Combiner l'abstrait et le figuratif - Art d'Albert Oehlen

À première vue, de nombreuses peintures de Albert Oehlen semblent compliquées, comme l'équivalent visuel du bruit. Ils combinent des éléments figuratifs avec des éléments purement abstraits. Ils intègrent un assortiment large et en constante évolution de processus, de matériaux et de techniques. Lorsque l’on se concentre sur ces éléments disparates, les compositions peuvent parfois sembler décousues et inharmonieuses. Mais lorsqu’on les considère d’un point de vue plus large, non pas comme des déclarations visuelles finales mais comme des déclencheurs d’une réponse esthétique plus profonde, un sentiment d’harmonie émerge dans ses peintures. Oehlen était l'élève de Sigmar Polke, peintre, photographe et professeur allemand qui remettait en question les frontières entre figuration et abstraction. Et il est un ancien colocataire de Martin Kippenberger, un artiste multimédia d'origine allemande également connu pour explorer la façon dont le monde objectif se croise avec l'abstrait. Et il est également un ami de longue date de Christopher Wool, un peintre qui combine des messages textuels audacieux avec l'abstraction de manière à créer des lignes dures entre les deux, tout en suggérant qu'ils sont identiques. Dans la manière dont il combine figuration et abstraction, l’ensemble des œuvres créées par Oehlen partage un héritage évident avec celui de ces trois autres artistes. Mais il partage également une autre similitude importante, moins évidente : il est plus simple qu’il n’y paraît.

L'évolution d'Albert Oehlen

Albert Oehlen est né en 1954 à Krefeld, en Allemagne, au nord-ouest de Düsseldorf. Il a grandi dans une famille artistique. Le père d'Oehlen était artiste, et son frère Markus, de deux ans son cadet, est devenu un artiste pop abstrait accompli, travaillant également dans les mediums de la peinture et de la sculpture. Albert a dit qu'il savait toujours qu'il deviendrait artiste, comme si c'était quelque chose qu'il tenait pour acquis. Mais le choix de se concentrer sur la peinture, et en particulier sur la peinture abstraite, était quelque chose qui lui est venu progressivement au fil du temps.

Oehlen a terminé son diplôme à l'Université des Beaux-Arts de Hambourg en 1978. Après l'école, il a expérimenté diverses formes d'expression, y compris la musique. Mais c'est après avoir déménagé d'Allemagne en Espagne, où il a partagé un foyer avec Martin Kippenberger, qu'il a trouvé sa voix en tant que peintre abstrait. Dans une interview avec Interview Magazine en 2009, Oehlen déclare qu'il a saisi cette opportunité pour transformer son approche de l'art. « Je voulais commencer quelque chose de nouveau dont je rêvais depuis longtemps, qui était la peinture abstraite », a déclaré Oehlen, « et j'ai saisi la chance de commencer là [en Espagne], ce qui était très bien parce que nous étions très isolés. C'était Martin et moi seuls dans cette maison, donc vous pouviez faire vos échecs et voir comment l'autre réagit ».

Albert Oehlen - Untitled, 1989. Oil and resin on canvas. 23 4/5 × 28 9/10 in. 60.4 × 73.5 cm. © Albert Oehlen

L'imprévisibilité de la peinture

Avoir libre cours à l’expérimentation et à l’échec a inculqué à Oehlen l’importance de l’insécurité dans son art. Il y a une excitation inhérente à ne pas savoir comment quelque chose va se passer. Il existe une force vivante qui pousse un artiste à manifester l’inconnu ou l’inimaginable. Mais l’un des inconvénients potentiels de la liberté totale d’expérimenter est qu’elle peut être paralysante. Par où commencer si l’on ne sait pas où l’on va ? Afin de se donner suffisamment de structure pour rester concentré tout en bénéficiant de la liberté d’expérimenter, Oehlen a commencé à s’inventer des règles simples en studio.

Ces règles arbitraires n’ont d’autre but que de le remettre en question dans sa démarche, de créer de l’imprévisibilité et des conflits. Il limite parfois ses pièces à une seule teinte. D’autres fois, il se limite à aller simplement plus lentement. L’une des règles arbitraires préférées d’Ohlen, qu’il partageait avec ses étudiants lorsqu’il enseignait à la Kunstakademie Düsseldorf, était la suivante : « Changez le matériel. Parce que beaucoup de décisions dont vous n’êtes pas au courant. Cela commence lorsque vous allez acheter des fournitures artistiques. Vous prenez des décisions, et elles sont toujours les mêmes, comme le type de pinceaux que vous achetez. Et si on est obligé de changer quelque chose, cela donne une insécurité au travail qui est très utile. Cela vous permet de découvrir ce dont vous avez vraiment besoin.”

Albert Oehlen - Titanium Cat with Laboratory tested Animal, 1999. Oil on Canvas. © Albert Oehlen

Rien n'est laid

Au cours de décennies d’expérimentation et de fixation de limites arbitraires, Oehlen est arrivé à une drôle de réalisation. En raison des qualités physiques uniques que possèdent les œuvres, personne ne peut faire grand-chose pour rendre une peinture laide. Il fut un temps où l’idée d’une mauvaise peinture était dans l’esprit de nombreux conservateurs et artistes, dont Oehlen. Diverses définitions de la mauvaise peinture ont été envisagées. Certains pensaient que cela avait à voir avec le processus. D’autres pensaient que c’était fondamental pour la composition ou les qualités esthétiques d’une œuvre.

Oehlen a travaillé dur sur l'idée de faire de mauvais tableaux de la même manière qu'un musicien ferait une chanson impossible à écouter. Mais il a découvert que quelqu’un pouvait considérer chaque peinture comme belle, parce que les humains ont simplement une attirance viscérale pour la beauté inhérente de la peinture sur une surface. Quel que soit le sujet, quel que soit le niveau de compétence de l'artiste, quelle que soit la composition et quel que soit le processus, on peut affirmer qu'aucune peinture n'est mauvaise, car on peut y trouver quelque chose de bon si l'on sont juste prêts à regarder.

Albert Oehlen - Untitled, 2005. Acrylic and oil on canvas. © Albert Oehlen

Déclencheurs visuels

L'œuvre mature qu'Albert Oehlen crée aujourd'hui reflète l'état d'esprit d'un peintre qui aime simplement s'engager dans son travail. Il est diversifié dans sa sélection de matériaux et de techniques, se donnant des opportunités de grandir et d'évoluer. Il réalise parfois des collages puis peint dessus, en utilisant pour les matériaux de collage un mélange de panneaux publicitaires trash et d'impressions à jet d'encre. Il utilise parfois de la peinture en aérosol, parfois des huiles, parfois des taches de peinture traversant la surface de manière floue. La joie pour lui en tant qu'artiste vient clairement du bon mélange d'expérimentation et de règles, ou en d'autres termes, du processus.

Pour les spectateurs, il peut être facile de se perdre dans la myriade de couches, de styles et de références présents dans les œuvres d’Oehlen. Mais comme nous l’avons mentionné plus tôt, en simplifiant notre façon de les considérer, nous pouvons mieux comprendre leur valeur. La façon de les simplifier est de les voir non pas comme des pièces contenant un sens à démêler, mais plutôt comme des déclencheurs visuels. Prenez du recul et regardez-les comme la révélation d’un processus, et laissez-les déclencher une émotion ou une pensée. L'imagerie figurative, le texte, les couleurs, les marquages ​​ou les vestiges physiques de notre culture forment ensemble un sentiment qui dépend principalement de nous. L’image n’est pas la fin de l’histoire. Si c'était le cas, ce serait en effet déroutant. Mais ce n'est que le début.

Albert Oehlen - I 28, 2011. Paper collage on canvas. © Albert Oehlen

Atténuer le bruit

Visuellement, les œuvres d'Albert Oehlen ont été regroupées avec divers mouvements artistiques, tels que le Néo-Expressionnisme et les Neue Wilde. Les Néo-Expressionnistes ont été essentiels à la réintroduction de la figuration à la suite de mouvements comme l'Expressionnisme Abstrait, le Minimalisme et l'Art Conceptuel. Les Neue Wilde, ou jeunesse sauvage, combinaient des images abstraites et figuratives avec des couleurs vives et des coups de pinceau émouvants. À première vue, les œuvres d'Oehlen semblent souvent contenir les deux éléments. Mais Oehlen a également gagné un autre surnom : le radical libre. Ce nom est dû à l'insistance d'Oehlen sur le fait qu'il ne fait partie d'aucun mouvement, et que chacune de ses œuvres doit être considérée séparément et selon sa propre proposition esthétique.

Ce qu’impliquent exactement les propositions d’Oehlen est une conversation ouverte, que même Oehlen n’est pas pleinement en mesure d’expliquer. Ce qui est évident, c'est qu'il a progressivement élaboré une vision esthétique unique, qui ne cesse d'évoluer. Il utilise tous les outils visuels à sa disposition pour créer quelque chose qui générera un sentiment chez le spectateur. Tout est beau et tout bon, du moins dans certains de nos esprits. Les gens peuvent dire qu’ils l’aiment ou qu’ils ne l’aiment pas. Et alors ? Cela ne peut pas être compris par une analyse factuelle. Tout ce que nous pouvons dire avec certitude, c’est que le bruit des étiquettes, des jugements et des critiques esthétiques gêne réellement son travail. Comme la myriade d’éléments qu’Oehlen combine dans ses œuvres, tout cela n’est que bruit. Grâce à son processus imprévisible et ouvert d’esprit, Oehlen essaie simplement de créer de bonnes peintures. Il prend les éléments complexes de l’atmosphère visuelle et les adoucit. Plus nous pouvons simplifier la façon dont nous regardons son œuvre, plus elle devient simple et plus il est facile de la considérer comme belle.

Albert Oehlen - Aus Dem Nachlass, 2007. Lithographic print on Somerset Epson. © Albert Oehlen

Image à la une : Albert Oehlen - Sans titre (détail), 1993. Huile sur toile. © Albert Oehlen
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio