Georg Herold et L'Ouest lumineux au Kunstmuseum Bonn

La plupart des gens classeraient probablement Georg Herold parmi les membres de la prétendue « ancienne génération ». Il a 70 ans, après tout. Et, de fait, il y a sept ans, le Kunstmuseum Bonn a officiellement affublé Herold de cette étiquette malheureuse et quelque peu dépourvue de sens en l’incluant dans une ambitieuse exposition collective intitulée L’Ouest lumineux. Cette exposition présentait le travail de 33 artistes, tous originaires de la région de la Rhénanie-du-Nord-Westphalie, en Allemagne. L’objectif était d’établir une vision cohérente de l’héritage esthétique de cette partie de l’Allemagne et de la mettre en relation avec une réflexion prospective sur ce que pourrait être l’avenir de la région. Pour accomplir cette tâche monumentale, le musée a adopté une approche curatoriale originale. Dans un premier temps, il a chargé son équipe universitaire de cinq personnes de sélectionner 19 artistes qui représentaient, selon ses propres termes, « l’ancienne génération ». L’équipe a commencé par ce qu’elle appelait le « noyau historique » de la région, composé de cinq artistes : Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter et Blinky Palermo. Elle a ensuite sélectionné 14 autres artistes « plus âgés », parmi lesquels Georg Herold. Le musée a alors invité ces artistes dits « plus âgés », du moins ceux qui étaient encore en vie, à recommander des artistes de la « jeune génération » dont ils estimaient que le travail méritait d’être inclus dans l’exposition. Puisqu’il avait 63 ans à l’époque, il ne semble peut-être pas insultant que Georg Herold ait été choisi comme représentant de l’ancienne génération. Pourtant, quelque chose dans cette désignation semble faux. Il n’y a pas si longtemps, Herold était encore tout nouveau sur la scène artistique. Et aujourd’hui encore, son travail reste fascinant, frais, spirituel, irrévérencieux et provocateur — dans bien des cas, beaucoup plus que celui des artistes chronologiquement plus jeunes qui représentaient prétendument l’avenir dans L’Ouest lumineux. Ce fait apparaît clairement dans la nouvelle exposition monographique consacrée à Georg Herold, actuellement présentée dans ce même espace, au Kunstmuseum Bonn. Son travail reste dynamique et continue d’incarner l’avant-garde. Cela me fait me demander si l’âge biologique ne devrait pas être le seul critère pour mesurer la « vieillesse » dans les arts. Comme le démontre Herold, c’est parfois avec le passage du temps que les meilleures idées et les œuvres les plus puissantes émergent d’un artiste, et que le sens plein et le potentiel de ses œuvres antérieures se révèlent enfin.

Une entrée tardive

Georg Herold est né en 1947 à Iéna, en Allemagne, une ville universitaire d’environ 100 000 habitants. Il a d’abord été apprenti forgeron, puis il a fréquenté l’université et commencé à étudier sérieusement pour devenir artiste. Il a d’abord étudié à l’Université d’art et de design de Halle, dans la ville de Halle, près de l’endroit où il a grandi. Il s’est ensuite installé dans le sud du pays, à Munich, où il a fréquenté l’Académie des beaux-arts de 1974 à 1976. Puis il est parti vers le nord, à Hambourg, où il a étudié à l’Université des beaux-arts sous la direction de Sigmar Polke de 1977 à 1981. Pendant son séjour à Hambourg, Herold a fait la connaissance de plusieurs autres étudiants artistes, notamment Martin Kippenberger et Albert Oehlen, qui avaient déjà commencé à se faire un nom avec leur approche punk de la création artistique.

Avec ces nouveaux éléments turbulents, Herold a été considéré comme l’un des « mauvais garçons » émergents de la scène artistique allemande des années 1980. Au moment où il a obtenu son diplôme universitaire, Herold avait 34 ans. Il était néanmoins considéré comme membre de la génération nouvelle, jeune et impétueuse. L’un de ces « mauvais garçons » n’a pas survécu longtemps. Kippenberger est mort en 1997, à l’âge de 44 ans, mais au cours de sa brève carrière, il a exercé une influence considérable sur le monde de l’art et a presque à lui seul réinventé ce que signifiait être un artiste contemporain. Oehlen est toujours actif aujourd’hui en tant qu’artiste et enseignant. Ses peintures abstraites sont appréciées, et ses recherches sur le processus se sont révélées extrêmement influentes pour les générations émergentes d’artistes. Et puis il y a Herold, le plus âgé des « mauvais garçons ». Il lui a fallu le plus de temps pour parvenir à maturité et, à certains égards, il a aussi résisté le plus longtemps à toute catégorisation. Comme il l’a dit un jour : « J’ai l’intention d’atteindre un état ambigu qui permette toutes sortes d’interprétations ». Fidèle à cet objectif, son œuvre défie toute catégorisation, et aucune œuvre isolée qui la compose n’a encore pu être interprétée de manière définitive.

Georg Herold - Sans titre (Caviar), 1990, caviar, laque, encre sur toile, 31 1/2 × 43 1/4 po, 80 × 109,9 cm, photo : Magenta Plains, New York

Persévérer

La première œuvre qui a rendu Georg Herold célèbre était une fine latte de bois, du type utilisé dans la construction, vissée au mur. Il a intitulé cette pièce Präsentation der ersten Latte, ou Présentation de la première planche. L’œuvre a été réalisée en 1977, alors qu’il était encore étudiant, pour un exercice dans un cours dispensé par Sigmar Polke. Sur le plan strictement formel, l’œuvre était incontestable. Elle représentait la ligne et la forme. En tant qu’objet tridimensionnel accroché au mur, elle remettait en question les rôles de la peinture et de la sculpture. Elle était à la fois minimaliste et conceptuelle. Son titre impliquait quelque chose de cérémoniel. Son histoire en tant que matériau laissait entendre qu’elle était l’un des éléments d’un ensemble plus vaste à venir. Son statut d’objet trouvé évoquait Marcel Duchamp et Robert Rauschenberg. Mais il y avait aussi quelque chose de fantaisiste, voire peut-être d’absurde.

Avec le temps, cependant, le titre de cette première pièce allait se révéler prophétique. Herold est maintes fois revenu au matériau des planches de construction. Il les a utilisées dans des sculptures plus importantes, les a accrochées au mur selon différentes configurations, les a employées comme supports pour des peintures et d’autres œuvres, et s’en est servi comme matières premières pour construire une série de sculptures figuratives saisissantes. Pour créer ces formes, Herold assemble des planches de construction avec du fil et des vis. Il tend ensuite une toile sur les baguettes assemblées afin de créer une sorte de cocon autour de la forme d’un corps humain. Il laisse la toile sécher et rétrécir avec le temps, puis il peint et laque la forme. Dans certains cas, il réalise ensuite des tirages en bronze en édition limitée. Considérées dans le contexte de ses premières œuvres réalisées dans ce cours avec Sigmar Polke, ces formes figuratives sont poétiques par la profondeur de leurs significations potentielles. Mais même sans connaître leur essence matérielle, leur présence évoque toute une gamme d’émotions, de la souffrance à la sensualité. Elles sont à la fois humanisantes et déshumanisantes et suscitent d’innombrables interprétations, allant d’images de danse à des images de mort.

Georg Herold - Sans titre, 2011, latte, toile, laque, fil et vis, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, tous droits réservés

Caviar et briques

Un autre ensemble d’œuvres qui a fait connaître Herold est une série de peintures dans lesquelles les œufs de poisson sont utilisés comme médium principal. Ces peintures abstraites au caviar possèdent une qualité tranquille et naturelle, dans la lignée des peintures coréennes dans le style dancheong. Elles sont presque monochromes, légèrement texturées et magnifiques. Mais c’est leur médium qui soulève des questions. Les millions, voire les milliards d’œufs de poisson nécessaires à leur réalisation en font littéralement des champs de mise à mort. Ils représentent potentiellement un potentiel gaspillé bien réel. D’un autre côté, le caviar n’est que de la nourriture, et pas vraiment une nourriture indispensable. C’est un produit de luxe coûteux. Il y aurait potentiellement beaucoup à dire sur le message que ces peintures véhiculent à propos du commerce, de l’art et de l’exploitation. À moins qu’il n’y ait rien à dire. Peut-être s’agit-il simplement de jolies peintures.

Georg Herold - Sans titre, 2011, caviar (numéroté), acrylique, laque sur toile, 2 parties, 350 x 203 cm chacune, image reproduite avec l’aimable autorisation de la Galerie Bärbel Grässlin

Un autre matériau auquel Herold revient fréquemment est la brique. Il fixe des briques directement sur les surfaces en toile tendue de ses peintures. Le poids des briques tire souvent la surface vers le bas, l’étirant et créant des plis et des ondulations dans le tissu. L’œuvre donne souvent l’impression d’être partiellement détruite. Une tension est inhérente à la pièce, tandis que les spectateurs observent et se demandent si les briques finiront par tomber. Ces œuvres semblent être des catastrophes sur le point de se produire. Elles constituent également de fascinantes études de la matérialité, de la texture, de la dimensionalité et de l’espace. Elles sont amusantes et, d’une certaine manière, semblent même adopter un ton moqueur. Elles sont aussi sublimement ambiguës. Un immense fossé sépare ce qu’elles nous montrent de ce qu’elles nous disent. D’un autre côté, ce ne sont que des constructions, une nouvelle étape après la présentation de la première planche. Surtout, elles sont fraîches. Elles prouvent une fois de plus que Georg Herold n’est pas un artiste qui mérite d’être étiqueté comme appartenant à une quelconque ancienne génération. En fait, avec tout le respect qui lui est dû, aucun artiste vivant ne l’est.

Georg Herold au Kunstmuseum Bonn est visible jusqu’au 7 janvier 2018.

Image à la une : Georg Herold - Herrenperspektive (Perspective des hommes), 2002, sculpture composée de liteaux de toiture, de verre et de ficelle, 235 x 60 x 365 cm, photo © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, photo : Galerie Grässlin

Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement

Par Phillip Barcio