1979, écrit par Grace Lichtenstein. Ce surnom faisait référence au fait que Parsons croyait en l’œuvre de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still et Barnett Newman, qu’elle la nourrissait et l’exposait, à une époque où personne d’autre en Amérique ne voulait le faire. Cet article révèle également la complexité et la profondeur de Parsons en tant qu’artiste, passionnée d’art et femme d’affaires. Par ailleurs, un entretien enregistré avec Parsons en 1977 par l’artiste Helène Aylon, puis publié dans son intégralité par Judith Stein dans Art in America Magazine en 2013, contribue largement à révéler ce qui était extraordinaire chez Parsons en tant qu’être humain. La meilleure manière, selon moi, de rendre hommage à Parsons est de me concentrer sur ces deux portraits, réalisés par ceux qui l’ont réellement connue de son vivant. Voici, extraites de ces textes, dix citations qui ont fait de Parsons une héroïne personnelle, parce qu’elles me rappellent ce qui compte lorsqu’il s’agit de créer et d’apprécier l’art.

« Dieu merci, il ne semble pas y avoir d’“ismes” aujourd’hui. Je déteste les modes. »

Nous essayons souvent de donner un nom aux mouvements actuels. Pourquoi faisons-nous cela ? Parce que les étiquettes rendent les produits plus faciles à vendre, en particulier aux personnes qui ont peu d’instruction ou de véritable appréciation. Plutôt que de croire aux tendances, Parsons accordait la priorité à ce qui était bon et trouvait de la joie dans ce qui était différent.

« J’ai toujours été fascinée par ce que j’appelle “la présence invisible”. La chose la plus permanente dans ce monde est l’invisible ; on ne peut jamais lui échapper. »

Certains artistes pensent qu’ils ne peuvent réussir que s’ils possèdent une identité commercialisable ou s’ils créent un art consacré à un sujet particulier, populaire auprès du public contemporain. Parsons se concentrait sur l’inconnu. Plutôt que de promouvoir l’art de l’évidence, elle était attirée par l’art qui révélait ce qui est caché.

« Je crois à la tension. Si vous peignez un tableau et qu’il n’y a aucune tension, il n’y a pas d’excitation. »

La tension dans une œuvre peut provenir d’un élément qu’un spectateur ne reconnaît pas. Elle peut aussi venir de quelque chose considéré comme vulgaire ou grossier. D’autres fois, la tension naît de quelque chose que nous ne trouvons tout simplement pas beau. Plutôt que de détourner le regard, Parsons les accueillait, y voyant des occasions de se remettre en question et de progresser.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

« Je m’intéresse aux tableaux importants, pas à la décoration intérieure. »

Parsons exposait des œuvres dans des pièces aux murs et aux sols blancs et nus. Elle ne faisait aucun effort supplémentaire pour convaincre les collectionneurs d’acheter. Elle considérait que son travail comportait deux aspects : défendre l’intégrité de l’artiste et convaincre le public que l’œuvre était valable pour des raisons sans rapport avec la beauté qu’elle pourrait avoir au-dessus de leurs canapés.

« Je ne veux pas crouler sous toutes ces richesses - elles m’ennuieraient à mourir. »

Parsons était née dans la haute société, mais elle rejetait les attributs de la richesse. Après avoir tout perdu pendant la Grande Dépression, elle repartit de zéro. Au cours des cinquante années suivantes, elle eut souvent du mal à payer ses factures. Elle vendait suffisamment d’œuvres, les siennes et celles des artistes qu’elle représentait, pour garder les lumières allumées, et considérait cela comme la définition de la réussite financière.

« Le monde abstrait était considéré comme froid parce qu’il ne comportait pas de figures. Mais il avait du feu, de l’énergie, de la nature, de la lumière, de l’espace - il se concentrait sur toutes ces valeurs. »

Parsons avait suffisamment confiance en son propre goût pour y croire. Elle comprit l’abstraction bien avant la plupart des Américains. Elle se fiait à sa propre vision, indépendamment de ce que disait ou faisait le reste du monde de l’art.

« J’ai toujours eu dix ans d’avance sur mon époque. C’est l’histoire de ma vie. »

Lorsque vous ne réussissez pas financièrement, il est tentant de penser que c’est parce que ce que vous faites n’a aucune valeur. Parsons comprit que parfois, si personne n’achète votre travail, c’est parce que personne ne le reconnaît, parce qu’il appartient au futur.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylique sur toile (à gauche) / Sputnik, 1961, acrylique sur toile (à droite), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

« Identifiez-vous toujours à l’art ; jamais à l’artiste. »

Parsons détestait certains artistes, mais adorait leur travail. Elle comprenait que les artistes n’ont pas besoin d’être aimables, sociables ou charmants. Les artistes ne sont ni des vendeurs ni des politiciens. Leur œuvre parle d’elle-même.

« [Les artistes que je représente] deviennent plus libres et plus créatifs au fil du temps. Je les ai toujours encouragés dans cette voie. »

Certains galeristes encouragent les artistes à trouver un style qui se vend, puis à s’y tenir. Parsons mettait au défi les artistes qu’elle exposait. Elle croyait que le dynamisme et la croissance étaient essentiels pour progresser, et que les ventes constituaient l’aspect le moins important d’une carrière artistique.

« Nous faisons tous partie de tout. »

On interrogeait souvent Parsons sur ses convictions concernant les questions sociales. Cette citation était sa réponse à l’une de ces questions. Elle savait que l’art pouvait révéler que ce qui nous unit dépasse largement ce qui nous sépare. Cette citation m’a le plus influencé. Elle mérite d’être constamment répétée, car il est si facile de l’oublier.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Image à la une : Betty Parsons - Orange, 1956, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
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Par Phillip Barcio 2018
Édité par IdeelArt (2026)