Sculpture abstraite - Le langage du plein et du vide

Depuis les premiers jours du modernisme, des questions ont été soulevées sur la nature et la différence entre l’art abstrait en deux et trois dimensions. Au cours de la première décennie du XXe siècle, Constantin Brancusi a posé la question fondamentale de savoir ce qu'était une abstrait sculpture était censé véhiculer : l'image d'un sujet ou son essence ? Au cours de la décennie suivante, Pablo Picasso démontra qu’une sculpture n’avait pas besoin d’être sculptée, moulée ou coulée : elle pouvait être assemblée. Au cours de la décennie suivante, Alexander Calder démontra que la sculpture pouvait bouger. Et encore des décennies plus tard, en référence à ses œuvres interdisciplinaires, Donald Judd proposait « Objets spécifiques » comme alternative aux mots peinture et sculpture. Même si le sujet pourrait remplir plusieurs livres, nous vous proposons aujourd’hui une brève chronologie, certes très épurée, de certains des moments forts de l’histoire de la sculpture abstraite.

Le père de la sculpture abstraite

Constantin Brâncusi est né en Roumanie en 1876, lorsque l'univers de l'art plastique européen se composait essentiellement de peinture et de sculpture, et que les deux étaient presque entièrement figuratives. Bien que l'évolution progressive vers l'abstraction ait commencé, peu d'artistes professionnels avaient encore eu le courage d'essayer l'abstraction pure, ou même de définir ce que cela signifiait exactement. La première expérience de Brâncusi en sculpture était totalement pratique, sculptant des outils agricoles à utiliser comme enfant travailleur. Même lorsqu'il est finalement arrivé à l'école d'art, il était formé de manière classique. Mais lorsque Brâncusi quitta la Roumanie en 1903, arrivant finalement à Paris, il s'impliqua dans la conversation moderniste. Il accepta avec enthousiasme les idées circulant sur l'abstraction et conclut bientôt que le but moderne de la sculpture était de présenter "non pas la forme extérieure mais l'idée, l'essence des choses."

En 1913, certaines des premières sculptures abstraites de Brâncusi furent exposées à New York dans le cadre de l’Armory Show de cette année-là, l’exposition largement responsable de l’introduction de l’art moderniste aux États-Unis. Les critiques ont publiquement ridiculisé sa sculpture Portrait de Mademoiselle Pogany parce qu'elle ressemblait, entre autres, à un œuf. Treize ans plus tard, c'est Brâncusi qui rira le dernier des Américains lorsqu'une de ses sculptures provoquera une modification de la loi fédérale américaine. Cela s’est produit lorsqu’un collectionneur a acheté et tenté d’expédier aux États-Unis une des sculptures d’oiseaux de Brâncusi, qui ne ressemblait en rien à des oiseaux, mais représentait plutôt le vol. Plutôt que d’exonérer la sculpture abstraite en tant qu’art, les douaniers imposaient au collectionneur une taxe à l’importation. Le collectionneur a intenté une action en justice et a gagné, ce qui a abouti à une déclaration officielle des tribunaux américains selon laquelle quelque chose n'avait pas besoin d'être représentatif pour être considéré comme de l'art.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso et l'art de l'assemblage

Pablo Picasso était un autre pionnier vital du début dans le domaine de la sculpture abstraite, bien qu'il n'ait peut-être pas eu l'intention de l'être. Vers 1912, Picasso a commencé à élargir ses idées sur le cubisme dans le domaine tridimensionnel. Il a commencé par créer des collages, qui, en raison de leur surface superposée et de l'utilisation de matériaux et d'objets trouvés au lieu de peinture, avaient déjà une sorte de qualité tridimensionnelle. Puis il a traduit l'idée du collage dans un espace pleinement tridimensionnel en assemblant de véritables objets, en particulier des guitares, à partir de matériaux comme le carton, le bois, le métal et le fil.

Traditionnellement, la sculpture résultait soit d'un moule, soit d'une formation de masse comme l'argile, soit d'une sorte de processus réducteur comme la sculpture. Picasso avait par inadvertance remis en question cette tradition en créant un objet sculptural en assemblant des pièces disparates de matériaux trouvés pour former une forme. De plus, il a époustouflé en accrochant cet assemblage au mur plutôt que de le poser sur un piédestal. Les spectateurs étaient déconcertés et même indignés par les guitares de Picasso, exigeant de savoir s’il s’agissait de peintures ou de sculptures. Picasso a insisté sur le fait qu'ils n'étaient ni l'un ni l'autre, disant : "Ce n'est rien, c'est la guitare !" Mais qu'il en ait eu l'intention ou non, il a remis en question la définition fondamentale de la sculpture et a lancé l'un des débats les plus durables sur le sujet. art abstrait.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Prêts à porter

Aussi révolutionnaires que des artistes tels que Picasso et Brâncusi aient pu sembler aux amateurs d'art de leur époque, il est intéressant de noter que 1913 est également l'année où l'artiste dadaïste Marcel Duchamp a approprié le terme "readymade" pour désigner des œuvres d'art composées d'objets trouvés, signées et exposées par un artiste comme étant son œuvre. Selon Duchamp, des objets ordinaires pouvaient être "élevés à la dignité d'une œuvre d'art par le simple choix d'un artiste." En 1917, Duchamp a exposé Fountain, peut-être son readymade le plus célèbre, composé d'un urinoir placé sur le côté et signé "R. Mutt."

Duchamp avait créé Fountain pour la première exposition de la Society of Independent Artists de New York, présentée comme une exposition d'art contemporain complètement ouverte, sans jury ni prix. L’œuvre a été bizarrement rejetée de l’exposition, provoquant un tollé dans la communauté artistique puisque le but de l’exposition n’était pas de porter un jugement sur l’œuvre. Le conseil d'administration de la Société a publié une déclaration à propos de Fountain qui disait : "il ne s'agit en aucun cas d'une œuvre d'art." Néanmoins, le travail a continué à inspirer les générations de créatifs à venir.

Une copie réalisée en 1964 de la fontaine originale de Duchamp de 1917

Facture et Tectonique

En 1921, un groupe d'artistes appelé Le Premier Groupe de Travail des Constructivistes est apparu en Russie. L'objectif de leur mouvement, qu'ils ont appelé Constructivisme, était de créer un art pur basé sur des principes formels, géométriques et abstraits qui impliqueraient activement le spectateur. Les principes sculpturaux du Constructivisme étaient décomposés en deux éléments distincts : faktura se réfère aux qualités matérielles d'une sculpture, et tektonika se réfère à la présence d'une sculpture dans l'espace tridimensionnel.

Les constructivistes pensaient que la sculpture n’avait besoin d’aucun sujet et pouvait acquérir des propriétés entièrement abstraites. Tout ce qui leur importait était l’exploration de la matérialité et de l’espace. Ils étaient particulièrement conscients de la manière dont un objet occupait l’espace d’exposition, ainsi que de la manière dont il interagissait avec l’espace qui le séparait du spectateur. La sculpture constructiviste a contribué à définir les notions selon lesquelles une sculpture pouvait contenir et définir l'espace en plus de simplement occuper l'espace, et que l'espace lui-même pouvait devenir un élément important de l'œuvre.

La première exposition constructiviste, 1921

Dessiner dans l'espace

À la fin des années 1920, le langage sculptural abstrait moderniste comprenait des reliefs dimensionnels, des objets trouvés, de l'abstraction géométrique et figurative ainsi que la notion de plénitude et de vide de l'espace physique. Les futuristes italiens avaient même tenté d'utiliser la sculpture pour démontrer le mouvement, ou le dynamisme, dans des œuvres telles que Formes uniques de continuité dans l'espace d'Umberto Boccioni (décrit plus en détail ici). Mais l'honneur d'introduire un mouvement réel dans la sculpture, créant un nouveau domaine appelé sculpture cinétique, revient à Alexander Calder.

Calder a été formé en tant qu'ingénieur mécanique, et n'a fréquenté l'école d'art que plus tard. Après avoir obtenu son diplôme, il a commencé à fabriquer des jouets mécaniques, concevant finalement un cirque mécanique entier. Vers 1929, il a commencé à réaliser des sculptures en fil délicates et ludiques, qu'il a décrites comme « dessin dans l'espace ». En 1930, lorsqu'il a ajouté des parties mobiles à ses sculptures en fil, Marcel Duchamp a appelé ces œuvres d'art « mobiles ». Les mobiles cinétiques de Calder sont désormais devenus la partie la plus immédiatement reconnaissable de son œuvre, et ont inspiré des artistes comme Jean Tinguely, créateur des Métamécaniques. Ils ont également influencé peut-être le maître moderniste le plus prolifique du « dessin dans l'espace », l'artiste vénézuélien Gego, qui a poussé le concept à des extrêmes élaborés dans les années 1960.

Gego, construction en fil spatial, vue d'installation partielle

Combines et Accumulations

Dans les années 1950, les artistes conceptuels ont suivi les idées lancées par Picasso et Duchamp. Le concept d’objet trouvé est devenu omniprésent à mesure que les grandes villes métropolitaines étaient surchargées de déchets et que la production et la consommation de masse de produits industriels atteignaient de nouveaux sommets. L’artiste multidisciplinaire Robert Rauschenberg a incorporé les principes fondamentaux des collages et des assemblages de Picasso avec les concepts de Duchamp sur les objets trouvés et les choix de l’artiste afin de créer ce qui est devenu sa contribution distinctive à la sculpture abstraite. Il les appelait « Combines » et il s'agissait essentiellement d'assemblages sculpturaux constitués d'un assortiment de déchets, de détritus et de produits industriels, judicieusement combinés en une seule masse par l'artiste.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

À peu près à la même époque, l'artiste conceptuel Arman, l'un des membres fondateurs des Nouveaux Réalistes, a utilisé l'idée du Readymade de Duchamp comme point de départ pour une série d'œuvres sculpturales qu'il a appelées Accumulations. Pour ces œuvres, Arman a collecté des multiples des mêmes objets readymade et les a soudés ensemble en une masse sculpturale. En utilisant des produits de cette manière, il a recontextualisé l'idée d'un produit readymade, l'utilisant plutôt comme une forme abstraite, supprimant son ancien sens et le transformant en quelque chose de symbolique et de subjectif.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Matériaux et procédés

Dans les années 1960, les sculpteurs se concentrent de plus en plus sur les aspects purement formels de leurs œuvres. Dans une sorte de rejet de l'émotion et du drame de leurs prédécesseurs, des sculpteurs comme Eva Hesse et Donald Judd se sont concentrés sur les matières premières entrant dans leur travail et sur les processus de fabrication de leurs objets. Eva Hesse a été pionnière en travaillant avec des matériaux industriels souvent toxiques tels que le latex et la fibre de verre. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

Contrairement à Hesse, dont la technique et l’individualité étaient mises en évidence dans ses formes sculpturales, Donald Judd s’est efforcé de supprimer complètement toute trace de la main de l’artiste. Il a travaillé pour créer ce qu'il a appelé des objets spécifiques, des objets qui transcendaient les définitions de l'art bidimensionnel et tridimensionnel, qui utilisaient des processus et des matériaux industriels et étaient généralement fabriqués par des machines ou par des travailleurs autres que l'artiste.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Art contemporain omnidisciplinaire

Grâce aux progrès réalisés par les sculpteurs modernistes au cours des 100 dernières années, l’art abstrait connaît aujourd’hui une époque d’ouverture étonnante. Une grande partie de la pratique contemporaine est omnidisciplinaire, ce qui donne lieu à des phénomènes esthétiques passionnants et polymorphes. Les œuvres de nombreux artistes abstraits contemporains ont une présence si unique qu’elles défient les étiquettes simples comme « peinture », « sculpture » ou « installation ». Les pionniers modernistes de la sculpture abstraite sont, dans une large mesure, responsables d’une grande partie de l’ouverture et de la liberté dont jouissent les artistes contemporains, ainsi que des innombrables façons dont nous pouvons apprécier leurs interprétations esthétiques de notre monde.

Image présentée : Alexander Calder - Blue Feather, 1948, sculpture en fil cinétique, © Calder Foundation
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio