Comment les peintures de Paul Klee ont inspiré les artistes américains

On dit souvent que l’expressionnisme abstrait fut le premier mouvement artistique purement américain. Il s'agirait de la première fois où des artistes américains, illustrés par les membres de l'école de New York, se libéraient de l'influence européenne pour établir leur propre voix esthétique. Mais un long examen des peintures de Paul Klee peintes au cours des trois décennies qui ont précédé l’aube de l’école de New York révèle que les expressionnistes abstraits n’étaient peut-être pas aussi libres de l’influence du Vieux Monde que le suggèrent les livres d’histoire de l’art. Aujourd'hui, pour la première fois, le Centre Paul Klee de Berne, en Suisse, tente d'entamer un examen scientifique sérieux des innombrables façons dont les artistes américains d'après-guerre ont été influencés par l'œuvre de Paul Klee. Pour lancer cette enquête, le centre a récemment inauguré l'exposition 10 Américains après Paul Klee. Aux côtés des peintures de Klee se trouvent d'excellents exemples du travail de Jackson Pollock, Mark Tobey. , Kenneth Noland, William Baziotes, Adolph Gottlieb, Norman Lewis, Robert Motherwell, Gene Davis, Theodoros Stamos et Bradley Walker Tomlin. Non seulement c'est une occasion sans précédent de voir les œuvres de certains des peintres américains les plus influents du XXe siècle, mais, selon les conservateurs du Centre Paul Klee, cette exposition révolutionnaire porte également

« un témoignage éloquent et impressionnant de la mesure dans laquelle ces artistes se sont inspirés des concepts et des pratiques artistiques de Klee. »

Pionnier de l’avant-garde abstraite

Né à Berne, en Suisse, en 1879, Paul Klee était tout sauf un artiste naturel. Les écrits de son journal, qu'il a rigoureusement tenu de 1897 à 1918, révèlent qu'il se considérait comme un terrible incapable de comprendre la couleur et qu'il était certain très tôt qu'il était condamné en tant qu'artiste. Mais en 1911, après des années de scolarité et de multiples faux départs, son attitude et sa fortune avaient complètement changé. C'est l'année où il rencontre Vassily Kandinsky et est accepté comme membre du groupe d'avant-garde Blue Rider. Klee s'est inspiré de l'agilité mentale et des idées esthétiques de Kandinsky. Et bien qu’il ait conservé une approche esthétique quelque peu unique, Klee est rapidement devenu un contributeur influent au développement philosophique du groupe.

Mais ensuite survint la Première Guerre mondiale. Comme beaucoup de ses confrères artistes, Klee fut enrôlé de force dans l’armée prussienne. Bien que Klee n’ait jamais eu à se battre sur la ligne de front, la guerre a coûté la vie à nombre de ses amis et a radicalement modifié sa vision de l’art. Klee aurait déclaré : « Plus ce monde devient horrible, plus l’art devient abstrait. » Après la guerre, il se consacre plus que jamais à l’abstraction comme moyen de révéler ce qui est universel et pur. "L'art ne reproduit pas le visible", dit-il. "Cela rend visible." Avec cette attitude pionnière au cœur de ses expériences, il acquiert rapidement une large réputation en tant que leader de l’avant-garde européenne de l’après-Première Guerre mondiale.

Paul Klee - Feu à la pleine lune, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Retour à Berne

La passion évidente et le génie dont Klee faisait preuve le rendaient vénéré parmi ses pairs et, dans les années 1930, il s'était également imposé comme un enseignant influent auprès de la jeune génération. Il fut professeur estimé à l'Académie de Düsseldorf de 1931 à 1933 et fut bien sûr également l'un des principaux instructeurs du célèbre Bauhaus. Mais lorsque la République de Weimar prit fin en 1933 et que l’Europe parut à nouveau au bord de la guerre, Klee fut inscrit sur la liste des artistes ciblés par le parti nazi naissant. Il fuit l'Allemagne et rentre en Suisse. Pendant ce temps, nombre de ses marchands d’art ont fui vers les États-Unis. Bien que Klee n'ait presque pas vendu d'œuvres en Europe de 1933 jusqu'à sa mort en 1940, ses marchands ont continué à vendre une grande partie de ses peintures aux États-Unis. Et tout au long des années 1930 et 1940, Klee expose de nombreuses fois à travers les États-Unis.

De nombreux membres de l'École de New York ont ouvertement parlé de l'inspiration qu'ils ont reçue des peintures de Paul Klee. Comme Klee, ces artistes étaient également récemment sortis d'une guerre mondiale horrifiante et cherchaient de nouvelles façons d'exprimer l'inexprimable. Bien qu'ils n'aient peut-être pas directement copié son style visuel, les méthodes que Klee utilisait pour réaliser ses peintures les ont encouragés dans leur recherche d'une manière de faire de l'art plus intemporelle, ancienne et pure. Parmi les nombreuses innovations pour lesquelles Paul Klee est crédité, et qui ont directement influencé l'avant-garde américaine d'après-guerre, figurent l'automatisme (dessiner de manière inconsciente, une technique adoptée plus tard par les surréalistes), le primitivisme (revenir aux méthodes les plus anciennes et les plus primitives de création artistique, adoptées plus tard par les partisans de l'Art Brut), et le réductionnisme (réduire les symboles universels à leur nature la plus simple, quelque chose que Klee avait appris des premiers artistes abstraits tels que Kandinsky et Malevich).

Paul Klee - Image Tiree du Boudoir, 1922, Copie à l'huile et aquarelle sur papier sur carton, 13 1/10 × 19 3/10 po, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Dessin automatique

L'exposition 10 Américains après Paul Klee fait un excellent travail en sélectionnant des œuvres d'artistes américains qui illustrent les trois concepts souvent associés à Klee. Dans le domaine du dessin automatique, des œuvres sont présentées par Jackson Pollock, Bradley Walker Tomlin et Mark Tobey. La Composition No. 16 (1948) de Pollock est frappante par sa palette vibrante. Des chocs de lignes blanches gestuelles s'entremêlent avec des éclaboussures explosives de jaune et des tourbillons dramatiques de noir, le tout sur une mer profonde de bleu. La peinture représente parfaitement la méthode de dessin automatique avec laquelle Klee travaillait, et que Pollock utilisait célèbrement lors de l'innovation de ses emblématiques peintures "splash". Le Numéro 12 (1949) de Tomlin démontre l'utilisation du dessin automatique à travers des marques gestuelles, des formes calligraphiques et linéaires, et de larges coups de pinceau noirs intuitifs. After the Imprint (1961) de Mark Tobey est une composition explosive, remplie d'un coin à l'autre de marques intuitives, révélatrices d'anxiété subconsciente, d'énergie nerveuse et d'expression lyrique.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, gouache sur planche à dessin, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, acquis en 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivisme

Démontrant le primitivisme, ou un retour à la création artistique ancienne et primitive, dans 10 Americans After Paul Klee sont des œuvres de Robert Motherwell, Theodoros Stamos et William Baziotes. Abstraction on Turquoise (1945) de Motherwell sera une révélation absolue pour les fans de ce peintre qui ne connaissent pas ses œuvres antérieures. Motherwell s'est fait une réputation pour ses abstractions gestuelles audacieuses, noires, biomorphiques et mélancoliques. Cette peinture est très colorée et presque fantaisiste, mais ses formes et textures primitives sont des indicateurs clairs de la direction qu'il a prise dans ses œuvres ultérieures. Ohne Titel (1945) de Theodoros Stamos est peut-être l'œuvre la plus figurative de l'exposition. Abstraction primitive rappelant un paysage insulaire, l’œuvre évoque l’imagerie des peintures rupestres. Pierrot (1947) de William Baziotes, comme son titre l'indique, fait allusion au personnage classique de la pantomime française du même nom. Les formes simplifiées et primitives des peintures réduisent le personnage à ses éléments essentiels et le représentent de manière très simplifiée, mais aussi très expressive.

Robert Motherwell - Abstraction sur turquoise, 1945, huile, peinture émail, sable et fusain sur carton toilé, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Fondation, Inc. / 2017, ProLitteris

Réductivisme

Démontrant le réductionnisme, ou la réduction des symboles essentiels et universels à leurs formes les plus simples, dans 10 Américains après Paul Klee, se trouvent des œuvres d'Adolph Gottlieb, Kenneth Noland, Gene Davis et Norman Lewis. Les deux peintures Labyrinthe #1 (1950) et Le Voyant (1950) d'Adolph Gottlieb sont assez proches à bien des égards du travail abstrait réductionniste précoce de Paul Klee lui-même. Travaillant avec le fond de la grille, elles présentent un assortiment de formes symboliques abstraites, réduites et mélangées avec des éléments géométriques et des références figuratives. Leurs surfaces usées et les couches gestuelles sous-jacentes créent une complexité et une profondeur qui démentent la simplicité de nombreux éléments plus proéminents des compositions. Dans le Jardin (1952) de Kenneth Noland, il y a une conversation fascinante avec les œuvres de Gottlieb. Elle inclut un X dramatique presque au centre exact de la toile, entouré de lignes diagonales, qui parlent peut-être d'une grille brisée, ou peut-être de marques instructives primitives. Bien que simplifié, le jeu des couleurs dans cette peinture lui confère une profondeur et une luminosité surprenantes.

Rain Dance I (1960) de Gene Davis est un exemple suprême d'une composition réductrice. Il est difficile de dire que cette peinture particulière a été directement inspirée par Paul Klee. Ses couleurs pures et son imagerie géométrique linéaire hautement distillée la placent loin de toutes les autres œuvres de cette exposition. Mais elle fait certainement écho aux premiers artistes abstraits comme Malevich qui ont inspiré Klee, et à des artistes comme Mondrian, qui ont également exploré les aspects réducteurs des lignes, des rectangles et des champs de couleur pure. Enfin, promenade (1950) de Norman Lewis comble une lacune vitale dans l'exposition. Incorporant des éléments de réductivisme, de primitivisme et de dessin automatique, elle résout la question de l'évolution de l'influence de Paul Klee. Dans sa complexité, son énergie et son excitation, cette composition se distingue parmi les autres comme quelque chose de purement américain et de résolument tourné vers l'avenir. Il ne fait aucun doute qu'elle est influencée par les idées que Klee a contribué à développer, et pourtant elle représente le pas suivant au-delà de ce que tous ces peintres américains s'efforçaient de réaliser.

10 Americans After Paul Klee est visible jusqu'au 7 janvier 2018 au Centre Paul Klee à Berne, en Suisse.

Image en vedette : Kenneth Noland - Dans le jardin, 1952, huile sur panneau isorel, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, acquis en 1952, © 2017, Prolitteris