La mère de l'expressionnisme abstrait - Betty Parsons

Betty Parsons est décédée il y a 35 ans, quand j’avais 13 ans. Je ne l’ai jamais connue. Théoriquement, je suppose que j’aurais pu la rencontrer, si j’avais su essayer. Mais je n’avais aucune idée de son existence avant qu’il ne soit bien trop tard. J’imagine que beaucoup de gens regrettent de ne pas avoir fait la connaissance de Parsons. Elle fut une révolutionnaire de l’Art Moderne. Bien que je soupçonne qu’elle n’avait pas conscience de l’impact, son exemple m’a inspirée, ainsi que je crois de nombreux membres de ma génération, à chercher de nouveaux modèles d’authenticité et d’exception dans l’art. Des collectifs artistiques à but non lucratif, aux espaces de projets gérés par des artistes, en passant par des musées expérimentaux, le monde de l’art aujourd’hui regorge de personnes et de lieux qui valorisent le grand art plutôt que le grand profit. C’est à Parsons que je dois cet héritage. Mais elle a été largement écrite, dans les magazines d’art les plus prestigieux, par des auteurs bien plus accomplis que moi. Je n’ai rien de nouveau à rapporter à son sujet. Mais puisqu’elle était unique d’une manière que mon âme apprécie, je suis néanmoins portée à essayer. Son surnom, « la mère nourricière de l’expressionnisme abstrait », est apparu dans un article dans ARTnews de 1979, écrit par Grace Lichtenstein. Ce sobriquet faisait référence à la manière dont Parsons croyait en, soutenait et exposait les œuvres de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still et Barnett Newman alors que personne d’autre en Amérique ne le faisait. Cet article révèle aussi la complexité et la profondeur que Parsons possédait en tant qu’artiste, passionnée et femme d’affaires. Par ailleurs, une interview enregistrée avec Parsons en 1977 par l’artiste Helène Aylon et publiée intégralement par Judith Stein dans Art in America Magazine en 2013 révèle largement ce qui était extraordinaire chez Parsons en tant qu’être humain. La meilleure manière dont je sens pouvoir lui rendre hommage est de me concentrer sur ces deux portraits, réalisés par ceux qui l’ont réellement connue de son vivant. Voici, extraits de ceux-ci, dix citations qui ont fait de Parsons une héroïne personnelle pour moi, car elles me rappellent ce qui est important dans la création et l’appréciation de l’art.

« Dieu merci, il ne semble pas y avoir d’‘ismes’ aujourd’hui. Je déteste les modes. »

Souvent, nous essayons de nommer les mouvements actuels. Pourquoi faisons-nous cela ? Parce que les étiquettes facilitent la vente des produits, surtout auprès des personnes peu instruites ou sans véritable appréciation. Plutôt que de croire aux tendances, Parsons privilégiait ce qui était bon, et trouvait de la joie dans ce qui était différent.

« J’ai toujours été fascinée par ce que j’appelle ‘la présence invisible’. La chose la plus permanente dans ce monde est l’invisible ; on ne peut jamais s’en échapper. »

Certains artistes pensent qu’ils ne peuvent réussir que s’ils possèdent une identité vendable, ou s’ils créent de l’art spécifiquement sur un sujet populaire auprès des publics contemporains. Parsons se concentrait sur l’inconnu. Plutôt que de promouvoir l’art de l’évidence, elle était attirée par l’art qui révèle ce qui est caché.

« Je crois en la tension. Si vous peignez un tableau, et qu’il n’a pas de tension, il n’a pas d’excitation. »

La tension dans une œuvre peut provenir de quelque chose en elle qui est méconnaissable pour un spectateur. Ou elle peut venir de quelque chose considéré comme vulgaire ou grossier. Parfois, la tension vient de ce que nous ne trouvons tout simplement pas beau. Plutôt que de détourner le regard de ces choses, Parsons les embrassait, y voyant des occasions de se défier pour grandir.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, avec l’aimable autorisation d’Alexander Gray Associates, New York

« Je m’intéresse aux peintures importantes, pas à la maison. »

Parsons exposait dans des pièces aux murs blancs nus et aux sols dépouillés. Elle ne faisait aucun effort supplémentaire pour convaincre les collectionneurs d’acheter. Elle considérait que son travail avait deux volets : promouvoir l’intégrité de l’artiste, et convaincre le public que l’œuvre était valable pour des raisons indépendantes de son aspect décoratif au-dessus de leur canapé.

« Je ne veux pas être chargée de toutes ces richesses — elles m’ennuieraient à mourir. »

Parsons est née dans la haute société, mais a rejeté les apparats de la richesse. Après avoir tout perdu lors de la Grande Dépression, elle a tout recommencé à zéro. Pendant les cinquante années suivantes, elle a souvent eu du mal à payer les factures. Elle vendait assez d’œuvres (les siennes et celles des artistes qu’elle représentait) pour garder la lumière allumée, et considérait cela comme la définition du succès financier.

« Le monde abstrait était considéré comme froid parce qu’il n’avait pas de figures. Mais il avait le feu, l’énergie, la nature, la lumière, l’espace — il se concentrait sur toutes ces valeurs. »

Parsons avait la confiance de croire en son propre goût. Elle comprenait l’abstraction bien avant la plupart des Américains. Elle faisait confiance à sa propre vision, peu importe ce que le reste du monde de l’art disait ou faisait.

« J’ai toujours eu dix ans d’avance sur mon temps. C’est l’histoire de ma vie. »

Quand on ne réussit pas financièrement, il est tentant de penser que c’est parce que ce que l’on fait n’a aucune valeur. Parsons a compris que parfois la raison pour laquelle personne n’achète votre travail est qu’il ne le reconnaît pas, parce qu’il appartient à l’avenir.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylique sur toile (gauche) / Sputnik, 1961, acrylique sur toile (droite), © 2018 The Estate of Betty Parsons, avec l’aimable autorisation d’Alexander Gray Associates, New York

« Identifiez-vous toujours à l’art ; ne vous identifiez jamais à l’artiste. »

Parsons méprisait certains artistes mais adorait leur travail. Elle comprenait que les artistes n’ont pas besoin d’être aimables, sociables ou charmants. Les artistes ne sont ni vendeurs ni politiciens. Leur œuvre parle d’elle-même.

« [Les artistes que je représente] deviennent plus libres et plus créatifs au fil du temps. Je l’ai toujours encouragé. »

Certains galeristes encouragent les artistes à trouver un style qui se vend puis à s’y tenir. Parsons défiait les artistes qu’elle exposait. Elle croyait que le dynamisme et la croissance sont la clé pour s’améliorer, et que les ventes sont l’aspect le moins important d’une carrière artistique.

« Nous faisons tous partie de tout. »

Parsons était souvent interrogée sur ses convictions concernant les questions sociales. Cette citation était sa réponse à l’une de ces questions. Elle savait que l’art a la capacité de révéler la réalité que nos points communs universels l’emportent largement sur ce qui nous divise. Cette citation m’a le plus influencée. Elle mérite d’être répétée sans cesse, car il est si facile d’oublier.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, avec l’aimable autorisation d’Alexander Gray Associates, New York

Image en vedette : Betty Parsons - Orange, 1956, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, avec l’aimable autorisation d’Alexander Gray Associates, New York
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio