Des peintures abstraites célèbres qui ont changé notre perception de l'art

« Les images que nous pouvons avoir, pourrait-on dire, dépendent de qui fait l’imagination. » - John Hospers, extrait de Une introduction à l’analyse philosophique

Nous dépendons des visionnaires pour ouvrir des portes cachées, afin que nous puissions entrevoir des parties du monde, et des parties de nous-mêmes, qui autrement resteraient dissimulées. La vision est la spécialité des artistes abstraits, et au cours des plus de 100 dernières années, de nombreux tableaux abstraits célèbres ont réussi à élargir la perspective de l’humanité. Les visionnaires qui ont créé ces images ne nous ont pas seulement offert, à nous spectateurs, le don de nouvelles choses à voir ; ils nous ont proposé des façons entièrement nouvelles de voir.

Tableaux abstraits célèbres : années 1910 – 1920

Il est vrai que certaines de nos sélections dans cet article peuvent sembler controversées, car chaque amateur d’art abstrait a des goûts différents. Mais la plupart s’accorderaient probablement sur notre premier choix de tableaux abstraits qui ont changé notre manière de percevoir l’art. Sans titre (Première aquarelle abstraite) de Wassily Kandinsky, peint en 1910, est considéré par les historiens de l’art comme le premier tableau purement abstrait. La représentation audacieuse de taches, bavures et lignes aux couleurs vives renonce à toute référence visuelle à la réalité objective. Ce tableau a libéré les artistes de l’emprise du sujet et a invité les spectateurs à s’engager d’une manière entièrement nouvelle avec le concept de ce qu’une image peut être.

Wassily Kandinsky - Sans titre (Première aquarelle abstraite), 1910. Aquarelle, encre de Chine et crayon sur papier. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Huile sur toile. 96,5 cm x 60,5 cm. Musée Ludwig, Cologne, Allemagne

En 1925, Joan Miró a dissous les barrières entre l’Abstraction et le Surréalisme avec son tableau La mancha roja (La tache rouge). Miró ne se considérait pas comme un abstractionniste. Il disait qu’il rentrait chez lui, affamé et épuisé, et peignait les images qu’il voyait dans sa tête. La mancha roja (La tache rouge) se situe sur la fine ligne entre la figuration anthropomorphique, les totems oniriques et l’abstraction pure. Quelque chose d’enfantin, mais d’horrible, se cache dans l’image. Avec ce corpus, Miró a grand ouvert la porte à l’iconographie cachée de nos cauchemars et de nos rêves.

Joan Miro - La mancha roja (La tache rouge), 1925. Huile et pastel sur toile. 146 x 114 cm. Collection Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fondation Joan Miro, Barcelone

Tableaux abstraits célèbres : années 1930 – 1940

Alors que le monde occidental sombrait dans la dépression, la famine et la guerre pour la deuxième fois au XXe siècle, l’abstraction s’était fermement établie comme une force majeure dans le monde de l’art. Une gamme fantastique de méthodes était employée par les artistes travaillant dans ce style, chacun contribuant aux efforts croissants pour se connecter à quelque chose de pur, de vrai et de libre dans l’esprit humain. En Grande-Bretagne, le peintre Ben Nicholson étendit son travail abstrait en un corpus qu’il appelait peintures en relief blanc. L’une de ses œuvres majeures, 1935 (relief blanc), ouvrit de nouveaux horizons visuels, établissant Nicholson comme l’une des voix les plus importantes de l’abstraction anglaise. Nicholson était ami et influencé par le peintre Piet Mondrian. Les œuvres en relief blanc développaient l’usage des lignes nettes et de l’espace géométrique de Mondrian, introduisant des couches dimensionnelles et une palette monochrome. Les premières peintures en relief blanc de Nicholson furent créées en 1933, et au moment de la création de 1935 (relief blanc), il avait solidifié un style combinant éléments d’abstraction, constructivisme, art concret, et suggérant les premières graines du minimalisme et de l’abstraction post-picturale.

À l’autre extrémité du spectre, durant les années 1930 et 1940, se trouvaient les expressionnistes abstraits, aussi appelés l’École de New York. Rejetant totalement la géographie rationnelle et la réduction spatiale des artistes comme Mondrian et Nicholson, les expressionnistes abstraits cherchaient à se connecter à l’émotion primordiale dans leur travail. Aucun expressionniste abstrait n’a été aussi influent et réussi à incarner ce style que Jackson Pollock.

Alcoolique notoire et névrosé, Pollock s’est inspiré de la psychanalyse pour puiser profondément dans son subconscient. Son œuvre s’appuyait sur la physicalité et des images totem inconscientes pour créer des portraits féroces de l’anxiété moderne d’après-guerre. L’une des premières peintures par gouttes de Pollock, Full Fathom Five, peinte en 1947, a changé à jamais l’art abstrait. Cette œuvre est un amalgame de son style au pinceau antérieur et de sa technique visionnaire de gouttes. Elle inclut des pièces de monnaie, des mégots de cigarette et d’autres objets aléatoires de son atelier, projetant un niveau de texture et de profondeur entièrement nouveau pour l’abstraction. Full Fathom Five a marqué un tournant dans la carrière de Pollock, et a changé à jamais notre relation à la toile.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Huile sur toile avec clous, punaises, boutons, clé, pièces, cigarettes, allumettes, etc. 50 7/8 x 30 1/8 pouces. © 2019 Fondation Pollock-Krasner / Artists Rights Society (ARS), New York

Tableaux abstraits célèbres : années 1950

Dans les années 1950, les expressionnistes abstraits avaient fermement pris possession de l’imaginaire du monde de l’art. Partout, les artistes cherchaient à se connecter au moi primitif, à l’esprit inconscient, et aux images cachées du subconscient. Au milieu de cette ferveur est apparu un courant vers le calme, né en partie d’un intérêt croissant chez de nombreux artistes pour les philosophies orientales comme le taoïsme et le bouddhisme zen. L’un des mouvements les plus profonds issus de cette époque fut un style de peinture abstraite connu sous le nom de peinture de champs de couleur.

L’objectif de la peinture de champs de couleur, tel qu’il est généralement compris, était d’explorer la couleur indépendamment du sujet, de la forme, de la ligne et des autres contraintes de la création d’image. Une qualité méditative était recherchée par les peintres, et si elle était réussie, elle se transmettait ensuite de l’œuvre aux spectateurs.

La peintre abstraite Helen Frankenthaler fut l’une des voix les plus profondes du mouvement des champs de couleur. Avec son tableau Mountains and Sea, peint en 1952, Frankenthaler présenta au monde une nouvelle technique de peinture qu’elle avait inventée appelée le « procédé de trempage-tache ». Dans ce procédé, Frankenthaler utilisait de la térébenthine pour diluer la consistance de ses peintures. Elle versait délicatement la peinture diluée sur une toile non apprêtée posée au sol, permettant à la peinture de s’imprégner complètement dans la toile, donnant à l’œuvre une texture et une apparence entièrement nouvelles. Le procédé de trempage-tache créait des champs sublimes de couleur prenant des configurations organiques et changeantes, touchant à la sérénité. Mountains and Sea de Frankenthaler est considéré comme l’un des premiers succès du mouvement des champs de couleur et reste aujourd’hui l’une de ses images les plus attachantes.

Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952. Huile et fusain sur toile. 86 5/8 x 117 ¼ pouces. © 2019 Fondation Helen Frankenthaler, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Peut-être l’artiste le plus célèbre associé aux peintres de champs de couleur est Mark Rothko, un artiste qui rejetait également avec véhémence cette étiquette, ainsi que la plupart des autres. Rothko travaillait entièrement avec la couleur, cherchant à ouvrir un plan spirituel sur lequel lui et les spectateurs pouvaient ressentir la profondeur de l’émotion humaine. Bien qu’entièrement concentré sur la couleur, Rothko la considérait seulement comme un moyen par lequel cette connexion spirituelle pouvait s’établir. L’une des œuvres majeures de Rothko fut No. 2, Vert, Rouge et Bleu, peinte en 1953. Cette pièce est emblématique du futur corpus de Rothko, établissant sa voix comme un habitant singulièrement attachant des mondes de l’art abstrait et de la spiritualité transcendante.

Mark Rothko - No. 2, Vert, Rouge et Bleu, 1953. Collection privée

Tableaux abstraits célèbres : années 1960 – 1970

À mesure que l’abstraction entrait dans les années 1960 et 1970, de nombreux peintres rejetaient déjà ses idées fondamentales, revenant à la figuration et explorant le domaine de l’art conceptuel. Néanmoins, la puissance de la clarté et de la liberté de l’abstraction conservait un grand espoir. L’une des voix les plus sublimes de cette période fut la peintre abstraite américaine Agnes Martin. Connue pour ses peintures en grille linéaire, Martin demeure une voix emblématique de l’art abstrait.

Le tableau d’Agnes Martin Night Sea, réalisé en 1963, est l’un des premiers exemples de ce qui allait devenir son style définitif. Dans cette œuvre, un fond bleu presque monochrome est traversé par un motif de grille méticuleux peint à la feuille d’or. Cette œuvre embrasse la couleur, tout en accordant un pouvoir égal à la ligne. Elle embrasse la simplicité tout en communiquant simultanément l’immensité, la complexité et un sens d’interdépendance entrelacée. Martin disait que la ligne représentait pour elle l’innocence. Elle espérait que ce sentiment d’innocence soit transmis aux spectateurs par son œuvre. La simplicité de ses images, et la franchise de l’émotion qu’elle espérait communiquer, furent essentielles pour combler le fossé entre l’expressionnisme abstrait et le minimalisme.

Agnes Martin - Night Sea, 1963. Huile et feuille d’or sur toile. 72 x 72 pouces. © Succession d’Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Dans les années 1970, Robert Motherwell a de nouveau secoué le monde de l’abstraction avec une voix qui semblait être l’antithèse de l’attrait du minimalisme. Ses gestes primitifs et rugueux transmettaient à la fois énergie, force et anxiété. Il y avait une force stoïque en eux, et pourtant une émotion profonde émanait, incarnant la puissance et la liberté de l’abstraction pure.

L’œuvre majeure de Motherwell date de 1971, intitulée Élégie à la République espagnole n° 110. L’énergie furieuse de ce tableau enveloppe le spectateur et semble jaillir de la toile. Il y a une vitalité choquante, une agressivité qui transfère émotion et fureur dans l’espace. À une époque où de nombreux peintres considéraient que l’abstraction avait fait son temps, Motherwell insuffla une force vitale puissante dans ce style. Sa vision nouvelle et sa voix assurée aidèrent l’abstraction à perdurer, et continuent d’inspirer et de renforcer les artistes abstraits à ce jour.

Robert Motherwell - Élégie à la République espagnole n° 110, 1971. Acrylique avec graphite et fusain sur toile. 82 x 114 pouces. Musée Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Fondation Dedalus, Inc./Licence VAGA auprès de Artists Rights Society (ARS), New York

Changer notre perception de l’avenir

Les artistes abstraits contemporains d’aujourd’hui doivent une dette à chacun de ces artistes, tant pour les manières dont ils ont cherché la liberté dans leurs modes d’expression que pour les façons dont ils ont aidé les spectateurs à ouvrir leur esprit à de nouvelles façons de voir. L’abstraction continue de nous ouvrir de nouvelles portes alors que nous tentons de comprendre les complexités sans fin que notre société en évolution nous présente. En s’inspirant des exemples des grands artistes abstraits du passé, les artistes abstraits d’aujourd’hui et de demain peuvent, espérons-le, nous aider à traduire nos angoisses et nos peurs contemporaines, et nous aider à voir au-delà des limites de nos propres yeux.

Image en vedette : Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio