Ce qui peut être considéré comme abstrait dans l'œuvre de Robert Rauschenberg

Une abstraction est un point de départ. C’est le germe d’une idée qui pourrait, dans des circonstances contemplatives appropriées, circonstances qui nécessitent une ouverture pour se manifester, se transformer en une forêt de pensées. La réponse courte, donc, à la question de savoir si les œuvres de Robert Rauschenberg peuvent être considérées comme abstraites est oui. Tout cela peut être lu comme abstrait. Chaque élément de chaque œuvre d’art réalisée par Rauschenberg au cours des plus de 60 ans de sa carrière professionnelle était destiné à être un instigateur de réflexion. Nous en avons pour preuve les propos de l'artiste dans de nombreux entretiens, dans lesquels il souligne à plusieurs reprises l'importance du rôle du spectateur individuel dans l'établissement du sens de ses expériences. Autre démonstration décisive du caractère abstrait de son œuvre : la rétrospective Robert Rauschenberg inaugurée le 1er décembre 2016 à la Tate Modern de Londres. Il s'agit de la première exposition complète de son travail depuis la mort de l'artiste en 2008, et elle comprend plus de 200 œuvres couvrant toute la chronologie de sa carrière et toute la gamme des médias avec lesquels il a expérimenté. L'exposition se rendra ensuite à San Francisco pour un séjour au SFMoMA, puis au MoMA de New York. Les œuvres de son catalogue offrent l'occasion de contempler pleinement la vie et l'œuvre d'un artiste qui espérait avant tout nous convaincre de regarder de près notre monde et notre époque et d'en déterminer le sens pour nous-mêmes.

L'art de son temps

La rétrospective Robert Rauschenberg mentionnée ci-dessus, actuellement exposée au Tate Modern, présente l'œuvre de Robert Rauschenberg dans l'ordre chronologique, selon l'année de sa création. Ce choix n'a pas été fait pour des raisons de simplicité. Le temps est un élément essentiel dans tout ce que Rauschenberg a créé. À chaque étape de sa carrière, Rauschenberg était un artiste de son époque. Ce n'est pas qu'il ait simplement créé des œuvres sur son temps. Au contraire, son travail était un sous-produit de son époque. Il se manifestait à travers son interaction avec la culture du présent et émergeait comme une définition de l'instant.

Le premier ensemble d'œuvres que Rauschenberg a réalisé et qui a audacieusement et précisément défini le présent était une série de grandes peintures monochromes qu'il a peintes dans diverses couleurs, y compris le blanc, le noir, le rouge et l'or. C'était au début des années 1950 et il était immergé dans la scène artistique new-yorkaise, qui était dominée par l'Expressionnisme Abstrait. Rauschenberg était ami avec beaucoup de peintres Ab Ex. Il buvait avec eux, les ramenait chez eux quand ils avaient trop bu, et participait à leurs conversations quotidiennes sur l'art et la vie. Ses monochromes étaient le résultat inévitable de leur drame. Ils démontrent, bien que de manière abstraite, la valeur simple inhérente à faire quelque chose de complètement différent de ce que tout le monde fait.

Robert Rauschenberg - Untitled (mate black monochrome, triptych), 1951, Oil on canvas, 72 x 108 in. © Robert Rauschenberg Foundation

Forces combinées

Après avoir fait son nom avec ses monochromes, Robert Rauschenberg a commencé ses premières Combines, des assemblages de débris du monde réel qui habitent un terrain d'entente entre diverses formes artistiques traditionnelles. Ils sont en partie peinture, en partie sculpture, en partie readymade, et en partie collage. Ils ont annoncé la conclusion déjà prévalente et inévitable que les classifications formelles traditionnelles étaient devenues obsolètes et que tout art pouvait être un art total.

Alors que l'expressionnisme abstrait était imprégné des émotions individuelles des artistes eux-mêmes, les Combines réalisés par Rauschenberg étaient une expression de la culture entière. Ils étaient constitués de coupures de presse, de détritus, d’objets trouvés, de curiosités, de chutes de bois et bien sûr de peinture. Ils constituent une image exacte et représentative du monde, tel qu’il existait à l’époque de leur création. Ils expriment simultanément la totalité de la société humaine tout en lançant une invitation ouverte à contempler sa nature et ses valeurs.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, oil, watercolor, pencil, crayon, paper, fabric, photographs, printed reproductions, miniature blueprint, newspaper, metal, glass, dried grass, and steel wool with pillow, wood post, electric lights, and rooster on wood structure mounted on four casters. © Robert Rauschenberg Foundation

Un monde d'images

Même si c'est son contemporain Andy Warhol qui est devenu plus célèbre grâce à cette pratique, c'est Robert Rauschenberg qui a été le pionnier de l'utilisation du procédé de sérigraphie industrielle pour créer des peintures incorporant des photographies tirées de la culture contemporaine, comme le montre clairement la rétrospective actuelle de la Tate. L'emblématique Retroactive II, une sérigraphie de Rauschenberg qui présente une image proéminente de John F. Kennedy aux côtés de l'image d'un astronaute, d'une jauge météorologique, d'un polaroïd d'un verre d'eau pris par l'artiste et de plusieurs autres images, semble être particulièrement apprécié par la Tate, puisqu'il a été utilisé sur tous ses supports publicitaires, y compris la couverture du catalogue.

En plus de la sérigraphie, Rauschenberg a également utilisé une variété d'autres procédés d'impression, tels que la lithographie, tout au long de sa carrière. Certaines de ses estampes (Retroactive II en particulier) se lisent comme une entrée de journal, comme pour simplement dire : « voici ce à quoi je pense aujourd'hui, bien que je ne sache pas ce que cela signifie. » D'autres, comme Earth Day, une lithographie de 1970, se lisent davantage comme de la propagande, exprimant une position d'activiste social très directe. D'autres encore, comme Renascence, une sérigraphie de 1962, semblent totalement abstraites. Quelles que soient leur contenu apparent, les estampes de Rauschenberg démontrent l'intention générale que Rauschenberg a toujours eue, qui était d'exprimer son époque. Comme il l'a dit : « J'ai toujours voulu que mes œuvres—quoi qu'il arrive dans l'atelier—ressemblent davantage à ce qui se passe dehors par la fenêtre. Le travail de l'artiste est d'être un témoin de son temps dans l'histoire. »

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, Oil and silkscreen ink on canvas. © Robert Rauschenberg Foundation

Le monde est une scène

Outre son travail en studio, Robert Rauschenberg était également un collaborateur actif dans le monde de la performance. Tout au long de sa carrière, il a créé des accessoires de scène, des décors et des costumes pour diverses productions de théâtre et de danse. Il a même joué occasionnellement dans certaines de ces productions. L'une de ses pièces les plus célèbres, une œuvre de 1954 intitulée Minutiae, a été créée comme pièce de scène pour un ballet de Merce Cunningham. (Un film du ballet est présenté lors de la rétrospective de la Tate.)

La façon dont ils interagissent spécifiquement avec une œuvre d’art plus grande fait que ses œuvres liées à la performance se démarquent de ses autres efforts. Leur cadre conceptuel nous offre un contexte élargi à partir duquel les interpréter. Si nous considérons Minutiae uniquement comme un objet d'art abstrait, nous pouvons arriver à de nombreuses interprétations personnelles basées sur notre relation individuelle avec sa forme et ses divers éléments esthétiques. Mais en tant qu'élément d'un ballet, nous pouvons nous soustraire à la responsabilité de l'interprétation personnelle et le considérer simplement comme une décoration ou une déclaration sur le récit qui se déroule sur scène. Il est tentant, en fait, de se demander quelles abstractions supplémentaires pourraient être recueillies en lisant toutes les œuvres réalisées par Rauschenberg comme décoration ou accessoires plutôt que comme art.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, oil, paper, fabric, newspaper, wood, metal, and plastic with mirror on braided wire on wood structure. © Robert Rauschenberg Foundation

Ce qui n'est pas montré

Bien que ses monochromes, ses Combines, ses estampes et ses scénographies soient ce pour quoi Robert Rauschenberg est le plus connu, sa créativité prolifique se manifeste également dans d'autres médias. Comme c’est le cas pour de nombreux artistes célèbres, si les intérêts financiers du marché ne tiennent pas suffisamment en estime un certain ensemble d’œuvres, il arrive parfois qu’elles ne soient pas discutées dans le contexte plus large de leur œuvre. L'exposition actuelle de la Tate aide les spectateurs à échapper à cette vision myope en offrant un aperçu bienvenu de bon nombre des premiers efforts déployés par Rauschenberg, antérieurs à ces peintures monochromes qui ont fait son nom. Par exemple, on peut voir un bel exemple de ses monoprints de plans exposés et obsédants. L'exposition concentre également l'attention sur ses efforts en dehors du studio, offrant un aperçu de certaines des reliques d'archives de son travail caritatif, illustrées par la Fondation Rauschenberg à but non lucratif.

Dans sa vie privée, Robert Rauschenberg était un réaliste. Bien qu'il ait l'esprit d'un philosophe, il était également réputé pour sa passion, sa convivialité, sa générosité et son sens de l'humour. Et il a parfois montré toutes ces choses dans son travail. Il y avait des éléments réalistes, passionnés, amicaux et humoristiques dans chacune des expériences de Rauschenberg, alors qu'il tentait sans vergogne de montrer à sa génération leur monde. Ce qui n'est heureusement pas montré dans la rétrospective actuelle de Tate, ce sont des réponses concluantes concernant le sens de ses nombreuses expériences. L'élément le plus évidemment abstrait de l'héritage que Rauschenberg a créé est que chacune de ses œuvres d'art a un nombre potentiellement infini de significations, limité uniquement par l'imagination individuelle de chaque spectateur. Comme l'a dit Rauschenberg, "Je voudrais faire une peinture et une situation qui laissent autant d'espace pour la personne qui la regarde que pour l'artiste."

Image de présentation : Robert Rauschenberg - Charlene (détail), 1954, huile, fusain, papier, tissu, journal, bois, plastique, miroir et métal sur quatre Homasote panneaux, montés sur bois avec lumière électrique. © Fondation Robert Rauschenberg
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio