Innovant mais oublié - L'art de Mark Tobey

Cet été, la Collection Peggy Guggenheim à Venise, en Italie, présente la première grande rétrospective européenne des peintures de Mark Tobey depuis plus de 20 ans. Intitulée Mark Tobey : Tisser la lumière, l’exposition comprend 66 œuvres majeures créées par Tobey entre la fin des années 1920 et le début des années 1970. La sélection cherche à mettre en lumière les différentes évolutions que Tobey a traversées au cours de sa carrière alors qu’il cherchait des moyens d’exprimer les universalités de l’existence humaine. Après avoir commencé sa carrière comme illustrateur commercial et portraitiste, il s’est tourné vers la peinture dans la trentaine. Il a débuté par des œuvres figuratives, mais s’est vite engagé dans le dialogue moderniste sur la manière de développer de nouveaux points de vue esthétiques. Ses réalisations dans ce domaine furent énormes, ce qui rend d’autant plus étrange que tant de personnes aujourd’hui aient soit complètement oublié Tobey, soit n’en aient jamais entendu parler. Il n’y a pas si longtemps, il était considéré comme l’un des peintres les plus importants et influents au monde. Ce fait rend le moment et le lieu de cette exposition particulièrement appropriés. Sa durée coïncide avec la Biennale de Venise 2017, un rappel subtil que c’est lors d’une précédente Biennale de Venise en 1958 que Mark Tobey a marqué l’histoire. Tobey représentait les États-Unis à cette foire aux côtés de Mark Rothko. Mais alors que Rothko jouit aujourd’hui d’une bien plus grande renommée aux États-Unis, c’est une peinture de Tobey intitulée Capricorne qui remporta le Prix de la Ville de Venise pour la peinture en 1958 — la première fois, soit dit en passant, depuis la première Biennale de Venise en 1895, que le prix d’or revenait à un peintre américain.

Un esprit ouvert

Mark Tobey est né en 1890 dans la ville du Midwest américain de Centerville, dans le Wisconsin. Bien qu’il ait rapidement quitté le Wisconsin, il s’en souvenait avec affection et faisait souvent référence à ses paysages dans ses premières peintures. Mais contrairement à de nombreux peintres abstraits américains de sa génération qui préféraient vivre et travailler entièrement à New York, Mark Tobey choisit pour une grande partie de sa vie adulte de vivre et travailler à Seattle. C’est peut-être ce choix décisif qui a conduit à une grande liberté et ouverture d’esprit qui ont défini son évolution en tant qu’artiste. Un autre résident fréquent de Seattle, l’artiste martial Bruce Lee, avait une vision de la vie similaire à celle de Mark Tobey. Lee a fondé une méthode de combat appelée Jeet Kun Do, qu’il décrivait comme le « style sans style », signifiant qu’un combattant doit rejeter le dogme, être ouvert à apprendre tout ce qui est possible, puis garder ce qui fonctionne et abandonner ce qui ne fonctionne pas. Le « style sans style » est issu des enseignements que Lee a d’abord appris en étudiant le bouddhisme zen, et il est frappant de constater à quel point cette approche est semblable à celle que Mark Tobey a développée envers la peinture de nombreuses années plus tôt.

Tobey a effectué son premier voyage en Asie dans les années 1930. Ce voyage est intervenu à une époque où il peinait en tant que peintre à comprendre comment traiter l’espace. Il ne savait pas s’il devait tenter d’atteindre la profondeur et la dimension dans ses œuvres ou les abandonner pour embrasser la platitude. Lors de sa visite au Japon, à Shanghai et à Hong Kong, il acquit une compréhension nouvelle et profonde des différentes manières dont les artistes asiatiques ont traité l’espace dans leur travail à travers l’histoire. Il avait déjà appris les techniques de la calligraphie chinoise en vivant à Seattle dans les années 1920, mais ce voyage lui ouvrit une conscience plus complète de la manière dont l’écriture et la symbolique s’intègrent aux approches esthétiques plus larges de l’art asiatique. Cette révélation ouvrit Tobey à l’idée qu’il ne devait pas seulement étudier la manière dont sa culture fait de l’art, mais qu’il devait plutôt s’ouvrir à apprendre tout ce qui est possible sur la manière dont toutes les cultures différentes font de l’art.

Mark Tobey - Cristallisations, 1944, Iris et B. Gerald Cantor Center for Visual Arts à l’Université de Stanford, Fonds Mabel Ashley Kizer, Don de Mellita et Rex Vaughan, et Fonds d’acquisitions modernes et contemporaines

Peinture intégrale

Peu après son retour d’Asie, Tobey créa l’une de ses peintures les plus influentes, intitulée Broadway. C’est une expression quelque peu figurative des formes, couleurs et lumières de la célèbre rue de New York. Mais elle est transformatrice dans son approche. La composition comprend des centaines de petites marques gestuelles blanches. La ressemblance avec l’écriture est claire, mais ces marques ne forment rien de concret, ni ne représentent directement des formes du monde réel. Elles sont évocatrices et poétiques. Cette peinture est aujourd’hui considérée comme le précurseur d’un style esthétique que Mark Tobey poursuivra de diverses manières tout au long de sa carrière, qu’il appelait « écriture blanche ».

Broadway a été peinte en 1936. Dans les années qui suivirent, Tobey continua de développer l’approche qui définissait cette œuvre. Il abstrait ses marques calligraphiques au point de les rendre méconnaissables et abandonna bientôt toutes les formes figuratives. Il s’engagea à communiquer le sentiment plus que de simples images. Plus important encore, il veilla à couvrir toute la surface de ses toiles avec des compositions qui ne privilégiaient aucune zone particulière de la surface. Cette idée fut mise en avant plus tard par le critique d’art Clement Greenberg lorsqu’il décrivit les « tableaux intégraux » que Jackson Pollock réalisait dans les années 1940. Mais c’est Mark Tobey, dont Pollock avait vu les peintures des années auparavant, qui fut le pionnier de cette approche.

Mark Tobey - Tisser la lumière, 1942, Le Museum of Modern Art, New York

L’école de l’anti-école

Mark Tobey connaissait certainement Jackson Pollock et tous les autres artistes de l’École de New York. Des œuvres de Tobey furent incluses dans l’exposition de 1946 Quatorze Américains au Museum of Modern Art de New York, une exposition qui comprenait également Arshile Gorky et Robert Motherwell. Mais alors que ces artistes new-yorkais et leur porte-parole Greenberg embrassaient le mythe selon lequel ils faisaient partie de l’émergence d’un art intrinsèquement américain, Tobey rejeta ce concept. Il insistait pour que l’art ne soit pas défini en des termes aussi étroits, ni confiné par des notions mesquines telles que le nationalisme, la politique, la culture ou la géographie. Il refusa de s’associer à l’idée de l’École de New York, même si son travail fut clairement un précurseur des idées de ses membres.

Au lieu de cela, Tobey adopta la même approche que celle décrite plus tard par Bruce Lee. Appelons-la l’école de l’anti-école. Tobey voyagea, lut, expérimenta, apprit autant d’approches différentes qu’il put, puis garda ce qui fonctionnait et abandonna ce qui ne fonctionnait pas. Il étudia même le bouddhisme zen et maîtrisa la peinture japonaise Sumi-e (encre noire). Son ouverture et sa quête sont évidentes dans la sélection d’œuvres présentées dans Mark Tobey : Tisser la lumière, qui comprend même certaines de ses œuvres Sumi-e ainsi que diverses peintures qui ont évolué à partir de cette technique, telles que Reflets de la ville, qui incorpore directement de l’encre noire éclaboussée, et Barons du bois, qui fait référence plus délicatement au Sumi-e d’une manière plus liée à l’écriture blanche.

Mark Tobey - Champ sauvage, 1959, The Museum of Modern Art, NY, Collection Sidney et Harriet Janis

Un langage esthétique universel

Outre son mépris pour les étiquettes nationalistes ou régionales, une autre raison majeure pour laquelle certains critiques pensent que Mark Tobey a finalement été oublié par de nombreux historiens de l’art américain tient à sa spiritualité manifeste. Il ne s’agit pas de dire que le monde de l’art américain est un lieu dépourvu de spiritualité : ce n’est évidemment pas vrai. Mais la forme particulière de spiritualité que Tobey professait le mettait en opposition avec presque tout le monde, des artistes, conservateurs, galeristes et critiques aux personnes extérieures au monde de l’art. Tobey appartenait à une foi connue sous le nom de bahaïsme. La croyance centrale de cette religion monothéiste bahaïe est un respect constant pour la valeur et la dignité de toutes les religions humaines, et le but de ses membres est la paix durable par l’unité de tous les peuples. Cela peut ne pas sembler controversé pour une personne sensée, mais la religion affirme aussi que toutes les religions proviennent d’une source divine unique, et que tous les prophètes sont des manifestations égales de la même divinité, des croyances qui contredisent les principes fondamentaux de presque toutes les grandes religions, en particulier le christianisme, le judaïsme et l’islam.

En ce qui concerne le monde de l’art américain, il est acceptable de parler de l’esprit, comme l’ont certainement fait Wassily Kandinsky et Piet Mondrian ; il est bon de parler d’universalité, comme l’ont fait Agnes Martin et tant d’autres ; et il est excellent de parler de transcendance et de contemplation, comme l’a fait Mark Rothko. Mais le mot religion effraie les gens. Les institutions américaines évitent ce qui pourrait les menacer commercialement. Et bien que les choses aient peut-être changé aujourd’hui, au milieu du XXe siècle, les agendas religieux affichés n’étaient généralement pas considérés comme bons pour les affaires. Mais Mark Tobey ne s’en souciait pas. Il n’hésitait pas à aborder ses croyances religieuses, et il affirmait fréquemment que son but était d’utiliser son art comme un moyen de contribuer à la création d’un langage universel qui pourrait aider l’humanité à atteindre l’unité et la paix. Mais bien sûr, savoir si c’est la raison pour laquelle il a été négligé aux États-Unis n’est que pure spéculation. Heureusement, malgré le rejet de sa patrie, Tobey a connu une longue et fructueuse carrière ailleurs, notamment en Europe, où il fut vénéré de son vivant et où il est aujourd’hui considéré comme le précurseur de mouvements tels que le tachisme et l’art informel. Mark Tobey : Tisser la lumière est visible à la Collection Peggy Guggenheim à Venise, en Italie, jusqu’au 10 septembre 2017.

Mark Tobey - Monde, 1959, Collection privée, New York

Image en vedette : Mark Tobey - Sans titre, dessin Sumi (détail), 1944, Collection Martha Jackson à la Galerie d’art Albright-Knox, Buffalo, NY

Par Phillip Barcio