La sculpture minimaliste comme contemplation immaculée de l’espace

La sculpture minimaliste est-elle définie par un ensemble de règles ? Le succès d’une sculpture minimaliste dépend-il de ses propres caractéristiques, ou bien de la manière dont elle interagit avec son environnement ? Le critique d’art Guillaume Apollinaire déclara un jour que la sculpture devait représenter des formes issues de la nature, sinon ce n’était que de l’architecture. L’artiste minimaliste Robert Morris décrivait la sculpture comme occupant la partie médiane d’un continuum de « choses tridimensionnelles inutiles » allant des monuments aux ornements. Mis à part la valeur comique, aucune de ces affirmations n’aide vraiment à comprendre la nature véritable et complète de la sculpture, en particulier de la sculpture minimaliste. Plutôt que de se laisser piéger par des définitions académiques, nous pensons que la sculpture minimaliste se comprend mieux en gardant l’esprit ouvert et en observant attentivement les artistes qui en ont été les pionniers.

Le père fondateur de la sculpture minimaliste

Ronald Bladen a montré dès son plus jeune âge une habileté exemplaire au dessin et à la peinture. Mais ce sont ses œuvres sculpturales qui lui ont valu renommée et respect. Au début des années 1960, Bladen a délaissé les peintures expressionnistes abstraites qu’il réalisait pour commencer à créer de grands objets en bois. Certaines formes étaient reconnaissables, comme un immense X, d’autres étaient abstraites. Il ne précisait pas exactement ce que représentaient ces objets, se contentant de dire qu’il cherchait à créer quelque chose qui ait de la « présence ».

L’une des premières sculptures minimalistes de Bladen s’intitulait White Z. Elle n’était ni géométrique ni figurative. Elle était abstraite, monochrome, aux contours nets et complexe. Elle réagissait à la lumière, était tactile et reposait sur le sol. Elle n’était pas réduite d’une forme plus grande mais construite à partir de formes plus petites. Elle possédait sa propre gestalt : un tout organisé devenant plus substantiel que la somme de ses parties.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

En 1966, l’œuvre de Bladen fut incluse dans l’exposition Primary Structures, aux côtés de Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre et des dizaines d’autres artistes minimalistes. Cette exposition est considérée comme un moment déterminant dans l’histoire du minimalisme. Bladen y présenta une œuvre, une sculpture en trois parties intitulée Three Elements.

L’œuvre était presque monumentale par sa taille. Elle transformait la nature même de l’espace qu’elle occupait. L’espace n’est qu’une zone dans laquelle les choses existent et se déplacent. Three Elements créait de nouveaux espaces à l’intérieur d’un espace. Elle devenait espace. Elle invitait à la contemplation non seulement de sa propre forme mais aussi de la forme de son environnement et des autres éléments qui l’entouraient.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Les valeurs sculpturales

Malgré le « quelque chose » indéniable des sculptures de Bladen, certains critiques et spectateurs de l’époque, ainsi que certains artistes, ne les considéraient pas comme des sculptures. Les définitions existantes de la sculpture semblaient ne pas s’appliquer à ces objets. C’est précisément pourquoi ces œuvres étaient si révolutionnaires et parfaitement adaptées à la théorie minimaliste émergente de l’époque. Elles nécessitaient un dépouillement des définitions mêmes de l’art.

Plutôt que de définir une sculpture comme quelque chose de figuratif, ou géométrique, ou comme quelque chose de taillé dans un matériau ou coulé dans un autre, ces objets demandaient une autre explication. Ils redéfinissaient la sculpture non pas selon ce qu’elle est, mais selon ce qu’elle n’est pas. Une peinture est un objet esthétique constitué d’une surface servant de support à la peinture, dont le but est contenu dans ou communiqué par la peinture sur cette surface. L’architecture est une structure destinée à l’habitation. Une sculpture n’est ni l’un ni l’autre. C’est un objet esthétique qui n’est ni peinture ni architecture mais qui existe dans l’espace tridimensionnel.

Donald Judd - Objets spécifiques sans titre, © Donald Judd

La relation de la sculpture au mur

L’un des plus grands défis que le minimalisme a posé à la sculpture était de savoir si la sculpture devait obligatoirement être posée au sol. Robert Morris déclara un jour que les sculptures devaient absolument être posées au sol, car ce n’est qu’au sol qu’elles pouvaient être affectées par la gravité, une propriété sculpturale essentielle. Pourtant, certains des objets sculpturaux les plus célèbres créés par des artistes associés au minimalisme sont en fait accrochés au mur, ou utilisent autrement le mur comme support.

Donald Judd appelait les œuvres sculpturales qu’il créait Objets spécifiques. Il les définissait comme n’étant ni peintures ni sculptures. Beaucoup de ses Objets spécifiques les plus célèbres sont accrochés au mur. Ce sont des objets tridimensionnels, ils ont une forme définie, une échelle, ils interagissent avec la lumière et sont tactiles. Ils possèdent couleur et surface, comme toutes choses matérielles, mais leur but n’est pas défini par ces éléments ni rien n’est nécessairement communiqué à travers eux.

Sont-ils des sculptures ou ne le sont-ils pas ? Quel que soit le jeu sémantique que nous souhaitons jouer, les œuvres de Judd sont clairement de nature sculpturale. Mais en les accrochant au mur, de nouvelles questions furent posées sur les relations spatiales. Plutôt que d’utiliser l’espace d’une galerie pour contextualiser des œuvres d’art, ces œuvres recontextualisaient les espaces dans lesquels elles étaient installées. Elles habitaient l’environnement tout en le réordonnant. Elles invitaient les spectateurs à contempler les espaces supplémentaires que les parties des œuvres créaient par leur présence. Elles remettaient même en question le rôle de l’architecture en s’y attachant. Bien qu’elles ne soient pas forcées au sol par la gravité, elles attiraient l’attention sur la gravité en montrant leur résistance à celle-ci.

Ellsworth Kelly - Œuvre, © Ellsworth Kelly

La forme du changement

Les œuvres d’autres artistes minimalistes tels que Ellsworth Kelly et John McCracken remettaient également en cause les définitions existantes de la sculpture. Les surfaces monochromes et façonnées de Kelly, accrochées au mur et recouvertes de peinture, étaient bien plus proches de l’essence de la sculpture que de celle de la peinture. Les « planches » monochromes de McCracken reposaient contre le mur, l’utilisant comme support à la manière d’une peinture, mais s’appuyaient surtout sur le sol.

Bien que chacun de ces artistes minimalistes ait fait un effort pour définir ce qu’il faisait et pour aborder le débat sur la définition de leurs œuvres sculpturales, il reste encore beaucoup de place pour poursuivre ce débat. L’artiste minimaliste contemporain Daniel Göttin est l’un des nombreux artistes qui continuent d’explorer cette zone esthétique vaguement définie. Artiste pluridisciplinaire, Göttin crée des fresques, des installations et des objets abstraits géométriques tridimensionnels qui s’accrochent au mur.

Ses objets muraux possèdent des surfaces peintes ou recouvertes d’autres matériaux industriels, mais ils ne sont pas définis par leurs surfaces peintes, et ces surfaces ne communiquent rien de spécifique. Ils sont sculpturaux, pourtant ils reposent à plat contre le mur. Derrière eux et en leur sein, l’espace est créé et redéfini, et notre expérience de l’espace environnant est recontextualisée par leur présence.

John McCracken - œuvre, © John McCracken

La simplicité n’est pas simple

L’une des leçons clés que la sculpture minimaliste nous enseigne est que la sémantique des étiquettes est sans importance. Le sens que nous trouvons dans ces œuvres vient moins de ce que nous les appelons que des manières dont elles nous invitent à contempler l’espace. À travers elles, nous revenons à la pureté de cette simple révélation : elles habitent l’espace, comme nous, elles perturbent l’espace, contiennent l’espace, définissent l’espace, contextualisent l’espace et ordonnent l’espace.

Malgré leur simplicité, elles sont infiniment complexes dans leur capacité à nous défier et à nous engager. Comme l’a souligné Robert Morris, « La simplicité de la forme n’équivaut pas nécessairement à la simplicité de l’expérience. »

Image en vedette : Daniel Göttin - Sans titre E, 2005, feuille d’aluminium sur carton ondulé, 63,5 x 63,5 cm.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio