Qu’avons-nous appris des pionniers du champ de couleur ?

Quand vous pensez à l'expressionnisme abstrait, qu'est-ce qui vous vient à l'esprit ? Imaginez-vous des peintres lançant, gouttant, éclaboussant et étalant la peinture sur des toiles dans des gestes chargés d'émotion ? Bien que la peinture d'action ait été une grande part de l'Ab-Ex, il y avait aussi un aspect plus discret dans ce mouvement. La peinture de champ coloré, comme on l'appelait, impliquait des surfaces plates, non picturales, composées d'espaces colorés. Dans les peintures de champ coloré, la personnalité de l'artiste est moins visible que dans les peintures d'action. Alors que les peintres d'action transmettaient leurs propres mécanismes subconscients à travers leur travail, les peintres de champ coloré créaient des œuvres qui offraient aux spectateurs une arène où vivre leurs propres révélations.

Abstraction post-picturale

Le terme « pictural » se réfère aux qualités que peut avoir la surface d'une peinture, telles que le coup de pinceau et la texture, des qualités qui rendent la main de l'artiste évidente dans l'œuvre. Par exemple, une peinture présentant des couches épaisses de peinture où les coups de pinceau sont clairement visibles et la technique individuelle du peintre évidente pourrait être qualifiée de picturale. L'abstraction post-picturale fut un mouvement apparu dans les années 1960, regroupant des peintres qui évitaient de réaliser des œuvres picturales.

L'expression Abstraction post-picturale a été inventée par le critique d'art Clement Greenberg, qui l'a utilisée comme titre d'une exposition inaugurée en 1964 au Musée d'art du comté de Los Angeles. Cette exposition présentait 31 artistes, dont beaucoup étaient associés à l'expressionnisme abstrait. Alors que les premiers peintres expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning réalisaient des images picturales où leurs techniques individuelles étaient clairement visibles dans les qualités de surface des œuvres, les abstractionnistes post-picturaux créaient des œuvres abstraites à surfaces plates où la main de l'artiste n'était pas évidente.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110, 1971, Acrylique avec graphite et fusain sur toile, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licencié par VAGA, New York, NY

Les peintres de champ coloré

Parmi les abstractionnistes post-picturaux se trouvait un groupe de peintres connus sous le nom de peintres de champ coloré. Leur nom faisait référence à la tendance de ces artistes à incorporer de grandes surfaces de couleur dans leurs œuvres. Leurs champs de couleur pouvaient entièrement envelopper un spectateur lors d’un examen attentif d’une œuvre. Ce n’étaient pas seulement des surfaces peintes ; c’étaient aussi des espaces où l’introspection pouvait avoir lieu.

Les peintres de champ coloré furent révolutionnaires car, au lieu d’utiliser la surface comme un fond sur lequel peindre un sujet, ils firent de la surface elle-même le sujet. Ils évitaient les formes dans leurs peintures. Il n’y avait aucune image de quoi que ce soit. Le fond et le premier plan ne faisaient qu’un. Les champs de couleur n’avaient pas de contexte propre mais étaient plutôt un lieu où le spectateur pouvait se connecter à quelque chose de personnel, peut-être quelque chose de mythique, et transcender les limites de l’imagerie.

Frank Stella - Harran II, 1967, Peinture polymère et polymère fluorescent sur toile, 120 × 240 po, musée de Young, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Une arène sur toile

L'expressionnisme abstrait considère la toile comme une arène où quelque chose peut se produire. Le drame et l'émotion se manifestent dans les œuvres des peintres d'action. Bien que les peintres de champ coloré utilisent aussi la toile comme arène, au lieu que leur propre drame s'y joue, c'est un lieu où l'introspection du spectateur peut contribuer, voire créer entièrement le drame qui émerge. Les peintures de champ coloré attirent le spectateur dans l'œuvre, l'invitant à contempler bien plus que la peinture, la couleur et la surface. Ils sont invités à se contempler eux-mêmes, utilisant l'arène de la peinture comme une sorte de talisman dans ce voyage personnel.

Une réflexion soutenue est nécessaire pour regarder une peinture de champ coloré. Plutôt que de ressentir une charge immédiate d'une peinture d'action, ou de percevoir une harmonie d'une œuvre abstraite géométrique, ou de sentir la nostalgie, le romantisme ou la joie d'une œuvre figurative, les spectateurs des peintures de champ coloré doivent se tourner vers l'intérieur pour de nouvelles révélations. Mais la liberté peut aussi être un fardeau. L'angoisse des peintres d'action vient souvent de leur totale liberté d'exprimer leur moi intérieur. Avec les peintures de champ coloré, ce redouté sentiment de liberté est transmis au spectateur.

Champs d'émotion non objective

Bien qu'il ait rejeté cette étiquette, Mark Rothko est considéré par beaucoup comme le peintre de champ coloré le plus influent. Les peintures emblématiques de Rothko consistent en des bandes horizontales de couleur, qui interagissent de manière amorphe, se fondant à leurs bords. Ses peintures présentent parfois des teintes vives, comme l'orange, le jaune ou le rouge. D'autres fois, elles affichent des bleus, des bruns et du noir. Les spectateurs confrontés à ces peintures sont souvent submergés par l'émotion, allant de l'excitation et la joie à la gravité et même au désespoir. Rothko disait de son travail, « Les personnes qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que j'ai eue en les peignant. »

Mark Rothko - Orange et jaune, 1956, Huile sur toile, 180,3 x 231,1 cm, Galerie d'art Albright-Knox, Buffalo, NY, États-Unis

Lignes zip

Barnett Newman réalisa des œuvres dans une veine similaire à celle de Rothko, mais elles produisaient un effet très différent sur les spectateurs. Les peintures de champ coloré de Newman présentent des bandes verticales de couleur séparées par des bandes beaucoup plus fines parfois appelées « zips ». Les peintures zip de Newman comportent parfois un seul zip, parfois plusieurs. Parfois les bords des zips sont nets, d'autres fois ils se fondent avec les champs de couleur environnants. La verticalité des tableaux de Newman et la présence des zips créent une réponse émotionnelle très différente de celle des œuvres de Rothko.

Quelque chose dans les zips empêche l'œil de se fixer trop longtemps en un point. La ligne verticale peut prendre une qualité anthropomorphique, comme si elle représentait une figure ou une voie. Elle attire l'œil puis le pousse à nouveau dans les champs de couleur. Les œuvres de Newman transmettent un sentiment de bravade, et semblent un peu plus anxieuses que celles de Rothko à cause de cela. Elles invitent à une contemplation nerveuse, très moderne.

Barnett Newman - Onement I, 1948, Huile sur toile et huile sur ruban adhésif sur toile, 27 1/4 x 16 1/4 po (69,2 x 41,2 cm), © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Union et révélation

Les peintures de champ coloré de Clyfford Still possèdent une présence totalement différente de celles de Rothko ou Newman. Les espaces colorés semblent être en état de transformation ou d'évolution. Ils ont une qualité organique. Bien qu'aucune forme spécifique ne soit présente, les zones semblent se déplacer, interagir et suggérer la possibilité d'une forme future. Là où les tableaux de Rothko et Newman dégagent un sentiment de stabilité, les peintures de Still projettent davantage une impression de changement. Des forces disparates se rassemblent en elles, suggérant que le temps pour l'introspection est limité car tout est en flux. Still disait de ses peintures, « Ce ne sont pas des peintures au sens habituel ; elles sont la vie et la mort fusionnant dans une union redoutable. Quant à moi, elles allument un feu ; à travers elles je respire à nouveau, tiens un fil d'or, trouve ma propre révélation. »

Clyfford Still - PH-971, 1957, huile sur toile, 113 1/4 po x 148 po x 2 1/4 po, Collection SFMoMA, © Ville et comté de Denver, Courtoisie du musée Clyfford Still / Artists Rights Society (ARS), New York

Débordements d'émotion

Helen Frankenthaler fut l'une des peintres de champ coloré les plus novatrices. Elle développa une technique innovante de teinture de ses toiles non apprêtées en versant de la peinture diluée directement sur la surface. En versant la peinture plutôt qu'en l'étalant avec un outil, elle évitait totalement toute suggestion de la main de l'artiste et créait une platitude encore plus uniforme. Elle laissait aussi la peinture se répandre et interagir avec la toile de manière inattendue. Les zones teintées étaient autorisées à se fondre les unes dans les autres, à se modifier mutuellement et à se combiner. Le résultat de la technique de teinture de Frankenthaler était des images qui communiquaient un sens profond de processus naturels organiques.

Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acrylique sur toile, 44 x 52 po, © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

L'aspect teinté

Morris Louis fut profondément influencé par la technique de teinture de Frankenthaler, qu'il modifia pour développer sa propre approche esthétique distinctive. Comme Frankenthaler, Louis versait également de la peinture diluée sur ses toiles pour obtenir l'aspect teinté, mais il le faisait en utilisant une technique secrète très protégée qui impliquait apparemment quelque chose comme plier la toile en entonnoir. Les champs de couleur que Louis créa possèdent une qualité étrange qui attire le spectateur vers un espace de pensée mystique et introspectif.

Morris Louis - Salient, 1954, Résine acrylique (Magna) sur toile, 74 1/2 x 99 1/4 po (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

Un peu plus d'atmosphère

S'appuyant sur les idées de Frankenthaler et Louis, Jules Olitski développa sa propre technique unique pour ses peintures de champ coloré. Il appliquait la peinture sur ses toiles avec un pistolet pulvérisateur, vaporisant légèrement des couches de peinture les unes sur les autres pour créer des champs de couleur lumineux et atmosphériques qui paraissent encore aujourd'hui futuristes. Le style distinctif d'Olitski se caractérisait aussi par des lignes aux bords nets ajoutées près des bords extérieurs de la toile. Ce geste de bordure annonçait peut-être la fin de la peinture de champ coloré, car il semble presque réintroduire la notion de sujet présenté dans un cadre.

Jules Olitski - Patutsky in Paradise, 1966, © Succession Jules Olitski/Licencié par VAGA, New York

La contemplation comme héritage durable

Ces pionniers du champ coloré ont réussi à créer des peintures qui pouvaient agir non seulement comme objets d'art mais aussi comme intermédiaires vers des expériences esthétiques transcendantes pour le spectateur. En créant des œuvres n'ayant pour sujet que la couleur elle-même, ils ont modifié la manière dont une peinture pouvait être perçue et ont porté la peinture vers de nouveaux domaines mythiques et spirituels. La contemplation est l'héritage durable des pionniers du champ coloré. Pour beaucoup d'entre nous, leurs peintures sont des talismans, nous guidant sur des chemins vers un état d'esprit plus introspectif.

Image en vedette : Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952, Huile et fusain sur toile non apprêtée, 86 3/8 × 117 1/4 po (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images sont utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio