Comment les peintures de Paul Klee ont inspiré les artistes américains
On dit souvent que l'expressionnisme abstrait fut le premier mouvement artistique purement américain. Il représenterait la première fois où des artistes américains, incarnés par les membres de l'École de New York, se seraient affranchis de l'influence européenne pour établir leur propre voix esthétique unique. Mais un long examen des peintures de Paul Klee réalisées au cours des trois décennies précédant l'avènement de l'École de New York révèle que les expressionnistes abstraits n'étaient peut-être pas aussi libres de l'influence du Vieux Continent que le suggèrent les livres d'histoire de l'art. Pour la première fois, le Centre Paul Klee à Berne, en Suisse, tente d'entamer un examen sérieux et savant des innombrables façons dont les artistes américains d'après-guerre ont été influencés par l'œuvre de Paul Klee. Pour lancer cette enquête, le centre a récemment ouvert l'exposition 10 Américains après Paul Klee. Présentées aux côtés des peintures de Klee, on trouve d'excellents exemples des œuvres de Jackson Pollock, Mark Tobey, Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos et Bradley Walker Tomlin. Non seulement c'est une occasion sans pareil de voir des œuvres de certains des peintres américains les plus influents du XXe siècle, mais, selon les mots des conservateurs du Centre Paul Klee, cette exposition révolutionnaire constitue également
« un témoignage éloquent et impressionnant de la mesure dans laquelle ces artistes ont été inspirés par les concepts et pratiques artistiques de Klee. »
Pionnier de l'avant-garde abstraite
Né à Berne, en Suisse, en 1879, Paul Klee n'était en rien un artiste naturel. Les écrits de son journal intime, qu'il tint rigoureusement de 1897 à 1918, révèlent qu'il se considérait comme un terrible échec dans la compréhension des couleurs, et était convaincu très tôt qu'il était voué à l'échec en tant qu'artiste. Mais en 1911, après des années d'études et de multiples faux départs, son attitude et sa fortune avaient complètement changé. Cette année-là, il rencontra Wassily Kandinsky et fut accepté comme membre du groupe d'avant-garde Cavalier Bleu. Klee fut inspiré par l'agilité mentale et les idées esthétiques de Kandinsky. Et bien qu'il ait conservé une approche esthétique quelque peu unique, Klee devint rapidement un contributeur influent au développement philosophique du groupe.
Mais vint la Première Guerre mondiale. Comme beaucoup de ses collègues artistes, Klee fut enrôlé de force dans l'armée prussienne. Bien que Klee n'ait jamais eu à combattre en première ligne, la guerre emporta la vie de nombreux amis, et modifia profondément sa vision de l'art. Klee est cité disant : « Plus ce monde devient horrible, plus l'art devient abstrait. » Après la guerre, il se consacra plus que jamais à l'abstraction comme moyen de révéler ce qui est universel et pur. « L'art ne reproduit pas le visible, » disait-il. « Il rend visible. » Avec cette attitude pionnière au cœur de ses expérimentations, il acquit rapidement une large réputation comme chef de file de l'avant-garde européenne d'après la Première Guerre mondiale.
Paul Klee - Feu au clair de lune, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn
Un retour à Berne
La passion évidente et le génie que Klee manifesta le firent vénérer parmi ses pairs, et dans les années 1930, il s'était également imposé comme un professeur influent pour la jeune génération. Il fut un professeur estimé à l'Académie de Düsseldorf de 1931 à 1933, et fut bien sûr l'un des principaux enseignants du célèbre Bauhaus. Mais lorsque la République de Weimar prit fin en 1933, et que l'Europe sembla de nouveau au bord de la guerre, Klee fut inscrit sur la liste des artistes visés par le parti nazi naissant. Il s'enfuit d'Allemagne et retourna en Suisse. Pendant ce temps, beaucoup de ses marchands d'art s'exilèrent aux États-Unis. Bien que Klee ne vendît presque aucune œuvre en Europe de 1933 jusqu'à sa mort en 1940, ses marchands continuèrent à vendre beaucoup de ses peintures aux États-Unis. Et tout au long des années 1930 et 1940, de nombreuses expositions de Klee eurent lieu aux États-Unis.
De nombreux membres de l'École de New York parlèrent ouvertement de l'inspiration qu'ils avaient reçue des peintures de Paul Klee. Comme Klee, ces artistes avaient également émergé récemment d'une guerre mondiale effroyable, et cherchaient aussi de nouvelles façons d'exprimer l'inexprimable. Bien qu'ils n'aient peut-être pas copié directement son style visuel, les méthodes que Klee employait pour réaliser ses peintures les encouragèrent dans leur quête d'une manière de faire de l'art plus intemporelle, ancienne et pure. Parmi les nombreuses innovations attribuées à Paul Klee, et qui influencèrent directement l'avant-garde américaine d'après la Seconde Guerre mondiale, figurent l'automatisme (dessiner inconsciemment, une technique plus tard adoptée par les surréalistes), le primitivisme (retour aux méthodes les plus anciennes et primitives de création artistique, plus tard adoptées par les partisans de l'Art Brut), et le réductivisme (réduire les symboles universels à leur nature la plus simple, une approche que Klee avait apprise auprès des premiers artistes abstraits tels Kandinsky et Malevitch).
Paul Klee - Image tirée du boudoir, 1922, Copie à l'huile et à l'aquarelle sur papier cartonné, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn
Dessin automatique
L'exposition 10 Américains après Paul Klee fait un excellent travail en sélectionnant des œuvres d'artistes américains qui illustrent les trois concepts le plus souvent associés à Klee. Dans le domaine du dessin automatique, sont présentées des œuvres de Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin et Mark Tobey. Composition n° 16 (1948) de Pollock se distingue par sa palette vibrante. Des traits gestuels blancs se mêlent à des éclaboussures explosives de jaune et à des tourbillons dramatiques de noir, le tout sur un fond uniforme d'un bleu profond. La peinture représente parfaitement la méthode du dessin automatique que Klee utilisait, et que Pollock employa avec célébrité en innovant ses peintures emblématiques de « projection ». Numéro 12 (1949) de Tomlin illustre l'usage du dessin automatique par des marques gestuelles, des formes calligraphiques et linéaires, ainsi que de larges coups de pinceau noirs intuitifs. After the Imprint (1961) de Mark Tobey est une composition explosive et uniforme, remplie d'un bout à l'autre de marques intuitives, révélatrices d'une anxiété subconsciente, d'une énergie nerveuse et d'une expression lyrique.
Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache sur carton à dessin, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquis en 1962, © 2017, ProLitteris
Primitivisme
Illustrant le primitivisme, ou le retour à une création artistique ancienne et primitive, dans 10 Américains après Paul Klee, figurent des œuvres de Robert Motherwell, Theodoros Stamos et William Baziotes. Abstraction sur turquoise (1945) de Motherwell sera une révélation absolue pour les amateurs de ce peintre qui ne connaissent pas ses œuvres plus anciennes. Motherwell s'était fait une réputation pour ses abstractions gestuelles noires, biomorphiques et mélancoliques. Cette peinture est vivement colorée et presque fantaisiste, mais ses formes et textures primitives indiquent clairement la direction qu'il prit dans ses œuvres ultérieures. Ohne Titel (1945) de Theodoros Stamos est peut-être l'œuvre la plus figurative de l'exposition. Une abstraction primitive rappelant un paysage insulaire, l'œuvre évoque l'imagerie des peintures rupestres. Pierrot (1947) de William Baziotes, comme son titre l'indique, fait allusion au personnage classique de la pantomime française du même nom. Les formes simplifiées et primitives de la peinture réduisent le personnage à ses éléments essentiels et le représentent de manière très simplifiée, mais aussi très expressive.
Robert Motherwell - Abstraction sur turquoise, 1945, Huile, émail, sable et charbon sur carton entoilé, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris
Réductivisme
Illustrant le réductivisme, ou la réduction des symboles essentiels et universels à leurs formes les plus simples, dans 10 Américains après Paul Klee, figurent des œuvres d'Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis et Norman Lewis. Les deux peintures Labyrinthe n° 1 (1950) et Le Voyant (1950) d'Adolph Gottlieb sont très proches à bien des égards des premières œuvres abstraites réductrices de Paul Klee lui-même. Travaillant sur le fond de la grille, elles présentent un assortiment de formes symboliques abstraites et épurées mêlées à des éléments géométriques et des références figuratives. Leurs surfaces usées et leurs couches gestuelles sous-jacentes créent une complexité et une profondeur qui démentent la simplicité de nombreux éléments plus visibles des compositions. In the Garden (1952) de Kenneth Noland dialogue de manière fascinante avec les œuvres de Gottlieb. Elle comprend un X dramatique presque au centre exact de la toile, entouré de lignes diagonales, qui évoquent peut-être une grille brisée, ou peut-être des marques primitives d'instruction. Bien que simplifiée, la tension des couleurs dans cette peinture lui confère une profondeur et une luminosité surprenantes.
Rain Dance I (1960) de Gene Davis est un exemple suprême de composition réductrice. Il est difficile d'affirmer que cette peinture particulière fut directement inspirée par Paul Klee. Ses couleurs pures et son imagerie linéaire et géométrique très distillée la placent loin devant toutes les autres œuvres de cette exposition. Mais elle répond certainement aux premiers artistes abstraits comme Malevitch qui inspirèrent Klee, ainsi qu'à des artistes comme Mondrian, qui explorèrent aussi les aspects réducteurs des lignes, rectangles et champs purs de couleur. Enfin, Promenade (1950) de Norman Lewis comble une lacune essentielle dans l'exposition. Incorporant des éléments de réductivisme, primitivisme et dessin automatique, elle résout la question de l'évolution de l'influence de Paul Klee. Par sa complexité, son énergie et son excitation, cette composition se distingue des autres comme quelque chose de purement américain et résolument tourné vers l'avenir. Elle est sans aucun doute influencée par les idées que Klee contribua à développer, et pourtant elle représente l'étape suivante que tous ces peintres américains s'efforcèrent de franchir.
10 Américains après Paul Klee est visible jusqu'au 7 janvier 2018 au Centre Paul Klee à Berne, en Suisse.
Image en vedette : Kenneth Noland - In the Garden, 1952, Huile sur panneau de fibres dures, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Acquis en 1952, © 2017, Prolitteris.
