Georg Herold et L'Ouest lumineux au Kunstmuseum Bonn

La plupart des gens classeraient probablement Georg Herold parmi ce que l'on appelle la « génération plus âgée ». Il a tout de même 70 ans. Et en fait, il y a sept ans, le Kunstmuseum Bonn lui a officiellement attribué cette étiquette malheureuse et quelque peu dénuée de sens en l'incluant dans une ambitieuse exposition collective intitulée The Luminous West. Cette exposition présentait les œuvres de 33 artistes, tous originaires de la région du Rhin / Rhénanie-du-Nord-Westphalie en Allemagne. Le but de la manifestation était d'établir une vision cohérente de l'héritage esthétique de cette partie de l'Allemagne, et de la relier à un examen prospectif de ce que l'avenir de la région pourrait réserver. Pour accomplir cette tâche monumentale, le musée a adopté une approche curatoriale unique. Tout d'abord, il a chargé son équipe académique de cinq personnes de sélectionner 19 artistes représentant, selon leurs termes, « la génération plus âgée ». L'équipe a commencé par ce qu'elle appelait le « noyau historique » de la région, composé de cinq artistes : Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter et Blinky Palermo. Elle a ensuite choisi 14 autres artistes « plus âgés », parmi lesquels Georg Herold. Ensuite, le musée a invité ces soi-disant artistes « plus âgés », ou du moins ceux encore en vie, à recommander des artistes de la « génération plus jeune » dont ils estimaient que le travail méritait d'être inclus dans l'exposition. Comme il avait 63 ans à l'époque, il ne semble pas vraiment insultant que Georg Herold ait été choisi comme représentant de la génération plus âgée. Pourtant, quelque chose dans cette désignation paraît erroné. Il n'y a pas si longtemps, Herold était tout nouveau sur la scène. Et à ce jour, son travail reste fascinant, frais, spirituel, irrévérencieux et provocateur — dans bien des cas, bien plus que celui des artistes chronologiquement plus jeunes qui étaient censés représenter l'avenir dans The Luminous West. Ce fait est mis en lumière par la nouvelle exposition monographique consacrée à Georg Herold actuellement visible dans ce même lieu, le Kunstmuseum Bonn. L'œuvre reste dynamique et continue de représenter l'avant-garde. Cela me fait me demander si l'âge biologique ne devrait pas être la seule mesure de la « vieillesse » dans les arts. Comme le montre Herold, c'est parfois avec le temps que les meilleures idées et les œuvres les plus puissantes émergent d'un artiste, et que le sens complet et le potentiel des travaux antérieurs se révèlent enfin.

Une entrée tardive

Georg Herold est né en 1947 à Iéna, en Allemagne, une ville universitaire d'environ 100 000 habitants. Sa formation initiale fut celle d'apprenti forgeron, après quoi il a fréquenté l'université et a commencé à étudier sérieusement pour devenir artiste. Il a d'abord étudié à l'Université des Arts et du Design de Halle, dans la ville de Halle, près de son lieu d'enfance. Puis il s'est déplacé dans le sud du pays, à Munich, où il a fréquenté l'Académie des Beaux-Arts de 1974 à 1976. Ensuite, il est allé au nord, à Hambourg, où il a étudié à l'Université des Beaux-Arts sous la direction de Sigmar Polke de 1977 à 1981. Pendant son séjour à Hambourg, Herold a fait la connaissance de plusieurs autres artistes étudiants, parmi lesquels Martin Kippenberger et Albert Oehlen, qui s'étaient déjà fait un nom grâce à leur approche punk de la création artistique.

Avec ces nouveaux rebelles, Herold fut surnommé l’un des « mauvais garçons » émergents de la scène artistique allemande des années 1980. Lorsqu'il a obtenu son diplôme universitaire, Herold avait 34 ans. Néanmoins, il était considéré comme faisant partie de la nouvelle génération jeune et audacieuse. L’un des « mauvais garçons » n’a pas survécu longtemps. Kippenberger est décédé en 1997 à l’âge de 44 ans, mais au cours de sa courte carrière, il a exercé une influence énorme sur le monde de l’art et a presque à lui seul réinventé ce que signifie être un artiste contemporain. Oehlen est toujours actif aujourd’hui en tant qu’artiste et enseignant. Ses peintures abstraites sont très appréciées, et ses recherches sur le processus ont eu une influence considérable sur les générations d’artistes émergents. Et puis il y a Herold, le plus âgé des « mauvais garçons ». Il a mis le plus de temps à mûrir, et d’une certaine manière a résisté le plus longtemps à toute catégorisation. Comme il l’a dit un jour, « j’ai l’intention d’atteindre un état ambigu qui permet toutes sortes d’interprétations ». Fidèle à cet objectif, son œuvre défie toute catégorisation, et aucune de ses œuvres n’a encore été correctement définie.

Georg Herold - Sans titre (Caviar), 1990, caviar, laque, encre sur toile, 80 × 109,9 cm, photo crédit Magenta Plains, New York

Persévérer

La première œuvre pour laquelle Georg Herold est connu était une fine latte de bois, du type utilisé en construction, vissée au mur. Il a intitulé cette pièce Präsentation der ersten Latte, ou Présentation de la première latte. L’œuvre a été réalisée en 1977, alors qu’il était encore étudiant, pour un devoir dans un cours donné par Sigmar Polke. L’œuvre était, en termes formels stricts, indéniable. Elle représentait la ligne et la forme. En tant qu’objet tridimensionnel suspendu au mur, elle remettait en question les rôles de la peinture et de la sculpture. Elle était à la fois minimale et conceptuelle. Son titre suggérait quelque chose de cérémoniel. Son histoire en tant que matériau impliquait qu’elle était un composant d’un ensemble plus vaste à venir. Son statut d’objet trouvé évoquait Marcel Duchamp et Robert Rauschenberg. Mais il y avait aussi quelque chose de fantaisiste, et peut-être d’absurde.

Mais avec le temps, le titre de cette première pièce s’est avéré prophétique. Herold est revenu maintes fois au matériau des lattes de construction. Il les a utilisées dans des sculptures plus grandes, les a suspendues au mur sous différentes configurations, les a employées comme supports pour des peintures et d’autres œuvres, et les a utilisées comme matières premières dans la construction d’une série de sculptures figuratives saisissantes. Pour construire ces formes, Herold lie les lattes de construction avec du fil et des vis. Il tend ensuite une toile sur les bâtons liés pour créer une sorte de cocon autour de la forme d’un corps humain. Il laisse la toile sécher et rétrécir avec le temps, puis il peint et laque la forme. Dans certains cas, il réalise ensuite des tirages en bronze en édition limitée de ces formes. Vu dans le contexte de ses premiers travaux dans ce cours avec Sigmar Polke, ces formes figuratives sont poétiques par la profondeur de leurs significations potentielles. Mais même sans connaître leur essence matérielle, leur présence évoque une gamme d’émotions, de la souffrance à la sensualité. Elles sont à la fois humanisantes et déshumanisantes, et suscitent une multitude d’interprétations, allant d’images de danse à des images de mort.

Georg Herold - Sans titre, 2011, latte, toile, laque, fil et vis, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, tous droits réservés

Caviar et briques

Un autre ensemble d’œuvres pour lequel Herold est devenu connu est une série de peintures dans lesquelles les œufs de poisson sont utilisés comme principal médium. Ces peintures abstraites au caviar possèdent une qualité tranquille et naturelle dans la veine des peintures coréennes dansaekhwa. Elles sont presque monochromes, légèrement texturées et belles. Mais c’est leur médium qui soulève des questions. Les millions, peut-être milliards d’œufs de poisson utilisés signifient qu’elles sont littéralement des champs de massacre. Elles représentent potentiellement un potentiel littéralement gaspillé. D’un autre côté, le caviar n’est que de la nourriture, et pas exactement une nourriture nécessaire. C’est un luxe coûteux. Il y a potentiellement beaucoup à discuter sur le message que ces peintures envoient à propos du commerce, de l’art et de l’exploitation. Mais peut-être qu’il n’y a rien à dire. Peut-être sont-elles simplement de jolies peintures.

Georg Herold - Sans titre, 2011, caviar (numéroté), acrylique, laque sur toile, 2 parties, chacune 350 x 203 cm, image avec l’aimable autorisation de la Galerie Bärbel Grässlin

Un autre matériau auquel Herold revient fréquemment est la brique. Il fixe des briques directement sur les surfaces tendues de ses toiles. Le poids des briques tire souvent vers le bas la surface, l’étirant et créant des plis et des ondulations dans le tissu. L’apparence est souvent celle d’une œuvre d’art partiellement ruinée. Il y a une tension inhérente à la pièce, alors que les spectateurs regardent et se demandent si les briques finiront par tomber. Ces pièces semblent être des catastrophes en attente. Elles sont aussi des examens fascinants de la matérialité, de la texture, de la tridimensionnalité et de l’espace. Elles sont drôles, et d’une certaine manière ont même une attitude moqueuse. Elles sont aussi sublimement ambiguës. Il y a un grand fossé entre ce qu’elles nous montrent et ce qu’elles nous disent. Mais encore une fois, ce ne sont que des constructions, une étape de plus à partir de la présentation de la première latte. Surtout, elles sont fraîches. Elles sont la preuve continue que Georg Herold n’est pas un artiste qui mérite d’être étiqueté comme faisant partie d’une quelconque génération plus âgée. Respectueusement, en fait, aucun artiste vivant ne le mérite.

Georg Herold au Kunstmuseum Bonn est visible jusqu’au 7 janvier 2018.

Image en vedette : Georg Herold - Herrenperspektive (Perspective masculine), 2002, sculpture de liteaux de toit, verre et ficelle, 235 x 60 x 365 cm, photo © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, photo : Galerie Grässlin

Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement

Par Phillip Barcio