Georg Herold et L'Ouest lumineux au Kunstmuseum Bonn

La plupart des gens classeraient probablement Georg Herold comme membre de ce qu'on appelle « l'ancienne génération ». Après tout, il a 70 ans. Et en fait, il y a sept ans, le Kunstmuseum Bonn a officiellement attribué à Herold cette étiquette malheureuse et quelque peu dénuée de sens lorsqu'il l'a inclus dans une ambitieuse exposition collective intitulée The Luminous. Ouest. Cette exposition présentait le travail de 33 artistes, tous originaires de la région de Rhénanie/Rhénanie du Nord-Westphalie en Allemagne. L’objectif de l’exposition était d’établir une vision cohérente du patrimoine esthétique de cette partie de l’Allemagne et de le lier à un examen prédictif de ce que pourrait réserver l’avenir de la région. Pour accomplir cette tâche monumentale, le musée a adopté une approche conservatrice unique. Tout d’abord, ils ont chargé leur équipe académique de cinq personnes de sélectionner 19 artistes qui représentaient, selon leurs termes, « l’ancienne génération ». L'équipe a commencé avec ce qu'elle appelle le « noyau historique » de la région, composé de cinq artistes : Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter et Blinky Palermo. Ils ont ensuite sélectionné 14 artistes plus « plus âgés », parmi lesquels Georg Herold. Ensuite, le musée a invité ces artistes dits « plus âgés », ou du moins ceux qui étaient encore en vie, à recommander des artistes de la « jeune génération » dont les œuvres méritaient selon eux d’être incluses dans l’exposition. Comme il avait 63 ans à l'époque, ce n'est peut-être pas une insulte que Georg Herold ait été choisi comme représentant de l'ancienne génération. Néanmoins, quelque chose dans cette désignation semble erroné. Il n’y a pas si longtemps, Herold était tout nouveau sur la scène. Et à ce jour, son travail reste fascinant, frais, plein d'esprit, irrévérencieux et provocateur – dans de nombreux cas, bien plus que celui des artistes chronologiquement plus jeunes qui étaient censés représenter l'avenir dans L'Occident lumineux. Ce fait est clairement mis en évidence par la nouvelle exposition monographique de Georg Herold actuellement présentée dans ce même espace, le Kunstmuseum Bonn. Le travail reste dynamique et continue de représenter l’avant-garde. Je me demande si l’âge biologique ne devrait pas être la seule mesure de la « vieillesse » dans les arts. Comme le démontre Herold, c'est parfois avec le temps que les meilleures idées et les œuvres les plus puissantes émergent d'un artiste, et que tout le sens et le potentiel de ses œuvres antérieures sont enfin révélés.

Une entrée tardive

Georg Herold est né en 1947 à Jena, en Allemagne, une ville universitaire d'environ 100 000 habitants. Sa formation initiale était celle d'apprenti forgeron, après quoi il a fréquenté l'université et a commencé à étudier sérieusement pour devenir artiste. Il a d'abord étudié à l'Université des Arts et du Design de Halle, dans la ville de Halle, près de l'endroit où il a grandi. Ensuite, il a déménagé dans le sud du pays, à Munich, où il a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de 1974 à 1976. Ensuite, il est allé vers le nord à Hambourg, où il a étudié à l'Université des Beaux-Arts sous Sigmar Polke de 1977 à 1981. Pendant son séjour à Hambourg, Herold a fait la connaissance de plusieurs autres artistes étudiants, parmi lesquels Martin Kippenberger et Albert Oehlen, qui avaient déjà commencé à se faire un nom avec leur approche punk de la création artistique.

Avec ces nouveaux sauvages, Herold est devenu l’un des « mauvais garçons » émergents de la scène artistique allemande des années 1980. Au moment où il a obtenu son diplôme universitaire, Herold avait 34 ans. Néanmoins, il était considéré comme faisant partie de la nouvelle génération, jeune et impétueuse. L’un des « mauvais garçons » n’a pas survécu longtemps. Kippenberger est décédé en 1997 à l'âge de 44 ans, mais au cours de sa brève carrière, il a exercé une énorme influence sur le monde de l'art et a presque à lui seul réinventé ce que signifiait être un artiste contemporain. Oehlen est toujours actif aujourd'hui en tant qu'artiste et professeur. Ses peintures abstraites sont appréciées et ses recherches sur les processus se sont révélées extrêmement influentes sur les générations émergentes d'artistes. Et puis il y a Herold, l’aîné des « mauvais garçons ». C’est lui qui a mis le plus de temps à atteindre la majorité et, d’une certaine manière, c’est celui qui a résisté le plus longtemps à la catégorisation. Comme il l'a dit un jour : « J'ai l'intention d'atteindre un état ambigu qui permet toutes sortes d'interprétations ». Fidèle à cet objectif, son œuvre défie toute catégorisation, et aucune de ses œuvres n’a encore été diagnostiquée avec succès.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

S'en tenir à cela

La première œuvre pour laquelle Georg Herold est connu était une fine latte de bois, du type utilisé dans la construction, vissée au mur. Il a intitulé la pièce Präsentation der ersten Latte, ou Présentation de la première latte. L'œuvre a été produite en 1977, alors qu'il était encore à l'école, pour un devoir dans une classe enseignée par Sigmar Polke. L'œuvre était, en termes formels stricts, indéniable. Elle représentait la ligne et la forme. En tant qu'objet tridimensionnel suspendu au mur, elle remettait en question les rôles de la peinture et de la sculpture. Elle était à la fois minimaliste et conceptuelle. Son titre impliquait quelque chose de cérémoniel. Son histoire en tant que matériau impliquait qu'elle était un composant de quelque chose de plus grand à venir. Son statut d'objet trouvé évoquait Marcel Duchamp et Robert Rauschenberg. Mais il y avait aussi quelque chose de fantaisiste à son sujet, et peut-être quelque chose d'absurde.

Mais avec le temps, le titre de cette première pièce s'est avéré prophétique. Herold est revenu encore et encore au matériau des planches de construction. Il les a utilisées dans des sculptures plus grandes, il les a accrochées au mur dans différentes configurations, il les a utilisées comme supports pour des peintures et d'autres œuvres, et il les a utilisées comme matières premières dans la construction d'une série de sculptures figuratives hantantes. Pour construire ces formes, Herold lie les planches de construction ensemble avec du fil et des vis. Il tend ensuite une toile sur les bâtons liés pour créer une sorte de cocon autour de la forme d'un corps humain. Il laisse la toile sécher et rétrécir avec le temps, puis il peint et vernit la forme. Dans certains cas, il réalise ensuite des coulées en bronze en édition limitée des formes. Vu dans le contexte de son travail précoce dans cette classe avec Sigmar Polke, ces formes figuratives sont poétiques dans leur profondeur de significations potentielles. Mais même sans connaissance de leur essence matérielle, leur présence évoque une gamme d'émotions, de la souffrance à la sensualité. Elles sont à la fois humanisantes et déshumanisantes, et suscitent une myriade d'interprétations, d'images de danse à des images de mort.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

Caviar et briques

Un autre corpus de travaux pour lequel Herold est devenu connu est une série de peintures dans laquelle le caviar est utilisé comme principal médium. Ces peintures abstraites au caviar possèdent une qualité naturelle et tranquille dans la veine des peintures dansaekhwa coréennes. Elles sont presque monochromatiques, légèrement texturées et belles. Mais c'est leur médium qui soulève des questions. Les millions, peut-être des milliards, d'œufs de poisson qui ont servi à leur création signifient qu'elles sont littéralement des champs de bataille. Elles représentent potentiellement un potentiel littéral gaspillé. D'un autre côté, le caviar n'est qu'un aliment, et pas exactement un aliment nécessaire. C'est un luxe coûteux. Il y a potentiellement beaucoup à discuter sur le message que ces peintures envoient concernant le commerce, l'art et l'exploitation. D'un autre côté, peut-être qu'il n'y a rien à dire. Peut-être qu'elles ne sont tout simplement que de jolies peintures.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

Un autre matériau auquel Herold revient fréquemment est la brique. Il fixe des briques directement sur les surfaces de toile tendues de ses peintures. Le poids des briques tire souvent sur la surface, l’étire et crée des rides et des ondulations dans le tissu. L’apparence est souvent celle d’une œuvre d’art partiellement ruinée. Il y a une tension inhérente à la pièce alors que les spectateurs regardent et se demandent si les briques finiront par tomber. Ces pièces ressemblent à des désastres imminents. Ce sont également des examens fascinants de la matérialité, de la texture, de la dimensionnalité et de l’espace. Ils sont drôles et, d’une certaine manière, ils ont même un air moqueur à leur égard. Ils sont aussi sublimement ambigus. Il y a un grand gouffre entre ce qu’ils nous montrent et ce qu’ils nous disent. Là encore, ils ne sont qu’une construction, un autre pas en avant par rapport à la présentation de la première planche. Surtout, ils sont frais. Ils constituent une preuve continue que Georg Herold n’est pas un artiste qui mérite d’être étiqueté comme faisant partie d’une génération plus âgée. Avec respect, en fait, aucun artiste vivant ne l’est.

Georg Herold au Kunstmuseum Bonn est visible jusqu'au 7 janvier 2018.

Image en vedette : Georg Herold - Herrenperspektive (Perspective masculine), 2002, Sculpture de lattes de toit, verre et ficelle, 235 x 60 x 365 cm, photo © VG Bild -Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, photo : Galerie Grässlin

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement

Par Phillip Barcio