Qu'est-ce que la peinture conceptuelle ?

Chaque œuvre d’art n’était autrefois qu’une idée dans la tête de quelqu’un. C’est une pensée amusante étant donné à quel point les idées peuvent être éphémères et à quel point il peut être difficile de transformer même les meilleures idées en réalité. La La peinture conceptuelle, en tant que domaine de pratique artistique, tente de confronter le fossé entre les idées et la réalité physique. Il considère la possibilité que pour chaque tableau qui finit par être accroché au mur, il y en ait d'innombrables autres qui n'ont jamais été mis en valeur sur la toile, et d'innombrables façons alternatives de peindre celui qui l'a fait figurer sur le mur. Cela va même jusqu’à dire que la peinture n’a peut-être aucune importance ; que la seule chose qui compte vraiment, c'est l'idée. 

Il suffit d'y penser

Parfois, la meilleure façon d’accomplir quelque chose est de ne pas y penser. Faites-le, comme le dit le slogan. Lorsque nous nous arrêtons et réfléchissons à la nature de ce que nous faisons, cela peut nous paralyser, car nous nous demandons si ce que nous faisons en vaut la peine ou s’il a une quelconque valeur. Lorsque les premiers peintres abstraits ont commencé à chercher à créer des œuvres purement abstraites, de nombreuses réflexions étaient en cours et ils étaient pleins d'idées. Mais simultanément, certains artistes posaient des questions sur la valeur de ces idées, ou sur toute autre idée.

En 1917, Marcel Duchamp a créé une œuvre d'art intitulée « Fontaine ». C'était un urinoir retourné et signé « R. Mutt ». Duchamp a pris un objet ordinaire et l'a transformé, dans ce cas en le retournant et en le retirant de son environnement utilitaire, rendant son utilisation originale obsolète et invitant à de nouvelles possibilités de signification. « Fontaine » a été rejetée par l'exposition à laquelle elle avait été soumise, mais elle est devenue le point de référence pour ce qui serait finalement connu sous le nom de Art Conceptuel, une tendance à placer la valeur des idées d'un artiste au-dessus de la valeur des processus ou des objets de l'artiste.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9,8 pouces, © Sarah Hinckley

L'image n'est rien

Beaucoup des premières peintures conceptuelles n'étaient pas des peintures du tout. En 1953, l'artiste Robert Rauschenberg a eu l'idée d'effacer une peinture. Il avait l'intention de faire disparaître l'objet réel, ne laissant que l'idée, et ainsi de l'élever à une nouvelle vénération. Il croyait que pour atteindre la pleine manifestation de son idée, quelqu'un d'autre devait tenir l'objet en estime. Il devait effacer le travail d'un autre peintre sinon cela reviendrait simplement à nier quelque chose qui n'a jamais existé.

Rauschenberg s'est tourné vers son ami Willem de Kooning et lui a demandé de donner une peinture bien-aimée pour son concept. Bien que de Kooning ait d'abord résisté, il a finalement donné Rauschenberg, un dessin, celui qu'il détestait voir disparaître et qu'il serait difficile d'effacer. Rauschenberg a utilisé plus d'une douzaine de gommes au cours de plus d'un mois, parvenant finalement à effacer toute l'image. Le résultat, intitulé "Erased de Kooning Drawing", affirmait avec assurance que l'idée d'une œuvre d'art est ce qui est le plus important, et que l'œuvre n'a pas besoin d'exister du tout.

Robert Rauschenberg - Dessin effacé de Kooning, 1953, Traces de support de dessin sur papier, 64.14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, © Fondation Robert Rauschenberg 

Faire l'invisible

La notion de l’importance primordiale de l’idée s’est rapidement répandue dans le monde occidental. Les artistes ont commencé à expérimenter toutes les manifestations possibles d’une idée, estimant que si une idée doit se manifester, elle peut se manifester de plusieurs manières. L'art autour d'une image d'un arbre peut se manifester par une photographie d'un arbre, une peinture d'un arbre, un dessin d'un arbre, une peinture abstraite d'un arbre, les mots « image d'un arbre » écrits sur une surface, un artiste montrant un arbre réel, une danse interprétative imitant un arbre, ou même un artiste assis par terre, les yeux fermés, pensant à l'image d'un arbre.

En 1958, l'artiste Yves Klein a tenu une exposition de peinture à Paris souvent appelée « Le Vide. » Le titre complet de l'exposition était « La Spécialisation de la Sensibilité dans l'État de Matière Première en Sensibilité Picturale Stabilisée, Le Vide. » Selon la légende, plus de 3000 visiteurs sont venus voir l'exposition. En entrant dans la galerie, les spectateurs se sont confrontés à une pièce blanche dépourvue de peintures, contenant seulement un cabinet vide. Klein a déclaré à propos de l'exposition : « Mes peintures sont maintenant invisibles et j'aimerais les montrer de manière claire et positive. »

Fieroza Doorsen - Sans titre (Id. 1281), 2017, Huile sur papier, 27 x 19 cm.

Sol LeWitt

En 1968, le peintre abstrait Sol LeWitt a ajouté une autre dimension au domaine de la peinture conceptuelle. Il a théorisé que non seulement il n'importe pas si une idée se manifeste un jour sous la forme d'une peinture physique, mais il n'importe également pas comment elle est peinte ou qui la peint. Tout ce qui compte, c'est l'idée originale exprimée par l'artiste concernant la peinture. En démonstration de ce concept, LeWitt a commencé à concevoir des fresques murales qui pouvaient être, et étaient généralement, exécutées par des personnes autres que lui-même.

L’idée de LeWitt était que chaque main dessinerait chaque ligne différemment, de sorte que même s’ils travaillaient à partir des mêmes plans, chaque artiste dessinerait la fresque différemment des autres. Les produits finis varient par rapport à la conception originale et les uns aux autres, mais comme la conception originale est tout ce qui compte, la variation n'a pas d'importance, tout comme les moyens de production. L’héritage de l’idée de LeWitt est que ses peintures murales conceptuelles sont encore reproduites aujourd’hui, après sa mort.

John Monteith - The Night Sky, 2010, graphite sur papier fait main, 24 x 17,7 pouces, © John Monteith

L'avenir des idées

La peinture conceptuelle contemporaine continue d'élargir notre appréciation des idées qui forment la base d'une œuvre d'art. Le travail de la peintre abstraite américaine contemporaine Debra Ramsay est ancré dans des idées fondamentales pour notre époque. Son processus consiste à suivre les couleurs changeantes de la nature, telles que celles de la flore saisonnière, puis à analyser ces changements de couleur dans un programme informatique. Les données résultantes sont utilisées pour créer une palette qui fait référence aux couleurs naturelles changeantes. Elle utilise ensuite cette palette pour créer une représentation abstraite d'objets dans l'espace changeant au fil du temps.

Le travail de Ramsay évoque deux idées fondamentales qui dominent notre culture actuelle. La première est l'idée de données, et la notion que chaque aspect de nos vies est surveillé, numérisé, calculé et analysé dans une quête monumentale de compréhension. L'autre est l'idée que la nature change, et que nous ne pouvons désormais que regarder cela se produire et trouver d'une manière ou d'une autre une beauté esthétique en cela. Les idées de Ramsay sont magnifiquement rendues sous la forme de peintures abstraites, mais ce sont les idées elles-mêmes qui rendent son travail si pertinent pour notre culture actuelle.

Debra Ramsay- Une année de couleur, ajustée pour la longueur du jour, 2014, Acrylique sur film en polyester, 39,8 x 59,8 po.

H7

Le peintre abstrait canadien John Monteith travaille avec différents médiums alors qu'il recherche la manifestation physique la plus réussie de ses concepts artistiques. Un domaine qu’il explore souvent est celui du texte. Monteith extrait des morceaux de texte d'autres sources qu'il rencontre au travail, comme les informations quotidiennes, un livre ou une conversation. Il présente ensuite le texte hors contexte dans un environnement de galerie, ce qui invite à de nouvelles interprétations conceptuelles des idées contenues dans les mots.

En s’appuyant sur de multiples sources médiatiques pour le texte qu’il utilise dans ses œuvres, les dessins basés sur le texte de Monteith apportent un point de vue contemporain aux œuvres d’artistes conceptuels de la première génération tels que Robert Barry, qui travaille aussi souvent avec du texte. Le travail de Barry consiste à afficher des morceaux de texte sur du papier, de la toile, des murs, des sols ou toute autre surface adaptée à l'idée. Ses mots sont souvent les siens, mais sont parfois tirés d'autres textes, et ils sont présentés de manière à inviter de nouvelles associations et significations. Souvent, ces œuvres conceptuelles présentent bien plus d’informations qu’une peinture traditionnelle ne le pourrait en exigeant la participation de la propre imagination du spectateur. 

Matière et sens

En 1965, dans une œuvre phare de l'art conceptuel intitulée One and Three Chairs, l'artiste conceptuel Joseph Kosuth a présenté une véritable chaise, une photographie d'une chaise et une description écrite de ce qu'est une chaise. Comme tant d’autres œuvres conceptuelles, elle a mis au premier plan la question de savoir quelle est la différence entre les idées, les objets et les abstractions.

Nous acceptons désormais qu’une peinture conceptuelle n’a pas besoin d’être une peinture, ni même d’exister sous une forme matérielle. Mais quand cela existe, est-ce important ? Est-ce important que ce soit ici, dans le domaine physique ? N’y a-t-il vraiment aucune différence entre l’objet et l’idée ? Est-ce que nous valorisons vraiment davantage l’idée ? Si nous étions affamés, préférerions-nous avoir une recette, une peinture de nourriture ou de la vraie nourriture ? En termes pratiques, la peinture conceptuelle pose et répond à l’une des questions les plus importantes de l’humanité : ce que nous faisons est-il important ?

Image à la une : Robert Barry - Sans titre (Quelque chose qui ne peut jamais être quelque chose de spécifique), 1969,  Dactylographie sur papier, 4 x 6 po, © Robert Barry

Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement