L'art mobile d'Alexander Calder et ses nombreuses formes

Que nous en ayons conscience ou non, tout est constamment en mouvement. La Terre tourne sur son axe et orbite autour du Soleil. Chaque molécule de notre corps vibre, tourne et se transforme. Le mouvement orchestre le chaos délicat et magnifique de la vie. Alexander Calder connaissait ce fait essentiel de la vie. Il a consacré la majeure partie de sa carrière à exprimer la beauté du mouvement. Les mobiles de Calder, sculptures abstraites et cinétiques conçues pour se déplacer librement dans l’espace, ont mieux communiqué que toute œuvre d’art antérieure qu’avec la forme, la masse, le temps et l’espace, le mouvement est un facteur essentiel qui définit l’univers physique. L’immense œuvre que Calder a créée au cours de sa vie comprenait des dessins, des peintures, des estampes lithographiques, des bijoux, des décors de scène, des costumes et des sculptures, et a laissé un héritage de fantaisie, de beauté et d’émerveillement. Sa capacité apparemment inépuisable à innover, ainsi que son goût du travail acharné, ont fait de lui l’un des artistes les plus influents du modernisme, mais aussi l’un de ses artistes les plus universellement aimés.

On l’appelait Sandy

Alexander Calder est né dans une petite ville de Pennsylvanie en 1898, de parents qui étaient tous deux artistes. C’est dans l’atelier de son père que Calder a réalisé sa première œuvre d’art, un éléphant en argile sculpté à la main alors qu’il avait quatre ans. Les parents de Calder ont manifesté leur approbation pour les dispositions artistiques naturelles de leur fils en installant le jeune « Sandy » dans son propre atelier à l’âge de huit ans, dans la cave de leur maison de l’avenue Euclid, à Pasadena, en Californie. Se souvenant de cette période de sa vie, Calder a dit un jour : « Mon atelier est devenu une sorte de centre d’attention ; tout le monde y entrait. » La plupart des objets que Calder fabriquait enfant dans son atelier au sous-sol étaient des formes animales composées de matériaux trouvés, notamment des fils de cuivre jetés qu’il ramassait dans la rue avec sa sœur après leur abandon par des ouvriers électriciens.

Calder allait plus tard accomplir de merveilleuses choses avec du fil. Et ce ne fut pas la seule influence de son enfance à affecter son œuvre ultérieure. Le mouvement jouait un rôle considérable dans son éducation. Cette maison de Pasadena était la troisième où Calder avait vécu à l’âge de huit ans. Et sa famille allait encore déménager huit fois avant son entrée à l’université. Bien qu’apatride, Calder resta concentré et de bonne humeur, et conserva un petit espace d’atelier partout où sa famille s’installait. Louisa James, qui épousa Calder en 1931, écrivit à sa mère après leurs fiançailles :

« Pour moi, Sandy est une personne authentique, ce qui semble être une chose rare. Il apprécie et savoure les choses de la vie que la plupart des gens n’ont pas le sens de remarquer. Il possède une immense originalité, imagination et humour qui me plaisent énormément et rendent la vie colorée et digne d’être vécue. Il aime travailler et travaille dur, et voilà qui résume son caractère. »

Alexander Calder - Sans titre, sculpture cinétique en fil métallique, 1931, le mobile qui impressionna Duchamp. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Le cirque de Calder

À 21 ans, Calder obtint un diplôme d’ingénieur en mécanique. C’était un dessinateur exceptionnel et il se mit immédiatement à parcourir les États-Unis pour accepter des missions auprès de nombreuses entreprises différentes. Tout en travaillant, il suivait également des cours d’art. À l’âge de 26 ans, il décrocha son premier emploi officiel comme artiste créatif, en réalisant des illustrations pour un journal appelé la National Police Gazette. Une mission consistant à couvrir le cirque des frères Ringling et de Barnum and Bailey changea la vie de Calder. Il tomba amoureux du cirque et déclara :

« J’étais très attiré par les relations spatiales. J’aime l’espace du cirque. J’ai réalisé quelques dessins représentant uniquement le chapiteau. Toute cette immensité de l’espace, je l’ai toujours aimée. »

Calder commença à peindre des animaux et à adapter des jouets du commerce pour imiter les mouvements des numéros de cirque, et il se remit également à créer des sculptures en fil métallique représentant des personnes et des animaux. Puis, à l’âge de 28 ans, alors qu’il vivait à Paris, toutes ces influences se réunirent et Calder créa ce qui allait devenir l’une de ses œuvres d’art les plus emblématiques : le Cirque de Calder. À l’aide de fil métallique, de tissu, de bois et de plastique, il créa la réplique miniature d’un cirque en activité qu’il pouvait faire fonctionner dans un petit espace, puis ranger dans une valise. Calder lui-même animait les formes cinétiques du cirque, donnant naissance à une œuvre unique qui réunissait sculpture en fil métallique, cinétique et art de la performance en un seul événement esthétique.

Alexander Calder - Piège à homards et queue de poisson, 1939. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Dessiner dans l’espace

Au fil des années, Calder présenta son cirque dans le monde entier, chez des particuliers, dans des galeries d’art et dans des musées. De nombreux artistes et collectionneurs parmi les plus importants du XXe siècle assistèrent aux représentations du Cirque Calder. Mais tandis qu’il se consacrait à ces performances fantaisistes, il réfléchissait aussi profondément à l’importance du travail qu’il accomplissait, notamment aux sculptures qu’il réalisait en fil métallique. Après dix ans de cours de dessin, il avait compris qu’en utilisant de minces fils métalliques comme matériau sculptural, il ajoutait le concept de ligne à la sculpture, un geste révolutionnaire qu’il appelait « dessiner dans l’espace ».

Il reconnut également l’importance du fait que ses sculptures en fil métallique étaient pour la plupart transparentes, ce qui permettait aux autres objets et aux environnements situés autour et derrière elles de rester visibles. À propos de ce phénomène, Calder déclara :

« Il y a une chose, en particulier, qui relie [mes sculptures en fil métallique] à l’histoire. L’un des principes des peintres futuristes, énoncé par Modigliani, était que les objets situés derrière d’autres objets ne devaient pas disparaître du champ de vision, mais être visibles à travers ceux-ci en rendant ces derniers transparents. La sculpture en fil métallique accomplit cela de manière particulièrement efficace. »

Alexander Calder dans son atelier, 1941. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Les mobiles d’Alexander Calder

En 1929, Calder rendit visite à l’atelier du peintre abstrait Piet Mondrian. Les formes abstraites géométriques aux couleurs vives de Mondrian l’impressionnèrent et, selon Calder, il suggéra à Mondrian

« qu’il serait peut-être amusant de faire osciller ces rectangles. »

Mais Mondrian, qui n’était absolument pas fantaisiste dans son travail, répondit très sérieusement :

« Non, ce n’est pas nécessaire, ma peinture est déjà très rapide. »

Calder fut toutefois inspiré. Il devint convaincu que l’abstraction était le domaine auquel il voulait consacrer son attention et que le mouvement constituait la prochaine étape importante pour la sculpture. Il commença à réaliser des sculptures abstraites en fil métallique, mêlant formes naturelles et géométriques, et incorpora des moteurs à ces sculptures abstraites afin de les mettre en mouvement. Un jour, l’artiste Marcel Duchamp visita l’atelier de Calder, qui lui demanda comment appeler ses nouvelles sculptures cinétiques. Duchamp suggéra le nom « mobiles », qui en français avait un double sens évoquant à la fois le mouvement et le motif. Plus tard, l’artiste Jean Arp, peu impressionné par le terme choisi par Duchamp, fit remarquer sarcastiquement à Calder :

« Alors, comment appelais-tu les choses que tu faisais l’année dernière - des stabiles ? »

Avec sa bonhomie habituelle, Calder acquiesça et commença effectivement à désigner ses sculptures statiques comme des « stabiles ».

Alexander Calder - sculpture monumentale Homme (également appelée Trois disques), acier inoxydable, 1967, commandée pour l’Expo de Montréal. © 2018 Calder Foundation, New York/Artists Right Society (ARS), New York

Rien n’est fixe

Calder abandonna bientôt les moteurs et, par respect pour les forces naturelles de l’univers, commença à créer des mobiles en équilibre précaire qui pouvaient être mis en mouvement par le vent, la gravité ou le toucher. Il écrivit :

« Rien dans tout cela n’est fixe. Chaque élément peut se déplacer, s’agiter, osciller, aller et venir dans ses relations avec les autres éléments de son univers. Cela ne doit pas être un simple instant fugitif, mais un lien physique entre les événements variables de la vie. Non pas des extractions, mais des abstractions. Des abstractions qui ne ressemblent à rien dans la vie, si ce n’est par leur manière de réagir. »

Après avoir commencé par fabriquer des jouets et à imiter les éléments figuratifs de la vie, Calder prit conscience d’une harmonie plus profonde existant dans l’univers. Il croyait pouvoir communiquer sa vision le plus efficacement à travers des formes abstraites simples et les forces complémentaires de la stabilité et du mouvement. La portée de son esthétique était universelle. Ses mobiles pouvaient émerveiller le plus jeune enfant tout en éblouissant les visiteurs de musées et les critiques. Et lorsqu’il eut plus tard l’occasion de traduire sa vision dans des sculptures publiques monumentales qui existent aujourd’hui partout dans le monde, il inspira des millions de personnes.

La signification exacte de l’œuvre de Calder est peut-être impossible, ou du moins indésirable, à mettre en mots. Il est plus agréable de la laisser nous toucher à un niveau viscéral et primitif. Et c’est précisément dans cet esprit que Calder abordait son œuvre. Pour rester ouverts et libres, mieux vaut ne pas essayer de tout expliquer. Comme il le dit un jour à des journalistes en démontrant le mouvement cinétique de l’un de ses mobiles :

« Cela n’a aucune utilité ni aucune signification. C’est simplement beau. Cela produit un grand effet émotionnel si vous le comprenez. Bien sûr, si cela signifiait quelque chose, ce serait plus facile à comprendre, mais cela n’en vaudrait pas la peine. »

Par la rédaction d’IdeelArt