Ce qui peut être considéré comme abstrait dans l'œuvre de Robert Rauschenberg

Une abstraction est un point de départ. C’est la graine d’une idée qui pourrait, dans les bonnes circonstances contemplatives, des circonstances nécessitant une ouverture pour se manifester, croître en une forêt de pensée. La réponse courte, donc, à la question de savoir si une œuvre de Robert Rauschenberg peut être considérée comme abstraite, est oui. Tout en elle peut être lu comme abstrait. Chaque élément de chaque œuvre que Rauschenberg a réalisée au cours de ses plus de 60 ans de carrière professionnelle était destiné à susciter la réflexion. Nous avons pour preuve les paroles de l’artiste dans de nombreuses interviews, où il soulignait à plusieurs reprises l’importance du rôle du spectateur individuel dans l’établissement du sens de ses expériences. Et comme démonstration supplémentaire et décisive de la nature abstraite de son œuvre, nous avons la rétrospective Robert Rauschenberg qui a ouvert ses portes le 1er décembre 2016 à la Tate Modern de Londres. C’est la première exposition complète de son travail depuis la mort de l’artiste en 2008, et elle comprend plus de 200 œuvres couvrant toute la chronologie de sa carrière et toute la gamme des médiums avec lesquels il a expérimenté. L’exposition se déplacera ensuite à San Francisco pour un séjour au SFMoMA, puis au MoMA de New York. Les œuvres de son catalogue offrent une occasion de contempler pleinement la vie et l’œuvre d’un artiste qui, par-dessus tout, espérait nous convaincre de regarder attentivement notre monde et notre époque, et d’en déterminer le sens par nous-mêmes.

L’art de son temps

La rétrospective Robert Rauschenberg actuellement visible à la Tate Modern présente le travail de Robert Rauschenberg dans l’ordre chronologique, selon l’année de création. Ce choix n’a pas été fait par souci de simplicité. Le temps est un élément essentiel dans tout ce que Rauschenberg a créé. À chaque étape de sa carrière, Rauschenberg était un artiste de son époque. Non pas qu’il réalisait simplement des œuvres sur son temps. Son travail était plutôt un sous-produit de son temps. Il se manifestait à travers son interaction avec la culture du présent et émergeait comme une définition de l’instant.

Le premier ensemble d’œuvres que Rauschenberg a réalisé et qui définissait audacieusement et précisément l’instant fut une série de grandes peintures monochromes qu’il peignit en diverses couleurs, notamment blanc, noir, rouge et or. C’était au début des années 1950 et il était plongé dans la scène artistique new-yorkaise, dominée par l’expressionnisme abstrait. Rauschenberg était ami avec beaucoup de peintres Ab Ex. Il buvait avec eux, les ramenait chez eux quand ils avaient trop bu, et partageait leurs conversations quotidiennes sur l’art et la vie. Ses monochromes étaient le résultat inévitable de leur drame. Ils démontrent, bien que de manière abstraite, la simple valeur inhérente à faire quelque chose de complètement différent de ce que tout le monde fait.

Robert Rauschenberg - Sans titre (monochrome noir mat, triptyque), 1951, huile sur toile, 183 x 274 cm. © Robert Rauschenberg Foundation

Forces combinées

Après s’être fait un nom avec ses monochromes, Robert Rauschenberg a commencé ses premiers Combines, assemblages de détritus du monde réel qui occupent un terrain intermédiaire entre diverses formes artistiques traditionnelles. Ils sont en partie peinture, en partie sculpture, en partie ready-made, et en partie collage. Ils annonçaient la conclusion déjà prévalente et inévitable que les classifications formelles traditionnelles étaient devenues obsolètes et que toute œuvre d’art pouvait être une œuvre totale.

Alors que l’expressionnisme abstrait était imprégné des émotions individuelles des artistes eux-mêmes, les Combines que Rauschenberg a réalisés étaient une expression de toute la culture. Ils étaient faits de coupures de presse, d’ordures, d’objets trouvés, de curiosités, de bois de récupération, et bien sûr de peinture. Ils sont une image exacte et représentative du monde tel qu’il existait les jours où ils ont été réalisés. Ils expriment simultanément la somme totale de la société humaine tout en lançant une invitation ouverte à contempler sa nature et ses valeurs.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, huile, aquarelle, crayon, craie grasse, papier, tissu, photographies, reproductions imprimées, plan miniature, journal, métal, verre, herbe séchée et laine d’acier avec coussin, poteau en bois, lumières électriques et coq sur structure en bois montée sur quatre roulettes. © Robert Rauschenberg Foundation

Un monde d’images

Bien que ce soit son contemporain Andy Warhol qui soit devenu plus célèbre pour cette pratique, c’est Robert Rauschenberg qui a été le pionnier de l’utilisation du procédé industriel de sérigraphie pour créer des peintures incorporant des photographies tirées de la culture contemporaine, comme le montre clairement la rétrospective actuelle à la Tate. L’iconique Retroactive II, une sérigraphie de Rauschenberg qui présente une image marquante de John F. Kennedy aux côtés d’une image d’astronaute, d’un baromètre, d’un Polaroid d’un verre d’eau pris par l’artiste, et plusieurs autres images, semble être particulièrement estimée par la Tate, puisqu’elle a été utilisée sur tous ses supports publicitaires, y compris la couverture du catalogue.

En plus de la sérigraphie, Rauschenberg a également utilisé divers autres procédés d’impression, comme la lithographie, tout au long de sa carrière. Certaines de ses estampes (Retroactive II en particulier) ressemblent à une entrée de journal intime, comme pour simplement dire : « voici ce à quoi je pense aujourd’hui, même si je ne sais pas ce que cela signifie ». D’autres, comme Earth Day, une lithographie de 1970, ressemblent davantage à de la propagande, exprimant une position d’activiste social très directe. D’autres encore, comme Renascence, une sérigraphie de 1962, semblent totalement abstraites. Quelle que soit leur apparente teneur, les estampes de Rauschenberg démontrent l’intention générale qu’il avait toujours, qui était d’exprimer son temps. Comme il l’a dit, « J’ai toujours voulu que mes œuvres — quoi qu’il arrive dans l’atelier — ressemblent davantage à ce qui se passe dehors, par la fenêtre. Le rôle de l’artiste est d’être un témoin de son temps dans l’histoire ».

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, huile et encre de sérigraphie sur toile. © Robert Rauschenberg Foundation

Le monde est une scène

En plus de son travail en atelier, Robert Rauschenberg a également été un collaborateur actif dans le monde du spectacle. Tout au long de sa carrière, il a créé des accessoires de scène, des décors et des costumes pour diverses productions théâtrales et de danse. Il a même parfois joué dans certaines de ces productions. L’une de ses pièces les plus célèbres, un combine de 1954 intitulé Minutiae, a été créée comme pièce de scène pour un ballet de Merce Cunningham. (Un film du ballet est présenté à la rétrospective de la Tate.)

La manière dont ils interagissent spécifiquement avec une œuvre plus grande fait que ses œuvres liées à la performance se distinguent de ses autres réalisations. Leur cadre conceptuel nous offre un contexte élargi pour les interpréter. Si nous considérons Minutiae purement comme un objet d’art abstrait, nous pouvons arriver à un nombre quelconque d’interprétations personnelles basées sur notre relation individuelle avec sa forme et ses divers éléments esthétiques. Mais en tant qu’élément d’un ballet, nous pouvons nous décharger de la responsabilité d’une interprétation personnelle et le voir simplement comme une décoration ou une déclaration sur le récit qui se déroule sur scène. Il est tentant, en fait, de se demander quelles abstractions supplémentaires pourraient être tirées en lisant tout le travail de Rauschenberg comme décoration ou accessoires plutôt que comme art.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, huile, papier, tissu, journal, bois, métal et plastique avec miroir sur fil tressé sur structure en bois. © Robert Rauschenberg Foundation

Ce qui n’est pas montré

Bien que ses monochromes, Combines, estampes et décors de scène soient ce pour quoi Robert Rauschenberg est le plus connu, sa créativité prolifique s’est manifestée dans d’autres médiums également. Comme c’est le cas pour beaucoup d’artistes célèbres, si les intérêts financiers du marché ne tiennent pas un certain ensemble d’œuvres en assez haute estime, il arrive parfois qu’il ne soit pas discuté dans le contexte plus large de leur œuvre. L’exposition actuelle à la Tate aide les visiteurs à échapper à cette vision myope en offrant un aperçu bienvenu de nombreux premiers travaux que Rauschenberg a réalisés avant ces peintures monochromes qui ont fait sa renommée. Par exemple, on peut voir un bel exemple de ses monotypes de plans exposés, empreints d’une atmosphère hantée. L’exposition accorde également une attention particulière à ses efforts hors de l’atelier, offrant un aperçu de certains des reliques d’archives de son travail caritatif, illustré par la fondation à but non lucratif Rauschenberg Foundation.

Dans sa vie privée, Robert Rauschenberg était un réaliste. Bien qu’il ait eu l’esprit d’un philosophe, il était aussi réputé pour sa passion, sa convivialité, sa générosité et son sens de l’humour. Et il montrait parfois toutes ces qualités dans son travail. Il y avait des éléments réalistes, passionnés, amicaux et humoristiques dans chacune des expériences de Rauschenberg, alors qu’il tentait sans retenue de montrer à sa génération leur monde. Ce qui n’est heureusement pas montré dans la rétrospective actuelle de la Tate, ce sont des réponses définitives concernant le sens de ses nombreuses expériences. L’élément le plus manifestement abstrait de l’héritage que Rauschenberg a créé est que chacune de ses œuvres possède un nombre potentiellement infini de significations, limité uniquement par l’imagination individuelle de chaque spectateur. Comme l’a dit Rauschenberg, « Je voudrais faire une peinture et une situation qui laissent autant d’espace à la personne qui la regarde qu’à l’artiste. »

Image en vedette : Robert Rauschenberg - Charlene (détail), 1954, huile, fusain, papier, tissu, journal, bois, plastique, miroir et métal sur quatre panneaux Homasote, montés sur bois avec lumière électrique. © Robert Rauschenberg Foundation
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio