Des peintures abstraites célèbres qui ont changé notre perception de l'art

« Les images que nous pouvons avoir, pourrait-on dire, dépendent de la personne qui les imagine. » - John Hospers, de Une introduction à l'analyse philosophique

Nous dépendons des visionnaires pour ouvrir des portes cachées, afin que nous puissions apercevoir des parties du monde et des parties de nous-mêmes qui, autrement, pourraient rester cachées. La vision est la spécialité des artistes abstraits et, au cours des 100 dernières années, de nombreuses peintures abstraites célèbres ont réussi à élargir la vision de l'humanité. Les visionnaires qui ont créé ces images ne nous ont pas seulement dotés, nous les spectateurs, du don de nouvelles choses à voir ; ils nous ont offert des façons de voir entièrement nouvelles.

Peintures abstraites célèbres : années 1910 à 1920

Certes, certaines de nos sélections dans cet article peuvent s'avérer controversées, carchaque amateur d'art abstrait a des goûts différents. Mais la plupart seraient probablement d'accord avec notre première sélection de peintures abstraites qui ont changé notre façon de percevoir l'art. Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Vassily Kandinsky a été peint en 1910 et est considéré par les historiens de l'art comme la première peinture purement abstraite. La représentation audacieuse de taches, de taches et de lignes aux couleurs vives renonce à toute référence visuelle à la réalité objective. Cette peinture a libéré les artistes de l'esclavage du sujet et a invité les spectateurs à s'engager d'une manière entièrement nouvelle dans le concept de ce que peut être une image.

Wassily Kandinsky - Sans titre (Première aquarelle abstraite), 1910. Aquarelle et encre de Chine et crayon sur papier. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Onze ans plus tard, en 1921, Piet Mondrian peint son emblématique Tableau I. Après une période d'expérimentation avec sa nouvelle voix émergente, Tableau I a solidifié ce qui allait devenir le style déterminant de Mondrian. Les lignes noires dures et les champs de couleurs compartimentés offraient aux spectateurs un aperçu d’une géométrie purifiée et d’une précision mathématique. Les lignes épurées et la précision du travail ne faisaient référence à rien d’autre que la forme, la couleur et la ligne. L’œuvre a inauguré un style qui influencera des générations de peintres, sculpteurs, architectes et designers, et continue de guider les penseurs créatifs aujourd’hui.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Huile sur toile. 96,5 cm x 60,5 cm. Musée Ludwig, Cologne, Allemagne

En 1925, Joan Miró brise les barrières entre abstraction et surréalisme avec son tableau La mancha roja (La tache rouge). Miró ne se considérait pas comme un abstractionniste. Il a dit qu'il était rentré chez lui dans sa petite maison, affamé et épuisé, et qu'il avait peint les images qu'il voyait dans sa tête. La mancha roja (La tache rouge) est à cheval sur la fine frontière entre figuration anthropomorphe, totems oniriques et abstraction pure. Quelque chose d’enfantin, mais d’horrible, se cache dans l’image. Avec cette œuvre, Miró a ouvert la porte à l’iconographie cachée de nos cauchemars et de nos rêves.

Joan Miro - La tache rouge, 1925. Huile et pastel sur toile. 146 x 114 cm. Collection Musée national centre d'art Reina Sofía. © Fondation Joan Miro, Barcelone

Peintures abstraites célèbres : années 1930 à 1940

Alors que le monde occidental sombrait dans la dépression, la famine et la guerre pour la deuxième fois au XXe siècle, l'abstraction était fermement établie comme une force majeure dans le monde de l'art. Une gamme fantastique de méthodes était employée par des artistes travaillant dans ce style, chacun contribuant aux efforts croissants pour se connecter à quelque chose de pur, quelque chose de vrai et quelque chose de libre au sein de l'esprit humain. En Grande-Bretagne, le peintre Ben Nicholson a élargi son travail abstrait en un ensemble de ce qu'il appelait des peintures en relief blanc. L'une de ses œuvres emblématiques, 1935 (relief blanc), a ouvert de nouveaux horizons visuels, établissant Nicholson comme l'une des voix les plus importantes de l'Abstraction anglaise. Nicholson était un ami et a été influencé par le peintre Piet Mondrian. Les œuvres en relief blanc ont élargi l'utilisation par Mondrian de lignes à bords nets et d'espace géométrique, introduisant des couches dimensionnelles et une palette monochromatique. Les premières peintures en relief blanc de Nicholson ont été créées en 1933, et au moment où 1935 (relief blanc) a été créé, il avait solidifié un style qui combinait des éléments d'abstraction, de constructivisme, art concret, et qui suggère les premières graines du Minimalisme et de l'Abstraction post-picturale.

À l’autre extrémité du spectre, dans les années 1930 et 1940 se trouvaient les expressionnistes abstraits, également connus sous le nom d’école de New York. Rejetant catégoriquement la géographie rationnelle et la réduction spatiale d'artistes comme Mondrian et Nicholson, les Ab Ex-ers ont cherché à se connecter à l'émotion primaire dans leur travail. Aucun expressionniste abstrait n’a été aussi influent et n’a autant réussi à incarner ce style que Jackson Pollock.

Alcoolique et névrosé notoire, Pollock s'est inspiré des psychanalyses pour puiser son inspiration au plus profond de son subconscient. Son travail s’appuie sur la physicalité et les images totémiques inconscientes pour créer des représentations féroces de l’anxiété moderne d’après-guerre. L'une des premières peintures au goutte-à-goutte de Pollock, Full Fathom Five, peinte en 1947, a changé à jamais l'art abstrait. Ce travail est un amalgame de son style de pinceau antérieur et de sa technique visionnaire du goutte à goutte. Il comprend des pièces de monnaie, des mégots de cigarettes et d’autres objets aléatoires provenant de son studio, projetant un niveau de texture et de profondeur entièrement nouveau dans l’abstraction. Full Fathom Five a marqué un tournant dans la carrière de Pollock et a changé à jamais notre rapport à la toile.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Huile sur toile avec clous, punaises, boutons, clé, pièces de monnaie, cigarettes, allumettes, etc. 50 7/8 x 30 1/8 po © 2019 Fondation Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), New York

Peintures abstraites célèbres : années 1950

Dans les années 1950, les expressionnistes abstraits avaient fermement pris possession de l'imaginaire du monde de l'art. Partout, les artistes s'efforçaient de se connecter avec le soi primitif, l'esprit inconscient et l'imagerie cachée du subconscient. Au milieu de cet engouement est née une tendance vers le calme, en partie due à un intérêt croissant parmi de nombreux artistes pour les philosophies orientales comme le taoïsme et le bouddhisme zen. L'un des mouvements les plus profonds issus de cette époque était un style de peinture abstraite connu sous le nom de Color Field Painting.

L’objectif du Color Field Painting, tel qu’il est généralement compris, était d’explorer la couleur indépendamment du sujet, de la forme, de la ligne et des autres contraintes de la création d’images. Une qualité méditative était recherchée par les peintres et, en cas de succès, elle était ensuite transférée de l'œuvre à ses spectateurs.

La peintre abstraite Helen Frankenthaler était l'une des voix les plus profondes du mouvement Color Field. Avec sa peinture Mountains and Sea, peinte en 1952, Frankenthaler a introduit au monde une nouvelle technique de peinture qu'elle avait inventée, appelée le "processus de trempage-tache." Dans ce processus, Frankenthaler utilisait de la térébenthine pour fluidifier la consistance de ses peintures. Elle versait délicatement la peinture diluée sur une toile non préparée au sol, permettant à la peinture de s'imprégner complètement à travers la toile, donnant à l'œuvre une texture et une apparence entièrement nouvelles. Le processus de trempage-tache a créé des champs de couleur sublimes qui prenaient des configurations organiques et changeantes touchant à la sérénité. Mountains and Sea de Frankenthaler est considérée comme l'un des premiers succès du mouvement Color Field et reste aujourd'hui l'une de ses images les plus attachantes.

Helen Frankenthaler - Montagnes et mer, 1952. Huile et fusain sur toile. 86 5/8 x 117 ¼ po. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Peut-être l'artiste le plus célèbre associé aux artistes du Color Field est Mark Rothko, un artiste qui a également rejeté avec véhémence cela, et la plupart des autres étiquettes. Rothko a travaillé entièrement avec la couleur, s'efforçant d'ouvrir un plan spirituel sur lequel lui et les spectateurs pouvaient expérimenter la profondeur de l'émotion humaine. Bien qu'il soit entièrement concentré sur la couleur, Rothko la rejetait comme un simple véhicule à travers lequel cette connexion spirituelle pouvait être établie. L'une des œuvres précoces définissantes de Rothko était No. 2, Green, Red and Blue, peinte en 1953. Cette pièce est emblématique du futur corpus d'œuvres de Rothko, établissant sa voix en tant qu'habitant à la fois unique et attachant des mondes de l'art abstrait et de la spiritualité transcendante.

Mark Rothko - N° 2, Vert, Rouge et Bleu, 1953. Collection privée

Peintures abstraites célèbres : années 1960-1970

Alors que l'Abstraction entrait dans les années 1960 et 1970, de nombreux peintres rejetaient déjà ses idées fondamentales, revenant à la figuration et explorant le domaine de l'art conceptuel. Néanmoins, la puissance de la clarté et de la liberté de l'Abstraction promettait encore beaucoup. L'une des voix les plus sublimes de cette période était la peintre abstraite américaine Agnes Martin. Connue pour ses peintures à grille linéaire, Martin demeure une voix iconique de l'Art Abstrait.

La peinture d'Agnes Martin Night Sea, réalisée en 1963, est l'un des premiers exemples de ce qui allait devenir son style définitif. Dans l’œuvre, un fond bleu presque monochromatique est entrecoupé d’un motif de grille méticuleux peint à la feuille d’or. Cette œuvre embrasse la couleur, tout en mettant en ligne une puissance égale. Il embrasse la simplicité tout en communiquant simultanément l’immensité, la complexité et un sentiment d’interdépendance entrelacée. Martin a expliqué comment la ligne, pour elle, représentait l'innocence. Elle espérait que le sentiment d'innocence serait transmis aux téléspectateurs à travers son travail. La simplicité de ses images et le caractère direct de l'émotion qu'elle espérait communiquer ont contribué à combler le fossé entre l'expressionnisme abstrait et le minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Huile et feuille d'or sur toile. 72 x 72 po. © Succession d'Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Dans les années 1970, Robert Motherwell bouleverse une nouvelle fois le monde de l’abstraction avec une voix qui semble aux antipodes de l’attrait du minimalisme. Ses gestes primitifs et brutaux transmettaient à la fois énergie, force et anxiété. Il y avait une force stoïque en eux et pourtant une émotion profonde en ressortait qui incarnait la puissance et la liberté de la pure abstraction.

L’œuvre déterminante de Motherwell date de 1971 et s’intitule Élégie à la République espagnole n° 110. L’énergie furieuse de ce tableau enveloppe le spectateur et semble éclater de la toile. Il y a une vitalité choquante, une agressivité qui transfère l’émotion et la fureur dans l’espace. À une époque où de nombreux peintres considéraient que l’abstraction était terminée, Motherwell a injecté une nouvelle force de vie puissante dans le style. Sa vision fraîche et sa voix confiante ont aidé l'abstraction à perdurer et continuent d'inspirer et de responsabiliser les artistes abstraits jusqu'à aujourd'hui.

Robert Motherwell - Élégie à la République espagnole n° 110, 1971. Acrylique avec graphite et fusain sur toile. 82 x 114 po. Musée Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Sous licence VAGA de l'Artists Rights Society (ARS), New York

Changer notre perception du futur

Les artistes abstraits contemporains d’aujourd’hui ont une dette envers chacun de ces artistes, à la fois pour la manière dont ils ont recherché la liberté dans leurs modes d’expression et pour la manière dont ils ont aidé les spectateurs à ouvrir leur esprit à de nouvelles façons de voir. L’abstraction continue de nous ouvrir de nouvelles portes alors que nous essayons de comprendre les complexités infinies que notre société en évolution nous présente. En s'appuyant sur les exemples des grands artistes abstraits du passé, les artistes abstraits d'aujourd'hui et de demain pourront, espérons-le, nous aider à traduire nos angoisses et nos peurs contemporaines et nous aider à voir au-delà des limites de nos propres yeux.

Image de couverture : Vassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio