La mère de l'expressionnisme abstrait - Betty Parsons

Betty Parsons est décédée il y a 35 ans, quand j'avais 13 ans. Je ne l'ai jamais connue. Théoriquement, je suppose que j'aurais pu la rencontrer, si j'avais su essayer. Mais je n'avais aucune idée qu'elle existait jusqu'à ce qu'il soit beaucoup trop tard. J'imagine que beaucoup de gens regrettent de ne pas avoir connu Parsons. Elle était une révolutionnaire de l'art moderne. Bien que je soupçonne qu'elle n'avait aucune idée que cela se produirait, son exemple m'a inspiré, et je crois que beaucoup de membres de ma génération, à aspirer à de nouveaux modèles d'authenticité et d'exceptionnalisme dans l'art. Des collectifs d'art à but non lucratif, aux espaces de projets gérés par des artistes, aux musées expérimentaux, le monde de l'art aujourd'hui regorge de personnes et de lieux qui valorisent le grand art plutôt que le grand profit. C'est à Parsons que je dois cet héritage. Mais elle a été largement écrite, dans les magazines d'art les plus prestigieux, par des écrivains bien plus accomplis que moi. Il n'y a rien de nouveau que je puisse rapporter à son sujet. Mais puisque elle était unique d'une manière que mon âme apprécie, je suis néanmoins enclin à essayer. Son surnom, "la mère de la tribu de l'Expressionnisme Abstrait," est apparu dans un article dans ARTnews de 1979, écrit par Grace Lichtenstein. Ce surnom faisait référence à la façon dont Parsons croyait en, nourrissait et montrait le travail de Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still et Barnett Newman quand personne d'autre en Amérique ne le ferait. Cet article révèle également la complexité et la profondeur que Parsons possédait en tant qu'artiste, aficionado et femme d'affaires. Pendant ce temps, une interview enregistrée avec Parsons en 1977 par l'artiste Helène Aylon et publiée dans son intégralité par Judith Stein dans Art in America Magazine en 2013 va loin pour révéler ce qui était extraordinaire chez Parsons en tant qu'être humain. La meilleure façon dont je pense pouvoir rendre hommage à Parsons est de me concentrer sur ces deux profils, créés par ceux qui l'ont réellement connue de son vivant. Voici, extrait d'eux, dix citations qui ont fait de Parsons un héros personnel pour moi, car elles me rappellent ce qui est important en ce qui concerne la création et l'appréciation de l'art.

"Dieu merci, il ne semble pas y avoir de "ismes" aujourd'hui. Je déteste la mode."

Nous essayons souvent de nommer les mouvements d’aujourd’hui. Pourquoi faisons-nous cela ? Parce que les labels facilitent la vente des produits, notamment à des personnes peu instruites ou peu appréciées. Plutôt que de croire aux tendances, Parsons a donné la priorité à ce qui était bon et a trouvé de la joie dans ce qui était différent.

"J'ai toujours été fasciné par ce que j'appelle "la présence invisible". La chose la plus permanente dans ce monde est l'invisible ; on n'y échappe jamais"

Certains artistes pensent qu’ils ne peuvent réussir que s’ils possèdent une identité commercialisable ou s’ils créent de l’art spécifiquement sur un certain sujet populaire auprès du public contemporain. Parsons s'est concentré sur l'inconnu. Plutôt que de promouvoir l’art de l’évidence, elle a été attirée par l’art qui révèle ce qui est caché.

"Je crois à la tension. Si vous peignez un tableau et qu'il n'y a pas de tension, il n'y a pas d'excitation."

La tension dans une œuvre d’art peut provenir de quelque chose qui est méconnaissable pour le spectateur. Ou bien cela peut provenir de quelque chose qui est considéré comme vulgaire ou grossier. D’autres fois, la tension vient de quelque chose que nous ne trouvons tout simplement pas beau. Plutôt que de détourner le regard de ces choses, Parsons les a adoptées, y voyant des opportunités de se mettre au défi de grandir.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Je m'intéresse aux peintures importantes, pas à la maison."

Parsons a montré son travail dans des pièces aux murs blancs et au sol nus. Elle n’a fait aucun effort supplémentaire pour convaincre les collectionneurs d’acheter. Elle considérait que son travail comportait deux parties : promouvoir l'intégrité de l'artiste et convaincre le public que l'œuvre était valable pour des raisons sans rapport avec la beauté de son apparence au-dessus de son canapé.

"Je ne veux pas être chargé de toutes ces richesses, elles m'ennuieraient à mort."

Parsons est né dans la haute société, mais a rejeté les pièges de la richesse. Après avoir tout perdu pendant la Grande Dépression, elle est repartie de zéro. Au cours des cinquante années suivantes, elle a souvent eu du mal à payer ses factures. Elle a vendu suffisamment d’œuvres (de la sienne et des artistes qu’elle représentait) pour maintenir les lumières allumées, et considérait que c’était la définition du succès financier.

"Le monde abstrait était considéré comme froid parce qu'il n'avait pas de figures. Mais il avait du feu, de l'énergie, de la nature, de la lumière, de l'espace – il se concentrait sur toutes ces valeurs."

Parsons avait la confiance nécessaire pour croire en ses propres goûts. Elle a compris l’abstraction bien avant la plupart des Amériques. Elle faisait confiance à sa propre vision, indépendamment de ce que disait ou faisait le reste du monde de l’art.

"J'ai toujours eu dix ans d'avance sur mon temps. C'est l'histoire de ma vie."

Lorsque vous ne réussissez pas financièrement, il est tentant de penser que c’est parce que ce que vous faites n’a aucune valeur. Parsons s'est rendu compte parfois que la raison pour laquelle personne n'achète votre travail est parce qu'il ne le reconnaît pas, parce qu'il appartient au futur.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

" Identifiez-vous toujours à l'art ; ne vous identifiez jamais à l'artiste. "

Parsons méprise certains artistes mais adore leur travail. Elle a compris que les artistes ne doivent pas nécessairement être sympathiques, sociables ou charmants. Les artistes ne sont ni des vendeurs ni des politiciens. Leur travail parle de lui-même.

"[The artists I represent] deviennent plus libres et plus créatifs au fur et à mesure. J'ai toujours encouragé cela."

Certains galeristes encouragent les artistes à trouver un style qui se vend et à s'y tenir. Parsons a défié les artistes qu'elle a montrés. Elle pensait que le dynamisme et la croissance étaient essentiels pour s’améliorer et que les ventes étaient l’aspect le moins important d’une carrière artistique.

"Nous faisons tous partie de tout."

On a fréquemment demandé à Parsons ses opinions sur les questions sociales. Cette citation était sa réponse à l’une de ces questions. Elle savait que l’art a la capacité de révéler la réalité selon laquelle nos universalités l’emportent de loin sur ce qui nous sépare. Ce sont ces citations qui m’ont le plus influencé. Cela mérite d’être répété constamment, car il est si facile de l’oublier.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Image en vedette : Betty Parsons - Orange, 1956, acrylique sur toile, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
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Par Phillip Barcio