Qu’avons-nous appris des pionniers du champ de couleur ?

Quand vous pensez à l’expressionnisme abstrait, qu’est-ce qui vous vient à l’esprit ? Imaginez-vous des peintres jetant, dégoulinant, éclaboussant et étalant de la peinture sur des toiles dans des gestes chargés d'émotion ? Si l’Action Painting constituait une part importante d’Ab-Ex, le mouvement présentait également un côté plus discret. La Color Field painting, comme on l'appelait, impliquait des surfaces plates et non picturales composées d'espace coloré. Dans les peintures Color Field, la personnalité de l’artiste est moins visible que dans les Action Paintings. Alors que les Action Painters transmettaient leurs propres machinations subconscientes à travers leur travail, les peintres Color Field créaient des œuvres qui offraient aux spectateurs une arène dans laquelle expérimenter leurs propres révélations.

L'abstraction post-picturale

Le terme « pictural » fait référence aux qualités que la surface d'une peinture peut avoir, telles que le coup de pinceau et la texture, des qualités qui rendent la main de l'artiste évidente dans l'œuvre. Par exemple, une peinture qui présente des couches de peinture appliquées épais où les coups de pinceau sont clairement visibles et la technique individuelle du peintre est évidente pourrait être qualifiée de picturale. L'Abstraction Post-Picturale était un mouvement qui a émergé dans les années 1960, mettant en avant des peintres qui évitaient de créer des œuvres picturales.

L'expression Abstraction Post-Peinture a été inventée par le critique d'art Clement Greenberg, qui l'a utilisée comme titre d'une exposition qui a débuté en 1964 au Los Angeles County Museum of Art. Cette exposition présentait 31 artistes, dont beaucoup étaient associés à l'Expressionnisme Abstrait. Alors que des peintres expressionnistes abstraits plus anciens tels que Jackson Pollock et Willem de Kooning réalisaient des tableaux picturaux dans lesquels leurs techniques individuelles étaient clairement visibles dans les qualités de surface des œuvres, les Abstractionnistes Post-Peinture réalisaient des œuvres abstraites avec des surfaces planes où la main de l'artiste n'était pas évidente.

Robert Motherwell - Élégie à la République espagnole n° 110, 1971, Acrylique avec graphite et fusain sur toile, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Sous licence VAGA , New York, New York

Artistes du domaine des couleurs

Parmi les abstractionnistes post-picturaux se trouvait un groupe de peintres connus sous le nom de peintres Color Field. Leur nom faisait référence à la tendance de ces artistes à incorporer de grandes zones de couleur dans leurs œuvres. Leurs champs de couleurs pourraient envelopper entièrement le spectateur lors d’une inspection minutieuse d’une œuvre d’art. Il ne s’agissait pas seulement de surfaces peintes ; c'étaient aussi des domaines dans lesquels l'introspection pouvait avoir lieu.

Les peintres Color Field étaient révolutionnaires car plutôt que d'utiliser la surface comme arrière-plan sur lequel peindre un sujet, ils ont fait en sorte que la surface elle-même devienne le sujet. Ils évitaient les formes dans leurs peintures. Il n’y avait aucune image de quoi que ce soit de présent. L’arrière-plan et le premier plan ne faisaient qu’un. Les champs de couleurs n'avaient pas de contexte propre mais constituaient plutôt un lieu dans lequel le spectateur pouvait se connecter à quelque chose de personnel, peut-être quelque chose de mythique, et transcender les limites de l'imagerie.

Frank Stella - Harran II, 1967, Peinture polymère et polymère fluorescent sur toile, 120 × 240 po, de Young Museum, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artistes Société des Droits de l'Homme (ARS), New York

Une arène sur toile

L'expressionnisme abstrait considère la toile comme une arène dans laquelle quelque chose peut se produire. Le drame et l’émotion se retrouvent dans les œuvres des Action Painters. Alors que les peintres Color Field utilisent également la toile comme une arène, plutôt que de jouer leur propre drame, c'est un lieu où la propre introspection du spectateur pourrait contribuer, voire créer entièrement, le drame qui émerge. Les peintures Color Field entraînent le spectateur dans l’œuvre, l’invitant à contempler bien plus que la peinture, la couleur et la surface. Ils sont invités à se contempler, utilisant l’arène du tableau comme une sorte de talisman dans leur voyage personnel.

Une réflexion soutenue est nécessaire lorsqu'on regarde une peinture de Color Field. Plutôt que de ressentir une charge immédiate d'une Action Painting, ou de sentir l'harmonie d'une œuvre abstraite géométrique, ou de percevoir la nostalgie, le romantisme ou la joie d'une œuvre figurative, les spectateurs des peintures de Color Field doivent se tourner vers l'intérieur pour de nouvelles révélations. Mais la liberté peut aussi être un fardeau. L'angoisse des Action Painters provient souvent de leur totale liberté d'exprimer leur moi intérieur. Avec les peintures de Color Field, ce redoutable sentiment de liberté est transmis au spectateur.

Champs d'émotion non objective

Bien qu'il ait rejeté cette étiquette, Mark Rothko est considéré par beaucoup comme le peintre de Color Field le plus influent. Les peintures emblématiques de Rothko se composent de bandes horizontales de couleur, qui interagissent entre elles de manière amorphe, se fondant à leurs bords. Ses peintures consistent parfois en des teintes vives, telles que l'orange, le jaune ou le rouge. D'autres fois, elles présentent des bleus, des bruns et du noir. Les spectateurs confrontés à ces peintures sont souvent submergés par l'émotion, allant de l'excitation et de la joie à la gravité et même au désespoir. Rothko a dit de son travail, “Les gens qui pleurent devant mes tableaux vivent la même expérience religieuse que j'ai eue lorsque je les ai peints.”

Mark Rothko - Orange et jaune, 1956, huile sur toile, 180,3 x 231,1 cm, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, États-Unis

Tyroliennes

Barnett Newman a réalisé des œuvres dans un style similaire à celui de Rothko, mais elles avaient un effet très différent sur les spectateurs. Les peintures de Color Field de Newman présentent des bandes verticales de couleur séparées par des bandes de couleur beaucoup plus fines parfois appelées « zips ». Les peintures à zip de Newman présentent parfois un seul zip, parfois plusieurs. Parfois, les bords des zips sont nets, d'autres fois ils se fondent avec les champs de couleur environnants. La verticalité des tableaux de Newman et la présence des zips créent une réponse émotionnelle très différente de celle des œuvres de Rothko.

Quelque chose dans les fermetures éclair empêche l'œil de se concentrer trop longtemps au même endroit. La ligne verticale peut prendre une qualité anthropomorphique, comme si elle représentait une figure ou une ruelle. Il attire le regard vers lui puis le déplace à nouveau dans les champs de couleurs. Les œuvres de Newman véhiculent un sentiment de bravade et semblent pour cette raison un peu plus anxieuses que celles de Rothko. Ils invitent à une contemplation nerveuse et très moderne.

Barnett Newman - Onement I, 1948, Huile sur toile et huile sur ruban de masquage sur toile, 27 1/4 x 16 1/4in (69,2 x 41,2 cm) , © 2019 Fondation Barnett Newman / Artists Rights Society (ARS), New York

Union et Révélation

Les peintures de la Color Field de Clyfford Still possèdent une présence entièrement différente de celles de Rothko ou de Newman. Les espaces colorés en elles semblent être dans un état de transformation ou d'évolution. Elles ont une qualité organique. Bien qu'aucune forme spécifique ne soit présente, les zones semblent se déplacer et interagir et suggérer la possibilité d'une forme future. Là où il y a un sentiment de stabilité dans les images que Rothko et Newman ont créées, les peintures de Still projettent davantage un sentiment de changement. Des forces disparates se rassemblent en elles, suggérant que le temps pour l'introspection est limité alors que tout est en flux. Still a dit à propos de ses peintures, “Ce ne sont pas des peintures au sens habituel ; elles sont la vie et la mort fusionnant dans une union effrayante. Quant à moi, elles allument un feu ; à travers elles, je respire à nouveau, tiens un cordon doré, trouve ma propre révélation.”

Clyfford Still - PH-971, 1957, huile sur toile, 113 1/4 po x 148 po x 2 1/4 po, Collection SFMoMA, © Ville et comté de Denver, avec l'aimable autorisation du Clyfford Still Museum / Artists Rights Society (ARS), New York

Des effusions d'émotion

Helen Frankenthaler était l'une des peintres de Color Field les plus innovantes. Elle a développé une technique innovante de teinture de ses toiles non préparées en versant de la peinture diluée directement sur la surface. En versant la peinture plutôt qu'en l'étalant avec un outil, elle a complètement évité toute suggestion de la main de l'artiste et créé une planéité encore plus plate. Elle a également permis à la peinture de se répandre et d'interagir avec la toile de manière inattendue. Les zones teintées étaient autorisées à se mélanger, à se modifier et à se combiner les unes avec les autres. Le résultat de la technique de teinture de Frankenthaler était des images qui communiquaient un sens de processus naturels organiques profondément profonds.

Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acrylique sur toile, 44 x 52 pouces, © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nouveau York

Le regard taché

Morris Louis a été profondément influencé par la technique de coloration de Frankenthaler et l’a modifiée afin de développer sa propre approche esthétique. Comme Frankenthaler, Louis a également versé de la peinture diluée sur ses toiles afin d'obtenir un aspect taché, mais il l'a fait en utilisant une technique de signature étroitement protégée qui impliquait prétendument quelque chose qui s'apparentait au pliage de la toile comme un entonnoir. Les champs de couleurs créés par Louis possèdent une qualité étrange qui attire le spectateur vers un espace de pensée mystique et introspectif.

Morris Louis - Salient, 1954, Résine acrylique (Magna) sur toile, 74 1/2 x 99 1/4 in. (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Société pour les droits des artistes (ARS), New York

Un peu plus d'ambiance

S'appuyant sur les idées de Frankenthaler et de Louis, Jules Olitski a développé sa propre technique unique pour ses peintures Color Field. Il a appliqué de la peinture sur ses toiles avec un pistolet pulvérisateur, pulvérisant légèrement des couches de peinture sur chacune pour créer des champs de couleurs lumineux et atmosphériques qui, encore aujourd'hui, semblent futuristes. Le style caractéristique d’Olitski était également marqué par des lignes dures ajoutées près des bords extérieurs de la toile. Ce geste de frontière présageait peut-être la fin de la peinture Color Field car il semble presque réintroduire la notion de sujet présenté dans un cadre.

Jules Olitsky - Patutsky au paradis, 1966, © Jules Olitsky Estate/Sous licence VAGA, New York

La contemplation comme héritage durable

Ces pionniers de Color Field ont réussi à créer des peintures qui pourraient servir non seulement d’objets d’art, mais également d’intermédiaires dans les expériences esthétiques transcendantales du spectateur. En créant des œuvres qui n’avaient d’autre sujet que la couleur elle-même, ils ont modifié la façon dont une peinture pouvait être perçue et ont amené la peinture dans de nouveaux royaumes mythiques et spirituels. La contemplation est l’héritage durable des pionniers de Color Field. Pour beaucoup d’entre nous, leurs peintures sont des talismans, nous guidant vers un état d’esprit plus introspectif.

Image présentée : Helen Frankenthaler - Montagnes et mer, 1952, huile et fusain sur toile non dimensionnée et non apprêtée, 86 3/8 × 117 1/4 po (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio